„The Cobbler – Der Schuhmagier“ verlangt von dir, zu glauben, dass Dustin Hoffman, einer der naturalistischsten Schauspieler der Filmgeschichte, in eine an Adam Sandler erinnernde Fantasy-Komödie über einen Schuhmacher gehört, der sich durch das Tragen der Schuhe seiner Kunden in sie verwandeln kann. Die Idee klingt wie etwas, das sich ein Kind in der großen Pause ausdenken würde. Der Film nimmt sie jedoch mit verblüffendem Ernst, während Hoffman jede Zeile so vorträgt, als würde er noch immer in einem anspruchsvollen Drama spielen. Ihm dabei zuzusehen, wie er sich durch die magische Logik der Schuhe und halbherzige Lebensweisheiten kämpft, ist, als würde man einen Meisterpianisten dabei beobachten, wie er bei einer Talentshow gezwungen wird, „Hänschen klein“ zu spielen. Das Ganze wirkt wie eine derart komplette Fehlentscheidung, dass man sich unweigerlich fragt, wie dieses Pitch-Meeting wohl abgelaufen ist. | © Image Entertainment
„The Poison Rose“ hat es tatsächlich geschafft, Morgan Freeman dazu zu bringen, einen Neo-Noir-Film mit John Travolta zu erzählen, der wirkt, als wäre er aus übrig gebliebenen Drehbüchern für Thriller zusammengeschustert worden, die sonst niemand haben wollte. Freemans legendäre Stimme führt durch einen verworrenen Mordfall, in dem Travolta einen Privatdetektiv spielt, der in einer Kleinstadt Korruption aufdeckt. Doch selbst Freemans ikonische Stimme kann weder die wirre Handlung verständlicher noch die hölzernen Dialoge besser machen.
Die gesamte Produktion wirkt trotz der bekannten Besetzung billig. Freeman dient im Grunde als teures Aushängeschild für einen Film, der ohne seine Beteiligung vermutlich direkt im Ramschregal gelandet wäre. Einer der angesehensten Sprecher der Filmwelt dabei zuzuhören, wie er versucht, dieses Chaos zu verkaufen, fühlt sich an, als würde man Shakespeare an einer Tankstelle aufführen. | © Screen Media Films
„Kangaroo Jack“ hat es tatsächlich geschafft, Christopher Walken als Gangsterboss zu besetzen – in einer Komödie, in der zwei Freunde einem computergenerierten Känguru durch Australien hinterherjagen. Der Film war ursprünglich als R-rated-Krimi gedacht, bevor die Studioverantwortlichen beschlossen, daraus Familienunterhaltung zu machen. Dadurch blieb Walkens ernsthaft bedrohliche Performance in einem Film zurück, der plötzlich sprechende Tiere und Fäkalhumor zu bieten hatte.
Einem der unberechenbarsten Schauspieler der Filmgeschichte dabei zuzusehen, wie er mit seiner typischen Intensität zwischen Slapstick und Känguru-Gags agiert, erzeugt einen derartigen Tonbruch, dass man sich unweigerlich fragt, wie Filme überhaupt gemacht werden. Das Ergebnis wirkt wie zwei völlig unterschiedliche Filme, die versehentlich zusammengeschnitten wurden – und Walken ist offenbar der Einzige, der nichts von dem Genrewechsel mitbekommen hat. | © People / YouTube
„Wild Christmas“ nimmt eine Ausgangsidee, die nach einem durchaus soliden Thriller klingt – ein Ex-Häftling gibt sich als jemand anderes aus, um eine Frau zu beeindrucken – und ertränkt sie in Plot-Twists, die mit jeder neuen Wendung absurder werden. Charlize Theron, die bereits in anspruchsvollen Dramen ihre enorme schauspielerische Bandbreite unter Beweis stellte, bleibt in der Rolle der Femme fatale eines Films hängen, der sich nicht entscheiden kann, ob er ein Krimi oder ein Psychodrama sein möchte.
Das Drehbuch zieht dem Publikum ständig den Boden unter den Füßen weg, bis irgendwann niemanden mehr interessiert, was sich eigentlich darunter befindet. Einer Oscar-Preisträgerin dabei zuzusehen, wie sie sich durch Dialoge über Casino-Überfälle mit Rentier-Thematik kämpft, fühlt sich an wie ein Autounfall in Zeitlupe. | © Miramax Films
„Movie 43“ hat es tatsächlich geschafft, Halle Berry für einen Sketch zu gewinnen, in dem sie mit ihrem Freund „Wahrheit oder Pflicht“ spielt. Daraus entsteht eine Szene mit Schönheitsoperationen und Guacamole, die sich eigentlich jeder Erklärung entzieht. Die Oscar-Preisträgerin gibt sich dabei voll und ganz einem Material hin, das wirkt, als wäre es von Mittelschülern geschrieben worden, die gerade erst Schockhumor für sich entdeckt haben.
Ihr dabei zuzusehen, wie sie sich durch Dialoge über Körperfunktionen kämpft und dabei trotzdem professionell weiterspielt, erzeugt eine derartige kognitive Dissonanz, dass die ganze Szene nur noch unangenehmer wird. Der Film schaffte es nicht nur, Berry zu verheizen, sondern gleich eine ganze Riege von A-Listern – und ist damit vielleicht der teuerste Streich, den sich ein Filmstudio jemals auf Kosten des Publikums erlaubt hat. | © Relativity Media
„Winchester“ hat es tatsächlich geschafft, Helen Mirren dazu zu bringen, zwei Stunden lang verwirrt durch ein Spukhaus zu laufen, während CGI-Geister wie in einer Geisterbahn aus Schränken springen. Der Film nutzt die tatsächlich faszinierende wahre Geschichte von Sarah Winchester und ihrer bizarren Villa lediglich als Aufhänger für die vorhersehbarsten Jump-Scares, die man sich vorstellen kann.
Mirren trägt ihre Dialoge mit der Professionalität einer Schauspielerin vor, die ganz genau weiß, wie albern das Ganze ist. Doch selbst ihr Einsatz kann ein Drehbuch nicht retten, das offenbar glaubt, knarrende Dielen würden bereits für Atmosphäre sorgen. Einer Oscar-Preisträgerin dabei zuzusehen, wie sie sich von völlig offensichtlichen Geistererscheinungen erschrecken lässt, fühlt sich letztlich einfach wie eine Verschwendung von aller Zeit an. | © CBS Films
„The Emoji Movie“ hat es tatsächlich geschafft, Patrick Stewarts Shakespeare’sche Würde für eine Figur namens „Poop“ zu verschwenden – was wie ein Witz klingt, aber leider keiner ist. Stewart verleiht dem animierten Häufchen dieselbe theatralische Ernsthaftigkeit, mit der er einst Captain Picard verkörperte. Dadurch entsteht ein surrealer Kontrast zwischen Schauspieler und Material, der das Ganze irgendwie noch deprimierender macht.
Der Film behandelt Product Placement wie wichtige Handlungselemente und grundlegende Smartphone-Funktionen wie tiefgründige Mysterien. Stewart dabei zuzusehen, wie er mit vollkommener Ernsthaftigkeit über die Gefühle von Emojis spricht, ist, als würde man einem Spitzenkoch dabei zusehen, wie er gezwungen wird, einen Hotdog von der Tankstelle zuzubereiten. | © Sony Pictures
„Lügen macht erfinderisch“ zeigt Philip Seymour Hoffman als Drehbuchautor, der begeistert von dieser neuen Erfindung namens „Fiktion“ ist. Ihm dabei zuzusehen, wie er versucht, das Konzept zu verkaufen, wirkt schon fast wie Performance-Kunst. Der Film möchte eine clevere Satire über Wahrheit und Religion sein, lässt sich aber immer wieder von flachen Rom-Com-Momenten ablenken, die letztlich nirgendwohin führen.
Hoffman bringt echte Neugier und Energie in Szenen, die das dringend nötig haben. Dadurch fragt man sich unweigerlich, was er in einem Drehbuch gesehen hat, das große Ideen letztlich nur als Vorlage für vorhersehbare Pointen behandelt. Es ist genau die Art von Besetzung, durch die ein ohnehin schnell vergessener Film vor allem wie eine Verschwendung von Talent wirkt. | © Warner Bros.
„Jack und Jill“ hat es tatsächlich geschafft, Al Pacino dazu zu bringen, eine Version seiner selbst zu spielen, die romantisch von Adam Sandler in Frauenkleidung besessen ist. Den „Scarface“-Star dabei zu sehen, wie er voller Begeisterung davon spricht, „Jill“ auf eine Kreuzfahrt mitnehmen zu wollen, fühlt sich an, als würde man dabei zusehen, wie jemandes Karriere in Echtzeit als Geisel genommen wird.
Pacino zieht die Nummer mit einer Intensität durch, die alles nur noch schlimmer macht. Aus einem kurzen Auftritt für einen schnellen Gehaltsscheck wird so eine ausgewachsene Performance, nach der wirklich niemand gefragt hat. Das Ganze wirkt wie ein aufwendiger Streich an all jene, die Method Acting jemals ernst genommen haben. | © Sony Pictures
„Eragon“ machte aus John Malkovich einen überzeichneten Bösewicht, der jede Zeile so vorträgt, als würde er für eine Laienspielgruppe in einer „Macbeth“-Inszenierung vorsprechen. Der Film schafft es tatsächlich, aus einem der unberechenbarsten Schauspieler der Filmgeschichte einen völlig vorhersehbaren Charakter zu machen. Malkovich steckt in generischen Fantasy-Dialogen fest und ist dabei von Spezialeffekten umgeben, die selbst 2006 schon veraltet aussahen.
Malkovich dabei zuzusehen, wie er in einem Film hemmungslos overactet, der kaum genug Kulisse für dieses Overacting bietet, wird fast schon auf faszinierende Weise falsch. Es ist eine dieser seltenen Performances, bei denen man das Gefühl bekommt, einem großartigen Schauspieler direkt dabei zuzusehen, wie ihm klar wird, dass er einen schrecklichen Fehler gemacht hat. | © 20th Century Fox
„BloodRayne“ ließ Ben Kingsley von der Rolle des Gandhi zu einem Schauspieler werden, der sich in einer Videospielverfilmung mit künstlichen Vampirzähnen herumschlägt – und damit Filme wie andere Videospieladaptionen plötzlich erstaunlich gelungen aussehen lässt. Der Film steckt den Oscar-Preisträger in eine Vampir-Fantasy, in der die Dialoge klingen, als wären sie in der Mittagspause geschrieben worden, während die Actionszenen eher wie aufwendig produzierte Cosplay-Auftritte wirken.
Der Film zieht das Schlechtsein derart konsequent durch, dass es schon fast surreal wirkt, Kingsley dabei zuzusehen, wie er mit voller Ernsthaftigkeit Zeilen über uralte Blutlinien vorträgt. Kaum etwas tut so weh, wie einen legendären Schauspieler in einem derart gnadenlos billig produzierten Film gefangen zu sehen. | © Romar Entertainment
Jeremy Irons trägt in „Dungeons & Dragons“ jede einzelne Zeile so vor, als würde er Shakespeare vor einem Publikum aus nur einer Person aufführen – und dieses Publikum wäre er selbst. Der Film um ihn herum ist billiger Fantasy-Unsinn mit miserablen Effekten und einer Handlung, die kaum Sinn ergibt. Irons geht jedoch mit einer derartigen theatralischen Intensität in seiner Rolle auf, dass er zum einzigen Grund wird, weiterzuschauen.
Sein Bösewicht kaut derart hemmungslos jede Kulisse auf, dass er aus einem vergessenswerten Schnellschuss für die Kinokassen plötzlich etwas unfreiwillig Unterhaltsames macht. Ein klassisch ausgebildeter Schauspieler, der Dialoge über das Beschwören von Drachen behandelt, als würde er Hamlets Monolog halten, ist zutiefst absurd – und irgendwie großartig. | © New Line Cinema
„Artemis Fowl“ verwandelte eine beliebte Buchreihe über ein kindliches kriminelles Genie in einen Disney-Film, der es irgendwie geschafft hat, selbst Feen langweilig wirken zu lassen. Colin Farrell taucht als Vater des Jungen auf und trägt jede einzelne Zeile vor, als würde er von Karteikarten ablesen – gefangen in einer Greenscreen-Welt, die billiger aussieht als die meisten YouTube-Videos.
Das Ganze wirkt, als hätte jemand die Bücher durch eine Maschine gejagt, die Persönlichkeit, Witz und alles entfernt, was auch nur ansatzweise an den schwarzen Humor der Vorlage erinnert. Farrell hätte definitiv etwas Besseres verdient, als dabei zuzusehen, wie seine Szenen unter CGI begraben werden, das selbst Fantasyfilme aus den frühen 2000ern plötzlich wie technische Meisterwerke aussehen lässt. | © Disney+
„Die Abenteuer von Rocky & Bullwinkle“ hat es tatsächlich geschafft, Robert De Niro dazu zu bringen, einen Cartoon-Bösewicht in einem Realfilm-Chaos zu spielen, nach dem wirklich niemand gefragt hatte. De Niro wirft sich mit voller Hingabe in die Rolle des Fearless Leader – inklusive übertriebener Akzent und theatralischer Gestik. Ihn dabei zu beobachten, wie Travis Bickles Vater in einem Kinderfilm hemmungslos herumalbert, fühlt sich allerdings wie ein Fiebertraum an.
Der Film verfrachtet beliebte Zeichentrickfiguren in die reale Welt, ohne zu verstehen, was sie ursprünglich überhaupt so gut gemacht hat. Einen der größten Schauspieler der Filmgeschichte dabei zu sehen, wie er Grimassen schneidet und gegen einen CGI-Elch anspielt, ist genau die Art von Karriereentscheidung, bei der man sich unweigerlich fragt, wie hoch der Gehaltsscheck wohl ausgefallen ist. | © Universal Pictures
„Der weiße Hai – Die Abrechnung“ kassierte Michael Caine angeblich seinen Gehaltsscheck, ohne sich den fertigen Film überhaupt anzusehen – was eigentlich schon alles darüber sagt, wie dieses letzte Kapitel der Reihe ausgefallen ist. Der Film verlangt vom Publikum zu glauben, dass ein Weißer Hai eine persönliche Fehde mit der Familie Brody entwickelt hat und sie von Neuengland bis auf die Bahamas verfolgt – mit der Hartnäckigkeit eines Serienkillers.
Caine spielt einen charmanten Piloten, der hauptsächlich dazu da ist, Hintergrundinformationen zu liefern und für romantische Chemie zu sorgen, während sich mechanische Haie durch Szenen schleppen, die die Gummieffekte des Originals plötzlich wie modernste Technik aussehen lassen. Der Mann, der uns „Alfie“ und „Harry Palmer“ bescherte, hätte definitiv etwas Besseres verdient, als in einem Film gefangen zu sein, in dem der Hai Berichten zufolge sogar brüllt. | © Universal Pictures
Ein großartiger Schauspieler kann selbst schlechtes Material aufwerten. Manchmal ist der Unterschied zwischen dem Talent auf der Leinwand und dem Film drumherum jedoch so gewaltig, dass genau das zum interessantesten Teil des Films wird. Diese 15 Schauspieler haben alles gegeben und hätten mit dem Material, das ihnen vorgelegt wurde, definitiv etwas Besseres verdient.
