Silent Hill f versetzt die Reihe ins ländliche Japan der 1960er–Jahre und fühlt sich dadurch sofort völlig anders an als die bisherigen Teile des Franchises. Statt amerikanischer Kleinstadt–Tristesse setzt das Spiel diesmal auf traditionelle japanische Horrorästhetik, was dem psychologischen Horror eine komplett neue Grundlage verleiht. Konami übergab die Entwicklung an NeoBards Entertainment, und das bisher gezeigte Material deutet darauf hin, dass das Studio verstanden hat, was Silent Hill ausmacht: Die Umgebung selbst muss sich wie ein eigener Charakter anfühlen. Besonders verstörend wirken dabei die Blumen, die während der Erkundung in Echtzeit verwelken, möglicherweise der stärkste und unangenehmste visuelle Horror–Effekt, den die Reihe seit Jahren hatte. | © Konami
Statt der sonst typischen Festival–Atmosphäre setzt Forza Horizon 6 diesmal auf einen ruhigeren und deutlich nachdenklicheren Ton. Mit Japans kurvigen Bergpässen und neonbeleuchteten Großstädten entsteht dabei das atmosphärisch stärkste Rennspiel, das Microsoft bisher veröffentlicht hat. Vor allem trifft das Spiel endlich den Kern der japanischen Autokultur, etwas, woran viele andere Rennspiele gescheitert sind. Es geht nicht nur um Geschwindigkeit, sondern um die Verbindung zwischen Fahrer, Maschine und Straße. Jeder Drift durch einen Bergpass wirkt bewusst und kontrolliert, jede nächtliche Fahrt durch Tokio fühlt sich an, als wäre man mitten in einem Film von Makoto Shinkai. Das hier ist Forza Horizon in erwachsen: weniger Spektakel, mehr Seele. | © Microsoft
Nioh 3 setzt noch stärker auf die gnadenlose Präzision, für die die Reihe bekannt geworden ist. Diesmal fühlen sich die Yokai jedoch weniger wie einfache Hindernisse an, sondern vielmehr wie ein lebendiger Teil einer atmenden Mythologie. Team Ninja hat die Risk–and–Reward–Mechanik nahezu perfektioniert: Jede Begegnung mit einem Dämon kann entweder mit seltener Beute belohnt werden oder dich direkt zurück zum letzten Schrein schicken, während du deine eigene Überheblichkeit verfluchst. Das Kampfsystem belohnt vor allem Spieler, die gegnerische Angriffsmuster wie einen tödlichen Tanz lesen lernen. Dadurch werden Bosskämpfe weniger zu einem Test der Reflexe und mehr zu einer Prüfung von Geduld und Konzentration. Was einst als bloßer Dark Souls–Klon begann, hat sich inzwischen zu etwas völlig Eigenständigem entwickelt. | © Koei Tecmo
Assassin's Creed Shadows versetzt Spieler ins feudale Japan und lässt sie die Geschichte aus der Perspektive von zwei Protagonisten erleben: Naoe, einer Shinobi mit Fokus auf Stealth, und Yasuke, dem real existierenden afrikanischen Samurai, der unter Oda Nobunagadiente. Durch das Dual–Charakter–System kann jederzeit zwischen lautloser Infiltration und brutalen offenen Kämpfen gewechselt werden, je nachdem, wie man eine Mission angehen möchte. Damit lieferte Ubisoft endlich das Japan–Setting, das sich Fans der Reihe seit Jahren gewünscht hatten. Noch vor Release sorgte das Spiel jedoch für hitzige Diskussionen rund um historische Genauigkeit und kulturelle Darstellung. Die Kontroversen überschatteten dabei ein Spiel, das möglicherweise die ambitionierteste Weiterentwicklung des Stealth–Gameplays seit der Ezio Trilogy darstellt. | © Ubisoft
Rise of the Ronin versetzt dich ins Japan des Jahres 1863, mitten in den Zusammenbruch der Samurai–Ära. Fremde Kriegsschiffe und neue Ideologien beginnen das Land zu verändern und stellen alles infrage, woran Japan einst glaubte. Team Ninja erschuf dafür die bislang größte Open World des Studios und baute sie rund um die politischen Konflikte dieser chaotischen Zeit auf. Spieler können sich verschiedenen Fraktionen anschließen und lernen dabei sowohl traditionelle Schwertkampftechniken als auch die damals neu eingeführten Schusswaffen zu meistern. Das Kampfsystem belohnt vor allem diejenigen, die alte und moderne Kampfstile miteinander kombinieren, genau wie die echten Ronin dieser Epoche, die sich anpassen mussten, um zu überleben. Besonders stark ist dabei, wie relevant die politischen Entscheidungen tatsächlich sind. Historische Ereignisse werden zu persönlichen Entscheidungen, die den Verlauf der Geschichte aktiv beeinflussen und deine eigene Version dieser turbulenten Zeit formen. | © Sony Interactive Entertainment
Fate/Samurai Remnant verlegt den sonst typischen Holy Grail War ins Japan der Edo–Zeit und schafft es überraschenderweise, die mittlerweile ziemlich komplexe Mythologie des Franchise wieder frisch wirken zu lassen. Das Spiel setzt stark auf sein historisches Setting und erlaubt es Spielern, eine detailreich nachgebildete Version des damaligen Tokios zu erkunden, während legendäre Persönlichkeiten an der Seite von Samurai und Ronin beschworen werden. Das Kampfsystem verbindet die für die Reihe bekannte Visual–Novel–Erzählweise mit Echtzeitkämpfen, die tatsächlich taktisches Vorgehen verlangen, statt bloß wildem Button-Mashing. Gerade dadurch zeigt das Spiel, dass das Fate–Universum dann am besten funktioniert, wenn es wirklich etwas über die jeweilige Zeit und den Ort erzählen möchte, in dem die Geschichte spielt. | © Koei Tecmo
NEO: The World Ends With You führt Spieler in eine neonbeleuchtete Version von Shibuya, in der Jugendliche in einem unsichtbaren übernatürlichen Spiel um ihr Leben kämpfen. Schon das Original von 2007 galt als Kulttitel und wurde vor allem für seinen außergewöhnlichen Stil und die chaotischen Storytwists gefeiert. Die Fortsetzung greift genau diese Stärken auf, macht das Kampfsystem diesmal aber deutlich zugänglicher. Square Enix hat es geschafft, die hektische Energie der damaligen DS–Touchscreen–Steuerung sinnvoll auf modernes Gameplay zu übertragen. Dadurch fühlt sich das Spiel wie ein lebendig gewordener Anime an: voller Fashion–Kultur, überdrehter Emotionen und dieser typischen Freundschaftsmomente, die überraschend hart treffen. | © Square Enix
Steins;Gate verlangt Spielern anfangs einiges ab. Stundenlang schaut man einem selbsternannten verrückten Wissenschaftler dabei zu, wie er Bananen in der Mikrowelle erhitzt und sich in absurde Verschwörungstheorien hineinsteigert, ohne zu verstehen, warum das alles überhaupt wichtig sein soll. Gerade dadurch funktioniert die Zeitreise–Thematik aber so gut. Die Veränderungen der Zeitlinie wirken nie wie ein einfacher Trick, um Fehler rückgängig zu machen, sondern unberechenbar und wirklich gefährlich. Wenn die Geschichte später langsam von einer chaotischen Slice–of–Life–Story in psychologischen Horror kippt, entfaltet sie ihre volle Wirkung. Plötzlich fühlen sich all die ruhigen Charaktermomente zuvor wie eine Falle an, die sich Stück für Stück zusammenzieht. Genau deshalb genießt Steins;Gate bis heute seinen Ruf als eines der stärksten Visual Novels überhaupt. Das Spiel nimmt sich bewusst Zeit, gibt Spielern nicht sofort das, was sie erwarten, und trifft emotional genau dann, wenn man es am wenigsten kommen sieht. | © 5pb./Nitroplus
Ghostwire: Tokyo versetzt Spieler in eine Version von Tokio, in der fast die gesamte Bevölkerung plötzlich verschwunden ist. Zurück bleiben nur leere Kleidungsstücke auf den Straßen und übernatürliche Wesen, die Jagd auf dich machen. Die Grundidee klingt zunächst nach klassischem Horror–Game, doch statt billiger Jumpscares setzt das Spiel auf eine deutlich ungewöhnlichere Atmosphäre. Gegner werden nicht mit Waffen bekämpft, sondern durch komplexe Handbewegungen, die elementare Kräfte freisetzen. Dadurch wirken die Kämpfe wie eine Mischung aus Martial–Arts–Film und übernatürlicher Straßenmagie. Tango Gameworks erschuf dabei ein Shibuya, das sich selbst im verlassenen Zustand authentisch, dicht und lebendig anfühlt. Genau deshalb funktioniert das Spiel so gut: Tokio dient hier nicht bloß als Kulisse für paranormale Ereignisse, sondern wird selbst zu einer zentralen Figur der gesamten Erfahrung. | © Bethesda Softworks
Shenmue versetzt Spieler ins Yokosuka der 1980er–Jahre und steckt voller Details, die selbst alltägliche Dinge überraschend bedeutungsvoll wirken lassen. Selbst der Kauf einer Dose aus dem Automaten fühlt sich hier wie ein echter Teil des Alltags an. Während man den Mord am eigenen Vater aufklärt, zwingt das Spiel Spieler dazu, sich wirklich auf diese Welt einzulassen. Statt die Story permanent voranzutreiben, verbringt man Zeit in Spielhallen, spricht mit Ladenbesitzern oder läuft einfach durch die Straßen einer Stadt, die sich lebendig anfühlt. Genau dieses langsame Tempo machte das Spiel damals so besonders und gleichzeitig so umstritten. Manche liebten die ruhige, fast schon meditative Atmosphäre, andere konnten mit dem gemächlichen Fortschritt überhaupt nichts anfangen. Sega erschuf damit weniger ein klassisches Videospiel als vielmehr eine Erfahrung, bei der man für einige Stunden tatsächlich das Gefühl bekommt, an einem anderen Ort zu leben. | © Sega
Like A Dragon: Ishin! tauscht das moderne Yakuza–Setting gegen das Japan der 1860er–Jahre und versetzt bekannte Figuren wie Kazuma Kiryumitten in politische Machtkämpfe der Samurai–Ära. Das Spiel zieht das historische Rollenspiel konsequent durch: Schwertduelle, passende Nebenmissionen zur damaligen Zeit und die gewohnt verrückten Minispiele der Reihe gehören selbstverständlich dazu. Gerade deshalb funktioniert das Konzept überraschend gut. Die Mischung aus überdramatischer Story und völlig absurden Ablenkungen passt scheinbar in jede Epoche. Vertraute Charaktere während des Zusammenbruchs des Tokugawa–Shogunats zu erleben fühlt sich dabei fast wie eine alternative Version der Geschichte an, in der historische Ereignisse plötzlich deutlich chaotischer und verrückter ablaufen. | © Sega
Yakuza: Like A Dragon wirft nach über 15 Jahren die klassische Prügel–Formel der Reihe über Bord und verwandelt sich plötzlich in ein vollwertiges JRPG mit rundenbasierten Kämpfen. Protagonist Ichiban Kasuga stellt sich seine Gegner dabei wie Fantasy–Monster aus einem Rollenspiel vor, wodurch selbst einfache Straßenkämpfe völlig überdreht wirken. Eigentlich klingt dieser Genrewechsel nach einer riskanten Idee, doch gerade Ichibans kindliche Begeisterung für Dragon Quest macht das Konzept glaubwürdig. Trotzdem bleibt das Spiel im Kern weiterhin ein typisches Yakuza–Abenteuer. Emotionale Familiendramen, absurde Nebenmissionen und chaotischer Humor sind immer noch fester Bestandteil der Erfahrung. Der Unterschied ist nur, dass diesmal alles durch die Perspektive eines Mannes mittleren Alters erzählt wird, der nie aufgehört hat, an Helden zu glauben. | © Sega
Sekiro behandelt den Tod nicht als Bestrafung, sondern als eine Art Währung. Spieler müssen ihr eigenes Leben und ihre Wiederbelebungen strategisch einsetzen, als wären sie Ressourcen in einem gnadenlosen System. FromSoftware entfernt dabei fast sämtliche klassischen RPG–Elemente der Souls–Reihe und konzentriert sich komplett auf perfektes Timing, präzise Paraden und Bosskämpfe, die einen regelmäßig an den eigenen Fähigkeiten zweifeln lassen. Die Geschichte spielt in einer mystischen Version Japans voller gigantischer Hähne, die verfluchte Tempel bewachen und alter Frauen, die sich in Monster verwandeln. Der eigentliche Horror besteht jedoch darin, zu merken, dass alles, was man aus Dark Souls gelernt hat, plötzlich nicht mehr funktioniert. Jeder Sieg fühlt sich deshalb nicht verdient, sondern eher wie ein letzter verzweifelter Triumph gegen eine eigentlich aussichtslose Niederlage an. | © Activision
Ghost of Tsushima erfüllt praktisch jede Samurai–Fantasie, die man aus klassischen Filmen kennt. Duelle bei Sonnenuntergang, Kirschblüten während Schwertkämpfen und epische Landschaftsaufnahmen gehören hier ganz selbstverständlich dazu. Das Spiel orientiert sich stark an der filmischen Darstellung des feudalen Japans und nutzt die mongolische Invasion vor allem als Bühne für Themen wie Ehre, Tradition und persönliche Opfer. Im Kampf wechseln Spieler ständig zwischen ehrenvollen Samurai–Duellen und heimlichen Attentaten. Dadurch entsteht immer wieder die Frage, ob man dem Kodex der Samurai folgen oder einfach den effizientesten Weg zum Überleben wählen soll. Besonders gut funktioniert dabei, wie respektvoll das Spiel mit seinem Setting umgeht, auch wenn dieser Blick auf Japan deutlich von den Filmen von Akira Kurosawa geprägt ist. | © Sony Interactive Entertainment
Persona 5 Royal lässt Spieler tagsüber das Leben eines ganz normalen Tokioter Schülers führen und verwandelt sie nachts in einen übernatürlichen Phantomdieb, der korrupten Erwachsenen ihre verdorbenen Wünsche raubt. Alltägliche Dinge wie Lernen für Prüfungen, Nebenjobs oder Treffen mit Freunden sind dabei nicht bloß Nebensache. Jede Entscheidung beeinflusst die eigenen Fähigkeiten in den sogenannten Palace–Dungeons, in denen sich die psychischen Abgründe anderer Menschen manifestieren. Genau diese Verbindung macht das Spiel so besonders. Beziehungen aufzubauen und soziale Werte zu verbessern fühlt sich wirklich wichtig an, weil diese Bindungen später direkt zur eigenen Stärke werden. Dadurch schafft Persona 5 etwas, das nur wenige RPGs hinbekommen: Der normale Alltag und die übernatürliche Fantasy–Welt wirken nicht wie zwei getrennte Systeme, sondern wie zwei Seiten derselben Geschichte. | © Atlus
Wenige Videospiel–Settings sind so vielseitig und bereichernd wie Japan, ob feudale Samurai Ära, in Neonlicht getränkte Großstädte oder ländliche Gegenden in denen hinter jeder Ecke ein neues Geheimnis wartet. Diese 15 Spiele haben alles was nur möglich ist, aus dem japanischen Setting rausgeholt und lohnen sich allein schon wegen der Atmosphäre sie zu spielen.
