Buried treasures.
Songs My Brothers Taught Me ist Chloé Zhaos erster Spielfilm und spielt im Pine-Ridge-Reservat in South Dakota. Im Mittelpunkt steht ein Teenager, der plant, nach Los Angeles zu ziehen, und sich dabei immer weiter von seiner jüngeren Schwester entfernt, die ihn vergöttert. Zhao inszeniert den Film so, als würde sie einfach das echte Leben beobachten. Der gesamte Film entwickelt einen ruhigen Sog, durch den sich das Fortgehen gleichzeitig wie eine Flucht und wie ein Verrat anfühlt.
| © Kino Lorber
Tangerine L.A. folgt einer transgeschlechtlichen Sexarbeiterin, die den Mann sucht, der sie betrogen hat. Gedreht wurde der Film vollständig mit iPhone-5S-Kameras während eines chaotischen Weihnachtsabends in Los Angeles. Sean Baker verwandelt das Neonlicht des Santa Monica Boulevard in etwas Lebendiges, wie es nur wenige Filme schaffen. Die Freundschaft im Zentrum der Geschichte trifft emotional, ohne jemals Mitleid für die Figuren einzufordern. Niemand in diesem Film will dein Mitgefühl – und genau deshalb funktioniert er so gut.
| © Magnolia Pictures
Crooklyn ist der Spike-Lee-Film, der nie dieselbe Aufmerksamkeit bekommt wie Do the Right Thing oder Malcolm X – und genau dadurch wirkt er ganz anders. Der Film lebt weniger von seiner Handlung als von Erinnerungen und Rhythmus. Er begleitet eine Familie aus Brooklyn durch einen Sommer Anfang der 1970er-Jahre und fängt dabei dieses lockere, warme Chaos ein, das sich tatsächlich wie Kindheit anfühlt. In einer längeren Passage in der Mitte wird das Bildformat sichtbar verzerrt und gestaucht. So spiegelt der Film wider, wie ein Kind einen fremden Ort wahrnimmt. Es ist eine der ungewöhnlichsten formalen Entscheidungen, die Lee je getroffen hat. Über diese Szene wird viel zu selten gesprochen.
| © Universal Pictures
Bound – Gefesselt ist der erste Film der Wachowskis und wirkt wie eine mutige Kampfansage. Der elegante Neo-Noir-Thriller erzählt von einer ehemaligen Gefängnisinsassin und der Freundin eines Mafioso, die sich zusammentun, um der Chicagoer Mafia zwei Millionen Dollar zu stehlen. Der Film bewegt sich mit enormer Selbstsicherheit und viel Stil. Im Zentrum steht die Spannung zwischen Vertrauen und Verrat, die immer weiter zugespitzt wird. Nur wenige Regisseure wirken schon mit ihrem Debüt so vollständig ausgereift.
| © Gramercy Pictures
Insomnia – Schlaflos wird häufig von Christopher Nolans größeren Filmen überschattet, was schade ist, denn er macht etwas, das keiner seiner anderen Filme auf diese Weise tut. Al Pacino spielt einen Ermittler, der in einer Stadt in Alaska, in der die Sonne niemals untergeht, völlig übermüdet einen Mordfall untersucht. Seine Erschöpfung wirkt dabei geradezu körperlich spürbar. Robin Williams verkörpert den Täter ruhig und beinahe beiläufig, und allein diese Besetzung verändert alles, was man von beiden Schauspielern erwartet. Das Licht verschwindet nie – und genauso wenig die Schuld, die Pacinos Figur aus ihrer Heimat mit sich trägt.
| © Warner Bros. Pictures
Tricks ist ein Hochstaplerfilm von Ridley Scott, bei dem die meisten völlig vergessen haben, dass er überhaupt von Ridley Scott stammt. Nicolas Cage spielt einen Betrüger, der unter einer schweren Zwangsstörung leidet. Seine Darstellung ist präzise und eigenartig, aber immer so, dass sie der Figur dient, statt sie zu überlagern. Die Betrugsgeschichte steuert auf eine Wendung zu, die alles, was man zuvor gesehen hat, tatsächlich in ein neues Licht rückt. Scott wird normalerweise mit gewaltigen Inszenierungen in Verbindung gebracht, wodurch sich dieser ruhige, nervöse kleine Film fast wie das Werk eines völlig anderen Regisseurs anfühlt.
| © Warner Bros. Pictures
Bringing Out the Dead – Nächte der Erinnerung bringt Martin Scorsese und Paul Schrader nach Taxi Driver erneut zusammen – und das Ergebnis wirkt wie dessen von Geistern heimgesuchter Bruder. Nicolas Cage spielt einen ausgebrannten Rettungssanitäter, der immer wieder den Geist eines Mädchens sieht, das er nicht retten konnte, und sich durch drei chaotische Nächte in Hell’s Kitchen bewegt. Die Stadt wirkt gleichzeitig krank und lebendig, und Cages Erschöpfung ist so präzise gespielt, dass sie irgendwann gar nicht mehr wie Schauspiel wirkt. Die meisten Zuschauer ließen den Film 1999 links liegen – und genau das ist das einzig wirklich Überraschende daran.
| © Paramount Pictures
Die Zeit nach Mitternacht hält einen ganz normalen Mann während einer der unerbittlichsten Horrornächte der Filmgeschichte in SoHo gefangen. Paul wollte eigentlich nur Gesellschaft – stattdessen bekommt er es mit einer toten Frau, einem Barkeeper mit Irokesenschnitt, einer selbstmordgefährdeten Bildhauerin und einer Stadt zu tun, die sich von seiner bloßen Existenz persönlich beleidigt zu fühlen scheint. Scorsese drehte den Film zwischen The King of Comedyund Die Farbe des Geldes, und man merkt, wie viel Spaß er hier an Angst und Unbehagen hat. Jede Tür, die Paul öffnet, macht alles nur noch schlimmer – und trotzdem hört es nie auf, komisch zu sein.
| © Warner Bros.
Silence versetzt zwei portugiesische Priester ins Japan des 17. Jahrhunderts und macht es ihnen alles andere als leicht, wieder von dort fortzukommen. Martin Scorsese versuchte jahrzehntelang, diesen Film zu realisieren, und diese Besessenheit ist in jeder Einstellung spürbar. Der Film stellt die Frage, ob Glaube noch etwas bedeutet, wenn Schweigen darüber Leben retten könnte, und tut nie so, als gäbe es darauf eine einfache Antwort. Was besonders hängen bleibt, ist nicht die Verfolgung selbst, sondern sind die stillen Momente, in denen sich der Glaube wie eine Last anfühlt, um die niemand gebeten hat.
| © Paramount Pictures
Pee-wees irre Abenteuer ist ein Roadmovie über einen kindlichen Mann, das nach seinem gestohlenen Fahrrad sucht – und irgendwie funktioniert das vollkommen. Tim Burton hatte zuvor noch keinen Spielfilm inszeniert und machte aus einer Prämisse, die wie eine belanglose Komödie klingt, etwas wirklich Eigenartiges und Lebendiges. Jede Station auf Pee-wees Reise fühlt sich wie ein anderer Fiebertraum an, vom Tanzduell in einer Bikerbar bis zur geisterhaften Truckfahrerin Large Marge. Burton drehte später nie wieder etwas, das ganz so ungezügelt und seltsam war. Dadurch wirkt der Film wie ein völliger Einzelgänger in der Karriere eines Regisseurs, der damals noch herausfand, womit er durchkommen konnte.
| © Warner Bros.
Blood Simple – Eine mörderische Nacht ist der erste Film der Coen-Brüder, und schon hier spielen sie damit, wer wann was weiß. Eine untreue Ehefrau, ein eifersüchtiger Ehemann und ein schmieriger Privatdetektiv geraten in eine Mordgeschichte, in der jede Figur auf Grundlage falscher Informationen handelt. Niemand hat zu irgendeinem Zeitpunkt wirklich die Kontrolle. Die gesamte Spannung entsteht aus der Lücke zwischen dem, was das Publikum sieht, und dem, was die einzelnen Figuren zu wissen glauben. Die Coens bauten später eine ganze Karriere auf diesem Prinzip auf, doch selten wirkte es so gnadenlos wie hier.
| © Circle Films
Eine wahre Geschichte – The Straight Story begleitet einen 73-jährigen Mann, der mit einem Rasenmäher durch zwei Bundesstaaten fährt, um seinen sterbenden Bruder zu besuchen. Der Film stammt von David Lynch, weshalb wohl kaum jemand erwartet, dass er so ruhig, sanft und vollkommen frei von Dunkelheit oder Bedrohung ist. Er könnte kaum weiter von Blue Velvet entfernt sein, und genau dieser Kontrast macht ihn so entwaffnend. Lynch begegnet der offenen Straße und den stillen Menschen entlang des Weges mit einer Geduld, die gerade bei ihm fast schon radikal wirkt.
| © Walt Disney Pictures
Der Dialog steht in Francis Ford Coppolas Filmografie direkt zwischen Der Pate und Der Pate – Teil II, was schon ziemlich absurd ist. Gene Hackman spielt einen Abhörspezialisten, der zunehmend von einer Aufnahme besessen ist, die er von zwei Fremden in einem Park gemacht hat. Die Paranoia baut sich langsam und beinahe unmerklich auf, bis schließlich alles in sich zusammenfällt – auf eine Weise, die vollkommen unausweichlich wirkt. Die meisten, die den Film entdecken, fragen sich danach, warum er nie dieselbe Aufmerksamkeit bekam wie die beiden Meisterwerke, zwischen denen er erschien. | © Paramount Pictures
Punch-Drunk Love nimmt alles, was man über Adam Sandler zu wissen glaubte, und zerlegt es ganz leise. Paul Thomas Anderson besetzt ihn als einen Mann, der so sehr von Angst und Einsamkeit beherrscht wird, dass selbst ein Telefonat bedrohlich wirkt – und Sandler spielt die Rolle vollkommen ernst. Der Film ist klein, eigenartig und beinahe ohne klassische Handlung. Er lebt stärker von Farben und Sounddesign als von seiner Geschichte. Viele, die ihn nach Jahren des Ignorierens schließlich entdecken, sitzen am Ende noch vor dem Abspann und fragen sich, warum ihnen niemand früher davon erzählt hat.
| © Columbia Pictures
Memento erzählt seine Geschichte rückwärts. Das klingt zunächst wie ein bloßer Trick, bis man merkt, dass der Film einen dadurch vollständig in Leonards Gedankenwelt versetzt. Man weiß in jedem Moment genau so viel wie er, und diese Orientierungslosigkeit ist der eigentliche Kern des Films. Christopher Nolan drehte ihn für rund neun Millionen Dollar, bevor sein Name außerhalb der Independent-Szene bekannt war. Bis heute ist es wohl sein präzisester Film, der eine einzige Idee konsequent bis zum Ende durchzieht.
| © Newmarket FilmsSelbst die größten Regisseure haben Filme, die unter dem Radar geblieben sind – überschattet von ihren größeren Erfolgen, aber genauso sehenswert. Es sind die übersehenen Werke in den Filmografien legendärer Filmemacher, für die sich echte Fans besonders gerne starkmachen. Hier sind 15 Geheimtipps von meisterhaften Regisseuren.
