Die Weite der Nacht wirft zwei Teenager aus einer Kleinstadt in ein mysteriöses Alien-Abenteuer der 1950er-Jahre, das sich fast ausschließlich durch lange, ungeschnittene Kamerafahrten und ausgedehnte Funkgespräche entfaltet. Regisseur Andrew Patterson erzeugt Spannung, indem er die Kamera an seinen Schauspielern klebt, während diese durch ihre winzige Stadt in New Mexico hetzen und seltsamen Audiofrequenzen und kryptischen Telefonaten nachgehen. Das Ganze wirkt wie eine auf Spielfilmlänge gestreckte Folge Twilight Zone, doch anstatt auf überhastete Science-Fiction-Effekte zu setzen, konzentriert sich der Film auf eine sich langsam aufbauende Atmosphäre und Dialoge, die tatsächlich wie echte Gespräche klingen. Patterson zaubert aus einem Mini-Budget etwas, das unglaublich flüssig und souverän wirkt. | © Amazon Studios
Saint Maud erzählt die Geschichte einer jungen Krankenschwester, die besessen davon ist, die Seele ihrer sterbenden Patientin zu retten. Der Film inszeniert diese Prämisse eher als einen schleichenden Abstieg in den Wahnsinn denn als typische religiöse Horrorgeschichte. Morfydd Clark liefert eine Performance ab, die den Zuschauer bis zum Schluss im Ungewissen lässt, ob Maud tatsächlich göttliche Fügung erfährt oder den Bezug zur Realität völlig verliert. Der Film baut Spannung durch beklemmende Stille und Mauds zunehmend unberechenbares Verhalten auf, sodass jede Interaktion jederzeit zu eskalieren droht. Die Schlussszenen sind so schockierend, dass sie noch lange nach dem Abspann nachhallen. | © A24
His House nimmt das bekannte Muster des Spukhaus-Genres und nutzt es, um etwas viel Spezifischeres und Schmerzhafteres zu erforschen: die Schuldgefühle, die mit dem Überleben einhergehen, während andere sterben. Remi Weekes erzeugt authentischen Schrecken um ein Flüchtlingspaar, das versucht, sich in England ein neues Leben aufzubauen, während es von den Geistern seiner Vergangenheit verfolgt wird. Der Horror wirkt, weil er auf echtem Trauma und nicht auf billigen Schockeffekten basiert, und das Haus selbst wird zu einem Gefängnis aus übernatürlichem Schrecken und bürokratischer Grausamkeit. Was eine weitere, austauschbare Geistergeschichte hätte sein können, wird zu einem Werk, das tatsächlich etwas über Vertreibung und den Preis des Überlebens aussagt. | © Netflix
The Power of the Dog erzählt zwei Stunden lang die Grausamkeit eines Mannes und enthüllt dann nach und nach die dahinterliegende Psychologie, ohne sie jemals zu entschuldigen. Benedict Cumberbatch spielt einen Rancher, der die neue Familie seines Bruders mit kalkulierter Präzision quält, doch Jane Campion lässt das Publikum seine Darstellung durchschauen, lange bevor es die anderen Figuren tun. Der Film wirkt zunächst wie ein klassischer Western, bis er sich plötzlich in einen psychologischen Thriller verwandelt, in dem jede Geste Gewicht hat. Was wie eine Meditation über Männlichkeit aussieht, wird zu einer Geschichte über das Überleben und die Grenzen, die Menschen zum Selbstschutz überschreiten. | © Netflix
Nicolas Cage spielt einen Trüffelsucher, der allein in der Wildnis Oregons lebt und sich auf die Suche nach seinem gestohlenen Schwein macht. Und aus dieser Prämisse entwickelt sich eine seiner zurückhaltendsten und berührendsten Darbietungen seit Jahren. Pig hätte ein simpler Rachethriller sein können, doch der Film wählt stille Erschütterung statt Gewalt und begleitet einen gebrochenen Mann durch die underground Lebensmittel-Szene Portlands, während er sich seiner Vergangenheit stellt. Cage erhebt nie die Stimme und übertreibt es nicht, sondern findet etwas Rohes und Menschliches in einer Figur, die sich bewusst aus der Welt zurückgezogen hat. Was als Suche nach einem Schwein beginnt, wird zu einer Meditation über Verlust und die Dinge, die wir aufgeben, um weiteren Schmerz zu vermeiden. | © Neon
Der Grüne Ritter nimmt das berühmteste mittelalterliche Gedicht, das du noch nie gelesen hast, und verwandelt es in einen Fiebertraum, eingefangen durch eine teure Linse. David Lowery entledigt sich der Erwartungen an einen Abenteuerfilm und ersetzt sie durch lange, hypnotische Sequenzen, in denen Dev Patels Gawain durch eine Welt irrt, die zugleich uralt und fremdartig wirkt. Der Film setzt voll und ganz auf Skurrilität und Langsamkeit, was manche Zuschauer dazu brachte, auf die Uhr zu schauen, während andere völlig in seinen Bann gerieten. Es ist einer der seltenen Fantasyfilme, dem Atmosphäre und Furcht wichtiger sind als die Erklärung der Bedeutung der Magie.| © A24
Sound of Metal erzählt seine gesamte Geschichte um etwas, das die meisten Filme als Nebensache behandeln: den Verlust des Gehörs. Riz Ahmed spielt einen Heavy-Metal-Schlagzeuger, dessen Welt aus den Fugen gerät, als sein Gehör nachlässt. Der Film lässt den Zuschauer diese Desorientierung spüren, indem er das Sounddesign an seine Perspektive anpasst. Taubheit wird nie als etwas dargestellt, das es zu überwinden oder zu beheben gilt. Stattdessen taucht der Film tief in die Kultur Gehörloser ein und zeigt, wie Ahmeds Figur ihre Identität von Grund auf neu aufbauen muss. Was eine vorhersehbare Genesungsgeschichte hätte sein können, entwickelt sich zu einer viel komplexeren Erzählung über die Akzeptanz eines Lebens, das man sich nie so vorgestellt hat. | © Amazon Studios
Minari erzählt die Geschichte einer koreanisch-amerikanischen Familie, die in den 1980er-Jahren auf einer Farm in Arkansas ihr Dasein fristet. Doch die eigentliche Geschichte entfaltet sich in den kleinen Momenten zwischen dem Säen und dem Beobachten des Wachstums der Pflanzen. Steven Yeun verkörpert den Vater, dessen amerikanischer Traum immer wieder an der Realität kargen Bodens und knapper Kassen kratzt, während seine Schwiegermutter aus Korea mit ihren eigenen Vorstellungen von Familienleben anreist. Der Film gewinnt seine Stärke dadurch, dass er diese Generationenkonflikte ohne erzwungene dramatische Konfrontationen oder einfache Lösungen wirken lässt. Anstatt zu erklären, was es bedeutet, zwischen zwei Kulturen zu stehen, zeigt er einfach eine Familie, die sich Schritt für Schritt zurechtfindet. | © A24
Palm Springs greift das Konzept der Zeitschleife auf und fragt, was passiert, wenn zwei Menschen im selben Tag gefangen sind. Die Geschichte entwickelt sich dann völlig anders als in Und täglich grüßt das Murmeltier. Andy Samberg und Cristin Milioti haben eine natürliche Chemie, die die ungewöhnliche Beziehung ihrer Figuren authentisch wirken lässt, selbst unter den absurdesten Umständen. Der Film berührt zutiefst mit der Idee, dass ewiges Gefangensein vielleicht gar nicht so schlimm ist, wenn man mit dem richtigen Menschen zusammen ist. Anstatt die Zeitschleife als Lektion zur Selbstverbesserung zu nutzen, wird sie zu einer Geschichte über Verbundenheit und darüber, was es bedeutet, sich jeden Tag aufs Neue für jemanden zu entscheiden.| © Hulu
The Farewell erzählt eine Geschichte, die gleichermaßen grausam wie liebevoll wirkt: Eine chinesische Familie beschließt, ihrer Großmutter die unheilbare Krebserkrankung zu verschweigen und plant stattdessen eine Scheinhochzeit, damit sich alle verabschieden können, ohne dass sie es ahnt. Awkwafina verkörpert Billi, hin- und hergerissen zwischen amerikanischer Direktheit und chinesischer Tradition, und erlebt mit, wie ihre Familie die Trauer durch ein ausgeklügeltes Täuschungsmanöver bewältigt. Der Film verurteilt niemanden für seine Entscheidungen, sondern lässt den Zuschauer die Tragweite kultureller Unterschiede spüren, für die es keine einfachen Antworten gibt. Was als simple Prämisse beginnt, entwickelt sich zu einer viel komplexeren Auseinandersetzung mit der Frage, wie verschiedene Kulturen Liebe und Verlust verarbeiten. | © A24
Der schwarze Diamant entführt den Zuschauer in die Gedankenwelt eines Spielsüchtigen, der unaufhaltsam die denkbar schlechteste Entscheidung trifft. Adam Sandler verkörpert Howard Ratner wie einen Mann, der in der Überzeugung, gleich fliegen zu können, auf eine Klippe zurast, und die Safdie-Brüder drehen jede Szene mit derselben manischen Energie, die ihren Protagonisten in den Ruin treibt. Der ganze Film ist von Angst und Fehlentscheidungen durchdrungen und steuert auf ein Finale zu, das gleichermaßen unausweichlich wie schockierend wirkt. Die meisten Thriller versprechen Flucht, doch dieser Film hält den Zuschauer in einem Schnellkochtopf gefangen, in dem die Spannung immer weiter steigt. | © A24
Eighth Grade katapultiert einen direkt in die Hölle des Dreizehnseins, wenn man versucht, Selbstbewusstsein vorzutäuschen, das man eigentlich gar nicht hat. Bo Burnham fängt perfekt ein, wie soziale Medien die Selbstwahrnehmung von Teenagern verzerren, und zeigt, wie Kayla Ratgebervideos für ein Publikum erstellt, das kaum existiert, während sie selbst mit ihren eigenen Ratschlägen kämpft. Elsie Fisher lässt jede Fremdscham absolut authentisch wirken, egal ob sie sich im Smalltalk verhaspelt oder auf einer Highschool-Party in Panik gerät. Der Film ist auf die bestmögliche Weise schmerzhaft anzusehen, weil er uns daran erinnert, wie unglaublich wichtig in diesem Alter alles war. | © A24
In The Lighthouse sitzen zwei Leuchtturmwärter mit einem kaputten Nebelhorn, verrottenden Lebensmitteln und der zunehmenden Verrücktheit des jeweils anderen auf einem Felsen fest. Robert Pattinson und Willem Dafoe verbringen den Großteil des Films damit, Seemannslieder zu schreien, Monologe zu halten und in einen Wahnsinn abzugleiten, der übernatürliche Ursachen haben oder einfach nur auf Isolation zurückzuführen sein könnte. Die Schwarz-Weiß-Fotografie lässt alles wie einen Fiebertraum wirken, aufgenommen durch ein Fischerfernrohr. Robert Eggers nimmt Stoff, der leicht in Selbstverliebtheit abgleiten könnte, und formt ihn stattdessen zu etwas Fesselndem: Zwei außergewöhnliche Schauspieler, die sich auf der Leinwand auf eine Weise auflösen, die intensiv, unvorhersehbar und seltsam anziehend wirkt.| © A24
Parasite beginnt als rabenschwarze Komödie über eine arme Familie, die sich durch Betrug Jobs in einer wohlhabenden Familie erschleicht, und entwickelt sich dann zu etwas weitaus Seltsamerem. Bong Joon-ho baut die Spannung so subtil auf, dass die Enthüllung des Kellers alles, was man über das Haus und seine Bewohner zu wissen glaubte, in ein völlig neues Licht rückt. Der Klassenkampf wirkt sowohl spezifisch für Südkorea als auch so universell, dass er Zuschauer weltweit zutiefst beunruhigt. Der Film verdiente sich den Oscar für den besten Film, indem er niemanden ungeschoren davonkommen ließ, weder Arm noch Reich. | © Neon
Everything Everywhere All at Once wirft eine chinesisch-amerikanische Waschsalonbesitzerin in ein Abenteuer durch verschiedene Universen, das auf wundersame Weise Kung-Fu-Kämpfe und Steuererklärungen miteinander verknüpft. Die Daniels packen all ihre verrückten Ideen in diesen Film – von Hotdog-Fingern bis hin zu Kulleraugen als tiefgründige Metaphern – und das Ganze funktioniert, weil es sich stets um eine Mutter kümmert, die versucht, eine Verbindung zu ihrer Tochter aufzubauen. Die meisten so ambitionierten Filme scheitern an ihrem eigenen Gewicht, doch dieser findet inmitten des Chaos echte Emotionen und rührt einen sogar zu Tränen wegen eines Bagels. Er beweist, dass Originalität in Hollywood nicht tot ist, sondern sich nur an den unerwartetsten Orten versteckt. | © A24
Blockbuster bekommen alle Plakate und viel Aufsehen, doch einige der besten Filme der letzten Jahre liefen still und leise über die Bühne, ohne dass es viele bemerkten. Diese 15 Filme hätten ein viel größeres Publikum verdient, und es ist noch nicht zu spät, das zu ändern.
