Top 15 der beliebtesten Anime-Serien mit schrecklichen Enden

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Ignacio Weil

Entertainment - Dezember 21st 2025, 17:00 MEZ

Death note near and mello cropped processed by imagy — Death Note (2006)

Das Problem beginnt nicht erst beim Ende – es beginnt in dem Moment, in dem die Geschichte glaubt, ohne die Dynamik überleben zu können, die sie ursprünglich so elektrisierend gemacht hat. Sobald das ursprüngliche Duell der Köpfe wegfällt, läuft *Death Note* weiter, als wäre nichts Wesentliches verloren gegangen, obwohl die Spannung sich nie vollständig erholt. Der letzte Arc führt Ersatzfiguren ein, die konzeptionell clever wirken, emotional aber auf Distanz bleiben und das, was früher packende Konfrontationen waren, in eher pflichtbewusste Abwicklungen verwandeln.

Wenn das Finale schließlich erreicht ist, erklärt es sich mehr, als dass es sich verdient, und kaut die Konsequenzen vor, statt sie spürbar wirken zu lassen. Die Fans wollten kein Happy End, aber sie wollten eines, das sich persönlich anfühlt. Was sie bekamen, war technisch abgeschlossen – und emotional halbgar. | © Madhouse

Sword art online cropped processed by imagy — Sword Art Online (2012)

Was dieses Ende frustrierend macht, ist nicht Verwirrung, sondern wie schnell nach so viel Aufbau alles in sich zusammenfällt. Der ursprüngliche Handlungsbogen von *Sword Art Online* verbringt Episode um Episode damit, Dir einzureden, dass der Tod Konsequenzen hat, nur um diese Spannung am Ende mit einer Auflösung abzuhandeln, die fast beiläufig wirkt. Emotionale Handlungsstränge werden im Paket abgehandelt, Schurken brechen unter minimaler Prüfung zusammen, und Charakterentwicklung wird eher zusammengefasst als gezeigt. Statt bei Trauma, Verlust oder Überleben zu verweilen, stürmt das Ende voran, als wolle es möglichst schnell die Tür hinter sich schließen. Dieses Gefühl narrativer Ungeduld wird auch in späteren Handlungsbögen zu einem wiederkehrenden Problem. Die Serie stolpert nicht an der Ziellinie, sondern sprintet an ihr vorbei und überspringt dabei genau den Teil, in dem die Dinge eigentlich Bedeutung haben sollten. | © A-1 Pictures

Fullmetal Alchemist 2003 cropped processed by imagy — Fullmetal Alchemist (2003)

Dieses Ende trägt eine stille Schwere in sich, die sich eher ungelöst als bewusst offen anfühlt. Weil die Serie ihren eigenen Weg geht, setzt *Fullmetal Alchemist* auf Trennung, Verlust und Opfer, ohne sich vollständig zu den emotionalen Konsequenzen dieser Entscheidungen zu bekennen. Die Figuren erreichen Endpunkte, die eher in der Schwebe hängen als abgeschlossen wirken, und lassen Dich mit offenen Fragen zurück, die sich thematisch nicht wirklich sinnvoll anfühlen. Das Finale scheint mehr an Atmosphäre als an Abschluss interessiert zu sein und stellt Stimmung über Abschluss. Während manche den düsteren Ton schätzen, fühlten sich viele emotional im Stich gelassen. Für eine Geschichte, die sich so intensiv mit Ursache und Wirkung beschäftigt, bleibt das Ende knapp davor stehen, den Austausch zu liefern, auf den die gesamte Serie hingearbeitet hat. | © Bones

Tokyo Ghoul A cropped processed by imagy — Tokyo Ghoul √A (2015)

Am meisten leidet dieses Ende darunter, wie viel Vorarbeit es überspringt. Durch die starke Abweichung von der Vorlage formt *Tokyo Ghoul √A* die Motivationen der Figuren neu, ohne ihnen Zeit zum Atmen zu geben, wodurch zentrale Entscheidungen abrupt und unausgearbeitet wirken. Emotionale Höhepunkte kommen ohne ausreichenden Aufbau und verlassen sich stattdessen auf dramatische Bilder und Musik, um die Lücken zu füllen, welche die Geschichte selbst hinterlässt. Statt Klarheit oder Katharsis liefert das Finale einen Nebel aus halb erklärter Symbolik. Du bleibst nicht über Themen nachdenkend zurück – Du versuchst vielmehr, das Gesehene überhaupt erst zu rekonstruieren. Das Ende wirkt weder mutig noch auf lohnende Weise ambivalent; es fühlt sich unfertig an, als wären entscheidende Kapitel stillschweigend entfernt worden. | © Pierrot

The Promised Neverland cropped processed by imagy — The Promised Neverland (2019)

Der Bruch ist unmöglich zu übersehen. Nach einer ersten Staffel, die für Spannung, Intelligenz und Zurückhaltung gelobt wurde, wirft das Ende diese Stärken fast vollständig über Bord. *The Promised Neverland* presst gewaltige Handlungsbögen in kurzen Erklärungen zusammen, ersetzt Spannung durch Erzählertext und emotionale Wirkung durch Standbilder. Figuren, die einst durch Strategie überlebt haben, kommen nur voran, weil es der Plot verlangt – nicht, weil ihre Entscheidungen es verdient hätten. Das Finale fühlt sich weniger als eine erzählte Geschichte an und mehr wie eine, die aus Pflichtgefühl schnell abgeschlossen wird. Was das Ende so breitflächig unbeliebt macht, ist nicht nur, was verändert wurde, sondern wie viel übersprungen wurde. Es schlägt die Tür hastig zu und lässt Dich auf all das starren, was drinnen hätte passieren sollen. | © CloverWorks

Wonder Egg Priority cropped processed by imagy — Wonder Egg Priority (2021)

Was als etwas Intimes, Surreales und emotional Rohes beginnt, kippt langsam ins narrative Chaos. *Wonder Egg Priority* baut seinen Ruf auf Symbolik, Trauma und leisen Charaktermomenten auf und bittet das Publikum darum, darauf zu vertrauen, dass sich all die Rätsel am Ende verbinden werden. Das Ende bricht dieses Vertrauen. Statt die Themen zu klären, ertränkt es sie in kurzfristig eingeführten Sci-Fi-Konzepten, hastigen Erklärungen und einer ungelösten Spezialepisode, die sich mehr wie Schadensbegrenzung als wie ein Abschluss anfühlt. Emotionale Bögen bleiben in der Luft hängen, Metaphern brechen unter zu wörtlichen Erklärungen zusammen, und die zentrale Aussage verwischt. Du wolltest keine einfachen Antworten – aber Du wolltest Zusammenhang. Was Du bekommst, fühlt sich an wie eine Geschichte, die kurz vor der Ziellinie den Blick für sich selbst verloren hat. | © CloverWorks

Future Diary cropped processed by imagy — Future Diary (2011)

Als das Ende schließlich erreicht ist, hat die Eskalation die Logik vollständig überholt. *Future Diary* häuft in seiner Schlussphase Wendung auf Wendung, Universum auf Universum, bis die emotionale Wirkung purer narrativer Erschöpfung weicht. Figuren wechseln ihre Motivationen im Minutentakt, Regeln werden mitten in einer Szene neu geschrieben, und die Geschichte scheint entschlossener darin, sich selbst zu überbieten, als irgendetwas sauber aufzulösen. Das Finale beantwortet technisch gesehen Fragen, tut dies jedoch auf eine Weise, die mechanisch überladen und emotional hohl wirkt. Was einst von Schockmomenten und Spannung lebte, endet in Verkomplizierung. Für viele Zuschauer fühlen sich die letzten Episoden nicht wie eine Belohnung an – sondern wie eine Checkliste von Ideen, die noch schnell an die Wand geworfen werden, bevor die Zeit abläuft. | © Asread

Tengen Toppa Gurren Lagann cropped processed by imagy — Tengen Toppa Gurren Lagann (2007)

Dieses Ende wird nicht gehasst, weil es schlecht gemacht ist, sondern wegen der Entscheidung, die es trifft. Nachdem *Tengen Toppa Gurren Lagann* einen der explosivsten und inspirierendsten Höhepunkte der Anime-Geschichte geliefert hat, endet die Serie überraschend zurückhaltend und bittersüß. Für manche fühlt sich dieser Kontrast bedeutungsvoll an, für andere nach emotionaler Selbstsabotage. Die Entscheidung, bestimmten Figuren ein klassisch glückliches Ende zu verwehren, steht im Widerspruch zur ständigen Betonung grenzenloser Möglichkeiten. Ob thematisch stimmig oder nicht – das Ende hinterlässt ein anhaltendes Gefühl von Verlust, auf das viele Zuschauer nicht vorbereitet waren. Es scheitert nicht auf technischer Ebene, sondern spaltet emotional, und diese Spaltung ist bis heute nie wirklich verheilt. | © Gainax

Yu Gi Oh GX cropped processed by imagy — Yu-Gi-Oh! GX (2004)

Der Tonwechsel im letzten Handlungsbogen ist so drastisch, dass es sich anfühlt, als hätte eine andere Serie übernommen. *Yu-Gi-Oh! GX* beginnt als leichtfüßiges, schulbasiertes Spin-off und driftet dann langsam in düsteres Terrain ab, ohne seinen Erzählrhythmus vollständig anzupassen. Zum Ende hin wird die Handlung von existenziellen Themen beschwert, die schneller auftauchen, als die Figuren sie verarbeiten können. Das Finale löst die Geschichte zwar auf, tut dies jedoch auf eine gedämpfte, seltsam distanzierte Weise, die mit der früheren Energie der Serie kollidiert. Die Fans haben nicht die dunklere Richtung abgelehnt, sondern wie abrupt sie abgeschlossen wurde. Was nachdenklich wirken sollte, fühlt sich stattdessen emotional abgekoppelt an. | © Gallop

Soul Eater cropped processed by imagy — Soul Eater (2008)

Alles an dem Ende fühlt sich wie eine Abkürzung an. Nachdem eine Welt aufgebaut wurde, die von Angst, Wahnsinn und Macht besessen ist, löst *Soul Eater* seinen zentralen Konflikt mit einem Abschluss, der die eigenen Regeln umgeht. Der finale Kampf wirft etablierte Mechaniken über Bord und ersetzt sie durch eine thematische Geste, die viele Zuschauer als übermäßig simpel empfanden. Figuren hören genau dann auf, sich weiterzuentwickeln, wenn ihre Handlungsbögen ihren Höhepunkt erreichen sollten, und lang aufgebaute Spannungen lösen sich viel zu leicht in Luft auf. Der Ton kippt nahezu über Nacht von düsterer Fantasy zu einer moralischen Fabel. Dem Ende fehlt es nicht an Absicht, sondern an Gewicht. Für eine Serie, die so stilvoll und mutig ist, wirkt das Finale überraschend zaghaft. | © Bones

ERASED cropped processed by imagy — ERASED (2016)

The early episodes set expectations dangerously high. *ERASED* hooks viewers with a tight mystery, emotional stakes, and a time-travel premise that feels grounded rather than flashy. The ending struggles to live up to that promise. Instead of letting its central conflict unravel organically, the final arc simplifies motivations and resolves the mystery in a way that feels overly neat. The antagonist loses complexity just when nuance matters most, and emotional consequences are rushed toward closure. What once felt intimate and tense ends on a note that feels safe, almost sanitized. The disappointment comes from contrast: the journey feels smarter than its destination. | © A-1 Pictures

Digimon Adventure 02 cropped processed by imagy — Digimon Adventure 02 (2000)

Nostalgie spielt hier eine große Rolle, kann aber die Risse nicht vollständig verbergen. *Digimon Adventure 02* erweitert eine beliebte Welt, während es gleichzeitig darum kämpft, seine eigene Identität zu definieren, und diese Unsicherheit wirkt sich direkt auf das Ende aus. Handlungsstränge werden hastig abgeschlossen, Charakterentwicklungen erhalten ungleiche Aufmerksamkeit und das Finale stützt sich auf Symbolik, ohne diese narrativ ausreichend zu untermauern. Der Epilog zielt auf einen emotionalen Abschluss ab, wirft aber mehr Fragen auf, als er beantwortet. Für viele Fans fühlt es sich weniger als eine natürliche Fortsetzung an, sondern eher wie eine Verpflichtung, die Geschichte zu Ende zu bringen. Das Ende ist nicht katastrophal, aber es ist auf eine stille, nachhallende Weise unbefriedigend. | © Toei Animation

Osomatsu san cropped processed by imagy — Osomatsu-san (2015)

Komödien machen das Ende schwierig, und diese Serie geht dieses Risiko bewusst ein. *Osomatsu-san* lebt von Chaos, Meta-Humor und der völligen Missachtung der Kontinuität, was brillant funktioniert – zumindest eine Zeit lang. Das Ende deutet emotionale Aufrichtigkeit an, untergräbt sich dann aber selbst, bevor es sich voll und ganz darauf einlässt. Lang anhaltende Witze kollidieren mit Versuchen der Charakterentwicklung und schaffen ein Finale, das sich unsicher darüber ist, was es eigentlich sein will. Fans, die entweder eine vollständige Parodie oder eine echte Auflösung erwarten, bleiben auf der Strecke. Das Ergebnis ist nicht beleidigend, sondern nur seltsam hohl. Für eine Serie, die so selbstbewusst mit ihrer Absurdität umgeht, wirkt das Ende seltsam zögerlich. | © Pierrot

Platinum End cropped processed by imagy — Platinum End (2021)

Das Ziel ist offensichtlich, aber Ambition allein reicht nicht aus, um ein Ende zu tragen. *Platinum End* jongliert während seiner gesamten Laufzeit mit Philosophie, Moral und Spektakel und baut auf ein Ende hin, das etwas Tiefgründiges verspricht. Was stattdessen kommt, ist ein Finale, das sich endlos selbst erklärt und dabei seine eigene emotionale Wirkung zunichtemacht. Die Charaktere werden zu Sprachrohren für Ideen, anstatt Menschen zu sein, die Entscheidungen treffen. Die endgültige Auflösung wirkt distanziert, fast klinisch, und nimmt der Serie die Spannung, die sie zuvor beflügelt hat. Ihre Zuschauer waren nicht verwirrt, sondern enttäuscht. Das Ende wirkt weniger wie eine Aussage, sondern eher wie ein Vortrag, der zu lange dauert. | © Signal.MD

KADO The Right Answer cropped processed by imagy — KADO: The Right Answer (2017)

Die erste Hälfte wirkt wie ein gewagtes Experiment, und genau deshalb frustriert das Ende so viele Menschen. *KADO: The Right Answer* beginnt als nachdenkliche politische und philosophische Debatte, verpackt in Science-Fiction, die schwierige Fragen stellt, ohne voreilige Antworten zu geben. Dann nimmt das Finale eine harte Wendung und verzichtet auf Nuancen zugunsten eines konventionellen Konflikts, der mit allem zuvor Etablierten kollidiert. Ideologische Spannungen werden durch Spektakel ersetzt, und sorgfältig aufgebaute Gespräche zerfallen zu einem gewöhnlichen Showdown. Der Wechsel wirkt abrupt, fast defensiv, als hätte die Serie das Vertrauen in ihre eigenen Ideen verloren. Was zurückbleibt, ist nicht Wut, sondern das Gefühl, dass ein intelligenteres Ende möglich gewesen wäre, es jedoch nie dazu gekommen ist. | © Toei Animation

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Eine emotionale Bindung zu einem Anime aufzubauen, ist ein riskantes Unterfangen. Du begleitest die Figuren jahrelang, verteidigst fragwürdige Story-Arcs online und redest dir ein, dass das Ende diesmal wirklich sitzen wird. Dann erscheint die letzte Folge – und plötzlich starrst du auf den Bildschirm und fragst dich, ob alle Beteiligten gemeinschaftlich vergessen haben, wie Geschichten funktionieren.

Diese Liste handelt nicht von schlechten Anime. Ganz im Gegenteil. Es sind Serien, die Menschen wirklich lieben, weiterempfehlen, immer wieder anschauen und leidenschaftlich diskutieren. Das Problem entsteht erst auf den letzten Metern, wenn überstürzte Abschlüsse, verwirrende Wendungen oder schmerzhaft sichere Entscheidungen langjährige Begeisterung in leichten Groll verwandeln. Wenn du schon einmal gesagt hast: „Alles war großartig – bis auf das Ende“, dann bist du hier genau richtig.