EarlyGame | 20 großartige Filme, bei denen das Publikum den Saal…

The Substance (2024)

Die Handlung klingt fast schon teuflisch einfach: Eine verblassende Berühmtheit unterzieht sich einer Schwarzmarktbehandlung, die ihr eine „bessere“ Version ihrer selbst verspricht, und dann beginnt der Handel, Zinsen in Form von Blut zu fordern. Was die Zuschauer nicht nur wegen der Prämisse nervös macht, ist die Tatsache, dass der Film sich voll und ganz der physischen Transformation verschreibt – mit hyperrealistischen Prothesen, grotesken Eskalationen und einer satirischen Kritik an Schönheit und Alterung, die einem keine Sekunde Ruhe gönnt. Nach dem Kinostart gab es Berichte über Zuschauer, die den Saal verlassen hatten, was vor allem mit den extremen Body-Horror-Szenen und dem anhaltenden Blutvergießen zu tun hatte und weniger mit einzelnen Schreckmomenten. The Substance spielt auch einen fiesen Streich, indem es die „Upgrade“-Fantasie kurzzeitig plausibel erscheinen lässt, bevor sie sich in etwas Monströses verwandelt, als würde das Genre selbst einen dafür bestrafen, dass man sich darauf eingelassen hat. | © Working Title Films

Saltburn (2023)

Viele Thriller spielen mit Skandalen, aber dieser stürzt sich mit der Zuversicht eines Menschen hinein, der weiß, dass Sie auch dann weiter zuschauen werden, wenn Sie sich die Augen zuhalten. Die Geschichte handelt von einem Außenseiter aus Oxford, der in den privaten Spielplatz einer aristokratischen Familie eingeladen wird und dann den Sommer in Saltburn nutzt, um seine Besessenheit in eine Strategie, seine Verführungskünste in Macht und schließlich in etwas viel Dunkleres zu verwandeln. Die Gespräche der Zuschauer drehten sich wiederholt um eine Handvoll bewusst provokativer Szenen – Momente, die intim, schockierend und offen gesagt ekelerregend inszeniert sind, sodass man sich trauen muss, sie in einem überfüllten Kino zu ertragen. Als Saltburn offenbart, wie berechnend der Erzähler gewesen ist, wirkt die Provokation des Films nicht mehr zufällig, sondern ist Teil der Aussage, die die Zuschauer zwingt, sich mit einem Verlangen auseinanderzusetzen, das zum Raubtier geworden ist. | © Metro-Goldwyn-Mayer

Holy Spider (2022)

Ein Journalist, der einen Serienmörder verfolgt, sollte eigentlich ein vertrautes Thema sein, doch dieser Film basiert auf einer wahren Begebenheit und verschönert nicht, was das für die Opfer bedeutet. Der Film dreht sich um die Jagd nach einem Mörder, der es auf Sexarbeiterinnen in Mashhad abgesehen hat, und zieht die Schrauben immer weiter an: Jede Spur führt den Reporter tiefer in ein System, das Gewalt gegenüber „unerwünschten“ Frauen achselzuckend hinnimmt. In Cannes soll Holy Spider aufgrund seiner drastischen Strangulationsszenen und expliziten Darstellungen zu einigen Zuschauerfluchten geführt haben – Material, das bewusst verstörend ist, weil es in der Geschichte um eine Gesellschaft geht, die Grausamkeit ermöglicht, und nicht nur um einen einzelnen Mann, der sie begeht. Die Provokation ist nicht dekorativ, sondern eine Waffe, die der Film einsetzt, bis man sich davon in die Enge getrieben fühlt. | © Profile Pictures

Crimes Of The Future (2022)

Stell dir eine Zukunft vor, in der Chirurgie zur Performancekunst wird, neue Organe sowohl als Symptom als auch als Spektakel behandelt werden und die Grenze zwischen Schmerz und Vergnügen in der Öffentlichkeit neu definiert wird. Das ist die Welt, die David Cronenberg hier erschafft, indem er Saul Tenser und Caprice dabei begleitet, wie sie körperliche Mutationen zu einer Show machen, während eine Bürokratie versucht, die Evolution wie Papierkram zu regulieren. Berichte aus Cannes erwähnen, dass es neben der Rezeption des Films auch zu Boykotten kam, und es ist nicht schwer zu verstehen, warum: Der Film „schneidet“ seine Ideen nicht weg, sondern nimmt sie wörtlich und verweilt mit einer Ruhe, die als provokativ empfunden werden kann, bei Körpermodifikationen. Crimes of the Future treibt die Dinge so weit, dass sogar das Verschwörungselement der Handlung gegenüber dem beunruhigenden Gedankenexperiment, das sich direkt vor Ihren Augen abspielt, in den Hintergrund tritt. | © Serendipity Point Films

The Painted Bird (2019)

Der Film wirkt wie ein düsteres Volksmärchen, gewendet in Asche: Ein kleiner Junge irrt durch eine vom Krieg verwüstete Landschaft, in der jeder neue „sichere“ Ort zu einer weiteren Falle wird. Der Ruf des Films, Zuschauer zum Verlassen des Kinos zu bewegen, festigte sich schon früh in Venedig, wo Berichte auf eine unerbittliche Abfolge brutaler Episoden hinwiesen – sexuelle Gewalt, Verstümmelung, Grausamkeit und Leiden, die ohne die üblichen filmischen Ventile dargestellt werden. Was The Painted Bird so schwer erträglich macht, ist nicht nur das, was passiert, sondern auch, wie lange es dauert, wodurch die Verzweiflung zu einer fast strafenden Geduldsprobe wird. Selbst wenn der Film visuell beeindruckend ist, kehrt er immer wieder zu derselben These zurück: Unschuld schützt dich nicht, und die Welt wird nicht wegsehen – also wird es auch die Kamera nicht tun. | © Silver Screen

The House That Jack Built (2018)

Ein Serienmörder, der Mord wie ein Portfolio-Stück behandelt, ist eine widerwärtige Prämisse, und The House That Jack Built mildert sie nicht durch Distanz oder Diskretion. Jack spricht über seine „Vorfälle“ mit der selbstgefälligen Konzentration eines Menschen, der seine eigene Arbeit bewertet, und der Film wechselt ständig zwischen seiner Erzählung und Bildern, die sich weigern, theoretisch zu bleiben. Die Premiere in Cannes wurde berüchtigt für vorzeitige Abgänge, vor allem weil die Brutalität nicht nur flüchtig ist – es gibt Sequenzen mit extremer Gewalt, auch gegen Kinder und Tiere, die viele Menschen unerträglich fanden. Von Trier inszeniert das Ganze zudem als verdrehte Unterhaltung und fängt den Zuschauer in Jacks selbstrechtfertigender Logik ein, selbst wenn man sie ablehnen möchte. Der Film ist provokativ in einer Weise, die sich wie eine Herausforderung anfühlt, und viele Zuschauer entschieden sich dafür, den Saal zu verlassen, anstatt sich der Herausforderung zu stellen. | © Zentropa

The Killing Of A Sacred Deer (2017)

Höfliche Konversation hat selten so bedrohlich geklungen, und dieser eisige Ton ist die Falltür unter der gesamten Geschichte. Der Chirurg im Mittelpunkt verhält sich weiterhin rational, während sein Leben von dem fluchartigen Ultimatum eines Teenagers gekapert wird, das sein Familienleben in eine moralische Gleichung ohne humane Lösung verwandelt. The Killing of a Sacred Deer soll bei einigen Festivalvorführungen zu Boykotten geführt haben, nicht weil der Film spektakulär ist, sondern weil er auf eine ruhige, klinische Weise gnadenlos ist, die einem keine Möglichkeit lässt, seine Gefühle zu verarbeiten. Die Angst wird nicht durch große Schreckmomente vermittelt, sondern durch Wiederholungen, trockene Grausamkeit und das schreckliche Gefühl, dass alle wie Schlafwandler auf eine Entscheidung zusteuern, die niemand treffen sollte. Es ist die Art von Film, die Unbehagen geordnet erscheinen lässt, was es irgendwie noch schlimmer macht. | © Element Pictures

Mother! (2017)

Das Haus ist das gesamte Schlachtfeld, und jeder neue Gast wirkt wie eine weitere Hand, die die Wände nach innen drückt. Was als Versuch eines Paares beginnt, sich ein ruhiges Leben aufzubauen, verwandelt sich in eine eskalierende Belästigung – Fremde, die nicht gehen wollen, Grenzen, die verschwinden, und eine Spirale, die „Unbehagen“ in regelrechte Panik verwandelt. Das Publikum verließ den Saal, weil das Erlebnis körperlich überwältigend wurde: der Lärm, die Enge, die ständige Verletzung der Privatsphäre und die Art und Weise, wie das Chaos ohne Unterlass immer weiter eskalierte. Mother! hängt nicht so sehr von einem schockierenden Moment ab, sondern vielmehr von einem anhaltenden, unerbittlichen Druck, der sich von Szene zu Szene weiter aufbaut. Wenn der Film schließlich in voll entfesselte Gewalt und Allegorie umschlägt, ist das keine Wendung – es ist der Höhepunkt eines Albtraums, der schon eine Weile andauert. | © Paramount Pictures

The Neon Demon (2016)

Los Angeles wirkt hier wie ein Showroom – Spiegel, Neonlicht, perfekte Oberflächen – und der Film fragt immer wieder, was passiert, wenn Schönheit zu etwas wird, das Menschen für sich beanspruchen. Ein junges Model steigt schnell auf, und die Bewunderung um sie herum verwandelt sich in Neid, dann in Gier, mit Szenen, die lange genug nachwirken, um konfrontativ zu wirken. Es gab Berichte über Zuschauer, die den Film während des Festivals verlassen haben, zum Teil weil er sich wie eine Trance entwickelt und dann die Ruhe mit grafischen, beunruhigenden Bildern durchbricht, die eher wie ein Ritual als wie ein Schockgag wirken. The Neon Demon strebt nicht nach Realismus, sondern inszeniert Obsession als Spektakel und dehnt Zeit und Stimmung so lange, bis der Glamour bedrohlich wirkt. Wenn Zuschauer den Saal verlassen haben, dann oft, weil der Film sie herausfordert, still zu sitzen, während er absichtlich immer unangenehmer und traumähnlicher wird. | © Bold Films

The Revenant (2015)

Überleben wird wie Arbeit gefilmt: schwer, langsam und schmerzhaft, sodass man es fast in den Zähnen spüren kann. Die Geschichte handelt von Hugh Glass, der sich nach Verrat und einem Beinahe-Tod zurückkämpft, aber es ist die pure Körperlichkeit – eiskalte Flüsse, offene Wunden und Erschöpfung, die niemals nachlässt –, die Menschen zermürbt. Das Verlassen des Kinos wurde oft mit der frühen Bärenattacke und der hartnäckigen Weigerung des Films in Verbindung gebracht, das Leiden zu unterbrechen, sobald es einmal begonnen hat. The Revenant begnügt sich nicht damit, Not anzudeuten, sondern lässt einen darin zurück und gibt der Brutalität und Kälte Raum, sich auszubreiten, bis sie sich wie die Atmosphäre selbst anfühlen. Für manche Zuschauer geht dieses Maß an Immersion von fesselnd zu unerträglich über, selbst wenn die handwerkliche Qualität unbestreitbar ist. | © Regency Enterprises

Antichrist (2009)

Trauer ist der Funke, aber der Film setzt damit den ganzen Raum in Brand und verwandelt die Trauer in etwas Wildes und Unerkennbares. Der Rückzug des Paares in eine Waldhütte wird zu einer Druckkammer, in der Therapiegeschwätz in Halluzinationen, Grausamkeit und einen stetigen Marsch in Richtung expliziter Gewalt mündet. Die Überlieferungen aus Cannes rund um die Premiere berichten von flüchtenden Zuschauern und sogar Ohnmachtsanfällen, und es ist leicht zu verstehen, warum: Antichrist flirtet nicht mit tabuisierten Bildern, sondern starrt sie direkt an, bis das Publikum zurückschreckt. Von Trier macht das Erlebnis noch schwieriger, indem er moralischen Trost verweigert – Natur, Schuld und Begierde verflechten sich, und niemand bekommt eine klare Interpretation, an der er sich festhalten kann. Es ist Horrorkunst als Belastungstest, und viele Leute zogen es vor, sich stattdessen in die Lobby zu begeben. | © Zentropa Entertainments

Irreversible (2002)

Die Zeit läuft hier rückwärts, sodass man zunächst von Wut und Chaos überwältigt wird, ohne Kontext, als würde man in die Nachwirkungen eines schrecklichen Ereignisses hineingestoßen. Die Kamera schwankt mit einem schwindelerregenden, physisch aggressiven Stil durch Pariser Clubs und Tunnel, und das Sounddesign des Films ist bekanntlich feindselig – es soll den Zuschauer schon vor den schlimmsten Momenten verunsichern. Berichte aus Cannes beschrieben zahlreiche Zuschauer, die den Saal verließen und Hilfe benötigten – Reaktionen, die mit der Kombination aus extremer Gewalt und einer langwierigen Vergewaltigungsszene zusammenhingen, die viele Zuschauer im Kino nicht ertragen konnten. Die umgekehrte Struktur dreht das Messer noch weiter in der Wunde: Sobald man erfährt, was vorgefallen ist, muss man sich mit der früheren „Ruhe“ abfinden, die sich nun vergiftet anfühlt. Deshalb schockiert Irreversible nicht nur – er saugt den Raum leer. | © StudioCanal

Requiem For A Dream (2000)

Einer der fiesesten Tricks des Films ist, wie überzeugend die anfängliche Dynamik wirkt – Energie, Pläne, Romantik, diese süße Lüge, dass alles bald perfekt sein wird. Dann wird der Schnitt zu einem Hammer, die Fantasien gerinnen, und der Film beginnt, die Sucht in einen unerbittlichen Rhythmus aus Verlangen, Verhandlungen, Demütigungen und körperlichem Zusammenbruch zu komprimieren. Seit Jahren gibt es Berichte über Zuschauer, die den Saal verlassen haben, darunter auch Reaktionen bei Festivalvorführungen, weil der Film auf ein Finale zusteuert, das im Grunde genommen eine anhaltende Panikattacke auf der Leinwand ist. Requiem for a Dream verzichtet auch auf den üblichen „Lerneffekt“; er bietet keine Genesung als Katharsis, sondern nur Konsequenzen als Eskalation. Die Leute sind nicht gegangen, weil der Film schlecht ist – sie sind gegangen, weil er wie eine Prellung wirkt, auf die man immer wieder drücken muss. | © Protozoa Pictures

The Blair Witch Project (1999)

Ein dunkler Wald, drei Filmstudenten und Aufnahmen, die aussehen, als wären sie aus einem Wrack geborgen worden – nichts daran fühlt sich auf angenehme Weise „filmisch“ an. Die Handkamera wackelt und ruckelt ständig, und in frühen Berichten wurde sogar scherzhafterweise behauptet, der Film würde beim Publikum Übelkeit auslösen, sodass einige Zuschauer angeblich zum Ausgang oder zur Toilette stürmten. Abgesehen von der Bewegungsübelkeit war der größere Grund für das Verlassen des Kinos der Realismus der Inszenierung: keine Musik, die die Emotionen lenkt, kein klares Monster, das die Angst einfängt, nur eskalierende Furcht und das Gefühl, mit ihnen verloren zu sein. The Blair Witch Project verwandelt Abwesenheit in einen Angriff und lässt die Fantasie Schaden anrichten, während die Kamera sich weigert, sich zu stabilisieren. In einem überfüllten Kino kann sich diese wackelige Hilflosigkeit weniger wie Horrorunterhaltung anfühlen, sondern eher wie Gefangenschaft. | © Haxan Films

Der Soldat James Ryan (1998)

Die Landung in der Normandie wirkt wie ein sensorischer Hinterhalt – Sand, Rauch, Schreie, Leichen und Verwirrung, gefilmt mit einer Brutalität, die einem keine Zeit lässt, sich darauf „vorzubereiten“. Einige Zuschauer, darunter auch Veteranen, haben berichtet, dass sie während der Eröffnungsszene den Saal verlassen mussten, weil es sich zu real anfühlte, nicht als Drama, sondern als Erinnerung, die wieder an die Oberfläche gedrängt wurde. Der Film treibt die Geschichte der Mission danach weiter voran, lässt den Krieg jedoch niemals sauber oder heroisch erscheinen; selbst ruhige Momente werden von den Geräuschen dessen heimgesucht, was als Nächstes kommt. Der Grund für das Verlassen des Kinos war nicht die Gewalt um der Gewalt willen – es ging um die emotionale Belastung, die das Betrachten eines Gemetzels mit solch klinischen Details mit sich bringt. Der Soldat James Ryan wird weithin bewundert, aber er verlangt vom Publikum, an diesem Strand zu stehen, ohne sich verstecken zu können, und das kann nicht jeder. | © Amblin Entertainment

Reservoir Dogs (1992)

Das erste Mal, wenn der Film von dem, was man sehen möchte, abschweift und man stattdessen nur zuhören kann, versteht man, worauf er abzielt. Er ist ein Heist-Movie, der den Raubüberfall überspringt und Sie dann in den Nachwehen gefangen hält – blutend in einem Lagerhaus, während Loyalität, Misstrauen und Panik zwischen den Mitgliedern der Bande hin und her schlagen. Geschichten über Zuschauer, die den Saal verlassen haben, drehen sich meist um die sadistische Folterszene (und die beiläufige Art, wie sie inszeniert ist), aber die wahre Intensität liegt darin, wie lange Tarantino Sie in Angst und Verrat schmoren lässt. Reservoir Dogs bietet keine Erleichterung durch Heldentum oder Distanz; er lässt Gewalt persönlich, unangenehm und gemein wirken, als säße man mit Menschen in einem Raum fest, denen man nicht trauen sollte. Für manche Zuschauer ist diese Mischung aus Grausamkeit und schwarzem Humor nicht provokativ – sie ist unerträglich. | © Miramax Films

Alien (1979)

Gespräche von Arbeitern, fluoreszierende Korridore, ein Schiff, das eher wie ein Arbeitsplatz als wie eine Fantasiewelt wirkt – und dann wird die Ruhe durch einen der berüchtigtsten Momente der Filmgeschichte unterbrochen, den man nicht mehr aus dem Kopf bekommt. Seit langem tauschen Zuschauer Geschichten darüber aus, wie Menschen nach der Brustsprengszene zurückschrecken oder den Saal verlassen, zum Teil weil die Szene sich nicht als Höhepunkt ankündigt, sondern mitten in der Routine explodiert. Was das Erlebnis so intensiv macht, ist die Art und Weise, wie Alien das Problem immer wieder verändert: Es geht nicht nur um eine Kreatur, die auf der Nostromo ihr Unwesen treibt, sondern auch um die Entdeckung, dass die Unternehmenspolitik und versteckte Anweisungen ebenso tödlich sind. Die Spannung baut sich wie ein sich zuschnürender Schraubstock auf, wobei die beengten Räume des Schiffes zu Fallen werden, aus denen man keinen Ausweg findet. Selbst heute noch ist es die Art von Film, die ein Kino zu klein erscheinen lassen kann. | © 20th Century Fox

The Exorcist (1973)

Die Schlagzeilen leisteten die Hälfte der Marketingarbeit, denn die Reaktionen waren bereits legendär: Menschen wurde schwindelig, sie weinten oder rannten sogar in die Lobby, wenn die Temperatur sank und die Atmosphäre im Saal bedrohlich wurde. Auf dem Papier ist die Geschichte einfach – die Besessenheit eines Kindes, eine Mutter, die verzweifelt nach Antworten sucht, Priester, die in einen Kampf gezwungen werden, den sie nicht rational erklären können –, aber der Film behandelt sie mit einer Ernsthaftigkeit, die den Horror eher bedrückend als „unterhaltsam“ erscheinen lässt. Der Exorzist brachte das Publikum mit seiner Kombination aus medizinischem Realismus, blasphemischen Bildern und körperlichen Schocks an seine Grenzen und stapelte Szenen, die für Mainstream-Kinos zu dieser Zeit ungewöhnlich grafisch waren. Er ist auch unerbittlich darin, wie er Glauben, Familie und Unschuld ohne zu zögern durch den Dreck zieht. Als die Zuschauer den Saal verließen, war es nicht nur Ekel, sondern das Gefühl, dass der Film etwas Privates berührt hatte. | © Warner Bros.

A Clockwork Orange (1971)

Stilvoll, bösartig und seltsam verspielt – dieser Film setzt seinen Charme als Waffe ein und fordert dich dann heraus, zuzugeben, dass du ihn dir ansiehst. Die Geschichte handelt von Alex, einem gewalttätigen Straftäter, dessen freier Wille durch ein Aversionsprogramm „behandelt“ wird, und der Film treibt das Publikum immer weiter in einen moralischen Sumpf: Wollen Sie, dass er bestraft, geheilt oder einfach aus der Gesellschaft entfernt wird? Das Verlassen des Kinos und die Empörung waren mit der expliziten sexuellen Gewalt und dem spöttischen Ton verbunden, insbesondere weil die Brutalität eher mit einer Art theatralischer Prahlerei als mit ernster Verurteilung inszeniert wird. A Clockwork Orange geht noch weiter, indem es eine ordentliche Ethik ablehnt; die Lösung des Staates wird zu einer eigenen Form der Grausamkeit, und der Film zwingt dich dazu, dich mit diesem Widerspruch auseinanderzusetzen. Er ist brillant, provokativ und für manche Zuschauer zu widerwärtig, um ihn in einer Sitzung zu ertragen. | © Warner Bros.

L'Avventura (1960)

Die Leute stürmten nicht wegen Blut und Schock aus dem Saal – viele gingen, weil der Film die „Regeln“ des Geschichtenerzählens zu ignorieren schien, die sie erwartet hatten. Eine Frau verschwindet während eines Ausflugs ans Meer, und statt sich zu einem konventionellen Krimi zu entwickeln, folgt der Film den emotionalen Schwankungen der Menschen, die nach ihr suchen, während Begierde, Langeweile und Schuldgefühle ihre Prioritäten neu definieren. Zu den ersten Reaktionen gehörten bekanntlich Buh-Rufe und das Verlassen des Kinosaals, insbesondere in Cannes, wo das langsame Tempo und die Weigerung, klare Antworten zu liefern, wie eine Provokation empfunden wurden. Was L’Avventura zu einem solchen Kinosausgangstitel macht, ist die Art und Weise, wie er die Handlung durch Stimmung ersetzt: lange Stille, lang anhaltende Einstellungen und ein Schmerz der Leere, wo normalerweise eine Auflösung zu finden ist. Es ist faszinierend, wenn man sich darauf einlässt – und ärgerlich, wenn man wegen eines klaren Ziels gekommen ist. | © Cino Del Duca