EarlyGame | 15 Filme, die vorgeben, tiefgründig zu sein, es aber…

1. Lucy (2014)

Dem Verkaufsargument ist hier kaum zu widerstehen: Eine Frau erschließt die volle Kraft ihres Gehirns und beginnt, die Grenzen des Menschlichen, der Realität und der Zeit selbst zu überschreiten. Dann baut Lucy diese Idee auf einem der am meisten ausgereizten Mythen der Popkultur auf, behandelt Unsinn auf Schulklassen-Niveau wie eine Offenbarung und hält immer wieder inne für feierliche Reden, die tiefgründiger klingen, als sie sind. Luc Besson inszeniert das Ganze mit so viel Selbstbewusstsein, dass der Film einen fast davon überzeugt, er habe das Universum entschlüsselt – bis die Philosophie plötzlich wie ein Motivationsposter in einem Laborkittel klingt. Das Lustigste daran ist, dass all dieses pseudo-tiefgründige Material in einen schnittigen Actionfilm verpackt ist, der weltweit ein Vermögen einspielte, was bedeutet, dass viele Leute wegen der Schießereien ins Kino kamen und mit einem Vortrag über Gehirnanteile wieder gingen. | © Universal

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2. Cloud Atlas (2012)

Sechs Handlungsstränge, wiedergeborene Seelen, historische Echos, großspurige Erklärungen über Unterdrückung und Verbundenheit: Dieses Werk hat nie auf Kleinigkeiten gesetzt. Es ist bewundernswert, wie konsequent Cloud Atlas seinem eigenen Maßstab folgt, insbesondere durch Schauspieler, die mehrere Rollen über verschiedene Zeitebenen hinweg spielen; doch der Film kann nicht aufhören, seine These zu unterstreichen, als ob das Publikum übersehen könnte, wie wichtig alles ist. Anstatt darauf zu vertrauen, dass sich diese Verbindungen auf natürliche Weise ergeben, hämmert er immer wieder denselben großen Punkt über das menschliche Schicksal ein, bis sich diese Ambition schwerfällig anfühlt. Das Ergebnis ist kein dummer Film im üblichen Sinne, denn überall, wo man hinschaut, gibt es echtes handwerkliches Können und Risikobereitschaft, doch oft verhält er sich so, als ob Komplexität automatisch gleichbedeutend mit Weisheit wäre. Für viele Zuschauer bricht genau hier der Zauber. | © Warner Bros.

3. Sieben Leben (2008)

Nichts in diesem Film wird als bloß traurig dargestellt; alles ist wie eine große moralische Gleichung inszeniert, über die das Publikum in ehrfürchtiger Stille nachdenken soll. Das Problem ist, dass das Drehbuch grundlegende Informationen so aggressiv zurückhält, dass sich das Drama weniger wie emotionale Tiefe anfühlt, sondern eher wie Manipulation, wobei jede Enthüllung darauf ausgelegt ist, den Schmerz heiliger erscheinen zu lassen, als er tatsächlich ist. Will Smith spielt die Rolle mit absoluter Aufrichtigkeit, was wahrscheinlich der Grund dafür ist, dass Sieben Leben bei manchen Zuschauern immer noch funktioniert, doch je mehr man über die Logik des zentralen Plans nachdenkt, desto schwerer fällt es, ihn ernst zu nehmen. Selbst diejenigen, die den Film verteidigen, sprechen am Ende meist über die Qualle, die Badewanne oder den Twist – was viel darüber aussagt, was tatsächlich im Gedächtnis geblieben ist. | © Columbia Pictures

4. Ad Astra – Zu den Sternen (2019)

Ad Astra – Zu den Sternen möchte eine einsame, in sich gekehrte Weltraumodyssee über Väter, Söhne, Männlichkeit und den emotionalen Preis sein, den man zahlt, wenn man Distanziertheit als Stärke betrachtet. Brad Pitt verbringt einen Großteil des Films damit, makellose innere Monologe zu halten, während der Film ihn mit gigantischen Bildern, langen Stillephasen und einer Ernsthaftigkeit umgibt, die geradezu danach bettelt, als tiefgründig bezeichnet zu werden. Doch trotz all seiner Ambitionen formuliert das Drehbuch seine Gefühle so klar und deutlich, dass das Mysteriöse verschwindet und eine polierte Hülle der Introspektion zurückbleibt, statt etwas wirklich Eindringliches. Was das Ganze noch seltsamer macht, ist, dass der Film auch Mondpiraten, einen fehlgeschlagenen Notruf und einen notorisch wilden Tierangriff enthält – doch diese bizarren Momente sind oft einprägsamer als die Weisheit, die er so sehr zu vermitteln versucht. | © 20th Century Fox

5. L.A. Crash (2004)

Das passiert, wenn ein Film Volumen mit Einsicht verwechselt. Jede Szene in L.A. Crash ist darauf ausgelegt, eine Aussage über Rassismus, Vorurteile, Angst oder moralische Widersprüche zu treffen, doch diese Ideen werden mit solcher Plumpheit vorgebracht, dass die Figuren oft weniger wie Menschen wirken als vielmehr wie Beispiele in einer sehr selbstgefälligen Argumentation. Der Film ist offensichtlich davon überzeugt, dass seine sich überschneidenden Geschichten ein komplexes Porträt von Los Angeles und menschlichen Vorurteilen zeichnen, doch meist entsteht daraus nur eine Aneinanderreihung von Kunstgriffen, Wendungen und Reden, die darauf abzielen, die Zuschauer durch Schockmomente zum Nachdenken zu bewegen. Sein Ruf wurde nach den Oscars nur noch chaotischer, denn der Gewinn des Preises für den besten Film verwandelte ihn von einem polarisierenden Ensemble-Drama in eine der umstrittensten Entscheidungen der Academy dieses Jahrhunderts. Dieses Nachleben war weitaus interessanter als die Idee von Tiefe, die der Film vermittelt. | © Lionsgate

6. Verborgene Schönheit (2016)

Ein Film über Trauer muss dem Publikum nicht alle fünf Minuten kosmische Wahrheiten ins Ohr flüstern, um bedeutungsvoll zu wirken, doch genau das tut dieser Film ununterbrochen. Die Briefe an die Liebe, die Zeit und den Tod sind mit einer derart übertriebenen Ehrfurcht inszeniert, dass der Film davon überzeugt zu sein scheint, etwas Tiefgründiges erschlossen zu haben, obwohl der eigentliche Text viel dünner ist, als die Stimmung vermuten lässt. Sobald Verborgene Schönheit offenbart, wie seine emotionale Maschinerie funktioniert, wirkt das Ganze weniger wie Weisheit und mehr wie ein manipulativer Trick, der als spirituelle Einsicht getarnt ist. Das erklärt auch, warum sich so viele Menschen eher an die hochkarätige Besetzung erinnern, als an irgendetwas, was der Film eigentlich aussagen wollte. | © Warner Bros.

Jim Carrey in The Number 23 cropped processed by imagy

7. Number 23 (2007)

Jim Carrey verbringt den Großteil dieses Films damit, in den Abgrund einer Prämisse zu starren, die umso alberner wird, je mehr das Drehbuch versucht, sie dem Zuschauer aufzudrängen. Eine Besessenheit von Zahlen kann durchaus die Grundlage für einen verstörenden Thriller sein, doch hier wird jeder Zufall wie eine Offenbarung präsentiert, jeder Hinweis mit absurder Ernsthaftigkeit vorgetragen, und der Film behandelt einfache Mustererkennung, als hätte er den Code der Existenz entschlüsselt. Es macht auf eine gewisse kitschige Art Spaß, zuzusehen, wie der Film sich so sehr in diese Rolle hineinsteigert, besonders wenn die Paranoia beginnt, ganze Szenen zu verschlingen. Das Lustigste daran ist, wie verzweifelt ernst er bleibt, während er in Unsinn versinkt – und genau deshalb reden die Leute immer noch über Number 23. | © New Line Cinema

8. Der Baum des Lebens (2011)

Terrence Malick hat hier ganz offensichtlich versucht, alles auf einmal zu erfassen: Familienerinnerungen, göttliche Gnade, Kindheitsschmerz, den Kosmos, die Sterblichkeit, vielleicht sogar den Sinn des Daseins selbst. In Der Baum des Lebens bringt dieser Ehrgeiz Bilder hervor, die so schön sind, dass selbst diejenigen, die den Film hassen, meist zugeben, dass er unglaublich aussieht – doch Schönheit allein kann nur eine begrenzte philosophische Tragkraft haben. Für jeden Zuschauer, der Transzendenz sieht, gibt es einen anderen, der einen Film sieht, der so sehr von seiner eigenen Größe eingenommen ist, dass er sich wie eine Kunstinstallation anfühlt, die sich selbst dafür beglückwünscht, wichtig zu sein. Die Palme d’Or verlieh ihm Prestige, doch Prestige hat das Publikum nie davon abgehalten, mit den Augen zu rollen, wenn ein Dinosaurier durch eine Meditation über das Leben wandert. | © Fox Searchlight

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9. Malcolm & Marie (2021)

Schon bevor das erste Argument richtig gelandet ist, strahlt Malcolm & Marie eine gewisse Bedeutung aus. Die Schwarz-Weiß-Fotografie, die Intimität des einzelnen Drehorts, der endlose Strom von Monologen über Kunst, Kritik, Rasse, Ego und Groll – all das deutet auf einen Film hin, der unbedingt als bedeutendes Statement wahrgenommen werden will. Das Problem ist, dass die Dialoge oft so klingen, als seien sie zum Zitieren geschrieben worden und nicht zum Sprechen, was der Beziehung die Unordnung nimmt, die sie realistisch hätte wirken lassen können. Ein Grund, warum der Film so viel sofortige Aufmerksamkeit erhielt, ist, dass er heimlich während der Pandemie gedreht wurde, doch die Geschichte hinter den Kulissen wirkte am Ende lebendiger als das pseudo-tiefgründige Wortgefecht auf der Leinwand. | © Netflix

10. The Fountain (2006)

Darren Aronofsky wirft Romantik, Tod, Glauben, Erinnerung, Krankheit und kosmische Wiedergeburt in denselben traumhaften Strom, und über weite Strecken ist der Film visuell so überzeugend, dass er einen fast gewaltsam mitreißt. Doch dann häuft sich die Symbolik immer weiter an, die Metaphern werden lauter, und der emotionale Kern beginnt unter dem Druck zu ertrinken, alles auf einmal bedeuten zu müssen. Hugh Jackman und Rachel Weisz tun viel, um den menschlichen Mittelpunkt zu bewahren, doch der Film verhält sich oft so, als ob großartige Bilder automatisch tiefgründigen Gedanken gleichkämen. Es gibt einen Grund, warum er in Aronofskys Karriere ein so umstrittener Titel bleibt: Manche sehen darin eine visionäre Herzschmerzmaschine, andere einen sehr teuren Bildschirmschoner, der nach Erleuchtung strebt. Diese Spannung definiert The Fountain. | © Warner Bros.

11. A Cure for Wellness (2016)

Die Prämisse verspricht einen jener wahnwitzigen, düsteren Studio-Alpträume für Erwachsene, wie sie kaum noch gedreht werden, und eine Zeit lang gelingt es dem Film tatsächlich, diese Fantasie zu verkaufen. Endlose Flure, blasse Gesichter, die bedrohliche Atmosphäre eines Schweizer Wellness-Resorts, Geflüster über Reinheit und Krankheit – alles ist darauf ausgelegt, dem Zuschauer das Gefühl zu geben, dass die verborgene Wahrheit nur einen Gang entfernt liegt. Dann zieht sich A Cure for Wellness immer weiter in die Länge, bis das Geheimnis zu etwas Überhitztem gerinnt, wobei die Symbolik weit mehr Arbeit leistet als die eigentlichen Ideen. Gore Verbinski bringt so viel visuelles Selbstbewusstsein auf die Leinwand, dass der Film fast damit durchkommt, aber die Geschichte dahinter besteht größtenteils aus altbekannten Horror-Klischees, die neu arrangiert wurden, um tiefgründig zu wirken. Es ist auch irgendwie erstaunlich, dass ein so seltsamer, 40 Millionen Dollar teurer Original-Horrorfilm von einem großen Vertrieb stammt, denn das Einspielergebnis sorgte dafür, dass Hollywood genau die falsche Lehre daraus zog. | © 20th Century Fox

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12. Only God Forgives (2013)

Stille kann im richtigen Film hypnotisch wirken. Hier hat man oft das Gefühl, das Drehbuch habe einfach den Raum verlassen und ein rotes Licht, einen bedrohlichen Blick und einen Ryan Gosling zurückgelassen, der sich weigert, sich zu erklären. Only God Forgives ist so sehr darauf bedacht, wie ein Abstieg ins mythische Böse zu wirken, dass er grundlegende Dinge wie Charaktere, Dynamik oder Dialoge, die auch nur im Entferntesten menschlich klingen, vergisst, weshalb so viele Zuschauer den Film als leere Provokation in Designer-Verpackung bezeichneten. Die Ironie dabei ist, dass Nicolas Winding Refn absolut weiß, wie man Atmosphäre schafft, und einige Einstellungen in diesem Film könnten ohne Weiteres in einer Galerie hängen. In Cannes wurde er ausgebuht, was vollkommen einleuchtet: Der Film ist zur Hälfte ein gewagtes Kunstobjekt, zur Hälfte eine ultrabrutale Trance, und genau an der Schnittstelle zwischen diesen beiden Impulsen verliert er sein Publikum. | © The Weinstein Company

13. Under the Silver Lake (2018)

Jede Theorie in diesem Film kommt mit der Energie eines nächtlichen Reddit-Threads daher, der sich selbst davon überzeugt hat, nur noch einen Hinweis davon entfernt zu sein, das gesamte Universum zu entschlüsseln. Paranoia, Popkultur, Geheimcodes, der Verfall Hollywoods, männliche Ziellosigkeit, versteckte Botschaften in Liedern und Cornflakes-Packungen – all das klingt vielversprechend, bis der Berg so groß wird, dass der Film sein eigenes Durcheinander mehr bewundert, als es zu ordnen. Das ist der seltsame Reiz und das große Problem von Under the Silver Lake: Er will gelesen, entschlüsselt, wiederholt, schematisiert und besessen betrachtet werden, und manchmal ist diese Verzweiflung, ein Kultobjekt zu werden, sichtbarer als das, worauf er eigentlich hinauswill. Andrew Garfield sorgt dafür, dass diese Schnitzeljagd erträglich bleibt, aber die selbstbewusste Seltsamkeit des Films wirkt weniger wie ein Krimi als wie Performancekunst mit Verschwörungsnotizen an den Wänden. In gewisser Weise passt es, dass der Kinostart so klein war, denn dieser Film würde ohnehin länger als Internet-Phänomen weiterleben als als normale Kinoveröffentlichung. | © A24

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14. The Discovery (2017)

Der Nachweis eines Lebens nach dem Tod sollte eigentlich eine Prämisse sein, die einen Film von der ersten Szene an in die Höhe treibt, denn die Auswirkungen sind gewaltig, erschreckend und moralisch chaotisch. Stattdessen führt der Film immer wieder weltbewegende Ideen ein, um dann wieder in gedämpfte Traurigkeit, intimes Trauma und Handlungswendungen zurückzufallen, die sich viel kleiner anfühlen als das Konzept, auf dem sie beruhen. Irgendwo in der Mitte beginnt The Discovery, sich wie eine tiefgründige Meditation über Trauer und Sterblichkeit zu verhalten, doch er dringt weder in die Philosophie noch in die Wissenschaft tief genug ein, um dieser Ernsthaftigkeit eine gewisse Berechtigung zu verleihen. Robert Redford verleiht dem Ganzen sofortige Autorität, und die Besetzung ist stark genug, um den Zuschauer glauben zu lassen, dass der Film das Kunststück schaffen könnte. Was stattdessen nachklingt, ist das verschwendete Potenzial einer Geschichte, die gewaltige Fragen aufwirft und dann seltsam nervös wirkt, wenn es darum geht, auch nur eine davon zu beantworten. | © Netflix

15. Knight of Cups (2015)

Knight of Cups wirkt wie eine Luxusparfüm-Werbung, die sich mitten in den Dreharbeiten entschlossen hat, zu einer spirituellen Krise zu werden. Christian Bale wandert durch Los Angeles und Las Vegas, vorbei an Partys, Villen, Stränden und leeren Innenräumen, während Terrence Malick Voice-over, Erinnerungsfragmente und traumähnliche Bilder übereinanderschichtet, bis das Ganze sich von gewöhnlicher Erzählkunst zu entfernen beginnt. Das ist entweder der Zaubertrick des Films oder sein zentrales Versagen, je nachdem, wie viel Geduld man für ein Kino hat, das Drama immer wieder durch impressionistische Sehnsucht ersetzt. Selbst viele Kritiker, die die Bildsprache bewunderten, wiesen dennoch auf den schwindenden erzählerischen Ertrag hin, und genau das trifft den Kern dessen, warum der Film so viele Menschen frustriert: Er ist besessen von Transzendenz, aber weit weniger daran interessiert, dieser Suche eine dramatische Form zu geben. Er ist wunderschön, aufrichtig und oft intellektuell nebulös, weshalb die Meinungsverschiedenheiten darüber nie wirklich verschwunden sind. | © StudioCanal