James Cameron präsentiert 18 Filme, die man gesehen haben muss

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Michelle Baier

Entertainment - Juli 23rd 2026, 08:00 MESZ

Cropped Dune Part Two — 1. Dune: Teil 2 (2024)

Denis Villeneuves zweite Reise nach Arrakis wirkt wie ein Blockbuster, der eine Oper verschlungen hat – und dabei trotzdem seine beeindruckende körperliche Präsenz bewahrt. *Dune: Part Two* verwandelt Paul Atreides’ Aufstieg in eine von Sand gepeitschte Verbindung aus Prophezeiung, Politik, Romantik und Krieg – inszeniert mit einer gewaltigen Dimension, die James Cameron offenkundig zu schätzen weiß. Allein die Sequenz mit den Sandwürmern wirkt wie eine eindrucksvolle Erinnerung daran, dass modernes Science-Fiction-Kino von seiner Größe nicht allein lebt: Spektakel braucht auch Gewicht, Rhythmus und Gefahr – nicht nur teure digitale Effekte, die im Sonnenlicht glänzen. | © Legendary Pictures

Cropped Barbie — 2. Barbie (2023)

Greta Gerwig nahm ein Spielzeug, das leicht zu einem bloßen Werbespektakel aus Plastik hätte werden können, und verwandelte es in eine leuchtend pinke Identitätskrise voller Musical-Elemente, existenzieller Fragen und eines Ryan Gosling, der Unsicherheit wie eine olympische Disziplin zur Schau stellt. *Barbie* funktioniert, weil der Film die Absurdität seiner eigenen Marke versteht, ohne über jene Menschen zu spotten, die sie lieben. Hinter den humorvollen Momenten und den Farben des Traumhauses verbirgt sich ein überraschend präziser Film über Selbstinszenierung, Geschlechterrollen, Nostalgie und die seltsame Last, „perfekt“ sein zu müssen. | © Warner Bros. Pictures

The Woman King 2022 — 3. The Woman King (2022)

Gina Prince-Bythewood inszeniert *The Woman King* mit der kraftvollen Selbstsicherheit eines klassischen Historienepos, doch die emotionale Wucht entsteht vor allem durch Viola Davis und die Kriegerinnen der Agojie an ihrer Seite. Der Film schöpft seine Inspiration aus dem historischen Königreich Dahomey und entfaltet daraus ein mitreißendes Actiondrama über Ausbildung, Trauma, Loyalität und Macht. Er gehört zu den seltenen modernen Studioepen, die darauf vertrauen, dass Gesichter, Körper und präzise Choreografien die Geschichte tragen können – anstatt alles unter einer Schicht digitaler Effekte zu begraben. | © TriStar Pictures

Cropped Inception — 4. Inception (2010)

Christopher Nolans Traumraub-Puzzle ist jene Art von Film, bei der sich die eine Hälfte des Publikums brillant fühlte – während die andere Hälfte vorgab, die Regeln verstanden zu haben, nur um sie später auf dem Parkplatz noch einmal nachzuschlagen. *Inception* fasziniert bis heute, weil seine großen Ideen mit den klassischen Freuden des Genres verbunden bleiben: Meisterdiebe, tickende Uhren, Verrat, unmögliche Architektur und ein äußerst angespannter Leonardo DiCaprio. Die ineinander verschachtelten Traumebenen hätten zu einem rein mechanischen Konstrukt werden können, doch die darunterliegende Trauer verleiht dem Spektakel seinen emotionalen Puls. | © Warner Bros. Pictures

Cropped Borat — 5. Borat (2006)

Sacha Baron Cohens *Borat* ist pures Chaos im billigen grauen Anzug – ein Film, der die amerikanische Höflichkeit in Situationen führt, in denen sie keinerlei Überlebenschance hat. Das Mockumentary-Format erlaubt es dem Film, zugleich als Streich, Roadmovie und gesellschaftliche Sezierung zu funktionieren. Genau das ist der Grund, warum er noch lange nach dem Abnutzen seiner berühmtesten Zitate so verstörend und unberechenbar wirkt. Dass Cameron den Film schätzt, überrascht daher nicht: Hinter der scheinbaren Albernheit verbirgt sich eine gnadenlose Präzision, und jeder vermeintliche „Zufall“ ist sorgfältig als Falltür konstruiert. | © 20th Century Fox

Resident Evil 2002 — 6. Resident Evil (2002)

Paul W. S. Andersons *Resident Evil* mag für Puristen des Survival-Horror-Genres kein Heiligtum sein, doch der Film versteht es meisterhaft, sich mit finsteren Absichten durch einen Korridor zu bewegen. Das unterirdische Hive-Labor, die Künstliche Intelligenz Red Queen, der legendäre Laser-Korridor und die ungestüme Energie von Michelle Rodriguez machen den Film zu einem stilvollen Genre-Exzess der frühen 2000er – mit einem besseren Gespür für Raum und Bewegung als viele hochgelobte Prestigeproduktionen. Es ist Trash im besten Sinne: glänzend, kompromisslos, effizient und mit dem vollen Bewusstsein dafür, dass Zombies eine dramatische Beleuchtung geradezu lieben. | © Constantin Film

Cropped The Lord of the Rings The Fellowship of the Ring — 7. Der Herr der Ringe: Die Gefährten (2001)

Peter Jacksons erster Tolkien-Film schafft etwas, das moderne Fantasy bis heute nur schwer nachzuahmen vermag: Er lässt das Unmögliche bewohnt und lebendig wirken, statt es lediglich als perfekt gestaltete Kulisse zu präsentieren. *Der Herr der Ringe: Die Gefährten* bietet gewaltige Schlachten und digitale Zauberkunst, doch seine wahre Magie liegt in Schlamm, Schweiß, alten Karten, handgefertigten Rüstungen und Figuren, denen man ansieht, wie schwer die Last des Schicksals auf ihnen liegt. Das Auenland ist so bedeutsam, weil Mordor dadurch unendlich weit entfernt erscheint; die Reise funktioniert, weil jeder einzelne Schritt seinen Preis zu haben scheint. | © New Line Cinema

Cropped alien 1979 — 8. Alien (1979)

Ridley Scotts *Alien* ist im Grunde ein Spukhausfilm im Weltraum – nur dass sich das „Haus“ in diesem Fall um ein heruntergekommenes Handelsschiff handelt und der Geist Zähne, säurehaltiges Blut und keinerlei Interesse daran hat, sich an einen symbolischen Zeitplan zu halten. Die *Nostromo* wirkt industriell, heruntergewirtschaftet und beklemmend eng – und genau dadurch entfaltet der Horror seine Wirkung, noch bevor die Kreatur überhaupt vollständig in Erscheinung tritt. H. R. Gigers Design ist der Albtraum, an den sich alle erinnern, doch die wahre Bedrohung des Films liegt in seiner Geduld: im langsamen Aufbau, der wie ein unsichtbares Monster in den Wänden lauert. | © 20th Century Fox

Cropped Close Encounters of the Third Kind 1977 — 9. Unheimliche Begegnung der dritten Art (1977)

Steven Spielbergs *Unheimliche Begegnung der dritten Art* betrachtet den Kontakt mit Außerirdischen weniger als eine Invasion denn als eine spirituelle Unruhe, die sich nicht abschütteln lässt. Richard Dreyfuss’ Versuch, den Devil’s Tower aus Kartoffelbrei nachzubilden, hätte leicht ins Lächerliche kippen können – doch der Film begreift Besessenheit als etwas zugleich Peinliches, Beängstigendes und auf seltsame Weise Erhabenes. Das Finale ist pures Kino der Ehrfurcht: Licht, Musik, gewaltige Dimensionen und menschliche Gesichter, die nach oben blicken, als hätten sie gerade erkannt, dass das Universum weit größer ist als die vertraute Welt der Vorstädte. | © Columbia Pictures

Cropped Star Wars A New Hope 1977 — 10. Star Wars (1977)

George Lucas erschuf nicht einfach ein Weltraumabenteuer – er entwarf eine Galaxis, die schon vor Beginn der Geschichte verbeult, staubig und uralt wirkte. *Star Wars* verbindet Samurai-Filme, Serienabenteuer, Mythologie, Luftkämpfe und die Schlichtheit eines Märchens zu einem Werk, das zugleich handgemacht und grenzenlos groß erscheint. Das eigentliche Genie liegt dabei nicht nur in Lichtschwertern oder der Macht, sondern darin, wie mühelos der Film seine eigenen Regeln vermittelt – und den Zuschauer anschließend wie ein Kind mit einem Plastik-Blaster durch diese Welt stürmen lässt. | © Lucasfilm

Cropped taxi driver — 11. Taxi Driver (1976)

Martin Scorseses *Taxi Driver* verwandelt New York in einen fiebrigen Albtraum, betrachtet durch die von Einsamkeit, Wut und falschen Entscheidungen verschmierte Windschutzscheibe eines Taxis. Travis Bickle ist keine Figur, die darauf angelegt ist, entschlüsselt zu werden – er ist vielmehr ein Warnsignal, das unaufhörlich blinkt, während alle an ihm vorübergehen. Robert De Niros Darstellung wird bis heute unzählige Male zitiert, doch die eigentliche Kraft des Films liegt in seiner Atmosphäre: schlaflose Straßen, moralischer Verfall, Bernard Herrmanns verletzter und eindringlicher Score und eine Stadt, die niemals den Blick abwendet. | © Columbia Pictures

Cropped Jaws — 12. Der weiße Hai (1975)

Steven Spielbergs Haifilm wurde zum Bauplan für den modernen Blockbuster – doch *Der weiße Hai* funktioniert bis heute, weil er sich lange als kleines Kleinstadtdrama mit einem Monsterproblem tarnt. Der berüchtigte defekte mechanische Hai zwang Spielberg dazu, weniger zu zeigen, und das Kino erhielt dadurch ganz nebenbei eine seiner größten Lektionen in Sachen Spannung. Roy Scheider, Robert Shaw und Richard Dreyfuss lassen den letzten Abschnitt des Films wie das Aufeinandertreffen dreier vom Leben gezeichneter Egos wirken, die auf offener See gefangen sind – mit einem tödlichen Schatten unter ihnen. | © Universal Pictures

Cropped The Godfather — 13. Der Pate (1972)

Francis Ford Coppolas *Der Pate* wird so oft wie Pflichtlektüre behandelt, dass man leicht vergisst, wie lebendig und kompromisslos düster der Film tatsächlich ist. Das Familiendrama der Corleones entfaltet sich mit der Langsamkeit eines Trauerzuges und der Wucht einer Tür, die sich direkt vor einem schließt. Gordon Willis’ schattige, eindringliche Bildsprache verleiht den Räumen eine fast sakrale Schwere, während Pacinos langsame Verwandlung Michael zu einem Mann macht, der Stück für Stück seine Seele verliert – und diesen Verlust als Verantwortung bezeichnet. | © Paramount Pictures

Butch Cassidy and the Sundance Kid — 14. Zwei Banditen (1969)

George Roy Hills *Butch Cassidy und Sundance Kid* ist ein Western mit einem Grinsen im Gesicht, einem leichten Hinken im Schritt und dem unguten Bewusstsein, dass die Ära der klassischen Gesetzlosen ihrem Ende entgegengeht. Paul Newman und Robert Redford lassen den Film mühelos von ihrem Charme tragen, doch William Goldmans Drehbuch erinnert immer wieder daran, dass Charme kein Lebensplan für den Ruhestand ist. Die Flucht durch Bolivien, die berühmte Fahrradszene und das ikonische Schlussbild verwandeln die Legendenbildung in etwas Leichtfüßiges, Melancholisches und zugleich schmerzlich Cooles. | © 20th Century Fox

Cropped 2001 A Space Odyssey — 15. 2001: Odyssee im Weltraum (1968)

Stanley Kubricks *2001: Odyssee im Weltraum* eilt nicht, weil der Film weiß, dass es für das Publikum keinen bedeutenderen Ort gibt als den Rand der menschlichen Evolution. Die Geschichte führt mit einem der kühnsten Schnitte der Filmgeschichte von primitiven Knochenwerkzeugen zu hochentwickelten Raumfahrzeugen und treibt anschließend immer weiter voran – bis selbst Sprache zu klein erscheint, um die Bilder noch angemessen zu beschreiben. HAL 9000 bleibt deshalb so erschreckend, weil er ruhig, höflich und vollkommen überzeugt auftritt – mit jener beunruhigenden Fehlerhaftigkeit, die nur eine scheinbar perfekte Maschine besitzen kann. | © Metro-Goldwyn-Mayer

Wait Until Dark 1967 — 16. Warte, bis es dunkel ist (1967)

*Warte, bis es dunkel ist* ist eine Meisterklasse darin, aus einer einzigen Wohnung, einer versteckten Puppe und einer Frau, die jene Männer überlisten muss, die sie maßlos unterschätzen, maximale Spannung zu erzeugen. Audrey Hepburn verleiht dem Thriller seine innere Stärke, indem sie Verletzlichkeit zeigt, ohne Susy jemals zu einer hilflosen Figur zu machen. Alan Arkins Bösewicht ist derart bedrohlich, dass er mit jedem Auftritt die Atmosphäre des Raumes zu vergiften scheint, und der finale Moment der Dunkelheit wirkt noch immer so, als würde der Film selbst übergreifen und das Licht im Zuschauerraum ausschalten. | © Warner Bros.-Seven Arts

Cropped Peter Sellers in Dr Strangelove 1964 — 17. Dr. Seltsam oder: Wie ich lernte, die Bombe zu lieben (1964)

Stanley Kubricks nukleare Satire bringt das Publikum zum Lachen, weil Schreien längst die naheliegendere Reaktion wäre. *Dr. Seltsam, oder: Wie ich lernte, die Bombe zu lieben* verwandelt die globale Vernichtung in eine bürokratische Farce, in der Generäle, Präsidenten und Experten sich Schritt für Schritt in die Katastrophe hineinreden – wie Männer, die über eine Tischreservierung diskutieren. Peter Sellers’ dreifache Darstellung steht häufig im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit, doch der eigentliche Höhepunkt ist der Kriegsraum selbst: ein prachtvolles Monument menschlicher Intelligenz, die auf die dümmstmögliche Weise eingesetzt wird. Der Film ist düster, urkomisch und bis heute auf unangenehme Weise erschreckend zeitlos. | © Hawk Films

Cropped The Wizard of Oz — 18. Das zauberhafte Land (1939)

*Der Zauberer von Oz* ist so tief in der Popkultur verankert, dass eine Begegnung mit dem Film sich anfühlen kann wie das Wiedererkennen eines Traums, den man selbst nie geträumt hat. Der Wechsel vom sepiafarbenen Kansas ins Technicolor-Wunderland Oz gehört zu den großen visuellen Zaubertricks der Filmgeschichte. Doch der Film lebt bis heute weiter, weil Dorothys Reise emotional schlicht ist, ohne jemals klein zu wirken. Die Lieder, die Kostüme, die Hexen und die gelbe Backsteinstraße – all das erstrahlt noch immer in der handwerklichen Magie von MGM und der zeitlosen Kraft eines Märchens. | © Metro-Goldwyn-Mayer

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James Cameron ist nicht gerade dafür bekannt, klein zu denken. Der Filmemacher, der mit Titanic ein weltweites Kinobeben auslöste, mit Avatar einen neuen Maßstab für moderne Blockbuster setzte und dennoch Raum findet, Werke von Kubrick-Klassikern über rasante Zombie-Action bis hin zum chaotischen Humor eines Sacha Baron Cohen zu würdigen.

Seine Filmempfehlungen sind keine gewöhnliche Filmschul-Liste – und gerade das macht sie so interessant. Sie zeigen den Geschmack eines Regisseurs, der mühelos zwischen der Magie des alten Hollywood, wegweisenden Science-Fiction-Meilensteinen, kompromisslosen Kriminaldramen und gelegentlichen augenzwinkernden Guilty Pleasures wechselt.