Scooby-Doo und die Gespensterinsel nahm eine Filmreihe, die auf unechten Monstern und Gummimasken basierte, und ließ die Zombies zum ersten Mal seit Jahrzehnten tatsächlich real erscheinen. Der Film bietet authentische Horrormomente, die Kinder, die einen harmlosen Krimi erwartet hatten, zutiefst erschreckt hätten – inklusive echter Untoter und einer überraschend düsteren Hintergrundgeschichte über einen Mord im Amerikanischen Bürgerkrieg. Statt der üblichen Enthüllung der „einmischenden Kinder“ sieht sich die Gang echten übernatürlichen Bedrohungen gegenüber, die sich weder entlarven noch mit Vernunft bezwingen lassen. Der Film bewies, dass die Scooby-Formel auch in völlig neuem Terrain funktionieren kann, ohne ihre Wiedererkennungswerte zu verlieren. | © Warner Bros.
Charlie – Alle Hunde kommen in den Himmel beginnt damit, dass ein Casino betreibender Deutscher Schäferhund von seinem Geschäftspartner ermordet wird. Daraufhin sieht man ihn buchstäblich aus der Hölle fliehen, um Rache zu nehmen. Don Bluth schaffte es irgendwie, Eltern davon zu überzeugen, dass dies altersgerechte Kinderunterhaltung sei, indem er Glücksspiel, organisiertes Verbrechen und theologische Fragen der Erlösung mit sprechenden Tieren und Musikeinlagen vermischte. Das Ergebnis wirkt wie ein Fiebertraum, der sowohl seine Gewalt als auch seine Spiritualität ernst nimmt – etwas, das heutzutage in keinem Studio mehr durchkommen würde. Die meisten Animationsfilme entscheiden sich für eine Richtung, dieser hier hingegen ist gleichzeitig verstörend und aufrichtig. | © United Artists
Taran und der Zauberkessel war Disneys Versuch, erwachsener zu werden und Musikeinlagen und niedliche Nebenfiguren gegen ernste Bedrohungen und tiefe Düsternis einzutauschen. Der Film erzählt die Geschichte eines jungen Schweinehirten, der einen bösen König daran hindern will, mit einem magischen Kessel eine Armee der Untoten zu erwecken. Er verfolgt diese Prämisse mit einer Ernsthaftigkeit, die im Vergleich zu Disneys üblicher Herangehensweise fast fremd wirkt. Charaktere sterben tatsächlich, der Bösewicht wirkt wirklich bedrohlich, und der ganze Film verströmt eine mittelalterliche Fantasy-Atmosphäre, die Disney zuvor noch nie und seitdem auch nicht mehr wirklich versucht hat. Er floppte so gewaltig, dass Disney ihn jahrelang vergrub. Doch das Scheitern lag nicht an der Qualität des Films selbst, sondern daran, dass das Publikum etwas völlig anderes erwartet hatte. | © Walt Disney Pictures
Balto erzählt die wahre Geschichte eines Schlittenhundes, der ein ganzes Dorf rettete, verpackt sie aber in sprechende Tiere und die Suche nach Zugehörigkeit – eine Geschichte, die viel persönlicher wirkt als in den meisten Disney-Filmen. Die Animation findet die perfekte Balance zwischen realistischer Wildnis und märchenhaftem Charme und verleiht der Kulisse Alaskas eine Schwere, die die existenzielle Bedrohung unterstreicht. Der Film überzeugt, weil er nie vergisst, dass sich die Geschichte tatsächlich zugetragen hat. So wirkt der Heldenmut authentisch und nicht konstruiert. Die meisten erinnern sich an ihn als „diesen anderen Hundefilm aus den 90ern“, und genau das ist das Problem. | © Universal Pictures
Corpse Bride wird zwischen Burtons zwei größeren Stop-Motion-Hits gefangen, ist aber womöglich sein romantischster Film. Er verwandelt eine missglückte Hochzeit in etwas unerwartet Zärtliches, in dem die Toten lebendiger sind als die Lebenden und die Liebe mehr zählt als gesellschaftliche Konventionen. Burtons visueller Stil wirkt hier weniger aufgesetzt, da die Geschichte diese gothic-Atmosphäre tatsächlich braucht. Der Film findet in seiner makabren Prämisse echtes Herz, ohne dabei den schwarzen Humor zu verlieren, der Burtons beste Werke so unverwechselbar macht. | © Warner Bros. Pictures
Bernard und Bianca im Känguruland erschien 1990 als Disneys erster vollständig digital animierter Spielfilm, geriet aber in der Renaissance-Timeline des Studios zwischen Arielle, die Meerjungfrau und Die Schöne und das Biest in Vergessenheit. Die Kulisse des australischen Outbacks und die atemberaubenden Flugsequenzen mit Adlern demonstrierten einen technischen Anspruch, den die meisten Leute nie im Kino zu sehen bekamen. Disney behandelte den Film wie eine belanglose Fortsetzung, obwohl er visuell einen größeren Fortschritt darstellte als die Erfolge die ihn umgaben. Der Film bewies, dass Disneys neue computergestützte Animation einen Umfang und eine Dynamik erzeugen konnte, die mit handgezeichneten Zellen unmöglich gewesen wären, und verschwand dann, bevor es jemand bemerkte. | © Walt Disney Pictures
Wolkig mit Aussicht auf Fleischbällchen nimmt eine simple Bilderbuchidee und erschafft eine ganze Welt der Lebensmittelphysik, die innerhalb ihrer eigenen Cartoon-Logik tatsächlich Sinn ergibt. Der Film gibt sich voll und ganz dem Absurden von Hamburger-Regen und Spaghetti-Tornados hin und behandelt jedes meteorologische Ereignis mit derselben wissenschaftlichen Neugier, die auch den Erfinder-Protagonisten antreibt. Die meisten Animationskomödien versuchen einfach, Witze an die Wand zu werfen und zu sehen, was kleben bleibt. Dieser Film baut die Wand aus Pfannkuchen und erklärt dann haargenau, warum sie dort gelandet sind. | © Sony Pictures
Die Hüter des Lichts nimmt die Idee von Kindheitsikonen und verwandelt sie in ein echtes Superheldenteam – inklusive Kampfszenen, die eher an Marvel als an typische Familienunterhaltung erinnern. Der Film setzt diese Prämisse konsequent um und präsentiert uns einen Weihnachtsmann mit zwei Schwertern und eine Zahnfee, die wie ein General eine Armee von Mini-Feen befehligt. DreamWorks investierte Unsummen, um Jack Frosts Eiskräfte spektakulär aussehen zu lassen, doch der Film verschwand so schnell wieder von der Bildfläche, dass die meisten Zuschauer gar nicht mitbekamen, wofür sie ihr Geld eigentlich ausgegeben hatten. Er hatte mehr verdient, als eine Fußnote im Katalog des Studios zu werden. | © DreamWorks Animation/Paramount Pictures
Anastasia bewies, dass Disney nicht das alleinige Monopol auf Musical-Märchen hatte, als Don Bluths Studio eine Geschichte über eine verlorene Prinzessin mit echter emotionaler Tiefe präsentierte. Der Film verwebt seine Fantasie mit einer realen historischen Tragödie und verwandelt den Untergang der Romanow-Familie in etwas, das sich gleichermaßen magisch und überraschend bodenständig anfühlt. Meg Ryan und John Cusack verleihen ihren Synchronrollen im Englischen eine überzeugende Chemie, während die Animation sowohl die Pracht des zaristischen Russlands als auch die unbändige Energie des Paris der Revolutionszeit einfängt. Es ist einer der wenigen Animationsmusicals außerhalb des Disney-Universums, die sich überhaupt nicht so anfühlen als ob sie versuchen, eine Disney-Produktionen zu sein. | © 20th Century Fox
Der Weg nach El Dorado versteht sich in erster Linie als Buddy-Komödie und erst in zweiter Linie als Abenteuerfilm. Die besten Momente entstehen also dadurch, dass man zwei Gaunern dabei zusieht, wie sie sich durch immer absurdere Situationen zanken. Miguel und Tulio wirken wie echte Freunde und nicht wie Comicfiguren, inklusive der Art von kleinen Streitereien, die ihre Freundschaft glaubwürdig machen, selbst als sie versehentlich zu Göttern werden. DreamWorks war im Jahr 2000 noch dabei, seinen Animationsstil zu finden, doch die Bereitschaft des Films, sich auf Humor für Erwachsene und authentische Charakterschwächen einzulassen, verleiht ihm eine Persönlichkeit, die den meisten Familienfilmen fehlt. Er wird auf eine Art chaotisch und schräg, wie es Disney niemals zulassen würde. | © DreamWorks Pictures
Atlantis – Das Geheimnis der verlorenen Stadt wollte Disneys Antwort auf Abenteuerserien und Steampunk-Ästhetik sein – mit U-Booten, alter Technologie und einem Sprachwissenschaftler als Helden, dem tote Sprachen wichtiger sind als Schätze. Der Film besinnt sich voll und ganz auf seine Pulp-Fiction-Wurzeln, tauscht Musikeinlagen gegen explosive Actionsequenzen und ersetzt sprechende Tiere durch gigantische mechanische Ungetüme. Disneys Marketingabteilung wusste nicht, wie sie einen Animationsfilm vermarkten sollte, der eher an Indiana Jones als an Arielle, die Meerjungfrau erinnerte. Das Ergebnis war ein Kassenflop, der heute genau die Art von gewagtem kreativen Experiment darstellt, das Disney nur noch selten wagt. | © Walt Disney Pictures
Mrs. Brisby und das Geheimnis von NIMH behandelt Kinder nicht von oben herab, wie es die meisten Animationsfilme tun, sondern wirft sie direkt in eine Welt, in der Laborexperimente superintelligente Ratten hervorbringen und eine Muttermaus mit wahrhaft furchterregenden Gefahren konfrontiert wird. Don Bluths Animationsstil wirkt düsterer und detailreicher als alles, was Disney zu dieser Zeit produzierte, mit Schatten, die tatsächlich bedrohlich aussehen, und Charakterdesigns, die beinahe beunruhigend wirken. Die Geschichte suggeriert nie, dass Mut bedeutet, keine Angst zu haben. Sie handelt von einer schüchternen Maus, die die ganze Zeit verängstigt ist, aber trotzdem weitermacht, weil ihre Kinder sie brauchen. | © MGM/UA Entertainment Company
Disney verbrachte Jahre damit, handgezeichnete Animationen zu perfektionieren, und experimentierte dann mit deren Verschmelzung mit frühen CGI-Effekten – auf eine Weise, die eigentlich furchtbar hätte aussehen müssen, es aber erstaunlicherweise nicht tut. Der Schatzplanet nimmt Robert Louis Stevensons Piratenabenteuer und verlegt es ins Weltall mit Sonnensurfen, Roboterpiraten und einem Cyborg namens Long John Silver, der tatsächlich gefährlicher wirkt als die meisten Disney-Bösewichte. Der Film floppte an den Kinokassen, unter anderem weil das Publikum nicht bereit für Disneys ungewöhnliche Interpretation eines klassischen Stoffes war. Es ist Disneys bisher gelungenstes Steampunk-Abenteuer, das dennoch als Familienunterhaltung funktionierte. | © Walt Disney Pictures
Die meisten westlichen Zuschauer entdeckten A Silent Voice erst Jahre nach Kinostart durch Mundpropaganda, nicht etwa durch gezielte Kinowerbung. Der Film behandelt Mobbing, Schuldgefühle und Erlösung mit einer emotionalen Ehrlichkeit, die die meisten Realfilme nicht erreichen. Er ging im Schatten von Your Name, der im selben Jahr die Diskussionen um japanische Animationsfilme dominierte, etwas unter – schade, denn für alle, die bereit sind, sich mit anspruchsvollen Themen auseinanderzusetzen, ist er der bessere Film. | © Shochiku
Der Film Der Gigant aus dem All verwandelt eine Parabel auf den Kalten Krieg in etwas unerwartet Zartes, indem er sich auf einen Jungen konzentriert, der sich mit einem riesigen Roboter anfreundet, der alles retten oder zerstören könnte. Brad Bird baut die Geschichte um kleine Momente der Verbundenheit statt um explosive Actionsequenzen auf und verleiht der Freundschaft zwischen Hogarth und dem Riesen so mehr Gewicht als der sie umgebenden Paranoia der Regierung. Der innere Kampf des Roboters, sich zwischen Waffe und Beschützer zu entscheiden, verleiht dem Film eine emotionale Tiefe, die die meisten Animationsfilme nie erreichen. Wenn der Höhepunkt schließlich erreicht ist, trifft er umso härter, weil das Opfer des Riesen verdient und nicht manipuliert wirkt. | © Warner Bros.
Nicht jeder großartige Animationsfilm erreicht das Publikum, das er verdient. Manche floppten an den Kinokassen, andere waren ihrer Zeit einfach voraus. Diese Filme sind zwar etwas untergegangen, aber genauso gut wie die Klassiker, die jeder immer wieder schaut.
