EarlyGame | 25 Filme, bei denen du schon in den ersten 10 Minuten…

25. Before Sunrise (1995)

Ein großartiger Anfang zieht nicht nur deine Aufmerksamkeit auf sich; er verändert, wie du in deinem Stuhl sitzt. Noch bevor die Geschichte richtig in Gang gekommen ist, haben diese Filme bereits Rhythmus, Selbstbewusstsein und dieses unverkennbare Gefühl, dass jedes einzelne Bild ganz genau weiß, was es tut. Von unvergesslichen ersten Szenen bis hin zu perfekt kontrolliertem Stimmungsaufbau: Das sind die Filme, die ihre Größe zeigen, bevor überhaupt jemand Zeit hatte, auf die Laufzeit zu schauen. | © Columbia Pictures

24. There Will Be Blood (2007)

Keine große Rede könnte Daniel Plainview besser einführen als Stille, Dreck, Schweiß und die hässliche Musik des Überlebens. There Will Be Blood beginnt wie ein Fossil, das aus der Erde gegraben wird, während Paul Thomas Anderson Ehrgeiz zeigt, bevor er ihn überhaupt erklärt. Die frühe Minensequenz ist brutal, auf eine düstere kleine Art sogar komisch und sofort mythisch. Sie verwandelt den Hunger eines Mannes in etwas, das sich schon jetzt gefährlich genug anfühlt, um ein ganzes Land zu vergiften. | © Paramount Vantage

23. Der Mondmann (1999)

Der erste Witz in Der Mondmann ist, dass Andy Kaufman den Film vielleicht nicht einmal richtig beginnen lässt — und genau das ist die passende Art von Chaos. Miloš Forman eröffnet mit einem Streich gegen die Biografie selbst und bringt das Publikum dazu, die Regeln infrage zu stellen, bevor die Geschichte überhaupt warmgelaufen ist. Jim Carreys Kaufman wirkt weniger wie eine Imitation, sondern eher wie eine besessene Comedy-Übertragung: lustig und zutiefst unangenehm im selben Atemzug. | © Universal Pictures

22. Yi Yi (2000)

Edward Yang eröffnet Yi Yi mit einer Hochzeit, doch die Feier trägt bereits kleine Risse in sich, wenn man weiß, worauf man achten muss. Die Kamera beobachtet mit fast unmöglicher Geduld, wie Menschen umherschweifen, Blicke austauschen, ausweichen, sich darstellen und wieder in familiäre Rituale zurückfallen. Nichts wird forciert, und trotzdem zählt alles: die unbeholfenen Begrüßungen, die Distanz zwischen den Generationen, das Gefühl, dass jede Person im Raum gleichzeitig ihren eigenen inneren Film abspielen lässt. | © Atom Films

21. Spider-Man: Across the Spider-Verse (2023)

Gwen Stacys Eröffnung verwandelt eine Superhelden-Fortsetzung gleichzeitig in ein Geständnis, ein Schlagzeugsolo und einen Aquarell-Bluterguss. Spider-Man: Across the Spider-Verse führt die Zuschauer nicht sanft zurück in sein Universum; der Film sprengt seine emotionale und visuelle Sprache sofort auf. Die Animation verändert sich mit der Stimmung, statt einfach nur anzugeben, und innerhalb weniger Minuten hat der Film Trauer, Identität und Comic-Spektakel bereits denselben elektrischen Puls gegeben. | © Sony Pictures Animation

20. Poor Things (2023)

Der Anfang von Poor Things verhält sich so, als wären viktorianische Wissenschaft, Gothic-Melodram und ein sehr teurer Fiebertraum gemeinsam im selben Labor eingeschlossen worden. Yorgos Lanthimos legt die Regeln fest, indem er sich weigert, auch nur eine davon peinlich zu finden. Bella Baxters Welt erscheint bereits vollständig geformt, seltsam bis zur Tapete, und das Selbstbewusstsein des Films ist der eigentliche Hook: Er weiß ganz genau, wie absurd er ist, wodurch seine emotionale Aufrichtigkeit nur noch stärker wirkt. | © Searchlight Pictures

19. Pulp Fiction (1994)

eine neue filmische Verfassung entworfen werden, doch Pulp Fiction schafft genau das, noch bevor das Frühstück vorbei ist. Quentin Tarantinos Eröffnung besteht komplett aus Rhythmus: Flirt, krimineller Logik, plötzlicher Bedrohung und Dialogen, die beiläufig klingen, bis man merkt, dass jeder Beat präzise gebaut ist. Der Wechsel vom Kaffeehaus-Geplänkel zur Freeze-Frame-Coolness zeigt den Trick des Films sofort: Gewalt, Comedy und Popkultur werden gleich absichtlich schief miteinander tanzen. | © Miramax

18. La La Land (2016)

Verkehr hat selten so ausgesehen, als wäre er nur Sekunden davon entfernt, einer Gewerkschaft beizutreten, doch La La Land verwandelt Stau in eine ausgewachsene Musical-Ouvertüre. Die Freeway-Eröffnung ist grell, kitschig, technisch absurd und vollkommen aufrichtig — eine Kombination, die sich nur schwer faken lässt. Damien Chazelle nutzt die Nummer als Grundsatzerklärung: Los Angeles mag Träume täglich zermalmen, aber für ein paar Minuten dürfen alle, die auf dem Asphalt feststecken, an Choreografie glauben. | © Summit Entertainment

17. May December (2023)

Die ersten Minuten von May December lassen häusliche Ruhe wirken wie einen Tatort, bei dem alle daran gedacht haben, schönes Serviergeschirr mitzubringen. Todd Haynes lässt das Unbehagen durch Lächeln, Höflichkeiten und diesen herrlich dramatischen Musikeinsatz einschleichen, der einen Küchenmoment in emotionale Sirenen verwandelt. Julianne Moore und Natalie Portman umkreisen den Ton mit chirurgischer Präzision, und der Film macht sofort klar, dass Höflichkeit seine schärfste Waffe sein wird. | © Netflix

16. Parasite (2019)

Das Halbkellerfenster in Parasite erzählt mehr über Klasse als ein Dutzend Reden es je könnten. Bong Joon Ho eröffnet mit beengtem Raum, schlechtem WLAN und einer Familie, die die Kunst perfektioniert hat, Demütigungen mit komischem Timing zu überleben. Die ersten Minuten sind lustig, chaotisch und schmerzhaft konkret, dann zeigt sich langsam die Präzision: Jede Ecke dieser Wohnung baut eine soziale Maschine auf, die irgendwann zuschnappen wird. | © CJ Entertainment

15. Scream (1996)

Ein klingelndes Telefon, eine flirtende Stimme und Popcorn auf dem Herd: Scream – Schrei! weiß ganz genau, wie harmlos Horror aussehen kann, bevor er mit Zähnen lächelt. Wes Craven und Kevin Williamson nutzen die Eröffnung, um Genre-Wissen in eine Schwäche zu verwandeln, nicht in einen Schutzschild. Drew Barrymores Szene ist so furchteinflößend, weil sie gerade lange genug spielerisch bleibt und das Publikum die Regeln genießen lässt, bevor sie beweist, dass genau diese Regeln die Falle sind. | © Dimension Films

14. Magnolia (1999)

Magnolia beginnt, als hätte Paul Thomas Anderson das Schicksal am Kragen gepackt und eine Aussage unter Eid verlangt. Die seltsame True-Crime-Energie des Prologs, die Zufälle, die Erzählstimme und dieser kosmische Seitenblick lassen den Film riesig wirken, noch bevor das Ensemble im San Fernando Valley überhaupt übernimmt. Ja, das ist auffällig inszeniert, aber eben mit Absicht: Der Anfang bereitet dich darauf vor, jeden Unfall, jedes Bedauern und jedes Geständnis als Teil eines Plans zu sehen, den niemand in der Geschichte erkennen kann.| © New Line Cinema

13. Brügge sehen... und sterben? (2008)

Der Witz von Brügge sehen... und sterben? beginnt damit, dass Brügge aussieht wie ein Märchen und Ray es behandelt wie das Wartezimmer beim Zahnarzt. Martin McDonaghs eröffnender Voiceover gibt dem Film sofort seinen perfekten Geschmack: Schuld, Gereiztheit, Schönheit und Flüche teilen sich eine enge belgische Straße. Colin Farrells verletzte Ungeduld zeigt uns direkt, dass das hier nicht nur eine Auftragskiller-Komödie ist, während Brendan Gleesons stille Anständigkeit dem Ganzen ein melancholisches Rückgrat gibt.. | © Focus Features

12. Still Walking (2008)

Hirokazu Kore-eda eröffnet Still Walking nicht mit einer dramatischen Ankündigung, weil die familiären Wunden hier schon seit Jahren vor sich hinziehen. Die frühen Küchenrhythmen, kleinen Beschwerden und alltäglichen Vorbereitungen transportieren mehr emotionale Information, als es ein Schreiduell je könnte. Man glaubt fast, das Essen riechen und die alten Verletzungen spüren zu können, die direkt daneben wieder aufgewärmt werden. Genau darin liegt die Genialität des Films: Trauer kommt durch die Routine herein und weigert sich dann, wieder zu gehen. | © Cine Qua Non

11. The Social Network (2010)

Die Trennungsszene am Anfang von The Social Network ist weniger ein Gespräch als ein Hochgeschwindigkeitscrash aus Ego, Unsicherheit und verbalem Koffein. David Fincher inszeniert sie mit kühler Präzision, während Aaron Sorkins Dialog jede Unterbrechung wie einen kleinen Kriegsakt wirken lässt. Noch bevor Facebook, Gerichtsverfahren oder Milliardärsmythen ins Spiel kommen, hat der Film Mark Zuckerberg bereits als jemanden diagnostiziert, der Informationen sofort verarbeiten kann und trotzdem den Menschen direkt vor sich übersieht. | © Columbia Pictures

10. Taxi Driver (1976)

Dampf steigt von der Straße auf, Bernard Herrmanns Musik schleicht sich herein, und Travis Bickles Taxi scheint direkt aus dem Fieber der Stadt herauszurollen. Taxi Driver kündigt seine Albtraumstimmung an, noch bevor Travis sich überhaupt richtig erklärt hat — und genau deshalb funktioniert es so stark. Martin Scorsese und Michael Chapman lassen New York zugleich real und krank wirken: ein Ort, gespiegelt durch eine Windschutzscheibe, die Einsamkeit in etwas Instabiles, Hypnotisches und Explosives verwandelt. | © Columbia Pictures

9. Hinter dem Rampenlicht (1979)

Bob Fosse beginnt Hinter dem Rampenlicht, indem er einen Vorsprechraum in ein Fegefeuer mit besserer Choreografie verwandelt. Die Eröffnungsmontage ist witzig, gnadenlos, erschöpfend und seltsam verführerisch: Sie zeigt Körper, die durch die Maschinerie des Showbusiness getrieben werden, während Joe Gideon zusieht wie ein Mann, der seine eigenen schlechten Entscheidungen bewertet. On Broadway wird weniger zu einem Song als zu einem Warnhinweis, und der Film versteht Performance sofort als Glamour, Arbeit, Ego, Sucht und Selbstzerstörung in denselben Schuhen.| © 20th Century-Fox

8. Inglourious Basterds (2009)

Die Bauernhaus-Eröffnung in Inglourious Basterds zeigt Quentin Tarantino von seiner geduldigsten und sadistischsten Seite. Nichts explodiert, niemand hetzt, und trotzdem zieht sich die Spannung immer enger um ein Glas Milch. Christoph Waltz’ Hans Landa erscheint mit einer Höflichkeit, die zur Waffe poliert wurde, und verwandelt Sprache in Verhör und Charme in Gewalt. Innerhalb weniger Minuten baut der Film eine Suspense-Sequenz auf, die so kontrolliert ist, dass es wirkt, als würde man einer Falle dabei zusehen, wie sie lächeln lernt. | © Universal Pictures

7. Whiplash (2014)

Ein einzelnes Schlagzeugmuster, das durch einen Flur hallt, reicht Whiplash, um deinen Puls steigen zu lassen. Damien Chazelle stellt Andrew Neiman zuerst über seine Besessenheit vor und erst danach über seine Persönlichkeit, bevor Fletcher auftaucht wie ein Raubtier, das Musiktheorie unterrichtet. Der erste Austausch ist im Vergleich zu dem, was später kommt, noch leise, aber das Machtverhältnis ist bereits brutal klar. Jeder Schnitt, jeder Blick und jede Pause deutet auf einen Film über Talent hin, der eigentlich von Kontrolle handelt. | © Sony Pictures Classics

6. Jaws (1975)

Die Strandparty am Anfang von Der weiße Hai hat diese lockere, träge Energie von Menschen, die keine Ahnung haben, dass sie sich bereits in einer perfekten Maschine befinden. Steven Spielberg lässt das Wasser gerade lange genug einladend wirken, bevor John Williams’ Musik es für immer vergiftet. Chrissies Angriff ist bis heute so schrecklich, weil er fast nichts zeigt und den Ozean plötzlich unergründlich wirken lässt — wodurch eine ganze Sommerlandschaft zur Bedrohung wird. | © Universal Pictures

5. The Dark Knight (2008)

Diese Bankraub-Eröffnung ist ein Miniatur-Kriminalfilm mit Clownsmasken, wechselnden Loyalitäten und einem Bösewicht, der Branding besser versteht als die meisten Unternehmen. The Dark Knight führt den Joker nicht als Rätsel ein, das gelöst werden muss, sondern als Systemfehler in menschlicher Form. Christopher Nolans Kontrolle ist sofort spürbar, doch Heath Ledgers Präsenz lässt die Sequenz detonieren und macht Chaos organisiert, theatralisch und grausam amüsiert über die Angst aller anderen. | © Warner Bros.

4. Goodfellas (1990)

Ein Auto fährt durch die Nacht, ein Geräusch kommt aus dem Kofferraum, und GoodFellas – Drei Jahrzehnte in der Mafia schreckt mit dem Selbstbewusstsein eines Films auf, der genau weiß, dass er dich schon hat. Martin Scorseses Eröffnung ist brutal, stylisch und auf eine Weise bitterkomisch, die Mitgefühl mit Schuld verknüpft, noch bevor ein Urteil möglich ist. Henry Hills berühmte Erklärung landet zugleich wie ein Geständnis und ein Verkaufsgespräch: Sie zieht das Publikum in die Gangsterfantasie hinein, bevor sie das Blut unter dem Anzug zeigt.| © Warner Bros.

3. Der Soldat James Ryan (1998)

Der Anfang von Der Soldat James Ryan behandelt Krieg nicht so sehr als Spektakel, sondern als Aufprall, Verwirrung und Überleben im Sekundentakt. Steven Spielbergs Omaha-Beach-Sequenz nimmt dem Heldentum jede saubere Glätte und ersetzt sie durch Panik, Lärm, Schlamm, Blut und unmögliche Bewegung. Das Handwerk ist überwältigend, aber der Grund, warum die Szene bis heute so hart trifft, ist moralisch, nicht technisch: Der Film lässt Mut furchteinflößend wirken, bevor er ihn jemals edel erscheinen lässt. | © DreamWorks Pictures

2. Jäger des verlorenen Schatzes (1981)

Indiana Jones wird ikonisch, noch bevor wir ihn überhaupt richtig kennen — ein ziemlich sauberer Trick und zugleich unfair gegenüber fast jedem Abenteuerfilm, der danach kam. Die Dschungel-Eröffnung von Jäger des verlorenen Schatzes ist pures visuelles Erzählen: Schatten, Fallen, Verrat, ein goldenes Idol und ein extrem motivierter Felsbrocken. Steven Spielberg inszeniert das mit Comic-Klarheit und dem Schwung alter Abenteuer-Serials und beweist, dass Eleganz und Spaß keine Gegensätze sein müssen. | © Lucasfilm

1. Chinatown (1974)

Chinatown beginnt mit schmutzigen Fotos, privater Scham und einem Detektiv, der glaubt, die Stadt zu verstehen, weil Menschen ihn dafür bezahlen, Geheimnisse aufzudecken. Roman Polańskis Eröffnung ist klar, zynisch und trügerisch klein gehalten und etabliert eine Welt, in der Beweise sichtbar sind, die Wahrheit aber schwer greifbar bleibt. Jack Nicholsons Jake Gittes tritt mit Charme und professioneller Kontrolle auf, was die langsame Demontage dieses Selbstbewusstseins im Verlauf des Films nur noch grausamer macht. | © Paramount Pictures