EarlyGame | Das sind laut Barack Obama die besten Filme 2025

One Battle After Another

Revolutionen sehen auf der Leinwand selten so chaotisch aus, was vermutlich genau der Grund ist, warum es hier so gut funktioniert: Politische Überzeugung wird als etwas gezeigt, das schmutzig, komisch und ein bisschen gefährlich sein kann, ohne in eine Predigt abzurutschen. Die Geschichte folgt einem ehemaligen Radikalen, der versucht, seine Tochter zu beschützen, während die Vergangenheit immer wieder die Tür eintritt, und der Ton springt zwischen Spannung und schwarzem Humor hin und her, als würde der Film dich herausfordern, mitzuhalten. Die Darsteller stemmen dabei enorm viel – zugleich müde, wütend und auf seltsame Weise zärtlich –, während der Stil scharf und ruhelos bleibt und ständig andeutet, dass Stabilität nur eine vorübergehende Illusion ist. One Battle After Another besitzt außerdem diese präzise Filmsprache, die selbst ruhige Szenen aufgeladen wirken lässt, als hätte jede Pause eine Agenda. Es ist genau die Art von Film, bei der es Sinn ergibt, ihn zu den „Besten des Jahres“ zu zählen: ambitioniert, sperrig und schwer zu vergessen, sobald er sich einmal unter die Haut geschoben hat. | © Warner Bros. Pictures

Blood & Sinners

Vampire plus der amerikanische Süden zur Zeit der Jim-Crow-Gesetze ist schon als Prämisse etwas, bei dem man die Augenbrauen hebt – und dann schafft es der Film auch noch, das Ganze sinnvoll statt gimmickhaft wirken zu lassen. Das Setting ist vollgesogen mit Atmosphäre – Hitze, Musik, Bedrohung – und der Horror ist nicht nur übernatürlich, sondern kulturell, historisch und persönlich, auf eine Weise, die die Spannung selbst dann aufrechterhält, wenn niemand schreit. Michael B. Jordans Doppelrolle verleiht der Geschichte eine ruhelose Energie, als würden zwei unterschiedliche Überlebensstrategien um die Kontrolle über dasselbe Leben kämpfen. Was Blood & Sinners besonders macht, ist der Umgang mit dem Genre: Der Film transportiert größere Ideen, ohne in einen belehrenden „Message-Modus“ zu verfallen, und lässt stattdessen Schrecken und Emotionen für sich sprechen. Er ist stilvoll, intensiv und selbstbewusst genug, zwischen Brutalität und Schönheit zu pendeln, ohne um Erlaubnis zu bitten. Kein Wunder, dass er als einer der herausragenden Filme des Jahres hervorgehoben wurde – dieser Film hinterlässt Spuren. | © Proximity Media

It was just an accident cropped processed by imagy

Ein einfacher Unfall

Der Titel klingt beiläufig, fast wie ein Achselzucken – und genau deshalb trifft es umso härter, wenn die Geschichte anfängt, ihren Griff zu verengen. Eine Gruppe ehemaliger politischer Gefangener glaubt, den Mann gefunden zu haben, der sie gefoltert hat, und plötzlich lautet die Frage nicht mehr „Was ist passiert?“, sondern: „Was darfst du tun, wenn du dir nicht einmal ganz sicher bist?“ Der Film bewegt sich mit einer angespannten, düster-komischen Dynamik und lässt Absurdität und Trauma im selben Bild existieren, ohne dass sich eines von beiden aufhebt. Ein einfacher Unfall verteilt keine einfache Hypothese; stattdessen zwingt er jede Figur, Rache, Gerechtigkeit, Angst und Zweifel gegeneinander abzuwägen, als würden alle dieselbe schwere Last auf unterschiedliche Weise tragen. Er ist verstörend, scharf und schmerzhaft menschlich – einer dieser Filme, bei denen das moralische Dilemma noch lange nach dem Abspann nachhallt. | © Jafar Panahi Productions

Hamnet

Geschichten über Trauer können schnell abstrakt werden, doch diese hier bleibt greifbar – Hände, Atem, Routinen, das störrische Gewicht des Alltags, nachdem etwas zerbrochen ist. Im Mittelpunkt steht nicht Shakespeare als Legende, sondern eine Familie, die nach dem Verlust eines Kindes weiterexistieren muss, wobei Emotionen als eine Kraft gezeigt werden, die alles umsortiert, was sie berührt. Jessie Buckleys Agnes wirkt fest im Körper und in der Erde verankert, während sich die Stimmung des Films wie Erinnerung bewegt: fließend, lebendig und gelegentlich traumartig, ohne ins Leere abzudriften. Hamnet besitzt eine leise Intensität, die selbst sanfte Momente riesig wirken lässt – eine Art Drama, das keine Lautstärke braucht, um zu erschüttern. Der Film ist intim, schmerzend und visuell durchdacht – genau die Sorte „Film des Jahres“, die ohne Prahlerei sagt: Ja, Kino kann das immer noch. | © Hera Pictures

Sentimental Value

Manche Familiengeschichten explodieren nicht – sie sickern langsam ein. Sentimental Value bewegt sich genau in diesem unbequemen Raum, in dem Liebe echt ist, Geschichte schwer wiegt und alle ständig um das herumreden, was sie eigentlich meinen. Im Zentrum steht ein Filmemacher-Vater mit seinen zwei erwachsenen Töchtern, bei denen alte Wunden auf die beiläufig verheerendste Art wieder aufbrechen – halbfertige Gespräche, verharrende Blicke und Erinnerungen, die sich einfach nicht archivieren lassen. Der Ton trifft diesen typischen Joachim-Trier-Nerv: Gewöhnliche Momente fühlen sich plötzlich aufgeladen an, als hätte jemand ein stromführendes Kabel unter dem Esstisch versteckt. Der Film ist in kleinen, menschlichen Momenten witzig und einen Schlag später leise brutal, wobei sich dieses Hin und Her ehrlich anfühlt statt manipulativ. Heraus kommt ein Drama über Kunst, Aufmerksamkeit und familiäre Schwerkraft – darüber, was du erbst, was du ablehnst und was du dir trotzdem noch wünschst. | © Mer Film

No Other Choice

Hier ist so eine Prämisse, die simpel klingt, bis sie sich langsam wie ein Knoten zuzieht: Job weg, Halt weg – und plötzlich zeigt sich, wie weit ein Mensch den Begriff „Überleben“ für sich rechtfertigen kann. No Other Choice stürzt sich kopfüber in satirische Dunkelheit und macht aus moderner Angst – Geld, Status, Beschäftigungsfähigkeit – etwas so Scharfes, dass es schneidet. Park Chan-wook inszeniert das mit seiner gewohnten Präzision, sodass der Humor nicht ins Alberne abdriftet, sondern fest an das Unbehagen gekettet bleibt. Der Film spielt mit Moral wie mit einem Schiebepuzzle, das sich ständig neu ordnet, und lässt niemanden ganz unschuldig davonkommen – auch das Publikum nicht, das den Ritt genießt. Er ist angespannt, bitterböse, komisch und auf unangenehme Weise plausibel – genau so, wie es die besten schwarzen Komödien sind. | © CJ Entertainment

The Secret Agent

Ein Politthriller funktioniert am besten, wenn sich die Gefahr bürokratisch anfühlt – Formulare, Überwachung, höflich geschlossene Türen – und The Secret Agent versteht genau diese Art von Angst. Vor dem Hintergrund der brasilianischen Militärdiktatur der 1970er-Jahre folgt der Film einem Mann, der in ein immer engeres Netz gerät, in dem die Bedrohung nicht von einem einzelnen Bösewicht ausgeht, sondern von einem ganzen System mit endloser Geduld. Der Noir-Einschlag zeigt sich vor allem in der Stimmung: Misstrauen am helllichten Tag, Geheimnisse, die wie Schmuggelware mitgetragen werden, und das Gefühl, dass jeder Gefallen seinen Preis hat. Der Film bewegt sich mit kontrollierter Intensität statt permanentem Feuerwerk, wodurch sich die Spannung verdient anfühlt statt künstlich erzeugt. Was hängen bleibt, ist die Balance aus Dringlichkeit und Atmosphäre – Geschichte lastet auf jeder Szene, ohne je zur Rede zu werden. | © CinemaScópio

Train Dreams

Manchmal ist das Filmischste, was ein Film tun kann, langsamer zu werden und das Leben sich entfalten zu lassen, ohne jede Minute „gewinnen“ zu wollen. Train Dreams begleitet einen Arbeiter im Amerika des frühen 20. Jahrhunderts und zeichnet seinen Weg durch Arbeit, Verlust und diese seltsame Einsamkeit nach, die entsteht, wenn man zusieht, wie sich die Welt um einen herum modernisiert. Die Erzählung ist bewusst reduziert – mehr Beobachtung als Erklärung –, sodass die Emotionen wie ein leiser Schlag treffen statt wie eine dramatische Ansage. Es ist ein Film, der auf Texturen vertraut: Wetter, Distanz, Routine, das Gewicht der Zeit, die Art, wie kleine Entscheidungen über Jahrzehnte nachhallen. Die Stimmung bleibt zart, selbst wenn sie hart wird, und hinterlässt dieses nachklingende Gefühl, das man nach einer großartigen Novelle kennt: Die Geschichte ist vorbei, aber sie geht nie wirklich weg. | © Black Bear

Jay Kelly

Ruhm wirkt glamourös, bis er sich wie ein Kostüm anfühlt, das man nicht mehr ausziehen kann – und genau an diesem Juckreiz kratzt Jay Kelly. Die Geschichte folgt einem Filmstar (George Clooney), der mit seinem Manager (Adam Sandler) durch Europa reist, und die Lacher landen genau in dieser unangenehmen Zone, in der alle charmant und ein bisschen unausstehlich sind – leider, wie echte Menschen. Es ist ein Comedy-Drama, das nicht auf große Plot-Feuerwerke aus ist, sondern lieber auf peinliche Wiedersehen, alte Ressentiments und die schleichende Erkenntnis setzt, dass Erfolg einen nicht automatisch zu einem besseren Menschen macht. Der Film hat diesen ruhelosen Puls einer Midlife-Abrechnung, wird aber nie belehrend – eher wie ein langer Seufzer, von dem man gar nicht gemerkt hat, dass man ihn die ganze Zeit angehalten hat. Und ja, er gehört zu Barack Obamas Lieblingsfilmen des Jahres 2025, was passt: klug, menschlich und leise chaotisch, so wie das Leben eben oft ist. | © Pascal Pictures

Good Fortune

Ein Engel mit einem Plan klingt erst mal tröstlich – bis der Plan darin besteht, sich per Körpertausch in eine Moralpredigt zu mogeln, und Good Fortune lehnt sich genau mit diesem Chaos völlig hinein. Keanu Reeves spielt Gabriel, einen wohlmeinenden himmlischen Einmischer, dessen Versuch zu beweisen, dass Geld nicht alles löst, auf die denkbar schrägste „Sitcom-aus-dem-Weltraum“-Art entgleist. Der Humor entsteht daraus, dass der Film sich weigert, „Reichtum versus Armut“ wie eine simple Vorher-nachher-Montage zu behandeln. Stattdessen zeigt er immer wieder, wie Privilegien Verhalten, Beziehungen und sogar Selbstachtung neu verdrahten. Aziz Ansari führt mit leichter Hand Regie und lässt Peinlichkeit die Arbeit machen, statt Pointen zu erzwingen, während Seth Rogen genau diese spezielle Form von Charisma einbringt, die sich freundlich anfühlt – bis sie es plötzlich nicht mehr tut. Der Film ist lustig, ein bisschen bissig, gelegentlich süß und gerade selbstbewusst genug, um zuzugeben, dass ein Lebenstausch den meisten Menschen wahrscheinlich zuerst die falsche Lektion beibringen würde. | © Garam Films

Orwell: 2+2=5

Here’s a documentary that doesn’t tiptoe around its own urgency – Orwell: 2+2=5 shows up with receipts, alarms, and a look that says, “We are not doing the polite version today.” Raoul Peck builds the film around George Orwell’s life and ideas, pulling threads from Nineteen Eighty-Four into a modern collage of propaganda, surveillance, manufactured truth, and the casual normalization of “say it enough times and it becomes real.” It’s dense, visually punchy, and intentionally unsettling, the kind of watch where the chill isn’t from a jump scare – it’s from recognition. The narration and archival approach keep it grounded in Orwell as a person while the editing keeps dragging you back to the present, like a hand on your shoulder that won’t let you look away. If it feels confrontational, that’s the point, and its spot among Barack Obama’s favorite movies of 2025 makes perfect sense.

Hier ist eine Dokumentation, die nicht um ihre eigene Dringlichkeit herumschleicht – Orwell: 2+2=5 tritt mit Belegen, Alarmglocken und einem Blick auf, der sagt: „Heute machen wir nicht die höfliche Version.“ Raoul Peck baut den Film um George Orwells Leben und Ideen herum auf und zieht Fäden aus 1984 in eine moderne Collage aus Propaganda, Überwachung, konstruierten Wahrheiten und der beiläufigen Normalisierung von „Sag es oft genug, dann wird es real“. Der Film ist dicht, visuell schlagkräftig und bewusst verstörend – eine Art Seherlebnis, bei dem der Schauer nicht von einem Jump-Scare kommt, sondern von Wiedererkennen. Erzählerstimme und Archivmaterial verankern Orwell als Mensch, während der Schnitt dich immer wieder brutal in die Gegenwart zurückzerrt, wie eine Hand auf der Schulter, die dich nicht wegsehen lässt. Wenn sich das konfrontativ anfühlt, dann ist es genau das Ziel – und dass der Film zu Barack Obamas Lieblingsfilmen des Jahres 2025 zählt, ergibt absolut Sinn. | © Velvet Film