In Auslöschung gerät eine Gruppe Wissenschaftlerinnen in eine mysteriöse, sich ausdehnende Zone, in der Biologie und Realität keine Gültigkeit mehr haben. Alex Garland interessiert sich dabei viel mehr für die psychischen Auswirkungen auf die Frauen als für Erklärungen. Der Film hat einige Logiklücken und versucht nicht, diese zu verbergen. Doch die Atmosphäre ist so dicht und manche Szenen so verstörend, dass Logik keine Rolle mehr spielt. Er ist gruselig, wunderschön gefilmt und enthält mindestens einen Moment, der einen auf eine Weise verstören wird, die sich kaum beschreiben lässt, ohne zu spoilern. | © Paramount Pictures
The Killing of a Sacred Deer erzählt die Geschichte eines Chirurgen, dessen komfortables Leben aus den Fugen gerät, nachdem er eine seltsame, von Schuldgefühlen geprägte Beziehung zu einem Teenager entwickelt. Yorgos Lanthimos verleiht jeder Interaktion eine leicht befremdliche Note, die sich schwer zu beschreiben, aber unmöglich zu ignorieren ist. Die emotionslose, fast roboterhafte Darstellung des gesamten Ensembles ist vollkommen beabsichtigt und erzeugt ein schleichendes Gefühl der Beklemmung, lange bevor etwas Schreckliches geschieht. Wenn der Film schließlich seine wahre Natur offenbart, ist man bereits zu verstört, um wegzusehen. | © Curzon Film
The Lobster spielt in einer Welt, in der Singles in ein Hotel geschickt werden und 45 Tage Zeit haben, einen Partner zu finden – oder in ein Tier ihrer Wahl verwandelt werden. Colin Farrell spielt die Rolle völlig ernst, was genau richtig ist, und der ausdruckslose Ton lässt die absurde Prämisse beunruhigend nah an der Realität des sozialen Drucks in Beziehungen erscheinen. Der Film ist auf eine trockene, verstörende Art witzig, doch die darunterliegende Satire ist so scharf, dass sie einem noch lange nach dem ersten Witz im Gedächtnis bleibt. | © Picturehouse Cinemas
Mad God ist ein Stop-Motion-Animationsfilm, an dem drei Jahrzehnte gearbeitet wurde. Er begleitet eine maskierte Gestalt auf ihrem Weg durch die Schichten einer höllischen, verrottenden Welt voller Folter, grotesker Kreaturen und alptraumhafter Industriebilder. Phil Tippett, eine Legende der Spezialeffekte, schuf diesen Film über 30 Jahre hinweg fast vollständig in Handarbeit – und das sieht man jedem einzelnen Bild an. Die Handlung ist bewusst schwer nachzuvollziehen, doch die Bilder sind so unerbittlich einfallsreich und verstörend, dass das Fehlen einer klaren Geschichte schnell nicht mehr als Mangel empfunden wird. | © Shudder
In Der Leuchtturm sind zwei Leuchtturmwärter auf einer abgelegenen Insel Neuenglands gefangen. Isolation, schlechtes Wetter und übermäßiger Alkoholkonsum lassen sie langsam aneinander zugrunde gehen. Robert Eggers drehte den Film in Schwarz-Weiß mit einem nahezu quadratischen Bildformat, wodurch jede Einstellung bewusst klaustrophobisch wirkt. Willem Dafoe und Robert Pattinson spielen beide herausragend und machen aus etwas, was nur ein Gimmick hätte sein können, etwas wahrhaft Beunruhigendes. | © A24
Climax beginnt als Feier, doch dann mischt jemand LSD in die Sangria, und alles bricht in Echtzeit zusammen. Gaspar Noé dreht den Film in langen, ungeschnittenen Einstellungen, die den Abstieg unausweichlich erscheinen lassen und den Zuschauer im Chaos gefangen halten, genau wie die Tänzer im Gebäude. Die Choreografie im Vorspann ist wahrhaft elektrisierend, was den Umschwung zu Paranoia und Gewalt umso verstörender macht. | © Wild Bunch
Under the Skin – Tödliche Verführung erzählt die Geschichte eines Außerirdischen in Menschengestalt, der durch Schottland fährt und Männer in etwas lockt, von dem sie nicht zurückkehren. Jonathan Glazer inszeniert den Film so, dass er sich weniger wie eine Erzählung als vielmehr wie eine anhaltende, beunruhigende Beobachtung anfühlt. Dokumentarischer Realismus verschwimmt mit etwas zutiefst Fremdartigem, sodass selbst gewöhnliche schottische Straßen wie feindseliges, außerirdisches Terrain wirken. Der Film ist langsam und bewusst kühl, doch gerade diese Distanz macht ihn so schwer abzuschütteln. | © A24
Paprika erzählt die Geschichte eines Wissenschaftlers, der ein Gerät entwickelt, mit dem Menschen in die Träume anderer eindringen können. Doch dann wird die Technologie gestohlen, und die Grenze zwischen Traum und Wirklichkeit verschwimmt. Regisseur Satoshi Kon füllt jede einzelne Einstellung mit Bildern, die eigentlich keinen Sinn ergeben sollten, sich aber im Film selbst völlig logisch anfühlen – von Paraden animierter Objekte bis hin zu sich verändernden Identitäten, die durch die reale Welt hinweg verschwimmen. Visuell ist der Film einzigartig in der Animationswelt und funktioniert nicht nur als Spektakel, sondern auch als zutiefst beunruhigende Geschichte über Bewusstsein und Kontrolle. | © Sony Pictures Classics
Enter the Void versetzt den Zuschauer direkt in die Perspektive eines Drogendealers in Tokio, der früh im Film stirbt. Anschließend folgt man seiner Seele, die über die Stadt schwebt und die Folgen ihres Todes beobachtet. Gaspar Noé dreht den gesamten Film aus der Ich-Perspektive und hüllt den Zuschauer fast drei Stunden lang in Neonlicht und psychedelische Bilder. Er ist bewusst unbehaglich und lässt keine emotionale Distanz zu einigen wahrhaft verstörenden Momenten. Er ist in keiner Hinsicht leicht zu ertragen, aber es gibt im Kino nichts Vergleichbares. | © Wild Bunch
Beau Is Afraid ist ein fast dreistündiger surrealistischer Albtraum, der einen ängstlichen, passiven Mann auf dem Weg nach Hause zu seiner Mutter begleitet – eine simple Prämisse, die Ari Aster zu etwas wahrhaft Überwältigendem ausbaut. Der Film wirkt wie ein Fiebertraum aus Schuldgefühlen und Paranoia, in dem jedes Hindernis, dem Beau begegnet, absurd und zugleich seltsam unausweichlich erscheint. Es ist die Art von Film, die man kaum aushalten kann und die einen nach dem Abspann noch lange beschäftigt. | © A24
Mulholland Drive – Straße der Finsternis beginnt als Neo-Noir-Mystery über zwei Frauen, die in Los Angeles versuchen, ihre verlorene Identität wiederzuerlangen, und stellt dann alles, was man zu sehen glaubte, völlig auf den Kopf. Naomi Watts ist hier außergewöhnlich. Sie verkörpert eine Rolle, die von ihr verlangt, im Grunde zwei völlig unterschiedliche Personen zu sein, und schafft es, dies so überzeugend darzustellen, dass es nie aufgesetzt wirkt. Lynch streut so viele Hinweise ein, dass sich das zweite Ansehen weniger wie eine Wiederholung anfühlt, sondern eher wie eine erstmalige Entdeckung. | © Universal Studios
Inland Empire – Eine Frau in Schwierigkeiten ist ein fast dreistündiger Abstieg in die Geschichte einer Schauspielerin, deren Identität mit der Rolle, die sie spielt, zu verschmelzen beginnt – ohne erkennbaren Wegweiser. Lynch drehte den Film auf Digitalvideo, was ihm eine rohe, ungeschliffene Textur verleiht, die ihn weniger wie einen Film als vielmehr wie etwas, das man eigentlich nicht sehen sollte, anfühlen lässt. Der Verstand wird die Geschichte nicht einfach entschlüsseln können, doch irgendetwas daran berührt einen, nicht logisch, sondern als ein Gefühl, das einen danach nicht mehr loslässt.| © StudioCanal
Donnie Darko dreht sich um einen problembelasteten Teenager, der von einem riesigen, unheimlichen Kaninchen unheilvolle Warnungen vor dem Weltuntergang erhält – und diese Beschreibung kratzt nur an der Oberfläche dessen, wie bizarr die Geschichte wird. Jake Gyllenhaal trägt den Film mit seiner Präsenz und lässt Donnie selbst dann noch vertraut wirken, als die Handlung in Zeitreisen abdriftet. Es ist die Art von Film, die man beim ersten Mal vielleicht nicht vollständig versteht, aber diese Verwirrung gehört zum Erlebnis dazu. | © United Artists
Inception nimmt ein verblüffendes Konzept und spinnt daraus eine der vielschichtigsten Geschichten, die man je in einem Blockbuster gesehen hat. Christopher Nolan spannt den Bogen um eine einzige emotionale Wahrheit zwischen zwei Charakteren, und wenn dieser Moment schließlich landet, verändert er alles, was man gerade gesehen hat. Die visuellen Effekte, Hans Zimmers Soundtrack und ein absolut engagiertes Ensemble machen Inception zu einem der wenigen Blockbuster, die ihren Anspruch tatsächlich erfüllen. | © Warner Bros. Pictures
Synecdoche, New York erzählt die Geschichte eines Theaterregisseurs, gespielt von Philip Seymour Hoffman, der jahrzehntelang versucht, eine gigantische Bühnenproduktion aufzubauen, die sein eigenes, zerfallendes Leben widerspiegelt. Der Film verschmilzt Alltag und surreales Chaos so nahtlos, dass man irgendwann aufhört, die Grenzen zwischen den beiden zu ziehen. Er ist unübersichtlich, düster und auf seltsame Weise lustig– ein Film, der sich nicht erklärt, aber dennoch umso eindringlicher wirkt als solche, die es tun. | © Sony Pictures Classics
Surrealistisches Kino verzerrt die Realität, verwirft einfache Erzählstrukturen und hinterlässt ein Gefühl, das sich kaum benennen lässt. Diese 15 Filme aus dem 21. Jahrhundert zählen zu den besten Werken des Genres – von Mainstream-Klassikern bis hin zu Geheimtipps, die kaum jemand kennt. Wenn du bereit bist, den Anspruch auf logisches Denken loszulassen, ist diese Liste genau das Richtige für dich.
