Diese Ideen änderten alles.
Paramount brachte Alle Mörder sind schon da im Jahr 1985 mit drei verschiedenen Enden in die Kinos, und welches man zu sehen bekam, hing ganz davon ab, in welches Kino man ging. Jonathan Lynn führte Regie bei der Verfilmung, die auf dem Brettspiel von Hasbro basiert, ein Novum bei der Adaption eines Spiels ohne feste Handlung.
Das Publikum beschwerte sich damals zwar, doch fürs Heimkino wurden schließlich alle drei Enden in einer einzigen Fassung zusammengeschnitten. Kein Studio hatte zuvor das Wagnis eingewagt, ein Brettspiel als Vorlage zu nutzen, und nur wenige haben es seitdem getan. | © Paramount Pictures
Neunundneunzig Minuten, vier Kameras, eine ununterbrochene Einstellung, null Schnitte. Das ist Timecode, Mike Figgis Experiment aus dem Jahr 2000, bei dem der Bildschirm in vier Quadranten unterteilt ist und alle Schauspieler auf Basis eines fünfzehnseitigen Entwurfs statt eines fertigen Drehbuchs improvisierten.
Der Ton wird live zwischen den vier Feeds abgemischt, um die Aufmerksamkeit zu lenken, da im Nachhinein absolut nichts geschnitten wurde. Nichts im breiten Kinostart hatte das Publikum zuvor aufgefordert, selbst zu entscheiden, wo es hinsieht. | © Sony Pictures Classics
Kathryn Bigelow baute Strange Days um ein fiktives Gerät namens SQUID herum auf, mit dem Menschen die Erinnerungen anderer aufzeichnen und wie ein Tonband wiedererleben können. Der 1995 erschienene Film zeichnete ein Bild von Los Angeles kurz vor der Jahrtausendwende, ganze vier Jahre bevor das Datum Y2K für irgendjemanden eine Bedeutung hatte.
James Cameron verfasste gemeinsam mit Bigelow, seiner Ex-Frau, das Drehbuch und produzierte den Film auf Basis einer Geschichte, die er seit Ende der 1980er-Jahre entwickelt hatte. Bodycams und das Abspielen von Erinnerungen als Horrorelement waren Ideen, an die sich Hollywood bis dahin noch nicht gewagt hatte. | © 20th Century Fox
Ein Regisseur schneidet vor der Kamera seine eigene Brust auf und nennt es Unterhaltung. Bob Fosse drehte Hinter dem Rampenlicht im Jahr 1979 als kaum verhüllte Aufarbeitung seines eigenen Herzinfarkts und seiner Operation am offenen Herzen aus dem Jahr 1974. Roy Scheider spielt das Double für Fosse, das Musical-Nummern choreografiert, während es zwischen den Proben Ketten raucht und Pillen schluckt.
Niemand zuvor hatte seine eigene Krankenakte in ein vollwertiges Musical verwandelt, samt einem Ende, das das eigene Überleben gar nicht erst vortäuscht. | © 20th Century Fox
Peter Weirs Film aus dem Jahr 1998 stellt die Frage, was passiert, wenn sich das gesamte Leben eines Mannes als Fernsehstudio entpuppt. Jim Carrey spielt Truman Burbank, der keine Ahnung hat, dass Seahaven Island eine Studio-Kulisse ist und alle Menschen um ihn herum nur Schauspieler sind. Der Film nahm das Genre des Reality-TVs vorweg, da Big Brother in den USA erst im Jahr 2000 auf Sendung ging.
Das Drehbuch von Andrew Niccol kursierte bereits seit Anfang der 1990er-Jahre, jahrelang bevor Menschen ihr Leben vor Kameras verbrachten, damit Fremde ihnen dabei zusehen können. | © Paramount Pictures
Paddy Chayefsky schrieb die Zeile „Ich bin verdammt wütend und ich lasse mir das nicht mehr gefallen!“ für einen Nachrichtensprecher, der live vor der Kamera einen Nervenzusammenbruch erleidet und das Publikum im Jahr 1976 hatte noch gar keine Kabelfernseh-Kultur, mit der es das hätte vergleichen können.
Howard Beale poltert sich zu immer höheren Einschaltquoten, anstatt von der Bildfläche genommen zu werden, genau der Scherz, der aufhörte witzig zu sein, als echte Sender begannen, haargenau dasselbe zu tun. Chayefsky gewann seinen dritten Oscar für das Drehbuch. Niemand zuvor hatte einen psychotischen Moderator ins Zentrum einer Satire gestellt und zugesehen, wie das Netzwerk ihn dafür belohnt. | © MGM
Gene Hackman spielt einen Überwachungsexperten, der von Schuldgefühlen über seine eigene Abhöraktion so zerfressen wird, dass er seine Wohnung auf der Suche nach einer Wanze demoliert, die es gar nicht gibt. Francis Ford Coppola drehte Der Dialog im Jahr 1974, eingezwängt zwischen den beiden Der Pate-Filmen, mit einem Budget von unter zwei Millionen Dollar.
Das Sounddesign von Walter Murch übernimmt das eigentliche Erzählen und spielt eine einzige mehrdeutige Dialogzeile so lange ab, bis sich ihre Bedeutung völlig ins Gegenteil verkehrt. Niemand zuvor hatte einen Thriller fast ausschließlich auf dem aufgebaut, was ein Tonbandgerät beweisen kann oder eben nicht. | © Paramount Pictures
Charlie Kaufman gab sich im Drehbuch zu Adaption selbst einen Zwillingsbruder namens Donald. Donald existiert zwar gar nicht, doch beide Kaufmans erhielten 2002 eine Oscar-Nominierung für das gemeinsam verfasste Drehbuch. Nicolas Cage spielt beide Rollen, den einen von Selbstzweifeln gelähmt, den anderen voller Tatendrang beim Verfassen eines Thrillers, nach dem niemand gefragt hat.
Spike Jonze inszenierte einen Film über die Unmöglichkeit, ein Buch zu adaptieren, der schließlich genau zu dem Film wird, den er eigentlich nicht machen kann. | © Sony Pictures
Ein Puppenspieler entdeckt eine winzige Tür hinter einem Aktenschrank im 7½. Stock eines Bürogebäudes und sie führt direkt in den Kopf von John Malkovich. Spike Jonze führte Regie nach dem ersten verfilmten Drehbuch von Charlie Kaufman, das 1999 von USA Films veröffentlicht wurde.
Malkovich spielt eine Version seiner selbst, die schließlich selbst durch das Portal in das eigene Unterbewusstsein kriecht, was auf der Leinwand genauso schräg wirkt, wie es klingt. Die von John Cusack gespielte Figur findet heraus, dass sie den Körper eines anderen Mannes für exakt fünfzehn Minuten steuern kann, bevor sie auf den New Jersey Turnpike ausgespuckt wird. | © USA Films
Eine einzige Einstellung, neunzig Minuten, kein einziger Schnitt. Alexander Sokurow drehte Russian Ark im Dezember 2002 in der St. Petersburger Eremitage und bewegte sich mit einem einzigen Steadicam-Operator, Tilman Büttner, durch drei Jahrhunderte russischer Geschichte und dreiunddreißig Räume.
Die Crew erzielte beim dritten Versuch eine nutzbare Aufnahme, nachdem zwei Tage zuvor mit technischen Fehlschlägen geendet hatten. Nichts zuvor hatte versucht, so viel Geschichte ohne jeglichen Schnitt auf Film zu komprimieren. | © Wellspring Media
Nicole Kidman verbringt ganz Dogville in einer Stadt ohne Wände nur Kreidelinien auf dem Boden eines Studio-Sets markieren Häuser und Straßen. Lars von Trier drehte den gesamten Film aus dem Jahr 2003 auf diese Weise und zwang die Schauspieler dazu, das Öffnen nicht existierender Türen pantomimisch darzustellen.
Diese Kahlheit macht es umso schwerer, bei jedem Akt der Grausamkeit in der Geschichte wegzusehen. Nichts anderes, was Lions Gate in diesem Jahr herausbrachte, sah auch nur annähernd danach aus. | © Lions Gate Films
Rückwärts ist die einzige Art und Weise, wie Memento Sinn ergibt und Christopher Nolan baute den gesamten Film aus dem Jahr 2000 um diese Entscheidung herum auf. Guy Pearce spielt einen Mann, der keine neuen Erinnerungen bilden kann, weshalb die Szenen in umgekehrt chronologischer Reihenfolge ablaufen, um den Zuschauer direkt in seine Verwirrung zu versetzen.
Newmarket Films sicherte sich einen Film, den die meisten Studios abgelehnt hatten, weil er für das Marketing als zu verwirrend galt. Die Störung, an der Pearces Figur leidet, eine anterograde Amnesie, war im Mainstream-Kino zuvor kaum thematisiert worden. | © Newmarket Films
Zwanzig Minuten, drei verschiedene Wege, ein tot geglaubter Freund, den es zu retten gilt. Tom Tykwers Lola rennt kam 1998 in die deutschen Kinos, bevor Sony Pictures Classics den Film in die USA brachte. Er durchläuft dreimal denselben Abschnitt Berlins mit kleinen Abweichungen, die sich zu völlig unterschiedlichen Enden aufschaukeln.
Franka Potente rennt durch den gesamten Film, der insgesamt unter 81 Minuten bleibt. Keine frühere Veröffentlichung hatte verzweigte Resets im Videospiel-Stil zu ihrer gesamten Erzählstruktur gemacht. | © Sony Pictures Classics
Acht Tage Filmmaterial mit einem Budget von unter 60.000 Dollar verwandelten sich in einen der erfolgreichsten Unabhängigen Filme aller Zeiten. Daniel Myrick und Eduardo Sánchez wiesen ihre drei Schauspieler an, die Kameras einfach laufen zu lassen und ihre Angst zu improvisieren, während Artisan Entertainment The Blair Witch Project später so vermarktete, als wären die Bänder echt.
Heather Donahues verwackelte Entschuldigung direkt in die Kamera wurde zu dem Bild, das man bis heute mit Found Footage verbindet. Nichts im breiten Kinostart hatte je versucht, Fiktion derart überzeugend als geborgenes Beweismaterial zu verkaufen. | © Artisan Entertainment
Jean Seberg verkauft Zeitungen auf den Champs-Élysées in einer Szene, die eigentlich gar nicht zusammenhalten dürfte, es aber irgendwie trotzdem tut. Jean-Luc Godard drehte Außer Atem im Jahr 1960 mit einer Handkamera und Jump Cuts, die jahrzehntealte Regeln der Kontinuität im Schnitt schlicht ignorierten und die Zeit mitten in einzelnen Gesprächen zerschnitten.
Produzent Georges de Beauregard gab ihm nur ein winziges Budget, was Godard dazu brachte, Szenen auf den echten Straßen von Paris zu improvisieren, statt Kulissen aufzubauen. US-Studios sollten sich noch jahrelang nicht an derart sichtbare Regelbrüche herantrauen. | © Les Films Impéria
Ab und zu wagt ein Film etwas wirklich Neues, eine Technik, eine Erzählstruktur oder eine Idee, die zuvor noch niemand auszuprobieren gewagt hatte.
Hier sind 15 Filme, die Konzepte einführten, an die sich Hollywood vorher nie herangetraut hatte.
