The Salvation – Spur der Vergeltung reduziert den Western auf seine brutalsten Grundelemente: Ein dänischer Einwanderer muss mit ansehen, wie seine Familie ermordet wird, und macht sich anschließend systematisch auf die Jagd nach allen Verantwortlichen. Mads Mikkelsen spricht während des Großteils des Films kaum ein Wort und lässt stattdessen sein Gesicht die ganze Last von Trauer und Wut tragen, während die Gewalt schonungslos und hässlich bleibt.
Der Film fühlt sich weniger wie ein klassischer Western an als wie ein fiebriger Rachefeldzug, bei dem jeder Schusswechsel mit der Wucht eines Vorschlaghammers einschlägt. Er beweist, dass das Genre manchmal am besten funktioniert, wenn es alles andere hinter sich lässt und nur noch eines übrig bleibt: Wut und eine geladene Waffe. | © IFC Films
The Proposition – Tödliches Angebot entführt dich ins australische Outback, wo Zivilisation kaum mehr ist als ein Wort, das auf hölzerne Schilder gemalt wurde, und das Gesetz letztlich davon abhängt, wer brutaler sein kann als die Bushranger, die gejagt werden. Guy Pearce spielt einen Mann, der zwischen dem Versuch, seinen jüngeren Bruder zu retten, und dem Mord an seinem älteren Bruder gefangen ist. Gleichzeitig versucht ein britischer Captain, viktorianische Ordnung in einer Landschaft durchzusetzen, die über die bloße Vorstellung davon nur zu lachen scheint.
Nick Cave schrieb sowohl das Drehbuch als auch den Soundtrack und taucht jede Szene in Staub, Blut und eine moralische Verkommenheit, die alle Beteiligten zu Mittätern macht. Der Film tut nie so, als wäre das Leben an der Frontier romantisch gewesen. Stattdessen zeigt er sie als hässlich und auf ihre eigene Weise notwendig – und als einen Ort, dessen Bilder noch lange nach dem Abspann nachwirken. | © First Look Pictures
Bone Tomahawk beginnt als langsam erzählter Western über die Rettung entführter Bewohner einer Kleinstadt und entwickelt sich im letzten Akt zu etwas weitaus Brutalerem. Der Wechsel vom klassischen Frontier-Drama zum Horror geschieht so schleichend, dass du kaum bemerkst, wie tief du bereits in einen Albtraum geraten bist, bis es zu spät ist, noch umzukehren.
Kurt Russell und seine kleine Gruppe stehen einem Gegner gegenüber, neben dem selbst typische Western-Bösewichte harmlos wirken. Was als Rettungsmission beginnt, wird zu einem Test dafür, wie viel Gewalt man als Zuschauer tatsächlich ertragen kann, wenn sie derart schonungslos und ohne jeden Filter gezeigt wird. | © RLJ Entertainment
Die Version von Todeszug nach Yuma aus dem Jahr 2007 nimmt die einfache Ausgangsidee, einen gefangenen Gesetzlosen zu einem Zug zu bringen, und macht daraus ein psychologisches Duell zwischen Christian Bales verzweifeltem Rancher und Russell Crowes charismatischem Banditen. Crowe versucht während des Großteils des Films, sich aus seiner Gefangenschaft herauszureden, anstatt sich freizuschießen, wodurch sich jedes Gespräch wie ein Ringen um die Seele eines Menschen anfühlt.
Der Film funktioniert so gut, weil er versteht, dass es in Western im Kern darum geht, wozu Menschen bereit sind, wenn ihnen alles andere genommen wird. Wenn der Zug schließlich eintrifft, wird klar, dass es im gesamten Film eigentlich um eine Frage ging: Können anständige Menschen anständig bleiben, wenn die Welt sie immer wieder dafür bestraft? | © Lionsgate
Once Upon a Time in Hollywood überträgt die Faszination des Westerns für Mythen und Legenden ins Los Angeles des Jahres 1969. Dort muss der alternde TV-Cowboy Rick Dalton zusehen, wie seine Karriere langsam zerfällt, während im Hintergrund die Manson-Morde näher rücken. Tarantino inszeniert den Film wie einen entspannten Streifzug durch den Alltag, der ganz nebenbei vom Ende des goldenen Zeitalters Hollywoods erzählt. Leonardo DiCaprio und Brad Pitt verbringen dabei lange Szenen mit Autofahren, Trinken und Fernsehen.
Die Gewalt, die man von Tarantino erwartet, hebt er sich bis zum letzten Akt auf. Dort wird die Geschichte mit derselben beiläufigen Brutalität neu geschrieben, mit der der Regisseur bereits den Zweiten Weltkrieg in Inglourious Basterds umgedeutet hat. Was den Film zu einem Western macht, ist sein Blick auf Hollywood selbst: als eine Art Grenzland, in dem Legenden erschaffen und zerstört werden. | © Sony Pictures
The Revenant macht aus dem Kampf ums Überleben etwas, das sich eher wie Survival-Horror als wie der klassische Heldenmut eines Westerns anfühlt. Leonardo DiCaprio kämpft sich gefühlt die halbe Laufzeit durch eine eisige Wildnis, während die Kamera unangenehm nah an jedem brutalen Moment seiner Genesung nach dem Bärenangriff bleibt.
Alejandro González Iñárritu drehte den gesamten Film mit natürlichem Licht und einer regelrechten Obsession für körperliches Leid, sodass einem schon beim Zuschauen kalt wird. Dem Film geht es weniger darum, seinem Publikum eine befriedigende Rachegeschichte zu liefern, als darum, sowohl seinen Protagonisten als auch die Zuschauer leiden zu lassen. | © 20th Century Fox
Logan – The Wolverine legt die bunten Kostüme und die von flotten Sprüchen geprägten Dialoge ab, die Superheldenfilme jahrzehntelang geprägt haben, und lässt stattdessen etwas zurück, das eher an die letzte Reise eines alternden Revolverhelden erinnert. Hugh Jackmans Wolverine ist körperlich am Ende und kümmert sich um einen ebenfalls zunehmend gebrechlichen Professor X, während die Welt längst über die Mutanten hinweggegangen ist.
Der Film rechtfertigt seine Altersfreigabe ab 18 durch brutale Gewalt, die tatsächlich etwas bedeutet und nicht nur dem Spektakel dient. Wenn Wolverine seine Krallen ausfährt, wirken sie wie die letzten verzweifelten Hiebe eines Mannes, der weiß, dass seine Zeit abläuft. | © 20th Century Fox
Mad Max: Fury Road reduziert den Western auf seinen absoluten Kern: eine Verfolgungsjagd durch feindliches Gebiet, bei der das Überleben von Geschwindigkeit, Munition und der Fähigkeit abhängt, im richtigen Moment einem Fremden zu vertrauen. George Miller verwandelt das australische Ödland in das perfekte Grenzland. Dort führt Imperator Furiosa einen Konvoi entführter Frauen aus der Festung eines Tyrannen fort, während Max unfreiwillig in die Flucht hineingezogen wird.
Der Film kommt zwei Stunden lang kaum zur Ruhe, doch jede Explosion und jeder Crash dient der einfachen Geschichte von Menschen, die versuchen, einem besseren Leben entgegenzufahren. Er beweist, dass der beste Weg, ein Genre neu zu erfinden, manchmal darin besteht, sich daran zu erinnern, was es ursprünglich so gut gemacht hat. | © Warner Bros. Pictures
Die Coen-Brüder nahmen Charles Portis' Roman als Vorlage und schufen eine Verfilmung, die dem Originaltext treu bleibt und zugleich unverkennbar ihre eigene Handschrift trägt. Hailee Steinfelds Mattie Ross treibt die Handlung mit einer derart sturen und wortgewandten Entschlossenheit voran, dass sie weitaus furchteinflößender wirkt als die meisten erwachsenen Männer um sie herum.
Jeff Bridges gibt Rooster Cogburn als einen Mann, der förmlich in Whiskey und schlechten Entscheidungen eingelegt wurde. Die eigentliche Spannung entsteht jedoch dadurch, dass ein junges Mädchen sich von niemandem einschüchtern lässt und sich weigert, auch nur einen Schritt zurückzuweichen. Die Coen-Brüder verzichten auf die romantische Hollywood-Verklärung und ersetzen sie durch eine düstere, bitter-komische Gewalt, die ehrlicher vermittelt, welchen Preis das Leben im Wilden Westen die Menschen tatsächlich kostete. | © Paramount Pictures
The Harder They Fall nimmt den klassischen Rache-Western und erzählt ihn mit einem ausschließlich schwarzen Ensemble. Im Mittelpunkt stehen Geschichten, die Hollywood jahrzehntelang ignoriert hat. Jeymes Samuel inszeniert jede Schießerei und jedes Duell wie ein Musikvideo mit echtem Rhythmusgefühl und verleiht bekannten Western-Konfrontationen dadurch eine Atmosphäre, die zugleich nostalgisch und völlig neu wirkt.
Der Film entschuldigt sich zu keinem Zeitpunkt für seinen ausgeprägten Stil oder dafür, historische Figuren wie Nat Love und Bass Reeves in den Mittelpunkt zu rücken, wo sie schon immer hingehörten. Er beweist, dass der Western nie so weiß sein musste, wie viele Menschen angenommen haben. | © Netflix
Dead Man verwandelt den Western in einen fiebrigen Albtraum, in dem Johnny Depps Buchhalter durch ein surreales Grenzland stolpert, das eher an einen Albtraum von Tim Burton erinnert als an die Welt, durch die einst John Wayne ritt. Jim Jarmusch dreht den gesamten Film in kontrastreichem Schwarz-Weiß und lässt Neil Youngs E-Gitarre über Szenen voller spiritueller Verwirrung und falscher Identitäten kreischen.
Der Film bewegt sich im Tempo eines Menschen, der langsam verblutet – und genau das passiert auch, während Depps Figur von einem Gedichte zitierenden Native American in den Tod geführt wird, der ihn für den Dichter William Blake hält. Nichts daran folgt der Logik eines klassischen Westerns, und genau das ist der Punkt. | © Miramax Films
Wind River entführt dich in einen Winter in Wyoming, der so brutal ist, dass die Kälte selbst zu einer Figur der Geschichte wird. Jeremy Renners Wildnisexperte tut sich mit Elizabeth Olsens FBI-Agentin zusammen, um einen Mord im Wind-River-Reservat aufzuklären. Der Film funktioniert jedoch vor allem deshalb so gut, weil er die Ermittlungen wie Survival-Horror bei eisigen Temperaturen inszeniert.
Drehbuchautor und Regisseur Taylor Sheridan nutzt die weite, verschneite Landschaft, um zu zeigen, wie Isolation Gewalt begünstigen und es nahezu unmöglich machen kann, Gerechtigkeit zu finden. Der eigentliche Kriminalfall ist dabei weniger wichtig als die Beobachtung zweier Menschen, die sich durch eine Umgebung kämpfen müssen, in der ein einziger falscher Schritt den Tod bedeuten kann. | © The Weinstein Company
The Power of the Dog verbringt einen Großteil seiner Laufzeit damit, Benedict Cumberbatchs Rancher dabei zuzusehen, wie er mit kalkulierter Grausamkeit alle Menschen um sich herum unglücklich macht, die beinahe wie eine Form von Performancekunst wirkt. Jane Campion verwandelt die weite Landschaft Montanas in einen klaustrophobischen Ort, an dem jede Begegnung von unausgesprochenen Spannungen und verdrängten Begierden geprägt ist.
Der Film nimmt sich bewusst viel Zeit, bis im letzten Akt deutlich wird, dass all diese psychologischen Manipulationen auf etwas weitaus Dunkleres hinauslaufen. Was zunächst wie eine Charakterstudie über toxische Männlichkeit wirkt, entwickelt sich zu einem Thriller, der niemals laut werden muss. | © Netflix
Sicario wirft eine FBI-Agentin mitten in den Grenzkrieg zwischen Kartellen und staatlichen Sicherheitskräften und lässt sie dabei erkennen, dass die Grenze zwischen Strafverfolgung und Kriminalität schon lange verschwunden ist. Denis Villeneuve verwandelt den Drogenkrieg in einen Albtraum in der Wüste, in dem jeder Konvoi in einen Hinterhalt geraten könnte und jeder Verbündete seine ganz eigene Agenda verfolgt.
Emily Blunts Figur glaubt zunächst, Teil eines legitimen Einsatzes zu werden, bis sie erkennt, dass es bei der eigentlichen Mission längst nicht mehr um Gerechtigkeit geht. Der Film behandelt die Gewalt wie ein Fieber, das bereits alle angesteckt und verändert hat – bis auf diejenige, die gerade erst angekommen ist und nun zum ersten Mal erkennt, was hier wirklich vor sich geht. | © Lionsgate
Hell or High Water nimmt den verzweifelten Bankraubfilm und verlegt ihn ins moderne Texas, wo der eigentliche Feind nicht das Gesetz, sondern die Banken selbst sind. Zwei Brüder überfallen Filialen in Kleinstädten, um ihre Familienranch vor der Zwangsversteigerung zu bewahren, während zwei Texas Ranger ihnen auf den Fersen sind. Die Verfolgungsjagd wirkt dabei weniger wie ein typischer Katz-und-Maus-Thriller als wie ein Abgesang auf ein sterbendes Amerika.
Das Drehbuch findet selbst im wirtschaftlichen Zusammenbruch noch schwarzen Humor und vermittelt das Gefühl, dass jede Figur gegen dasselbe manipulierte System kämpft, nur von einer anderen Seite. Es ist einer dieser seltenen Filme, bei denen Böse, Gute und alle dazwischen scheinbar gleichermaßen gegen etwas verlieren, das größer ist als sie selbst. | © Lionsgate
Der Neo-Western nimmt alles, was klassische Western so großartig macht – die moralischen Grauzonen, die weiten Landschaften und den Einzelgänger, der sich einer gleichgültigen Welt entgegenstellt – und überträgt es in die moderne Zeit. Diese Filme prägen das Genre und liefern die besten Argumente dafür, warum der Western eigentlich nie wirklich verschwunden ist.
