15 Schauspielerinnen, die von Hollywood für ikonischer Filme ausgebeutet wurden

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Ignacio Weil

Entertainment - Juni 24th 2026, 09:00 MESZ

Natalie Portman Black Swan 2010 1 — 15. Natalie Portman — Black Swan (2010)

Natalie Portmans Oscar-prämierte Darstellung in *Black Swan* wurde zur glänzenden Hollywood-Version von „Leiden für die Kunst“: beeindruckend, gefeiert und zugleich etwas verstörend, wenn man erfährt, was hinter den Kulissen dafür nötig war. Für die Rolle absolvierte sie ein intensives Training, verlor erheblich an Gewicht und arbeitete in einer Produktion, die die strenge Disziplin des Balletts mit Hollywoods Vorliebe verband, die Körper von Schauspielerinnen als Teil der Vermarktung zu inszenieren. Regisseur Darren Aronofsky berichtete später, dass er bewusst eine gewisse Konkurrenz zwischen Natalie Portman und Mila Kunis fördern wollte. Die beiden Schauspielerinnen ließen sich jedoch offenbar nicht vollständig auf dieses psychologische Kräftemessen ein. Das Ergebnis ist bis heute außergewöhnlich und verdient die Anerkennung, die es erhalten hat. Dennoch wirkte die Begeisterung der Branche für Portmans körperliche und mentale Transformation stellenweise fast größer als die Wertschätzung ihrer eigentlichen schauspielerischen Leistung. | © Fox Searchlight Pictures

Mila Kunis Black Swan 2010 1 — 14. Mila Kunis — Black Swan (2010)

Mila Kunis wird in *Black Swan* oft als die lässige und scheinbar mühelose Gegenspielerin dargestellt – was die Realität hinter den Kulissen umso bemerkenswerter macht. Später berichtete sie von einer äußerst fordernden Vorbereitungszeit, geprägt von langen Trainingstagen, stark eingeschränkter Ernährung, zahlreichen Blutergüssen und Verletzungen. Unter diesen Umständen wirkt der Begriff „glamourös“ eher wie ein geschickter Werbeslogan als eine treffende Beschreibung der tatsächlichen Erfahrungen. Kunis hat sich sowohl über den Film als auch über Regisseur Darren Aronofsky überwiegend positiv geäußert, weshalb sich die Geschichte nicht auf ein einfaches Schwarz-Weiß-Schema reduzieren lässt. Dennoch bleibt ein gewisser Widerspruch bestehen: Hollywood produzierte einen Film über Frauen, deren Körper bis an ihre Grenzen belastet werden – und verlangte von seinen Schauspielerinnen gleichzeitig, diesen Grenzbereich auch im echten Leben möglichst authentisch zu erleben. | © Fox Searchlight Pictures

Kate Beckinsale Pearl Harbor 2001 1 — 13. Kate Beckinsale — Pearl Harbor (2001)

Kate Beckinsale übernahm in *Pearl Harbor* die weibliche Hauptrolle in einem aufwendig produzierten Kriegsdrama von Michael Bay – und wurde dabei unfreiwillig zu einem Beispiel dafür, wie in Hollywood noch immer intensiv über das Aussehen von Schauspielerinnen gesprochen wird. Beckinsale berichtete später, dass Bay von ihrem Erscheinungsbild offenbar nicht vollständig überzeugt gewesen sei und sie dazu gedrängt habe, nach der Geburt ihres Kindes intensiv zu trainieren. Als dürfe eine Krankenschwester in einem Melodram des Zweiten Weltkriegs bloß nicht wie ein echter Mensch aussehen. Zusätzlich äußerte sich Bay während der Promotion des Films mehrfach in einer Weise über ihre Attraktivität, die viele als herablassend und widersprüchlich empfanden. Während der Film eine klassische Liebesgeschichte verkaufte, offenbarte die Werbekampagne dahinter ein ebenso klassisches Beispiel für sexistische Denkmuster in Hollywood. | © Touchstone Pictures

Megan Fox as Mikaela Banes transformer car scene cropped processed by imagy — 12. Megan Fox — Bad Boys II (2003) / Transformers (2007)

Megan Fox’ Geschichte im Zusammenhang mit Michael Bay ist vielschichtig. Sie hat mehrfach klargestellt, dass sie von ihm weder belästigt noch Opfer eines übergriffigen Verhaltens geworden sei. Dennoch wirft ihre Erfahrung ein Schlaglicht auf den Umgang Hollywoods mit jungen Schauspielerinnen. Schon in jungen Jahren wurde Fox von der Filmindustrie oft weniger als talentierte Darstellerin wahrgenommen, sondern vielmehr als attraktives Aushängeschild für die Kamera. Ihre minderjährige Rolle in *Bad Boys II* und ihr späterer Durchbruch mit *Transformers* trugen maßgeblich dazu bei, ein Image zu formen, das Hollywood anschließend selbst gegen sie verwendete. Besonders bemerkenswert ist, dass Fox genau auf diese Mechanismen aufmerksam machte. Sie kritisierte offen, wie sie vermarktet und sexualisiert wurde und wie stark ihr öffentliches Bild von ihrem Aussehen statt von ihrer schauspielerischen Leistung geprägt war. Anstatt diese Kritik ernst zu nehmen, wurde sie lange Zeit verspottet und zur Zielscheibe öffentlicher Häme gemacht. | © DreamWorks Pictures

Faye Dunaway Chinatown 1974 1 — 11. Faye Dunaway — Chinatown (1974)

Faye Dunaways Konflikt mit Roman Polański während der Dreharbeiten zu *Chinatown* ist Teil der kleinen, bitteren Legende des Films geworden – was gut zu einem Meisterwerk passt, das auf einer moralischen Verrottung unter einer glänzenden Oberfläche basiert. Die bekannteste Anekdote erzählt davon, dass Polański ihr ein loses Haar aus dem Gesicht riss, weil es eine Einstellung störte – eine kleine Geste, die viel darüber verrät, dass am Set eigentlich erwartete wurde, sich zu fügen und alles zu ertragen. Dunaways Darstellung ist kontrolliert, angespannt und eindringlich. Hinter der Kamera jedoch lag die Kontrolle offenbar bei jemand anderem. Das alte Hollywood bezeichnete Schauspielerinnen schnell als „schwierig“, sobald sie sich dagegen wehrten, wie Requisiten behandelt zu werden. | © Paramount Pictures

Mia Farrow Rosemarys Baby 1968 1 — 10. Mia Farrow — Rosemaries Baby (1968)

Mia Farrows zerbrechlich und geisterhaft wirkende Leistung in Rosemaries Baby wirkt auch deshalb so überzeugend, weil Roman Polański die Darstellung immer wieder an die Grenze des Unbehagens verschob – weiter, als es für eine Schauspielerin eigentlich vertretbar sein sollte. Berichten zufolge aß sie trotz ihrer vegetarischen Ernährung rohes Leberfleisch, lief für eine Szene durch echten New Yorker Verkehr und trug die Paranoia des Films auf einem Körper, der ohnehin bewusst verletzlich inszeniert wurde. Der Horror auf der Leinwand erzählt von einer Frau, die zunehmend die Kontrolle über sich selbst verliert, während höfliche Menschen ihr erklären, dass all das notwendig sei. Die Produktionsgeschichte lässt diese Metapher im Nachhinein noch schwerer und unmittelbarer wirken. | © Paramount Pictures

Isabelle Adjani Possession 1981 — 9. Isabelle Adjani — Possession (1981)

Isabelle Adjani spielt in *Possession* nicht einfach eine Rolle – sie übersteht sie vor der Kamera. Das ist zugleich die Genialität des Films und sein moralischer Nachhall. Andrzej Żuławski inszenierte seinen Scheidungs- und Albtraum-Horror als eine Form emotionaler Gewalt im Dauerfeuer, und Adjani sprach später über die psychische Belastung, einen Film zu machen, der den Zusammenbruch regelrecht zur Schau stellt. Die U-Bahn-Sequenz allein verfolgt Filmfans seit Jahrzehnten, auch weil sie weniger wie schauspielerische Leistung wirkt als wie ein Mensch, der unter grellem Neonlicht durch einen Albtraum gezerrt wird. Die Darstellung ist legendär – doch Legenden haben oft einen Preis, der oft verschwiegen wird. | © Gaumont

Brooke Shields Pretty Baby 1978 — 8. Brooke Shields — Pretty Baby (1978)

Brooke Shields war erst 12 Jahre alt, als Pretty Baby sie ins Zentrum einer Debatte stellte, die Erwachsene mit erstaunlicher Selbstverständlichkeit über ein Kind führten. Louis Malles Film wurde als ernsthafte Kunst verteidigt und Shields selbst hat einzelne Aspekte der Dreharbeiten später differenzierter beschrieben, als es die damalige öffentliche Empörung oft zuließ. Dennoch bleibt der zentrale Punkt bestehen: Eine Kinderschauspielerin wurde in ein sexualisiertes Prestige-Kino hineingestellt und anschließend so behandelt, als gehöre die daraus entstehende Kontroverse einfach zu ihrem Beruf. Hollywood hat es sich schon immer leicht gemacht, Ausbeutung dann als „Provokation“ zu bezeichnen, wenn die Bildgestaltung nur elegant genug wirkt. | © Paramount Pictures

Adèle Exarchopoulos Blue Is the Warmest Color 2013 — 7. Adèle Exarchopoulos — Blau ist eine warme Farbe (2013)

Adèle Exarchopoulos war kaum eine Teenagerin, als *Blau ist eine warme Farbe* sie international berühmt machte – allerdings mit einem deutlich bitteren Nachgeschmack. Sie und Léa Seydoux beschrieben die Dreharbeiten unter Abdellatif Kechiche als extrem anstrengend und belastend, wobei intime Szenen Berichten zufolge über Tage hinweg wiederholt wurden, bis aus filmischer „Realität“ eher ein Ausdauertest wurde. Exarchopoulos verleiht dem Film seinen rauen, offenen emotionalen Kern – eine Leistung, die Kritiker gern als „furchtlos“ bezeichnen. Das Problem dabei ist, dass „furchtlos“ allzu oft bedeutet, dass eine Schauspielerin so lange unter Druck gesetzt wurde, bis die Kamera genau das bekam, was sie wollte. | © Wild Bunch

Léa Seydoux Blue Is the Warmest Color 2013 1 — 6. Léa Seydoux — Blau ist eine warme Farbe (2013)

Léa Seydoux’ Leistung in *Blau ist eine warme Farbe* trug dazu bei, den Film zu einem Arthouse-Phänomen zu machen, doch sie gehörte auch zu denjenigen, die den romantisierten Blick auf die Produktion deutlich relativierten. Seydoux sprach offen über die als demütigend und extrem intensiv empfundenen Bedingungen während der Dreharbeiten und machte damit schwerer, die Intimität des Films als etwas zu sehen, das losgelöst vom Set in einem „reinen“ Raum entstanden ist. Der Film wurde für seine ungewöhnlich direkte Darstellung von Begehren vielfach gefeiert, doch die Hauptdarstellerinnen machten zugleich klar, dass der Prozess hinter dieser Direktheit belastend war. Manchmal zeigt die Kamera nicht einfach Wahrheit – sie verhandelt sie unter Druckbedingungen, die wenig mit freiwilliger Offenheit zu tun haben. | © Wild Bunch

Ellen Burstyn The Exorcist 1973 — 5. Ellen Burstyn — Der Exorzist (1973)

Ellen Burstyns Verletzung während der Dreharbeiten zu *Der Exorzist* gehört zu jenen Produktionsgeschichten, die eine berühmte Horrorszene im Nachhinein noch unangenehmer erscheinen lassen. In der Szene, in der Chris MacNeil heftig nach hinten geschleudert wird, wurde Burstyn mithilfe eines Gurts mit solcher Wucht gezogen, dass sie sich den Rücken verletzte – ihr tatsächlicher Schmerzensschrei blieb später im Film erhalten. William Friedkins Ruf für kompromisslosen Realismus trug wesentlich zur Intensität des Films bei, doch diese Form von „Realismus“ klingt in Regisseur-Porträts deutlich eindrucksvoller als in der Krankengeschichte einer Schauspielerin. Die Szene wurde ikonisch. Burstyn musste mit den Folgen der Verletzung leben. | © Warner Bros.

Björk Dancer in the Dark 2000 1 — 4. Björk — Dancer in the Dark (2000)

Björks Arbeit in *Dancer in the Dark* ist so roh und intensiv, dass der Film sich zeitweise anfühlt, als würde er ihr selbst passieren – ein Eindruck, der noch unangenehmer wird, wenn man ihre späteren Vorwürfe zur Produktion kennt. Sie beschuldigte einen „dänischen Regisseur“, sie am Set sexuell belästigt zu haben. Vermutlich handelt es sich hierbei um Lars von Trier, der die Anschuldigungen zurückwies. Auch andere Beteiligte beschrieben eine extrem belastende Atmosphäre während der Dreharbeiten, was den Eindruck verstärkt, dass das im Film gezeigte Leiden nicht an der Kameragrenze endete. Die Performance wurde vielfach gefeiert, doch Björks Verhältnis zur Schauspielerei wirkte danach, als hätte sie Hollywood kurz angesehen, ihre Sachen gepackt und wäre gegangen. | © Zentropa

Cropped Shelley Duvall The Shining — 3. Shelley Duvall — Shining (1980)

Shelley Duvall verbringt *Shining* damit, als hätte sich der Schrecken in ihre Knochen eingekapselt. Stanley Kubricks extrem fordernder Regiestil, die unzähligen Wiederholungen einzelner Einstellungen und der harte Umgang mit Duvall wurden später fast ebenso berühmt wie das Overlook Hotel selbst. Hinter den Kulissen zeigen Aufnahmen eine Dynamik, die sich heute nur schwer romantisieren lässt. Duvalls Darstellung wurde zur Zeit der Veröffentlichung von einigen verspottet, bevor sie im Laufe der Jahre zunehmend als emotionales Zentrum des Films neu bewertet wurde. Es ist eine seltsame Ironie, dass es Jahrzehnte brauchte, bis anerkannt wurde, dass ausgerechnet die Frau, die in einem Horrorfilm am meisten schreit, oft die eigentliche Hauptlast der Intensität getragen hat. | © Warner Bros.

Tippi Hedren The Birds 1963 — 2. Tippi Hedren — The Birds (1963) / Marnie (1964)

Tippi Hedrens Zusammenarbeit mit Alfred Hitchcock begann als die glänzende Entdeckungsgeschichte, die Hollywood so liebt, entwickelte sich jedoch im Laufe der Zeit zu etwas deutlich Düstererem. Während der Dreharbeiten zu *Die Vögel* wurde sie tagelang mit echten Vögeln konfrontiert, nachdem ihr offenbar zugesichert worden war, es würden mechanische Tiere verwendet. Dabei wurde sie verletzt und traumatisiert. Hedren erhob später den Vorwurf, Hitchcock habe sie sexuell belästigt und ihre Karriere nach ihrer Zurückweisung gezielt geschädigt – Aussagen, die den alten Mythos des eleganten Regisseurs, der seine perfekte blonde Muse formt, nachhaltig erschütterten. Die Filme bleiben Meilensteine, doch die Legende dahinter wirkt heute weniger wie ein Ausdruck von Genie und mehr wie eine Geschichte von Kontrolle. | © Universal Pictures

Maria Schneider Last Tango in Paris 1972 — 1. Maria Schneider — Der letzte Tango in Paris (1972)

Maria Schneiders Erfahrung während der Dreharbeiten zu *Der letzte Tango in Paris* gilt bis heute als eines der erschütterndsten Beispiele dafür, wie „Authentizität“ im Kino als Rechtfertigung für das Überschreiten von Grenzen genutzt wurde. Schneider sagte später, sie habe sich durch die berüchtigte Butter-Szene gedemütigt und verletzt gefühlt. Bernardo Bertolucci räumte später ein, dass er und Marlon Brando ihr dieses Detail bewusst vorenthalten hätten, um eine echte, unvorbereitete Reaktion zu erzeugen. Die Szene machte den Film berüchtigt, die Beteiligten hielten an ihrer Erzählung fest, aber Schneider sprach über Jahre hinweg über die Folgen dieser Erfahrung. Keine Darstellung sollte verlangen, dass eine Schauspielerin im Moment der Aufnahme feststellen muss, dass ihre Zustimmung als verhandelbar betrachtet wurde. | © United Artists

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Die Filmgeschichte hat die unschöne Angewohnheit, die glanzvolle Fassade zu polieren und die Schattenseiten zu verschweigen. Hinter einigen der ikonischsten schauspielerischen Leistungen der Filmgeschichte standen Schauspielerinnen, die überarbeitet, sexualisiert, gedemütigt, ausgehungert, verletzt oder zu „authentischen“ Reaktionen gedrängt wurden – oft um einen Preis, den niemand hätte zahlen müssen.
Diese Filme wurden zu Klassikern, preisgekrönten Meisterwerken und Meilensteinen der Popkultur. Doch die Geschichten hinter den Kulissen erinnern daran, dass Hollywoods Vorstellung von Genialität allzu oft darauf beruhte, dass Frauen die Kosten dafür tragen mussten.