Kinder des Meeres nimmt Meeresmythologie und verwandelt sie in etwas, das sich eher wie ein Fiebertraum als eine traditionelle Animationsgeschichte anfühlt. Die Bilder wechseln zwischen fotorealistischen Wassereffekten und abstrakten kosmischen Sequenzen, die die Handlung zwar schwer nachvollziehbar, aber unmöglich zu ignorieren machen. Zwei mysteriöse Jungen, die mit Meeresbewohnern kommunizieren können, ziehen ein junges Mädchen in ein Abenteuer, das sich immer weiter zu etwas Riesigem und Unerklärlichem steigert. Das Ganze ist so vollkommen bizarr und schön, dass es selbst dann funktioniert, wenn man keine Ahnung hat, was eigentlich vor sich geht. | © GKIDS
Big Fish & Begonia entstand über zwölf Jahre hinweg, und die akribische Detailverliebtheit ist in jeder Minute sichtbar – von der Bewegung des Wassers bis zum Lichtspiel auf der antiken Architektur. Die Geschichte dreht sich um ein Mädchen aus einem magischen Reich, das eine Schuld gegenüber der Menschenwelt begleichen muss. Doch die Handlung verstrickt sich in Mythologie und romantischen Komplikationen, die nie ganz so elegant wirken wie die Bilder. Was den Film dennoch fesselnd macht, ist die konsequente Umsetzung seiner eigenen, eigentümlichen Logik. So entsteht eine Welt, die gleichermaßen vertraut und total fremd erscheint. Allein die Animation ist sehenswert, selbst wenn die Geschichte mal etwas den Faden verliert. | © Funimation Films
The Glassworker ist Pakistans erster handgezeichneter Animationsfilm und erzählt die Geschichte eines jungen Glasbläsers und seines Vaters, deren friedliches Dorf vom Krieg bedroht wird. Der Film besticht durch den sorgfältigen Rhythmus handwerklicher Arbeit und baut Spannung durch kleine Momente statt durch explosive Szenen auf. Regisseur Usman Riaz verbrachte fast ein Jahrzehnt damit, jedes einzelne Bild von Hand zu gestalten, und diese Geduld spiegelt sich in der Animation wider, die gleichermaßen zart und eindringlich wirkt. Was zunächst wie ein schönes Kunstwerk erscheinen mag, gewinnt an Dringlichkeit, als die Außenwelt schließlich einbricht. | © Geo Films
The Deer King thematisiert den Ausbruch der Pest in einer Fantasywelt, in der Politik und Medizin aufeinandertreffen auf eine Weise, die sich beunruhigend relevant anfühlt. Van, ein ehemaliger Soldat, der zum Sklaven wurde, flieht mit einem jungen Mädchen und entdeckt, dass er möglicherweise immun gegen eine tödliche Krankheit ist, die ein ohnehin schon gebrochenes Königreich zerreißt. Der Film widmet sich mit viel Liebe zum Detail dem Weltenbau und beleuchtet die feinen Nuancen, wie unterschiedliche Kulturen aufeinanderprallen und kooperieren, wenn es ums Überleben geht. Es ist ein komplexes Werk, das Aufmerksamkeit belohnt, sich aber nie wie eine Hausaufgabe anfühlt. | © GKIDS
Night is Short, Walk On Girl verwandelt einen Abend in Kyoto in einen Fiebertraum aus Zufällen, Festen und romantischem Chaos, die irgendwie alle miteinander verbunden sind. Regisseur Masaaki Yuasa wirft Studenten, Buchmessen, Trinkwettbewerbe und Fabelwesen in eine einzige turbulente Nacht und erschafft so etwas wie Alice im Wunderland, neu interpretiert als japanische Romantikkomödie. Der Animationsstil wechselt ständig und fängt jede bizarre Begegnung mit einer handgezeichneten und lebendigen Optik ein, wie sie die meisten Studios schon vor Jahren aufgegeben haben. Der Film beweist, dass romantische Komödien schräg, persönlich und völlig unvorhersehbar sein können, ohne dabei ihren Charme zu verlieren. | © GKIDS
Flow setzt eine schwarze Katze in einer Welt aus, in der die Menschen verschwunden sind und das Wasser unaufhörlich steigt, weigert sich aber zu erklären warum. Die gesamte Geschichte entfaltet sich ohne Dialoge und begleitet die Katze, die sich mit einem Capybara, einem Lemur, einem Hund und einem Sekretärvogel verbündet, um auf einem mysteriösen Boot zu überleben. Was als einfache Überlebensgeschichte beginnt, entwickelt sich zu etwas Seltsamerem und Spirituellerem, insbesondere als sich antike Statuen zu bewegen beginnen und die Realität sich auf eine Weise verzerrt, die gleichermaßen beunruhigend wie tröstlich wirkt. Die Animation fängt jeden Tropfen und jedes Schnurrhaar mit handgezeichneter Präzision ein und erweckt die überflutete Welt zum Leben. | © Sideshow and Janus Films
Um ein Schnurrhaar erzählt die Geschichte eines Teenagers, der eine magische Maske entdeckt, die ihn in eine Katze verwandelt. So kann er seinem Schwarm näherkommen, der Katzen Menschen vorzieht. Die Prämisse klingt nach reiner Wunschvorstellung, doch der Film nutzt diese Verwandlung, um Einsamkeit und die zermürbende Mühe, sich für die Liebe zu verstellen, zu thematisieren. Regisseur Junichi Sato erschafft eine Welt, in der der magische Realismus authentisch und nicht bloß verspielt wirkt und die Fantasie in der realen Frustration von Teenagern verankert. Die emotionale Wucht des Films ist am größten, wenn die Magie eher als Flucht denn als Lösung erscheint. | © Netflix
Luca funktioniert, weil der Film versteht, dass die schönsten Sommerfreundschaften sich anfühlen wie die Entdeckung einer geheimen Welt, die nur einem selbst gehört. Pixar verzichtet auf die übliche Coming-of-Age-Sorge und lässt zwei Seemonster-Kinder einfach nur Eis genießen, von einer Vespa träumen und durch eine italienische Küstenstadt flitzen, die im Sonnenlicht wie handgemalt wirkt. Die Freundschaft zwischen Luca und Alberto hat echtes Gewicht, ohne dass künstliches Drama nötig ist, um sie zu untermauern. Wo andere Animationsfilme die Metapher vielleicht stärker betont hätten, vertraut dieser Film darauf, dass es genügt, zu sehen, wie jemand seine Leute findet. | © Disney
In Der Junge und das Biest gerät ein einsamer Neunjähriger in eine verborgene Welt, in der anthropomorphe Wesen für den Kampf trainieren. Dort wird ihm der eigensinnigste und tollkühnste Mentor zugeteilt, den man sich vorstellen kann. Regisseur Mamoru Hosoda spinnt die Geschichte um eine ungewöhnliche Vater-Sohn-Beziehung, die durch Schwertkämpfe, gemeinsame Mahlzeiten und ständige Streitereien zwischen einem Jungen, der Führung braucht, und einem Biest, das ihm diese nicht geben kann, wächst. Die menschliche Welt greift immer wieder in die Fantasiewelt ein und erzeugt Spannungen zwischen dem Leben, das der Junge sich aufbaut, und dem, das er zurückgelassen hat. Was als einfaches Abenteuer auf der Suche nach einer Familie beginnt, wird zu etwas Kompliziertem, als beide Welten von ihm verlangen, sich zwischen ihnen zu entscheiden. | © Funimation
Ein Brief an Momo nimmt die simple Prämisse eines Mädchens, das auf eine abgelegene Insel zieht, und füllt sie mit Yokai, die durch ihre Decke brechen, ihr Essen stehlen und ihr Leben auf ganzer Linie durcheinanderbringen. Die drei Kobolde sollen unsichtbar sein, doch Momo kann sie sehen, was aus einem potenziell ruhigen Familiendrama etwas viel Skurrileres und Unvorhersehbareres macht. Regisseur Hiroyuki Okiura hat sieben Jahre an diesem Film gearbeitet, und diese Geduld zeigt sich darin, wie authentisch jede Kulisse wirkt und wie jede Szene der Charaktere ihre Wirkung entfaltet, ohne sich aufgesetzt anzufühlen. Die Yokai selbst sehen aus, als wären sie einem klassischen japanischen Kunstwerk entsprungen, doch sie benehmen sich wie schelmische Mitbewohner, um die niemand gebeten hat. | © GKIDS
Suzume öffnet Türen, die niemals geöffnet werden sollten, und entfesselt riesige Würmer, die Japan zu zerstören drohen, falls ein junges Mädchen sie nicht wieder schließt. Makoto Shinkai nimmt seine übliche Faszination für Distanz und Sehnsucht und fügt apokalyptische Bedrohungen sowie einen sprechenden Stuhl hinzu, der einst ein Mensch war. Der Film schafft es auf wundersame Weise, sowohl die intimen Momente als auch die gewaltigen Katastrophenszenen gleichermaßen wichtig erscheinen zu lassen – genau diese Balance machte Your Name. – Gestern, heute und für immer so erfolgreich. Was ihn von anderen Anime-Blockbustern unterscheidet, ist die Ernsthaftigkeit, mit der er eine Protagonistin behandelt, die die Hälfte des Films damit verbringt, Möbel quer durchs Land zu jagen. | © Crunchyroll
Die Melodie des Meeres entfaltet seinen Zauber aus irischer Folklore und handgezeichneter Animation, die an zum Leben erwachte illuminierte Handschriften erinnert. Die Geschichte begleitet einen Jungen und seine Selkie-Schwester auf ihrer Reise durch eine Welt, in der uralte Geister langsam zu Stein erstarren. Doch der Film lässt die Mythologie nie das schlichte Familiendrama im Zentrum überschatten. Tomm Moore und sein Team von Cartoon Saloon haben etwas geschaffen, das zeitlos und zugleich tief in seiner Heimat verwurzelt ist, indem sie traditionelle irische Musik und Kunststile verwenden, die die meisten Animationsfilme meiden würden. Das Ergebnis ist wie ein Wiegenlied mit echter Bedeutung. | © GKIDS
Wolfwalkers verwandelt irische Folklore in einen handgezeichneten Animationsfilm, der so lebendig wirkt, wie es die meisten Studios kaum noch beherrschen. Die Geschichte dreht sich um ein junges Mädchen, das entdeckt, dass es sich in einen Wolf verwandeln kann. Doch die wahre Magie liegt darin, wie Cartoon Saloon traditionelle keltische Kunst mit fließenden, fast atmenden Bewegungen verbindet. Jedes einzelne Bild wirkt wie eine zum Leben erwachte, illuminierte Manuskriptseite, besonders wenn die Wolfsrudel-Szenen in goldenen Bewegungsrauschen über den Bildschirm flimmern. Der Film beweist, dass 2D-Animation immer noch Geschichten erzählen kann, die CGI einfach nicht kann. | © Apple TV+
Mary und die Blume der Hexen kam mit überzogenen Erwartungen. Der Film stammt von ehemaligen Ghibli-Animatoren, die nach dem Rücktritt des Meisters Studio Ponoc gründeten. Visuell erfüllt er alle Erwartungen: handgezeichnete Magie, die einen in die vertraute Welt von schwebenden Haaren und detailreichen Hintergründen zurückversetzt. Doch die Geschichte hetzt durch Momente, denen Miyazaki mehr Raum gegeben hätte, und presst die Intrigen an der Hexenschule und die magischen Experimente in ein Tempo, das nie richtig zur Ruhe kommt. Es ist eine wunderschöne Nostalgie, die daran erinnert, warum die Originale so erfolgreich waren. | © GKIDS
Your Name nimmt die für derbe Komödien typische Körpertausch-Prämisse und verwandelt sie in etwas unerwartet Erschütterndes. Zwei Teenager aus verschiedenen Teilen Japans tauschen in ihren Träumen die Körper, hinterlassen sich gegenseitig Nachrichten und verlieben sich langsam über die unüberwindbare Distanz hinweg. Dann enthüllt der Film, warum sie sich niemals persönlich treffen können, und die ganze süße Ausgangslage wird zu einem Wettlauf gegen die Zeit und die Erinnerung selbst. Der Film beweist, dass Anime genauso berührend sein kann wie jedes Realfilmdrama, wenn es darum geht, das Publikum öffentlich zu Tränen zu rühren. | © Funimation Films
Studio Ghibli hat Maßstäbe für animiertes Geschichtenerzählen gesetzt, die nur wenige Filme erreichen. Einige kommen dem jedoch näher, als man erwarten würde. Diese Filme sind es wert anzuschauen, wenn man alle Filme, die Ghibli je gemacht hat, gesehen hat und immer noch mehr von diesem besonderen Gefühl will.
