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Die 50 besten Videospiel-Franchises aller Zeiten

1-50

Henry Henzler

Gaming - September 20th 2026, 09:00 MESZ

Monster Hunter Wilds — 50. Monster Hunter (2004)

*Monster Hunter* hat die Vorbereitung zu einem Teil des Abenteuers gemacht, statt sie als lästige Pflicht vor dem eigentlichen Spiel zu behandeln. Die Gewohnheiten einer Kreatur zu studieren, die richtige Ausrüstung zu wählen und eine ordentliche Mahlzeit zu kochen, kann genauso wichtig sein wie das Schwingen eines Schwerts von der Größe eines Kühlschranks. Einst außerhalb Japans als Nischen-Besessenheit abgetan, entwickelte sich das Franchise schließlich zu einem der größten weltweiten Erfolge von Capcom. Es hat Geduld zu etwas Heldenhaftem gemacht und das gemeinsame „Grinden“ mit Freunden zu einem Wochenendritual werden lassen. | © Capcom

Cropped Uncharted — 49. Uncharted (2007)

Nathan Drake verbringt den Großteil von *Uncharted* damit, Ereignisse zu überleben, die bei einer gewöhnlichen Person nur einen Fleck an einer antiken Wand hinterlassen würden. Diese fröhliche Missachtung der Physik wurde zu einem Teil des Reizes, getragen von scharfzüngigen Dialogen, filmischem Pacing und außergewöhnlichen Setpieces. Naughty Dog fand einen überzeugenden Mittelweg zwischen spielbarem Abenteuer und Blockbuster-Spektakel. Klettern, Rätsel, Schießereien und einstürzende Architektur griffen selten so reibungslos ineinander - oder sahen dabei so verdammt teuer aus. | © Naughty Dog

Doom eternal msn — 48. DOOM (1993)

*DOOM* hat den Ego-Shooter zwar nicht erfunden, aber dem Genre den lautestmöglichen Startschuss verpasst. Schnelle Bewegungen, geniale Karten, dämonische Symbolik und eine blühende Modding-Community halfen dabei, die Kreation von id Software zu einer Säule des PC-Gamings zu machen. Das moderne Revival funktionierte, weil niemand versuchte, den Doom Slayer feinfühlig oder emotional zugänglich darzustellen. Der Auftrag bleibt wunderbar eindeutig: Geh in die Hölle, finde eine Schrotflinte und versau Satan den Nachmittag. | © id Software

Cropped Battlefield — 47. Battlefield (2002)

*Battlefield* verkauft die Illusion von organisierter Kriegsführung, nur um die Spieler dann in Matches zu werfen, in denen ohne jede Erklärung ein Jeep vom Himmel fallen kann. Riesige Karten, Gefechte mit verbundenen Waffen, zerstörbare Umgebungen und klassenbasiertes Teamwork hoben die Reihe von stärker geskripteten Militär-Shootern ab. In ihren besten Zeiten brachte jede Schlacht Geschichten hervor, die kein Kampagnenautor hätte planen können. Heldentum und völlige Inkompetenz lagen dabei häufig innerhalb derselben zehn Sekunden - manchmal sogar verschuldet durch ein und denselben Spieler. | © EA DICE

Cropped Tony Hawks Pro Skater — 46. Tony Hawk's Pro Skater (1999)

Eine ganze Generation entdeckte durch *Tony Hawk’s Pro Skater* die Punkmusik, Skateboard-Fachbegriffe und das ungesunde Verlangen, schwebende Buchstaben einzusammeln. Die präzise Steuerung von Neversoft machte grundlegende Tricks leicht zugänglich, bot aber gleichzeitig eine enorme spielerische Tiefe für Spieler, die auf der Jagd nach absurden Kombos waren. Schulen, Lagerhallen und Flughäfen wurden zu Spielplätzen, auf denen die Schwerkraft wie eine höfliche Empfehlung behandelt wurde. Selbst nach durchwachsenen Fortsetzungen und einem katastrophalen Remake blieb die ursprüngliche Formel stark genug, um ein spektakuläres Comeback hinzulegen. | © Neversoft

Cropped Kirby — 45. Kirby (1992)

*Kirby* sieht aus wie ein Marshmallow mit Erdbeergeschmack und besiegt regelmäßig Wesen, die in der Lage sind, die gesamte Realität zu verschlingen. Dieser Kontrast bringt das Franchise perfekt auf den Punkt: einladendes Platforming an der Oberfläche, wunderbar seltsamer, kosmischer Unsinn darunter. Die Kopierfähigkeiten verwandeln Gegner in potenzielle Spielzeuge, was es jüngeren Spielern ermöglicht zu experimentieren, ohne dass erfahrenere Fans auf Vielfalt verzichten müssen. Nintendo hat größere Maskottchen, aber Kirby bleibt seine verlässlichste Quelle für Wohlbefinden - vorausgesetzt, man fängt nicht an, über die schrecklichen Auswirkungen seines Verdauungssystems nachzudenken. | © HAL Laboratory

Cropped Wolfenstein — 44. Wolfenstein (1981)

Lange bevor Shooter zum dominierenden Genre der Gaming-Welt wurden, experimentierte Wolfenstein bereits mit Stealth, Labyrinthen und dem Ausbruch aus Nazi-Festungen. Seine spätere Verwandlung in eine First-Person-Actionreihe half dabei, Konventionen zu etablieren, denen unzählige Entwickler folgen sollten. MachineGames fand schließlich eine unerwartete emotionale Tiefe in B.J. Blazkowicz, ohne dabei den pulpigen Exzess des Franchise aufzugeben. Der zentrale Reiz erfordert jedoch keine wissenschaftliche Interpretation: Schreckliche Faschisten treffen auf zunehmend absurde Waffen, und niemand trauert um die Munition. | © id Software

Cropped Gran Turismo — 43. Gran Turismo (1997)

Kazunori Yamauchi begegnete Automobilen mit einer Ehrfurcht, die normalerweise der bildenden Kunst vorbehalten ist, und *Gran Turismo* verlangte von den Spielern dasselbe. Seine riesigen Garagen, das überzeugende Handling, die akribische Präsentation und die gefürchteten Lizenzprüfungen brachten eine neue Ernsthaftigkeit in das Genre der Konsolen-Rennspiele. Jedes Fahrzeug fühlte sich weniger wie eine austauschbare Option an, sondern vielmehr wie eine Maschine, die es wert ist, verstanden zu werden. Das Franchise wurde zudem zu einem wiederkehrenden Aushängeschild für die PlayStation-Hardware und bewies, dass das Bewundern von Spiegelungen auf einer polierten Motorhaube durchaus als Unterhaltung gelten kann. | © Polyphony Digital

Cropped Borderlands — 42. Borderlands (2009)

*Borderlands* kombinierte kooperatives Schießen mit zufallsgenerierter Beute, noch bevor diese Ehe zu einer branchenweiten Fixierung wurde. Die Comicbuch-Präsentation von Pandora, die verrückten Bewohner und ein scheinbar bodenloser Vorrat an Schusswaffen verliehen der Reihe eine Identität, die lauter war als ein Bandit mit einem Megafon. Ihr Sinn für Humor hat nie jedem gefallen, und spätere Teile verwechselten gelegentlich ununterbrochenes Reden mit ununterbrochener Comedy. Dennoch bleibt das grundlegende Prinzip gefährlich effektiv: Feinde erschießen, Waffen vergleichen und augenblicklich vergessen, wie Sonnenlicht aussieht. | © Gearbox Software

41. Quake (1996)

*Quake* zog Ego-Shooter in vollständig dreidimensionale Räume und fing sofort an zu testen, wie schnell Spieler durch diese hindurchfliegen können. Rocket-Jumping, aggressive Bewegungsmuster, Online-Wettkämpfe, gotische Maschinerie und Trent Reznors nervenaufreibende Soundkulisse verliehen dem Original eine ganz eigene Persönlichkeit. Die zugrundeliegende Technologie erwies sich als ebenso einflussreich wie die Monster des Spiels, da sie jahrelang andere Titel antrieb und Modder schulte. Der moderne E-Sport und das gesamte 3D-Action-Genre stehen tief in der Schuld dieses düsteren Korridors voller wütender Polygone. | © id Software

Cropped Hitman — 40. Hitman (2000)

Agent 47 ist vielleicht der auffälligste Glatzkopf der Welt, aber eine geliehene Uniform macht ihn anscheinend unsichtbar. Wer diesen Scherz akzeptiert, schaltet die Genialität von *Hitman* frei, wo opulente Schauplätze als komplexe Attentatsrätsel fungieren. Spieler können Routinen studieren, Unfälle ausnutzen, Katastrophen improvisieren oder auf Eleganz pfeifen und stattdessen einen veritable nationalen Notstand hinterlassen. IO Interactive hat das Prinzip perfektioniert, indem das Studio auf die Neugier der Spieler vertraute, Fehlschläge unterhaltsam gestaltete und erkannte, dass eine Quietscheente tödlicher sein kann als militärische Ausrüstung. | © IO Interactive

Cropped Crash Bandicoot — 39. Crash Bandicoot (1996)

PlayStation brauchte ein Maskottchen, und Crash tauchte wirbelnd durch Kisten auf, die Augenbrauen so hochgezogen, als kenne er bereits den Marketingplan. Die Trilogie von Naughty Dog präsentierte farbenfrohe Levels aus wechselnden Perspektiven und mischte Cartoon-Spektakel mit einem Platforming, das weitaus anspruchsvoller war, als sein fröhliches Erscheinungsbild vermuten ließ. Auf die Kamera zuzurennen, während ein Felsbrocken die Verfolgung aufnahm, erzeugte eine ganz besondere Art von Panik. Die lange Abwesenheit des Beuteldachses stärkte seine Fangemeinde nur noch weiter und machte das spätere Revival zu etwas, das sich wie eine Heimkehr anfühlte. | © Naughty Dog

Cropped Need for Speed — 38. Need for Speed (1994)

Konstanz war noch nie die größte Stärke von *Need for Speed*, aber Neuerfindung war es dafür umso mehr. Das Franchise hat sich durch exotische Supersportwagen, Polizeiverfolgungsjagden, Rundstreckenrennen, Tuner-Kultur, offene Welten und Geschichten bewegt, in denen Schauspieler heldenhaft versuchten, neben getunten Hondas ernst zu wirken. Ableger wie *Hot Pursuit* und *Underground* fingen bestimmte automobile Fantasien mit bemerkenswerter Stilsicherheit ein. Wenn die Reihe ihre Spur findet, lässt niemand Geschwindigkeitsüberschreitungen so glänzend, rücksichtslos oder augenblicklich einladend wirken. | © Electronic Arts

Dragon age — 37. Dragon Age (2009)

Die meisten Fantasy-Helden besiegen das Böse und ernten Applaus; *Dragon Age*-Helden besiegen das Böse und erben gleich mehrere neue politische Krisen. BioWare füllte Thedas mit konkurrierenden Religionen, verletzten Kulturen, moralischen Kompromissen und Gefährten, die bereit sind, die Entscheidungen des Spielers zu hinterfragen. Jeder Teil hat Kämpfe und Erkundung anders angepackt und dabei gelegentlich das eigene Publikum gespalten. Das verbindende Element ist das Gespräch: Geständnisse am Lagerfeuer, ideologische Streitgespräche, unüberlegte Romanzen und Entscheidungen, die garantiert mindestens ein geliebtes Gruppenmitglied verärgern. | © BioWare

Cropped The Sims — 36. Die Sims (2000)

Die Menschheit zu retten klingt wichtig, aber *Die Sims* versteht, dass die Auswahl der Tapete und das Überreden von jemandem, das Badezimmer zu benutzen, sich genauso dringlich anfühlen können. Maxis schuf eine Lebenssimulation, die gleichzeitig als Puppenhaus, Architekturprogramm, soziales Experiment und unfreiwillige Folterkammer fungiert. Spieler kamen, um Karrieren und Beziehungen zu managen, und verbrachten dann drei Stunden damit, eine Küche anzupassen. Hinter all der Absurdität verbirgt sich ein bemerkenswert flexibles Erzählsystem, das in der Lage ist, häusliche Triumphe, Generationen-Dramen oder eine weitere verdächtige Tragödie im Pool hervorzubringen. | © Maxis

Cropped Gears of War — 35. Gears of War (2006)

*Gears of War* wirkt, als sei alles aus Beton gemeißelt, einschließlich der Soldaten. Dieses übersteigerte Gefühl von Wucht und Gewicht verlieh dem Franchise einen ganz eigenen Kampfrhythmus: Hechte in die Deckung, passe das Timing für ein aktives Nachladen ab und mache unterirdische Monster mit einem Kettensägen-Bajonett bekannt. Ihr Einfluss trug dazu bei, dass brusthohe Mauern in der darauffolgenden Konsolengeneration unumgänglich wurden. Unter all dem Testosteron und dem industriellen Schmutz verbarg sich jedoch eine überraschend aufrichtige Geschichte über Freundschaft, Opferbereitschaft und Soldaten, die versuchten zu lachen, während ihre Welt zusammenbrach. | © Epic Games

Cropped Yakuza — 34. Yakuza/Like a Dragon (2005)

*Like a Dragon*, das international früher als *Yakuza* vermarktet wurde, kann einen opernhaften Verrat und ein Hühner-Management-Minispiel inszenieren, ohne einen tonalen Totalschaden zu erleiden. Seine Helden navigieren durch das organisierte Verbrechen, selbstgewählte Familien und rasant eskalierende Verschwörungen in dicht besiedelten japanischen Vierteln voller Ablenkungen. Kazuma Kiryu wurde zur Ikone, weil seine immense körperliche Stärke niemals sein Mitgefühl oder seine herrliche soziale Unbeholfenheit verdrängte. Die Bereitschaft des Franchises, gleichzeitig aufrichtig, lächerlich und brutal dramatisch zu sein, ist keine Orientierungslosigkeit - sie ist das eigentliche Kunststück. | © Ryu Ga Gotoku Studio

Diablo II 2000 cropped processed by imagy — 33. Diablo (1996)

Das Funktionsprinzip hinter *Diablo* ist verdächtig simpel: Monster anklicken, Gegenstand einsammeln und feststellen, dass dieser Gegenstand geringfügig besser ist als der vorherige. Blizzard umgab diesen Zwang mit einer gotischen Atmosphäre, spürbaren Kämpfen, flexiblen Charakter-Builds und der allgegenwärtigen Aussicht auf einen außergewöhnlichen Loot-Drop. Das Ergebnis half dabei, das Action-RPG-Genre zu definieren, und beeinflusste jahrzehntelang Nachahmer. Sanktuario mag ein elender Ort voller Dämonen und ewigem Leiden sein, aber die Spieler kehren immer wieder zurück, weil diese Stiefel einfach hervorragende Werte haben. | © Blizzard Entertainment

Cropped Mass Effect — 32. Mass Effect (2007)

BioWare versprach in *Mass Effect* eine ganze Galaxie, aber die Crew der Normandy wurde schließlich der Grund, warum die Spieler für deren Rettung kämpften. Die Entscheidungen von Commander Shepard zogen sich über drei Spiele hinweg, was dazu führte, dass Beziehungen, Loyalitäten und Fehler den Spielern auf einer ungewöhnlich persönlichen Reise folgten. Die ursprüngliche Trilogie kombinierte militärische Science-Fiction mit politischen Intrigen und weitaus mehr Gesprächen über Romanzen mit Aliens, als irgendjemand erwartet hatte. Über das Ziel wird bis heute gestritten; die Reise selbst, voller außergewöhnlicher Gefährten und unmöglicher Entscheidungen, lässt sich jedoch nur schwer leugnen. | © BioWare

Cropped Tekken — 31. Tekken (1994)

Die Familie Mishima hätte es mit einer Familientherapie versuchen können, aber Verwandte wiederholt von Klippen und in Vulkane zu werfen, erwies sich als deutlich besser vermarktbar. Hinter *Tekkens* spektakulär ungesunder Familiengeschichte verbirgt sich ein hochentwickeltes 3D-Kampfsystem, das auf Bewegung, Timing, Kontern und umfangreichen Move-Listen basiert. Die Riege der Kämpfer reicht von Kampfkünstlern über Roboter und Bären bis hin zu einem Profi-Wrestler, der sich durch Jaguar-Geräusche verständigt. Irgendwie ist dieses Chaos spielmechanisch ernst genug geblieben, um Turniere zu prägen, und emotional albern genug, um zugänglich zu bleiben. | © Bandai Namco Entertainment

Cropped Animal Crossing — 30. Animal Crossing (2001)

*Animal Crossing* erteilt heroischer Dringlichkeit eine Absage und setzt stattdessen auf Angeln, Dekorieren, Schulden und Gespräche mit Nachbarn, die zufällig Tiere sind. Die Uhr des Spiels läuft auch dann weiter, wenn die Konsole ausgeschaltet ist, wodurch sich jedes Dorf in einen Ort verwandelt, der scheinbar ohne ständige Aufsicht existiert. Diese sanfte Routine entwickelte immer dann eine besondere Kraft, wenn sich das reale Leben überfordernd anfühlte. Nintendo fand Drama in verpassten Geburtstagen und Rübenpreisen und bewies damit, dass ein Spiel keinen Bösewicht braucht, wenn Tom Nook einem bereits die Hypothek präsentiert hat. | © Nintendo

Cropped Donkey Kong — 29. Donkey Kong (1981)

*Donkey Kong* begann als Marios Fässer werfender Erzfeind, bevor er zum Krawatte tragenden Helden seiner eigenen Jump-’n’-Run-Dynastie wurde. *Donkey Kong Country* erfand ihn neu - mit vorgerenderten Grafiken, rhythmischem Leveldesign, Loren-Panik und einem der facettenreichsten Soundtracks der Videospielgeschichte. Spätere Ableger bewahrten die befriedigende Wucht hinter jeder Rolle, jedem Sprung und jedem Trommelschlag auf den Boden. Das Franchise hat seine Identität zwar immer wieder verändert, aber das Durchbrechen einer sorgfältig aufgereihten Reihe von Fässern spricht nach wie vor ein unkompliziertes und tief verwurzeltes Urbedürfnis im Gehirn an. | © Nintendo

Cropped Starcraft — 28. StarCraft (1998)

Die Anpassungsfähigkeit der Terraner, die Aggressivität der Zerg und die Präzision der Protoss bescherten *StarCraft* drei Fraktionen, die sich grundlegend unterschiedlich anfühlten, ohne die kompetitive Balance zu zerstören. Die Kampagne von Blizzard lieferte Verrat, Tragödien und unvergessliche Science-Fiction-Charaktere, während der Multiplayer das Franchise zu einer Institution des E-Sports machte - insbesondere in Südkorea. Matches belohnen zwar strategisches Denken, erfordern aber auch eine beängstigende mechanische Geschwindigkeit, wodurch professionelles Spielen an ein kompetitives Klavierkonzert erinnert, das während einer Alien-Invasion aufgeführt wird. Die Veröffentlichungen waren zwar spärlich gesät, doch der Einfluss des Titels auf das Echtzeit-Strategie-Genre ist kaum zu überschätzen. | © Blizzard Entertainment

Half Life — 27. Half-Life (1998)

Gordon Freeman erschien zu einem ganz gewöhnlichen Arbeitstag und veränderte Ego-Shooter versehentlich für immer. *Half-Life* verlagerte das Geschichtenerzählen direkt in die spielbare Welt, wodurch Katastrophen, Gespräche und geskriptete Ereignisse ablaufen konnten, ohne dem Spieler ständig die Kontrolle zu entziehen. Die Fortsetzung erweiterte diese Ambition durch Physikspielereien, ausdrucksstarke Charaktere und die bedrückende Schönheit von City 17. Valve hat im Vergleich zum gewaltigen Einfluss des Franchises bemerkenswert wenige Titel veröffentlicht - was erklärt, warum die Drei bis heute die emotional komplizierteste Zahl im Bereich des PC-Gamings bleibt. | © Valve

Cropped Age of Empires — 26. Age of Empires (1997)

Die Geschichtsschreibung verliert innerhalb von *Age of Empires* erheblich an Respektabilität. Zivilisationen durchschreiten Jahrhunderte in wenigen Minuten, Dorfbewohner malochen völlig ohne Arbeitsschutz und ganze Militärkampagnen brechen zusammen, weil jemand vergessen hat, ein weiteres Haus zu bauen. Ensemble Studios balancierte Zugänglichkeit mit komplexen Wirtschaftssystemen und taktischer Kriegsführung aus. Damit schenkten sie PC-Spielern eine Strategieserie, die vorausschauende Planung belohnt, ohne an Persönlichkeit einzubüßen. Zudem sorgten sie dafür, dass Mönche, die „*wololo*“ rufen, einen dauerhaften Platz in der Gaming-Kultur einnehmen - ein Erfolg, den kein herkömmliches Geschichtslehrbuch von sich behaupten kann. | © Ensemble Studios

Cropped Persona — 25. Persona (1996)

Die meisten RPG-Helden bereiten sich auf den Kampf vor, indem sie Waffen kaufen; *Persona*-Protagonisten müssen stattdessen auch lernen, einen Nebenjob ausüben und an den Geburtstag eines Freundes denken. Das Franchise kombiniert Dungeon-Crawling mit einem Terminkalender für das Sozialleben, wodurch alltägliche Beziehungen zum Herzstück des Geschichtenerzählens und des Spielfortschritts werden. Stylische Benutzeroberflächen, mitreißende Musik und die Auseinandersetzung mit der eigenen Identität halfen dem Franchise, seinen Ursprüngen als Spin-off zu entkommen und zu einem Aushängeschild von Atlus zu werden. Die Rettung der Menschheit ist natürlich wichtig - aber eine gute Note in der Chemieprüfung am Dienstag ist es eben auch. | © Atlus

Silent Hill MSN — 24. Silent Hill (1999)

Die Monster in *Silent Hill* existieren selten nur, um den Spieler zu jagen; sie offenbaren Schuldgefühle, Trauer, Verdrängung und andere Wunden, auf die man wesentlich schwerer schießen kann. Der Nebel verbarg im ursprünglichen Spiel noch technische Einschränkungen und wurde zu einem der bekanntesten visuellen Stilmittel des Horrorgenres. In seinen besten Momenten paart das Franchise verwundbare Charaktere mit einem Sounddesign, das selbst einen leeren Raum krankhaft wirken lässt. Viele Horrorspiele liefern effektive Schockmomente. *Silent Hill* lässt die Spieler mit der Frage zurück, was der Albtraum eigentlich über sie selbst aussagen wollte. | © Konami

Cropped FIFA — 23. FIFA/EA Sports FC (1993)

Für Millionen von Spielern begann eine neue Fußballsaison traditionell mit aktualisierten Kadern, umstrittenen Spielerbewertungen und einer weiteren Ausgabe von *FIFA*. Lizenzierte Vereine und eine authentische Präsentation halfen der Reihe zu dominieren, aber es waren die lokalen Rivalitäten, die ihr kulturelle Beständigkeit verliehen. Matches konnten ein ruhiges Wohnzimmer durch einen einzigen abgefälschten Ball oder ein schlecht getimtes Tackling in ein feindseliges Stadion verwandeln. Der Name *FIFA* ist zwar inzwischen verschwunden, doch die Fußballreihe von EA wird unter *EA Sports FC* fortgeführt und schleppt jahrzehntelange Gewohnheiten und Feindseligkeiten mit sich herum. | © EA Sports

Cropped Warcraft — 22. Warcraft (1994)

*Warcraft* begann als Echtzeit-Strategie-Konflikt zwischen Menschen und Orcs, bevor es sich zu einem Fantasy-Universum ausweitete, das in der Lage war, ganze soziale Leben zu verschlingen. Die Fraktionen, Helden, Schurken, Raids und endlosen politischen Kehrtwenden von Azeroth machten die Hintergrundgeschichte zu einer gemeinschaftlichen Erfahrung, die von Millionen geteilt wurde. *World of Warcraft* hat das MMORPG zwar nicht erfunden, aber das Genre zu einem Mainstream-Phänomen gemacht. Karrieren veränderten sich, Freundschaften entstanden und unzählige Abendessen wurden kalt, weil die Gilde nur noch einen einzigen Heiler brauchte. | © Blizzard Entertainment

God of war — 21. God of War (2005)

Kratos löste die griechische Mythologie ursprünglich, indem er sie anschrie und riesige Klingen einsetzte. Diese frühen *God of War*-Spiele boten spektakuläre Gewalt, kolossale Bosse und einen Antihelden, der viel zu wütend war, um den Schaden zu bemerken, den er hinter sich her zog. Das nordische Revival löschte diese Vergangenheit nicht aus - es zwang einen älteren Kratos dazu, mit ihr zu leben, während er seinen Sohn Atreus großzog. Nur wenige Franchises haben sich so überzeugend weiterentwickelt, ohne die brutalen Kämpfe und den filmischen Maßstab aufzugeben, die sie berühmt gemacht haben. | © Santa Monica Studio

20. Fallout (1997)

*Fallout* stellt sich die Zukunft durch die zerbrochene Linse des Optimismus der 1950er-Jahre vor und umgibt fröhliche Werbung mit Strahlung, Mutanten und spektakulär schlechter Regierungsplanung. Die ursprünglichen Rollenspiele legten den Fokus auf Entscheidungsfreiheit und schwarzen Humor, während spätere Ableger das Ödland in einen gewaltigen First-Person-Spielplatz verwandelten. Bunker, Fraktionen, moralische Kompromisse und retrofuturistische Technologie verleihen dem Franchise eine Identität, die niemand mit einer anderen Postapokalypse verwechseln könnte. Selbst das Öffnen eines Kühlschranks kann eine Tragödie, einen Witz oder zwölf Kronkorken ans Licht bringen. | © Bethesda Game Studios

Cropped Skyrim — 19. The Elder Scrolls (1994)

*The Elder Scrolls* bietet epische Schicksale, antike Prophezeiungen und die Freiheit, beides zu ignorieren, während man Essgeschirr stiehlt. Die offenen Welten von Bethesda wurden berühmt für ihre enorme Größe, ihre dichte Hintergrundgeschichte, die flexible Charakterentwicklung und gelegentliche Bugs, die sich irgendwie zu liebgewonnenen Erinnerungen entwickelten. *Morrowind*, *Oblivion* und *Skyrim* packten die Fantasy-Erkundung jeweils anders an, aber alle vertrauten darauf, dass die Spieler einfach loswandern. Die größte Errungenschaft des Franchises ist es vielleicht, eine zufällige Höhle dringlicher wirken zu lassen als das wortwörtliche Ende der Welt. | © Bethesda Game Studios

Cropped Mortal Kombat — 18. Mortal Kombat (1992)

*Mortal Kombat* war dank eines Spielautomaten, von dem der digitale Saft nur so herabtropfte, für Kinder unwiderstehlich und für Politiker alarmierend. Die Fatalities sorgten für den Skandal, aber es waren die unverwechselbaren Kämpfer, die komplexe Mythologie und eine immer weiter eskalierende Vorliebe für anatomische Absurditäten, die das Franchise groß machten. Die Kontroverse um das Spiel trug maßgeblich zur Einführung des amerikanischen Alterseinstufungssystems für Videospiele bei, was ihm einen Einfluss weit über reine Kampfmechaniken hinaus verlieh. Jahrzehnte später verspricht „*Finish Him*“ noch immer ein Ende, das der herkömmlichen medizinischen Wissenschaft keinerlei Respekt zollt. | © Midway Games

Cropped Tomb Raider — 17. Tomb Raider (1996)

Lara Croft wurde zu einem weltweiten Star, als 3D-Actionspiele noch lernten, wie sich Knie überhaupt beugen sollten. Das ursprüngliche *Tomb Raider* legte den Fokus auf einsame Erkundung, Umgebungsrätsel, Akrobatik und antike Stätten, die sich trotz strenger technischer Grenzen gigantisch anfühlten. Spätere Reboots verwandelten Lara von einer unnahbaren Abenteurerin in eine verletzliche Überlebende, was dem Franchise mehrere unterschiedliche Identitäten verlieh. Durch jede Version hindurch bleibt die Faszination ungebrochen: Entdecke einen verbotenen Ort, bringe Unruhe hinein und entkomme, während die Architektur um dich herum zusammenbricht. | © Core Design

Cropped Mega Man — 16. Mega Man (1987)

Besiege einen Robot Master, eigne dir seine Waffe an und setze diese Waffe gegen einen anderen Boss ein: *Mega Man* baute ein ganzes Imperium auf diesem einen, wunderbar eleganten Prinzip auf. Präzises Platforming, farbenfrohe Gegner, frei wählbare Levels und ein herausragender Soundtrack machten den „Blue Bomber“ zu einem prägenden Capcom-Helden. Zahlreiche Spin-off-Reihen führten später Cyberpunk-Zukünfte, Rollenspielsysteme und genug Zeitlinien ein, um jeden Historiker zu erschrecken. Unabhängig vom Setting können sich Spieler stets darauf verlassen, dass verschwindende Blöcke genau dann auftauchen, wenn ihre Geduld am geringsten ist. | © Capcom

Cropped Castlevania — 15. Castlevania (1986)

Dracula besitzt ein beeindruckendes Schloss und renoviert anscheinend das gesamte Anwesen zwischen den Besuchen der Familie Belmont. Frühe *Castlevania*-Spiele verlangten präzise Bewegungen, disziplinierte Angriffe und die Akzeptanz, dass Treppen natürliche Feinde waren. *Symphony of the Night* tauschte später den linearen Spielverlauf gegen Erkundung und RPG-Systeme ein und half so, den Begriff „Metroidvania“ zu prägen. Gotische Kunst, grandiose Musik und Generationen von Monsterjägern haben das Franchise am Leben erhalten - selbst in langen Phasen, in denen Konami entschlossen schien, es zu begraben. | © Konam

14. Metroid (1986)

Einsamkeit ist in *Metroid* kein leerer Raum, sondern die Atmosphäre selbst. Samus Aran erkundet feindselige Planeten mit kaum spürbarer Führung und erlangt dabei langsam Fähigkeiten, die unzugängliche Barrieren in Einladungen verwandeln. *Super Metroid* half dabei, das Genre des nicht-linearen Action-Platformings zu definieren, während *Metroid Prime* diese Erkundung in die Ego-Perspektive übertrug, ohne die ursprüngliche Stimmung zu verlieren. Spieler schalten nicht einfach nur Türen frei - sie entwickeln ein neues Verständnis für ihre Umgebung und kehren schließlich mit genug Raketen zurück, um jede frühere Meinungsverschiedenheit endgültig beizulegen. | © Nintendo

Cropped Metal Gear — 13. Metal Gear (1987)

*Metal Gear* kann über nukleare Abschreckung, genetische Vorbestimmung, Überwachung und den militärisch-industriellen Komplex philosophieren, nur um den Spieler im nächsten Moment aufzufordern, sich in einem Pappkarton zu verstecken. Hideo Kojima verschmolz Stealth-Mechaniken mit filmischem Storytelling, politischer Gesellschaftsangst, dem Durchbrechen der vierten Wand und herrlich ausufernden Dialogen. Solid Snake wurde zu einem Helden, der sich ebenso sehr durch Zurückhaltung wie durch Feuerkraft definierte und die Spieler dazu ermutigte, Patrouillen zu studieren, anstatt sie auszulöschen. Die Handlungsstränge grenzen oft an Fieberträume, doch ihre Warnungen vor Technologie sind ungemütlich gut gealtert. | © Konami

12. Grand Theft Auto (1997)

*Grand Theft Auto* verwandelte offene Welten in Orte, an denen Spieler einer dramatischen Kriminalgeschichte folgen oder sie völlig ignorieren konnten, um eine Sechs-Sterne-Katastrophe zu verursachen. Der Sprung in die 3D-Welt veränderte das Franchise, während *San Andreas*, *GTA IV* und *GTA V* dessen Ehrgeiz, Satire und kulturelle Reichweite immer weiter ausbauten. Nur wenige Serien haben das moderne Spieldesign, oder den öffentlichen Aufschrei, mit einer solchen Konstanz beeinflusst. Seine Städte fühlen sich weniger wie Karten an, sondern vielmehr wie kriminelle Spielplätze, die nur auf eine einzige schreckliche Entscheidung warten. | © Rockstar Games

Assassins Creed Unity — 11. Assassin's Creed (2007)

*Assassin’s Creed* stellte fest, dass historische Wahrzeichen erheblich an Attraktivität gewinnen, wenn es den Spielern erlaubt ist, auf sie hinaufzuklettern. Das Franchise mischt Parkour, Stealth, Verschwörungsfiktion und nachgebildete Epochen, die sich von den Kreuzzügen bis zum feudalen Japan erstrecken. Seine Formel hat sich je nach Ableger erweitert, zusammengezogen und bis in reinrassiges RPG-Territorium hinein verändert. Selbst in ihren überladensten Momenten bietet die Reihe ein verlockendes Versprechen, das kein Lehrbuch parat hat: Geschichte lässt sich von den Dächern aus erkunden - vorzugsweise, nachdem man eine Wache in einen Heuhaufen gestoßen hat. | © Ubisoft

Cropped The Witcher — 10. The Witcher (2007)

Geralt von Riva betrat die Gaming-Welt als etablierte literarische Figur und wurde schließlich zum Gesicht einer der gefeiertsten RPG-Reihen überhaupt. *The Witcher* baut seine Fantasy-Welt auf Vorurteilen, Krieg, Folklore, politischen Intrigen und Aufträgen auf, die Kreaturen mit höchst unappetitlichen Essgewohnheiten betreffen. Seine Entscheidungen lassen sich selten sauber in Heldentum und Schurkerei unterteilen; die Konsequenzen melden sich meist erst später mit einem Messer im Rücken. *The Witcher 3* hob das Franchise durch eine offene Welt auf eine neue Stufe, in der selbst unbedeutende Nebenaufgaben zu unvergesslichen Tragödien werden konnten. | © CD Projekt Red

Cropped Dark Souls 1 — 9. Dark Souls (2009)

*Dark Souls* behandelt Scheitern als Lektion, auch wenn diese Lektionen häufig von einem gepanzerten Riesen erteilt werden, der mit einem Baumstamm wirft. Bedachte Kämpfe, miteinander verbundene Welten, kryptisches Storytelling und bedeutungsvolle Erkundungen sorgten dafür, dass sich Lordran zwar feindselig, aber selten willkürlich anfühlte. Spieler lernten, Animationen zu lesen, ihre Ausdauer zu managen und zu akzeptieren, dass Gier sie wieder und wieder töten würde. Ihr Einfluss wurde so weitreichend, dass „Soulslike“ mittlerweile eine ganze Designtradition beschreibt - wobei oft ignoriert wird, wie viel Melancholie, Neugier und seltsamer Humor diese Härte eigentlich begleiteten. | © FromSoftware

Cropped Resident Evil — 8. Resident Evil (1996)

Ein abgelegenes Herrenhaus, knappe Munition, hölzerne Dialoge und ein bemerkenswert widerstandsfähiges Pharmaunternehmen gaben den Startschuss für *Resident Evil*. Capcom hat das Franchise immer wieder neu aufgebaut und bewegte sich vom Survival-Horror mit fester Kameraperspektive über explosive Action bis hin zu intimem Terror in der Ego-Perspektive. Diese Wechsel hätten seine Identität eigentlich zerstören müssen, doch Zombies, komplexe Rätsel, Body-Horror und schamloser Trash-Charme halten nach wie vor alles zusammen. Andere Franchises erfinden sich neu, um Trends zu folgen; *Resident Evil* hat lang genug überlebt, um mehrere eigene Trends zu durchlaufen. | © Capcom

Cropped Street Fighter — 7. Street Fighter (1987)

*Street Fighter II* hat mehr getan, als nur seinen Vorgänger zu verbessern - es hat die Sprache etabliert, die kompetitive Prügelspiele bis heute sprechen. Spezielle Tastenkombinationen, Charakter-Matchups, Kombos, Zoning und psychologische Kriegsführung verwandelten Arcade-Matches in öffentliche Prüfungen des eigenen Könnens. Capcom hat die Formel immer wieder überarbeitet, ohne ihre grundlegende Klarheit anzutasten: Zwei Kämpfer treten an, ein Spieler verpasst das Timing für einen Dragon Punch und ein Streit beginnt. Ryus Hadoken ist und bleibt auf Anhieb wiedererkennbar, weil das Franchise es geschafft hat, dass Perfektion schwierig, begehrenswert und gerade so erreichbar aussieht. | © Capcom

Cropped Halo — 6. Halo (2001)

Die Xbox brauchte ein Zugpferd; *Halo: Combat Evolved* erschien mit dem Master Chief, einer mysteriösen Ringwelt und einer Steuerung, durch die sich Shooter auf Konsolen absolut natürlich anfühlten. Seine aufladbaren Schilde und das Limit auf zwei Waffen prägten das gesamte Genre neu, während Fahrzeuge und das Verhalten der Gegner die Kämpfe dynamisch hielten. Der Multiplayer trug das Franchise von der heimischen Couch per Splitscreen bis hin zu Xbox Live und brachte legendäre Rivalitäten sowie haarsträubende Beweise von Unsportlichkeit hervor. Die gregorianischen Gesänge bestätigten im Grunde nur, dass das Abschießen von bunten Aliens irgendwie zu einer heiligen kulturellen Zeremonie geworden war. | © Bungie

Cropped Sonic — 5. Sonic the Hedgehog (1991)

Sonic wurde von Sega als schnellerer, coolerer Rivale zu Mario konzipiert, und der blaue Igel wurde schnell zu einem Sinnbild für das Lebensgefühl der 1990er-Jahre. Seine besten Spiele verwandeln Schwung und Dynamik in pure Begeisterung und belohnen Spieler, die jedes Level gut genug kennen, um nicht mehr vorsichtig hindurchzugehen. Der Übergang in die 3D-Welt brachte historische Höhepunkte, spektakuläre Tiefpunkte und mehr Experimente, als eine Qualitätskontrolle vernünftigerweise hätte überwachen können. *Sonic the Hedgehog* überlebt, weil Geschwindigkeit, farbenfrohe Landschaften, exzellente Musik und fröhliches Chaos nach wie vor eine kraftvolle Kombination sind. | © Sega

Cropped Final Fantasy — 4. Final Fantasy (1987)

Die meisten langlebigen Franchises bewahren einen Helden oder ein bestimmtes Setting; *Final Fantasy* wirft häufig beides über Bord und startet eine neue Apokalypse ganz von vorn. Kristalle, Beschwörungen, Luftschiffe, emotionale Katastrophen und wunderschön gekleidete Schurken schaffen Kontinuität in ansonsten völlig unabhängigen Welten. Square Enix hat sein Kampfsystem immer wieder neu gestaltet, von rundenbasierten Gruppenkämpfen bis hin zum Echtzeit-Spektakel, und nimmt die Diskussionen, die jede Verwandlung mit sich bringt, bereitwillig in Kauf. Dieser rastlose Ehrgeiz führt zu unbeständigen Ergebnissen, hält das Franchise aber auch nach fast vier Jahrzehnten seiner unmöglich zu erklärenden Existenz immer noch für Überraschungen offen. | © Square Enix

Cropped Pokemon — 3. Pokémon (1996)

„*Schnapp sie dir alle*“ ist vielleicht der erfolgreichste, unmögliche Marketingauftrag der Geschichte. *Pokémon* hat das Sammeln, Kämpfen, Tauschen und Erkunden für Kinder leicht verständlich gemacht, während sich darunter genug Strategie verbirgt, um Jahrzehnte später kompetitive Communities zu tragen. Das erste Starter-Pokémon eines jeden Spielers wird zu einer seltsam beständigen, emotionalen Erinnerung - was erklärt, warum Debatten über fiktive Kreaturen besorgniserregend ernsthaft werden können. Die Hauptspiele sahen sich zwar berechtigter Kritik ausgesetzt, weil sie sich zu vorsichtig weiterentwickelten, doch das zentrale Prinzip bleibt nahezu unschlagbar: Stelle ein Team zusammen und reise gemeinsam. | © Game Freak

Cropped Zelda — 2. The Legend of Zelda (1986)

*The Legend of Zelda* wird weitaus effektiver von Neugier angetrieben als von jeder Questmarkierung. Jede Ära hat das Abenteuer anders interpretiert - von der gefährlichen Wildnis des Originalspiels über das 3D-Fundament von *Ocarina of Time* bis hin zur systemischen Freiheit von *Breath of the Wild*. Dungeons, Rätsel, Musik, seltsame Charaktere und sorgfältig platzierte Geheimnisse sorgen dafür, dass sich Hyrule vertraut anfühlt, ohne vorhersehbar zu werden. Link mag zwar wiederholt ohne Ausrüstung und mit lückenhaften Erinnerungen aufwachen, aber die Spieler verstehen den Auftrag immer sofort: Wähle eine Richtung und finde es heraus. | © Nintendo

Cropped Mario — 1. Super Mario (1985)

*Super Mario* besetzt den ersten Platz, weil Nintendo dieses Franchise mehr als einmal genutzt hat, um das Platformer-Genre völlig neu zu definieren. *Super Mario Bros.* half dabei, die Grammatik von Side-Scrolling-Spielen zu etablieren, *Super Mario 64* zeigte einer ganzen Branche, wie Bewegung in 3D funktioniert, und spätere Ableger behandelten jede neue Spielmechanik weiterhin wie ein Spielzeug. Mario selbst braucht kaum Komplexität - das Springen ist seine Persönlichkeit. Das Erstaunliche daran ist, dass es nach Jahrzehnten voller Königreiche, Galaxien und Röhren immer noch sofortige Freude auslösen kann, ihn zu steuern. | © Nintendo

1-50

A single brilliant game can define a generation, but building a franchise that remains relevant for decades is a far tougher achievement. These series changed how we play, introduced characters recognized far beyond gaming, and survived everything from console wars to disastrous sequels. Ranking them means weighing quality, influence, longevity, and the number of childhood arguments they started. Only 50 can make the cut, and nostalgia will not be enough to secure the top spot.

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A single brilliant game can define a generation, but building a franchise that remains relevant for decades is a far tougher achievement. These series changed how we play, introduced characters recognized far beyond gaming, and survived everything from console wars to disastrous sequels. Ranking them means weighing quality, influence, longevity, and the number of childhood arguments they started. Only 50 can make the cut, and nostalgia will not be enough to secure the top spot.