Die emotional traumatischsten Erlebnisse, die Schauspielerinnen in Hollywood durchgemacht haben

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Ignacio Weil

Entertainment - November 18th 2025, 07:30 MEZ

Jennifer Lawrence Mother 2017 — Jennifer Lawrence – Mother! (2017)

Wenn es eine Darbietung gibt, die sowohl das Publikum als auch ihren Star emotional ausgelaugt hat, dann ist es diese. Darren Aronofsky hat im Grunde genommen einen Schnellkochtopf gebaut und Jennifer Lawrence gebeten, darin zu leben. Kein Komfort, keine Ruhe, nur pures Chaos. Das Ergebnis? Eine der erschütterndsten, anstrengendsten und verstörendsten Darbietungen ihrer Karriere. Lawrence gab später zu, dass sie während einer Aufnahme so stark hyperventilierte, dass sie sich das Zwerchfell riss und zwischen den Szenen eine Sauerstoffmaske benötigte. Das ist kein Method Acting, das ist emotionale Verbrennung. **Mother!** anzuschauen fühlt sich an, als wäre man in der Panikattacke eines anderen gefangen, und zu wissen, dass die Schauspielerin das tatsächlich erlebt hat, macht es umso beunruhigender. | © Protozoa Pictures

Adèle Exarchopoulos Léa Seydoux Blue Is the Warmest Color 2013 — Adèle Exarchopoulos & Léa Seydoux – Blau ist ein warme Farbe (2013)

Es ist eine Sache, Leidenschaft zu spielen, aber eine ganz andere, sie monatelang vor der Kamera unter dem Blick eines Perfektionisten auszuleben. Adèle Exarchopoulos und Léa Seydoux mussten dies während der Dreharbeiten zu dieser modernen Liebesgeschichte, die sie emotional völlig erschöpfte, auf die harte Tour lernen. Der Regisseur Abdellatif Kechiche verlangte endlose Takes und absolute Authentizität, was beide Schauspielerinnen körperlich und seelisch völlig auslaugte. Was das Publikum als Chemie empfand, war hinter den Kulissen ein intensiver Cocktail aus Frustration, Erschöpfung und Verletzlichkeit. Später beschrieben sie die Dreharbeiten als chaotisch und invasiv, weniger künstlerisch als vielmehr eine Frage der Ausdauer. Ihre Arbeit wurde mit der Goldenen Palme ausgezeichnet, aber sie benötigten auch Monate, um sich davon zu erholen. Manchmal brennt Kunst heißer, als sie sollte. | © Wild Bunch

Cropped Charlotte Gainsbourg Antichrist 2009 — Charlotte Gainsbourg – Antichrist (2009)

Manche Schauspieler tauchen tief in deren Rolle ein, Charlotte Gainsbourg brachte das auf ein neues Level. Unter Lars von Triers unerbittlicher Regie versank sie so überzeugend in Trauer, Wahnsinn und Entsetzen, dass sie danach wirklich erschüttert war. Seitdem sagt sie, dass sie emotionale Orte besucht habe, von denen sie nicht einmal wusste, dass es sie gibt. Das Set selbst war ein psychologischer Dschungel: unangenehm, isoliert und darauf ausgelegt, jegliche Sicherheit zu nehmen. Am Ende war Gainsbourg erschöpft, erschüttert und immer noch verfolgt von dem, was sie vor der Kamera entfesselt hatte. Die Darstellung brachte ihr den Preis als beste Darstellerin in Cannes ein, hinterließ aber auch ein oder zwei Narben unter der Oberfläche. Die Grenze zwischen Kunst und Trauma? Von Trier hat sie vollständig ausgelöscht. | © Zentropa Entertainments

Cropped Laura Dern Inland Empire 2006 — Laura Dern – Inland Empire (2006)

Es gibt experimentelles Filmemachen und dann gibt es David Lynchs **Inland Empire**, in dem Laura Dern sich ohne Sicherheitsnetz wiederfand. Sie hatte nicht einmal ein vollständiges Drehbuch, Lynch gab ihr die Szenen Stück für Stück und hielt sie so permanent aus dem Gleichgewicht. Das Ergebnis? Ein zutiefst verwirrender Dreh, bei dem die Schauspielerin in einem ständigen Zustand der Verwirrung, Angst und surrealen Furcht lebte. Dern gab später zu, dass sie das Projekt emotional durcheinander verließ, unsicher, was „sie“ und was „die Figur“ war. Es ist eine Darstellung, bei der man das Gefühl hat, jemanden in Echtzeit auseinanderfallen zu sehen, was in gewisser Weise genau das war, was es war. Das Endprodukt mag brillant sein, aber es wurde mit dem Preis ihres seelischen Gleichgewichts bezahlt. | © Absurda

Cropped imagen 2025 11 07 182628057 — Jennifer Carpenter – Der Exorzismus von Emily Rose (2005)

Sich besessen zu verhalten ist das eine, eine gequälte, schreiende, sich windende Exorzismus-Patientin wirklich zu verkörpern ist etwas ganz anderes. Jennifer Carpenters Hingabe an Realismus trieb sie tief in verstörende psychologische Bereiche. Zwischen den körperlichen Verrenkungen und den emotionalen Zusammenbrüchen war sie völlig ausgelaugt. Ihre Kollegen erzählten, dass sie sich am Set oft isolierte und so sehr in die Angst und Qual ihrer Rolle eintauchte, bis sie fast real wurde. Carpenter gab später zu, dass es lange dauerte, Emily wieder loszulassen. Wenn man ihre Darstellung sieht, glaubt man leicht, dass ein Teil der Angst echt war. Sie hat alles gegeben und der Film hat ein Stück davon behalten. | © Firm Films

Cropped Nicole Kidman Dogville 2003 — Nicole Kidman – Dogville (2003)

Es gibt minimalistisches Filmemachen und dann gibt es **Dogville**, ein kahles Bühnenbild, Kreidelinien als Wände und Lars von Trier, der Stück für Stück die Seele seiner Schauspielerin zerlegt. Nicole Kidman ging in das Projekt mit der Erwartung, Kunst zu schaffen, doch was sie bekam, war eine psychologische Feuerprobe. Ihre Rolle als Grace bedeutete, jede Spur von Kontrolle aufzugeben und sich Szene für Szene durch Erniedrigung zu kämpfen, bis selbst das Publikum sich mitschuldig fühlte. Kidman sagte später, die Erfahrung habe sie tief erschüttert, besonders weil von Triers Regie die Grenze zwischen Realität und Spiel immer wieder verschwimmen ließ. Das Set war leer, aber die Emotionen nicht, jede Träne, jeder Schrei, jedes Zittern kam aus einem echten, verletzlichen Ort. Ihr Zerfall auf der Leinwand wirkt fast zu intim, als würde man etwas Verbotenes beobachten. Und genau das war wohl die Absicht. | © Zentropa Entertainments

Cropped Björk Dancer in the Dark 2000 — Björk – Dancer in the Dark (2000)

Wenn Schauspiel bedeutet, sich einer Rolle völlig hinzugeben, dann hat Björk vielleicht zu viel gegeben. In **Dancer in the Dark** verkörpert sie die tragische, naiv-hoffnungsvolle Selma und liefert dabei eine der emotional intensivsten Darstellungen der Filmgeschichte. Doch der Preis war hoch. Der Dreh war extrem belastend, die Stimmung düster und Regisseur Lars von Trier forderte sie dazu auf, ihre eigene Verletzlichkeit bis an die Grenze auszuschöpfen. Am Ende sagte Björk, sie habe sich „selbst verloren“ und bezeichnete den Film als eine der härtesten Erfahrungen ihres Lebens. Ihre Verzweiflung auf der Leinwand wirkt so echt, dass es fast weh tut zuzusehen, weil sie es tatsächlich war. Nur selten hinterlässt ein Musical seine Hauptdarstellerin so erschöpft und gezeichnet. Dancer in the Dark ist kein Film über Musik, sondern über das Durchhalten. Die Tränen, die man sieht, sind keine gespielten, sie waren ihre einzige Möglichkeit, weiterzumachen. | © Zentropa Entertainments

Isabelle Adjani Possession 1981 — Isabelle Adjani – Possession (1981)

Niemand wirkte je besessener auf der Leinwand, und das war weit mehr als nur Schauspiel. In **Possession** gab Isabelle Adjani alles, was sie hatte, und warf sich in einen emotionalen Abgrund, in dem Körper und Geist miteinander verschwammen. Die heute legendäre U-Bahn-Szene war keine inszenierte Panik, sondern reine Katharsis, gedreht in langen Takes, die sie monatelang erschüttert zurückließen. Adjani gab später zu, dass die Rolle sie psychisch stark belastet habe und sie Therapie brauchte, um sich davon zu erholen. Wenn man sie in dieser Szene schreien, zucken und auf dem dreckigen Boden zusammenbrechen sieht, fragt man sich unweigerlich, ob die Kamera etwas Echtes eingefangen hat. Das ist keine gespielte Besessenheit, das ist echte Hingabe, roh und unumkehrbar. | © Gaumont

Veronica Cartwright Alien 1979 — Veronica Cartwright – Alien (1979)

Die meisten erinnern sich an Sigourney Weaver als die ikonische Überlebende aus **Alien**, doch auch Veronica Cartwright machte ihre ganz eigene traumatische Erfahrung am Set und das nicht nur wegen des Chestbursters. Ridley Scott warnte die Schauspieler nicht vor dem Moment der berüchtigten Blutexplosion, also war Cartwrights entsetzter Schrei alles andere als gespielt. Schock, Ekel, purer Terror, alles echt. Sie wurde buchstäblich mit Schweineblut übergossen, rutschte aus und fiel rückwärts aus dem Bild und genau das landete im finalen Schnitt. Es ist eine der authentischsten Angstreaktionen der Filmgeschichte, verständlich, denn sie dachte wirklich, sie würde gerade etwas Grauenhaftes miterleben. Science-Fiction war selten so verstörend und zugleich so real. | © Brandywine Productions

Maria Schneider Last Tango in Paris 1972 — Maria Schneider – Der letzte Tango in Paris (1972)

Das ist die dunkle Seite einer Filmlegende, eine Geschichte, die auch Jahrzehnte später noch schmerzt. Maria Schneider war gerade einmal neunzehn, als sie **Der letzte Tango in Paris** drehte, und was am Set geschah, überschritt jede Grenze. Die berüchtigte „Butter“-Szene wurde ohne ihr Wissen und ohne Zustimmung gefilmt, inszeniert von Regisseur Bernardo Bertolucci und Marlon Brando, um eine „echte Reaktion“ zu provozieren. Was sie bekamen, war echter Schmerz. Schneider sagte später, sie habe sich erniedrigt und emotional verletzt gefühlt, und das Erlebnis habe sie viele Jahre verfolgt. Die Szene wurde berüchtigt und überschattete den gesamten Film. Sie erinnert daran, dass vermeintlicher filmischer Realismus manchmal einen Preis hat, den kein Mensch zahlen sollte und Schneider war diejenige, die ihn tragen musste. | © Produzioni Europee Associati (PEA)

Cropped Mia Farrow Rosemarys Baby 1968 — Mia Farrow – Rosemaries Baby (1968)

Als Roman Polanski Mia Farrow für die Hauptrolle in **Rosemaries Baby** besetzte, führte er sie nicht nur, er zerlegte sie emotional. Ihre Ehe zerbrach, die Stimmung am Set war kalt und distanziert, und Polanski trieb sie durch ständige Spannung und psychischen Druck an ihre Grenzen. Besonders brutal war die Szene am Times Square, in der Farrow ohne Vorwarnung durch echte Passanten laufen musste, einer spuckte sie sogar an, während die Kamera lief. Am Ende der Dreharbeiten wirkte sie tatsächlich gebrechlich und ausgemergelt, und das war kein Make-up. Farrow sagte später, die Rolle habe sie verfolgt, als hätte der Film etwas Dunkles in ihr hinterlassen. Wenn man sie auf der Leinwand langsam zerbrechen sieht, fühlt sich das verstörend echt an, weil es das in vielerlei Hinsicht war. | © Paramount Pictures

Cropped Geneviève Bujold Obsession 1976 — Geneviève Bujold – Schwarzer Engel (1976)

Brian De Palmas **Schwarzer Engel** hält, was der Titel verspricht, besonders für Geneviève Bujold. Die kanadische Schauspielerin musste eine fast unmögliche Doppelrolle spielen: die verlorene Liebe und ihre unheimliche Wiedergeburt. Was als romantischer Thriller begann, wurde für sie zu einem zermürbenden psychologischen Experiment. De Palmas obsessive Regie, akribisch bis ins Extrem, setzte Bujold ständig unter Spannung. Sie fühlte sich isoliert und emotional ausgelaugt, die Verwirrung ihrer Figur schien auf sie überzugreifen. Am Ende der Dreharbeiten wirkte sie wirklich ausgezehrt, als hätte die gotische Melancholie der Geschichte sich in ihre Knochen gefressen. Das Ergebnis ist faszinierend anzusehen, aber fast unangenehm zu wissen, die Schauspielerin tat nicht nur so, gefangen zu sein, sie war es tatsächlich. | © Columbia Pictures

Cropped The Shining — Shelley Duvall – The Shining (1980)

Das ist vielleicht das Lehrbuchbeispiel dafür, wie ein Regisseur eine Schauspielerin an ihre Grenzen treibt. Stanley Kubricks Perfektionismus und sein Drang nach Realismus bedeuteten für Shelley Duvall 127 Takes derselben Szene, endlose Isolation und ständige Kritik. Das Ergebnis ist eine Performance, die so authentisch wirkt, weil die Angst echt war, ihr fiel das Haar aus, ihre Hände zitterten, und ihre Stimme brach vor Erschöpfung. Duvall gab später zu, dass sie Monate brauchte, um sich von dem Stress zu erholen. Wenn man ihre Darstellung heute sieht, kann man die psychische Belastung hinter diesen weit aufgerissenen, verängstigten Augen förmlich spüren. Kubrick bekam das gewünschte Ergebnis, doch Duvall bezahlte einen hohen emotionalen Preis, um uns einen der ikonischsten Zusammenbrüche des Horrorfilms zu schenken. | © Warner Bros.

Cropped Tippi Hedren The Birds 1963 — Tippi Hedren – Die Vögel (1963)

Man könnte denken, dass falsche Vögel harmloser Spaß sind, bis Alfred Hitchcock beschließt, sie durch echte zu ersetzen. Tippi Hedren lernte das auf die harte Tour bei der Dachbodenszene in **Die Vögel**. Man hatte ihr gesagt, die Vögel seien mechanisch, doch am Set wartete ein Team von Trainern, das lebende Möwen und Krähen auf sie schleuderte. Einer kratzte ihr die Wange und verfehlte knapp ihr Auge. Die Schauspielerin brach Berichten zufolge zusammen und musste wegen Erschöpfung und Schock ins Krankenhaus. Es ist eine dieser berüchtigten Geschichten hinter den Kulissen, bei der die Grenze zwischen Kunst und Grausamkeit verschwimmt, Hitchcock wollte echten Terror und Hedren lieferte ihn. Das Trauma bleibt bis heute als eine der brutalsten Lektionen Hollywoods in Erinnerung. | © Universal Pictures

Cropped María Falconetti The Passion of Joan of Arc 1928 — María Falconetti – Die Passion der Jungfrau von Orléans (1928)

Noch bevor Method Acting einen Namen hatte, gab es María Falconetti. Für **Die Passion der Jungfrau von Orléans** von Carl Theodor Dreyer besetzt, lieferte sie eine so rohe Performance, dass sie heute noch modern wirkt und sie fast zerstörte. Dreyer verlangte völlige Hingabe und drehte Take um Take, während Falconetti stundenlang auf kalten Steinböden stand und unter grellem Licht weinte. Ihr geschorener Kopf, zitternde Lippen und das tränenüberströmte Gesicht waren keine Kostümwahl, sondern das Ergebnis purer Ausdauer. Nach dieser Erfahrung drehte sie nie wieder einen Film und zog sich vollständig von der Schauspielerei zurück. Wenn man ihr in diesen Nahaufnahmen in die Augen sieht, sieht man keine Darstellung, man erlebt eine Transzendenz und einen sehr realen Moment des Zerbrechens. | © Société Générale des Films

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Hollywood prahlt gerne mit „Method Acting“ und „Engagement für das Handwerk“, aber manchmal wird die Grenze zwischen Schauspielkunst und psychologischer Folter ... sagen wir mal, unangenehm dünn. Von Regisseuren, die ihre Stars bis an ihre Grenzen trieben, bis hin zu Rollen, die so intensiv waren, dass sie die Schauspieler jahrelang verfolgten. Diese Geschichten beweisen, dass manche Darbietungen mit einem sehr realen emotionalen Preis verbunden waren.

Also schnappt euch Popcorn, vielleicht einen Stressball, und taucht mit uns ein in die dunkle Seite filmischer Brillanz. Dies sind die Momente, in denen die Kamera aufhörte zu laufen, das Trauma jedoch nicht.