Source Code handelt von einem Soldaten, der immer wieder dieselben acht Minuten in einem Zug in Chicago durchlebt, um einen bereits verübten Terroranschlag zu verhindern. Die Idee klingt wie klassische Science-Fiction aus den 1970er-Jahren, doch Regisseur Duncan Jones konzentriert sich auf die persönliche Geschichte, anstatt sich in den komplizierten Mechanismen der Zeitreise zu verlieren. Jake Gyllenhaal überzeugt als Mann, der zunehmend die Orientierung verliert und immer verzweifelter versucht, einer Zeitschleife zu entkommen, die mit jedem Durchlauf schrecklicher wird. Der ganze Film wirkt, als hätte man ihn bereits 1975 drehen und Jahrzehnte später zufällig in einem alten Filmarchiv wiederentdecken können. | © Summit Entertainment
A Walk in the Clouds wirkt, als wäre der Film direkt aus einer Hollywood-Produktion der 1940er-Jahre entsprungen. Mit goldenem Sonnenlicht, einer schier unglaublichen Liebesgeschichte und Dialogen, wie sie im echten Leben wohl niemand jemals führen würde. Keanu Reeves spielt einen Weltkriegsveteranen, der einer schwangeren Frau dabei hilft, ihrer traditionsbewussten mexikanischen Familie etwas vorzuspielen. Daraus entwickelt sich eine Geschichte voller Weinbergromantik und großer Liebesgesten, wie sie nur in den Traumwelten des alten Hollywood existieren. Der Film nimmt sein eigenes Melodrama so ernst, dass man beinahe vergisst, wie absurd das Ganze eigentlich klingt. Regisseur Alfonso Arau inszeniert die Geschichte, als wäre er tatsächlich davon überzeugt, dass sich Menschen ineinander verlieben, indem sie sich bedeutungsvoll zwischen Weinreben in die Augen schauen. | © 20th Century Fox
Adventureland fängt das Gefühl perfekt ein, in einem Sommerjob festzustecken, der kaum mehr als den Mindestlohn einbringt und dazu auch noch langweilig ist. Und trotzdem schafft es der Film, diese Erfahrung nicht als frustrierend, sondern als etwas Wertvolles und beinahe Nostalgisches darzustellen. Jesse Eisenberg spielt einen College-Absolventen, der 1987 gezwungen ist, in einem heruntergekommenen Vergnügungspark zu arbeiten. Der gesamte Film plätschert dabei in genau dem Tempo dahin, in dem man die Stunden bis zum Feierabend zählt. Die Details der damaligen Zeit wirken nie aufgesetzt oder übertrieben inszeniert. Von den Mixtapes bis hin zu den Dynamiken am Arbeitsplatz fügt sich alles ganz selbstverständlich in diese besondere Lebensphase ein, in der Erwachsenwerden vor allem bedeutete, darauf zu warten, dass das eigene Leben endlich richtig losgeht. | © Miramax Films
Sieben entführt dich in eine Welt, in der es scheinbar nie aufhört zu regnen und keine Oberfläche aussieht, als wäre sie seit den 1970er-Jahren jemals richtig geputzt worden. David Fincher inszeniert den gesamten Film wie einen Albtraum, der an die düsteren Polizeithriller vergangener Jahrzehnte erinnert. Flackernde Neonröhren und Wohnungen, in die man sich kaum hineinwagen möchte, sorgen für eine durchgehend beklemmende Atmosphäre. Die aufwendigen, an den sieben Todsünden orientierten Bestrafungen des Serienmörders könnten direkt aus einem Groschenroman der 1940er-Jahre stammen. Doch die methodische Vorgehensweise und die verstörende Inszenierung lassen die Geschichte zugleich uralt und zeitlos wirken. Selbst die Übergabe des letzten Pakets trifft einen noch immer wie ein Schlag in die Magengrube, denn der Film verdient sich seine Hoffnungslosigkeit mit jeder düsteren, bis ins kleinste Detail perfekt komponierten Einstellung. | © New Line Cinema
Ein Gauner & Gentleman wirkt, als wäre er direkt aus den 1970er-Jahren herübergeschlendert, mit einem Lächeln im Gesicht und ohne jede Absicht, sich zu beeilen. Robert Redford spielt Forrest Tucker, einen Bankräuber mit jahrzehntelanger Erfahrung, der seine Überfälle wie ein gentlemanhaftes Hobby behandelt. Ohne jemals die Stimme zu erheben oder seine Waffe zu ziehen, bringt er die Bankangestellten mit seinem Charme dazu, ihm das Geld auszuhändigen. Der Film nimmt sich genauso viel Zeit wie sein Protagonist und interessiert sich mehr dafür, Redford beim Flirten mit Sissy Spacek auf einen Kaffee zuzusehen, als Spannung rund um den nächsten Überfall aufzubauen. Der Film ist ein perfekter Abschied für Redford und zugleich eine Liebeserklärung an jene charaktergetriebenen Gangsterfilme, wie Hollywood sie früher ganz selbstverständlich und ohne sich dafür rechtfertigen zu müssen, gedreht hat. | © Fox Searchlight Pictures
The Saddest Music in the World entführt das Publikum in ein Winnipeg zur Zeit der Weltwirtschaftskrise, das wirkt, als wäre es 1933 durch einen Fiebertraum gefilmt worden. Regisseur Guy Maddin setzt auf körnige Schwarz-Weiß-Bilder mit vereinzelten Farbakzenten und erschafft so eine Bildästhetik, neben der moderne Digitalfilme geradezu steril wirken. Isabella Rossellini spielt eine Bierbaronin mit gläsernen Beinen, die einen Wettbewerb veranstaltet, um das traurigste Lied der Welt zu finden. Und irgendwie wird selbst diese absurde Ausgangsidee im Laufe des Films zur unspektakulärsten seiner Merkwürdigkeiten. Die gesamte Geschichte folgt einer eigenen Traumlogik und erinnert mit ihrer theatralischen Inszenierung an die Ästhetik des Stummfilms. Dabei vergisst man glatt, dass der Film tatsächlich erst im 21. Jahrhundert entstanden ist. | © IFC Films
Skinamarink wirkt, als wäre er einer VHS-Sammlung entsprungen, die jemand dreißig Jahre lang in einem Keller vergessen hat. Regisseur Kyle Edward Ball reduziert Horror auf seine ursprünglichsten Elemente: körnige Aufnahmen, Schatten im eigenen Zuhause und jene ganz besondere Angst, die entsteht, wenn man klein ist und sich allein in einem dunklen Haus wiederfindet. Der Film zieht seine raue, bewusst amateurhaft wirkende Ästhetik so konsequent durch, dass sich das Zuschauen anfühlt, als würde man so lange auf Bildrauschen starren, bis sich darin plötzlich Formen abzeichnen. Die Reaktionen auf den Film könnten kaum gegensätzlicher sein: Während die einen ihn als zutiefst verstörend empfinden, können andere mit ihm überhaupt nichts anfangen. Zwischen diesen beiden Extremen scheint es kaum etwas zu geben. | © IFC Midnight
They Cloned Tyrone entführt John Boyega, Teyonah Parris und Jamie Foxx in einen Verschwörungsthriller, der aussieht und klingt, als wäre er direkt aus dem Jahr 1975 entsprungen. Der Film setzt konsequent auf die Ästhetik des Blaxploitation-Kinos, von den kräftigen, satten Farben bis hin zum funky Soundtrack. Gleichzeitig nutzt er diesen Retro-Look, um hochaktuelle Themen wie Überwachung und soziale Kontrolle aufzugreifen. Regisseur Juel Taylor sorgt dafür, dass der nostalgische Stil nie zur bloßen Verkleidung verkommt, denn die allgegenwärtige Paranoia wirkt erschreckend real und die schauspielerischen Leistungen bleiben glaubwürdig. Was leicht zu einem Film hätte werden können, der ausschließlich von Nostalgie lebt, entwickelt sich stattdessen zu einer Geschichte, die tatsächlich etwas über Macht und Gemeinschaft zu sagen hat. | © Netflix
Black Dynamite macht sich nicht einfach über Blaxploitation-Filme aus den 1970er-Jahren lustig. Die Parodie nimmt ihr Vorbild so genau unter die Lupe, dass jede absurde Betonung, jeder unmögliche Stunt und jede übertriebene Szene wirkt, als könnte sie direkt aus einem echten Grindhouse-Kino des Jahres 1974 stammen. Michael Jai White geht vollkommen in seiner Rolle auf und liefert Dialoge über Waisenhäuser und Kung-Fu mit genau jener todernsten Intensität, die schon die Originalfilme oft unfreiwillig komisch machte. Der Film funktioniert gerade deshalb so gut, weil er das Genre, das er parodiert, viel zu sehr liebt, um jemals bösartig oder respektlos zu wirken. | © Sony Pictures
Late Night With the Devil fängt den Look und Rhythmus einer Late-Night-Show aus den 1970er-Jahren so perfekt ein, dass der Film wie zufällig wiederentdecktes Filmmaterial einer nie ausgestrahlten Sendung wirkt. Jedes Detail dieser Ära stimmt, vom körnigen Filmmaterial bis hin zur Art, wie der Moderator seinen Monolog vorträgt. So entsteht ein Film, der sich irgendwo zwischen Horror und authentischem Zeitporträt bewegt. Als das Übernatürliche nach und nach in das Fernsehformat einbricht und das Chaos seinen Lauf nimmt, wird es richtig unheimlich. Schließlich wirkte das alltägliche Fernsehsetting zuvor so überzeugend, dass der Kontrast umso verstörender ist. Am beängstigendsten ist vielleicht, wie treffend der Film die ganz eigene, schmierige Unterhaltungskultur der 1970er-Jahre einfängt. | © IFC Films
Once Upon a Time in Hollywood wirkt, als hätte Quentin Tarantino eine Zeitkapsel aus dem Jahr 1969 geplündert und beschlossen, einfach drei Stunden darin zu leben. Einen Großteil seiner Laufzeit verbringt der Film damit, Rick Dalton und Cliff Booth durch Los Angeles zu begleiten, während sie durch die Stadt fahren, fernsehen und sich Gedanken über ihre schwindenden Karrieren machen. Eine dringliche Handlung, die alles vorantreibt, sucht man dabei weitgehend vergeblich. Gerade dieses gemächliche, beinahe ziellose Erzähltempo lässt den Film wirken, als wäre er tatsächlich Ende der 1960er-Jahre gedreht worden, als Filme sich noch Zeit nehmen durften und nicht jede Szene rechtfertigen mussten. Tarantino erweckt diese vergangene Ära mit all ihren Details so überzeugend zum Leben, dass der gewalttätige Höhepunkt beinahe wie eine Unterbrechung durch einen ganz anderen, deutlich moderneren Film wirkt. | © Sony Pictures
The Lighthouse sperrt Robert Pattinson und Willem Dafoe auf einem felsigen Eiland ein, zusammen mit einem kaputten Nebelhorn, verdorbenem Essen und der zunehmend wahnsinnigen Gesellschaft des jeweils anderen. Regisseur Robert Eggers inszeniert diesen Albtraum komplett in Schwarz-Weiß und mit einem fast quadratischen Bildformat, das jede Einstellung beklemmend eng und uralt wirken lässt. Die Dialoge klingen, als wären sie einem Tagebuch aus dem 19. Jahrhundert entnommen, voller altertümlicher Ausdrücke und derbem Seemannsjargon, vorgetragen mit so ausgeprägten Akzenten, dass man sie förmlich schneiden könnte. Zwei Stunden psychischer Verfall haben sich selten so sehr angefühlt, als würde man tatsächlich auf Filmmaterial aus dem Jahr 1890 blicken. | © A24
Mank ist vollständig in Schwarz-Weiß gedreht und wie eine Hollywood-Erinnerung aus den 1940er-Jahren aufgebaut. Dazu kommen altmodische Zwischentitel und eine klassische Bildsprache, die direkt aus der Ära von Citizen Kane stammen könnte. David Fincher setzt die Ästhetik dieser Zeit so konsequent um, dass der Film tatsächlich wirkt, als hätte man ihn in einem alten Studioarchiv entdeckt, wo er acht Jahrzehnte nahezu perfekt überdauert hat. Die Geschichte entfaltet sich mit der gelassenen Selbstsicherheit des Kinos aus seiner goldenen Ära, als Filme ihrem Publikum noch zutrauten, pointierten Dialogen und politischen Intrigen zu folgen, ohne es ständig mit visuellen Reizen bei Laune halten zu müssen. Gary Oldman geht derart vollständig in seiner Rolle als Herman Mankiewicz auf, dass man ihm dabei zuzusehen glaubt, wie das Drehbuch zu Citizen Kane tatsächlich entsteht. | © Netflix
Die Coen-Brüder drehten The Man Who Wasn't There zunächst in Farbe und entzogen dem Bild anschließend sämtliche Farben. Übrig blieb ein Film noir, der sich seiner Ästhetik der 1940er-Jahre so konsequent verschreibt, dass man meinen könnte, er stamme tatsächlich aus diesem Jahrzehnt. Billy Bob Thornton spielt einen Friseur, der so passiv und teilnahmslos durchs Leben geht, dass er in seiner eigenen Geschichte kaum greifbar wirkt. Selbst durch Mord und Erpressung bewegt er sich mit der emotionalen Anteilnahme eines Menschen, der eine Einkaufsliste liest. Der Film entfaltet sich im bedächtigen Tempo klassischer Film noirs, in denen jeder Schatten zählt und jedes Gespräch Gewicht hat, selbst wenn scheinbar kaum etwas passiert. Roger Deakins' Schwarz-Weiß-Kameraarbeit zitiert das Genre nicht einfach nur, sondern führt seine Bildsprache zu absoluter Perfektion. | © USA Films
The Holdovers wirkt, als wäre er 1973 aus einem Filmarchiv geschmuggelt und erst fünfzig Jahre später direkt in die Kinos gebracht worden. Regisseur Alexander Payne dreht auf 35-mm-Film und nutzt sämtliche klassischen Tricks, um die Komödie rund um ein Internat authentisch gealtert aussehen zu lassen. Von der körnigen Bildstruktur bis hin zu den verblassten Farben schreit alles förmlich nach den frühen 1970er-Jahren. Paul Giamatti spielt einen mürrischen Lehrer für klassische Sprachen, der über die Weihnachtsferien auf einen reichen Schüler aufpassen muss. Die ungewöhnliche Dynamik zwischen den beiden entfaltet sich im genau richtigen Tempo jener charaktergetriebenen Tragikomödien, die früher Oscars gewannen, bevor Hollywood von Franchises dominiert wurde. Der Film zieht seine nostalgische Ästhetik so konsequent durch, dass man am Ende fast damit rechnet, vor dem Abspann noch einen Werbespot für Zigaretten zu sehen. | © Focus Features
Manche moderne Filme sind so sehr in einer anderen Zeit verwurzelt, dass man glatt vergessen könnte, dass sie erst vor Kurzem gedreht wurden. Diese Filme hätten sich nahtlos in jedes beliebige Jahrzehnt eingefügt und wären dort wie selbstverständlich zu Hause gewesen, lange bevor sie tatsächlich entstanden sind.
