Stephen Kings Lieblingsfilme aller Zeiten

1-10

Michelle Baier

Entertainment - September 17th 2026, 08:00 MESZ

Cropped sorcerer movie — 10. Atemlos vor Angst (1977)

William Friedkins *Atemlos vor Angst* hat genau diese schweißtreibende, ausweglose Atmosphäre, die wie für Stephen Kings Geschmack gemacht scheint: Männer mit einer düsteren Vergangenheit, ein Dschungel, der wirkt, als hätte er persönlich etwas gegen ihre Existenz, und mit Nitroglyzerin beladene Lastwagen, bei denen jede Bodenwelle zur tödlichen Zerreißprobe wird.

Roy Scheider hält diesen Wahnsinn zusammen, ohne ihn unnötig zu übertreiben, während der Soundtrack von Tangerine Dream das Ganze wie eine Panikattacke auf Rädern untermalt. Der Film floppte bei seinem Erscheinen, was heute nur noch zu seinem Kultfilm-Charme beiträgt. | © Film Properties International

Cropped The Godfather 2 — 9. Der Pate 2 (1974)

*Der Pate 2* ist nicht einfach nur eine Fortsetzung, sondern eine schonungslose Familiensezierung – in Kerzenlicht, maßgeschneiderten Anzügen und einer zunehmend leeren, toten Stille. Francis Ford Coppola erzählt die Geschichte des Corleone-Clans auf zwei Zeitebenen: Vitos Aufstieg und Michaels moralischen Zerfall. Das Ergebnis ist kälter, trauriger und vielleicht sogar erschütternder als der erste Teil.

Al Pacino macht aus Michael einen Mann, der jeden Raum, den er betritt, für sich gewinnt und ihn trotzdem irgendwie kleiner wieder verlässt. Nur selten wirkt Gangsterkino gleichzeitig so gewaltig und so von einer unheimlichen Melancholie durchzogen. | © Paramount Pictures

Cropped The Getaway 1972 — 8. Getaway (1972)

Sam Peckinpahs *Getaway* nimmt eine Kriminalgeschichte von Jim Thompson, setzt Steve McQueen und Ali MacGraw mitten hinein und lässt alle Beteiligten die Konsequenzen ausbaden. Der Film bietet Überfälle, Verrat, eine von Rückschlägen gezeichnete Liebesgeschichte und diesen ganz eigenen Peckinpah-Rhythmus, bei dem Gewalt zugleich stilvoll und zutiefst trostlos wirkt.

McQueen spielt Doc McCoy mit der Gelassenheit eines Mannes, der so tut, als hätte er die Situation noch unter Kontrolle, obwohl sie ihm längst entglitten ist. *Getaway* ist schmutziger, kompromissloser Pulp mit einer gehörigen Portion Härte – doch das handwerkliche Können sorgt dafür, dass der Film von Anfang bis Ende wie ein gut geölter Motor läuft. | © First Artists

Cropped Groundhog Day 1993 — 7. Und täglich grüßt das Murmeltier (1993)

Auf dem Papier klingt *Und täglich grüßt das Murmeltier* nach einer typischen High-Concept-Komödie, die auf einem einzigen ziemlich miesen Morgen basiert. In der Praxis entpuppt sich der Film jedoch als kleines Meisterwerk über Ego, Wiederholung, Depression und die anstrengende Aufgabe, ein anständiger Mensch zu werden.

Bill Murrays Schauspiel ist dabei der entscheidende Kniff: selbstgefällig, verletzlich, urkomisch, grausam und am Ende beinahe friedlich, ohne dabei jemals in kitschigen Wohlfühlkitsch abzurutschen. Harold Ramis hält den Film leicht genug, dass man ihn bis heute ständig zitieren kann. Doch es ist seine philosophische Tiefe, die dafür sorgt, dass er einfach nicht alt wird.

Selbst Stephen King scheint eine Zeitschleife mit Biss zu schätzen. | © Columbia Pictures

Cropped Casablanca 1942 — 6. Casablanca (1942)

*Casablanca* gehört zu den Klassikern, die ihren eigenen legendären Ruf tatsächlich überleben – und das ist gar nicht so einfach, wenn die Hälfte der Dialoge längst wie selbstverständlich in die Popkultur übergegangen ist. Humphrey Bogart verleiht Rick Blaine die perfekte Mischung aus romantischer Verbitterung und der Erschöpfung eines Barbesitzers, während Ingrid Bergman jede unmögliche Entscheidung noch ein Stück unmöglicher erscheinen lässt.

Die Spionage- und Kriegsgeschichte funktioniert auch heute noch, doch die eigentliche Stärke des Films liegt darin, wie mühelos er Zynismus, Aufopferung, Politik und Herzschmerz miteinander verbindet. *Casablanca* ist Hochglanz-Hollywood der alten Schule – mit einem Messer unter dem Tisch. | © Warner Bros.

Cropped Treasure of Sierra Madre — 5. Der Schatz der Sierra Madre (1948)

John Hustons *Der Schatz der Sierra Madre* beginnt als Abenteuerfilm über Männer, die auf der Suche nach Gold sind, und entwickelt sich nach und nach zu einer Geschichte über Paranoia, Gier und den psychischen Verfall unter der erbarmungslosen Sonne. Humphrey Bogart lässt Fred C. Dobbs direkt vor unseren Augen immer mehr zugrunde gehen – und genau darin liegen sowohl der Reiz als auch der Schrecken des Films.

Walter Hustons alter Goldsucher verleiht der Geschichte eine eigentümlich gebrochene Weisheit, doch aus dieser Wüste geht niemand besonders ehrenhaft hervor. Der Film versteht etwas, das auch King nur zu gut weiß: Geld macht keine Monster – es gibt ihnen lediglich eine Schaufel in die Hand. | © Warner Bros.

Cropped Jaws — 4. Der weiße Hai (1975)

*Der weiße Hai* machte aus einem kaputten mechanischen Hai eine der effektivsten Spannungsmaschinen der Filmgeschichte. Vor allem, weil Steven Spielberg verstanden hatte, dass Panik noch beängstigender ist, wenn sie sich langsam und Stück für Stück aufbaut.

Die Rückenflosse, die Musik, das scheinbar endlose Wasser, der Bürgermeister, der so tut, als wäre alles völlig in Ordnung: Jedes Detail fügt sich zu einem absurd simplen und gleichzeitig perfekt konstruierten Albtraum am Strand zusammen. Roy Scheider, Richard Dreyfuss und Robert Shaw verleihen dem Film seine menschliche Seite – besonders, sobald sich die Handlung auf dieses eine Boot verlagert.

Seitdem versuchen Blockbuster, ein ähnlich klares und wirkungsvolles Gefühl von Angst zu erzeugen. | © Universal Pictures

Cropped Mean Streets 1973 — 3. Hexenkessel (1973)

*Hexenkessel* hat die rohe Energie eines Regisseurs, der eine Tür einfach auftritt, bevor ihm überhaupt jemand sagen konnte, wo sie sich befindet. Martin Scorsese verwandelt Little Italy in einen brodelnden Kessel aus katholischen Schuldgefühlen, Kleinkriminalität, unbezahlten Schulden und Männern, die so reden, als wären sie jederzeit nur eine Beleidigung davon entfernt, zu explodieren.

Harvey Keitel verleiht dem Film sein angeschlagenes Gewissen, während Robert De Niros Johnny Boy durch die Handlung wirbelt wie ein lebendes Streichholz. Der Film ist chaotisch, laut und intim – und bis heute gefährlich lebendig. | © Taplin-Perry-Scorsese Productions

Cropped Close Encounters of the Third Kind 1977 — 2. Unheimliche Begegnung der dritten Art (1977)

Steven Spielbergs *Unheimliche Begegnung der dritten Art* behandelt den Kontakt mit Außerirdischen weniger wie eine Invasion als vielmehr wie einen spirituellen Ausnahmezustand – nur mit deutlich besserer Beleuchtung. Richard Dreyfuss spielt Besessenheit als etwas Peinliches, Komisches und zugleich ein wenig Beängstigendes und hält das Staunen dadurch fest in der menschlichen Unvollkommenheit verankert.

Der Kartoffelbrei, die Melodie aus fünf Tönen, die leuchtenden Raumschiffe über dem Devils Tower – jede einzelne Szene scheint dafür geschaffen, sich dauerhaft ins Gedächtnis einzubrennen. Es ist Science-Fiction, die von Ehrfurcht und Staunen lebt, nicht von Zynismus. Genau das lässt ihre Fremdartigkeit beinahe etwas Heiliges an sich haben. | © Columbia Pictures

Double Indemnity 1944 — 1. Frau ohne Gewissen (1944)

*Frau ohne Gewissen* ist Film noir mit durchgetretenem Gaspedal: schicke Anzüge, fatale Fehlentscheidungen, Zigarettenrauch und Dialoge, die zuschnappen wie eine Falle. Billy Wilder verleiht der Mordgeschichte eine schonungslose Eleganz, doch Barbara Stanwyck und Fred MacMurray sind das eigentliche Gift im Glas. Sie lassen Lust und Berechnung wie zwei Seiten derselben verdorbenen Medaille erscheinen.

Edward G. Robinsons Versicherungsdetektiv sorgt für den moralischen Druck, während der Film die Schlinge mit jeder Szene enger zieht, ohne auch nur einen Moment zu verschwenden. Viel klarer, härter oder cleverer wird das Genre des Kriminalfilms kaum. | © Paramount Pictures

1-10

Stephen King versetzt seine Leser seit Jahrzehnten in Angst und Schrecken, doch sein Filmgeschmack geht weit über Spukhäuser und Killerclowns hinaus. Seine Lieblingsfilme zeigen, dass der Schriftsteller eine Vorliebe für packende Spannung, skurrile Charaktere, fiese Überraschungen und Geschichten hat, die ganz genau wissen, wie sie einem unter die Haut gehen.

Ein Blick auf Stephen Kings Lieblingsfilme aller Zeiten macht deutlich, dass seine Fantasie nicht nur von Büchern, sondern mindestens ebenso sehr vom Kino geprägt wurde. Und ja: Der Mann, der einer halben Welt Albträume beschert hat, hat offenbar einen ausgezeichneten Geschmack, wenn es darum geht, sich selbst ordentlich das Fürchten zu lehren.