Phase IV entführte das Publikum in die Wüste von Arizona, wo Ameisen plötzlich so agieren, als würden sie einen ausgeklügelten Schlachtplan verfolgen. Regie führte Saul Bass, der vor allem für seine ikonischen Titelsequenzen und Filmplakate bekannt war. Es blieb sein einziger Spielfilm – und seine Vorliebe für visuelle Details ist in den obsessiven Nahaufnahmen des Insektenverhaltens allgegenwärtig.
Die Handlung folgt zwei Wissenschaftlern, die herausfinden wollen, warum die Ameisen plötzlich geometrische Türme errichten und ihre Angriffe auf Menschen koordinieren. Heute spricht kaum noch jemand über den Film. Dabei wurde allein das Ende aus den Kinofassungen herausgeschnitten, weil es dem Publikum 1974 offenbar zu ungewöhnlich war. | © Paramount Pictures
Des Teufels Saat stellt die verstörende Frage, was passiert, wenn ein Supercomputer einen menschlichen Körper für sich beansprucht – und die Antwort fällt noch unheimlicher aus, als man erwarten würde. Julie Christie spielt eine Wissenschaftlerin, die in ihrem eigenen intelligenten Haus von einer KI gefangen gehalten wird. Die Maschine will sie schwängern, um einen digitalen Nachkommen zu erschaffen.
Auf dem Papier klingt die Handlung absurd, doch der Film nimmt seine Prämisse vollkommen ernst – bis hin zur mechanischen Geburtsszene, die noch heute für Unbehagen sorgt. Demon Seed nahm die Paranoia rund um intelligente Häuser Jahrzehnte vor deren tatsächlichem Aufkommen vorweg und erhielt dafür erstaunlich wenig Anerkennung. | © Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Der Mann, der zweimal lebte erzählt von einem zwielichtigen Unternehmen, das deinen Tod vortäuscht und dich anschließend in einen jüngeren Mann mit neuem Gesicht und neuem Leben verwandelt. Rock Hudson spielt einen Mann, der sich auf diesen Deal einlässt. Doch als er langsam begreift, dass Freiheit nie Teil der Vereinbarung war, beginnt sein Leben zunehmend aus den Fugen zu geraten.
Regisseur John Frankenheimer setzt dabei auf verstörende Schwarz-Weiß-Bilder, die selbst die idyllische Vorstadt wie eine Falle wirken lassen. 1966 floppte der Film gewaltig: Bei den Filmfestspielen in Cannes wurde er ausgebuht und auch an den Kinokassen weitgehend ignoriert. Erst Jahrzehnte später wurde Seconds neu bewertet, als das Publikum allmählich erkannte, wie seiner Zeit der Film voraus war. | © Paramount Pictures
Stadt ohne Maske legte im Grunde den Grundstein für nahezu jede raue Polizeiserie, die danach kam. 1948 tatsächlich auf den Straßen New Yorks statt auf künstlichen Studiokulissen zu drehen, war ein ungewöhnlicher und wegweisender Ansatz. Dadurch bekam der Film eine Authentizität, die Hollywoods Kriminalfilmen bis dahin weitgehend fehlte.
Besonders berühmt wurde die abschließende Erzählung über die „acht Millionen Geschichten“ der Stadt. Das Konzept war so prägend, dass daraus rund ein Jahrzehnt später sogar eine gleichnamige Fernsehserie entstand. Heute taucht Stadt ohne Maske allerdings eher in Filmseminaren auf als auf den persönlichen Watchlists der meisten Zuschauer. | © Universal Pictures
Manhunter – Roter Drache kam fünf Jahre vor Das Schweigen der Lämmer in die Kinos – und spielte an den Kinokassen trotzdem kaum eine Rolle. Michael Mann machte aus der Geschichte um Will Graham einen kühlen, von Neonlicht geprägten Kriminalfilm, der stärker auf Atmosphäre als auf klassische Schockmomente setzt.
Brian Cox verkörpert Hannibal Lecktor als ruhige, beinahe gelangweilte Erscheinung, was das Grauen umso realer wirken lässt. Heute erinnern sich die meisten vor allem an Anthony Hopkins’ Interpretation der Figur. Dabei war Manns Version zuerst da – und erzählte die Geschichte mit deutlich weniger Aufsehen. | © De Laurentiis Entertainment Group
Michael Powells Karriere erholte sich nie wieder von Augen der Angst. Und wenn man den Film heute sieht, ist es kaum vorstellbar, dass ein einziger Film eine Karriere derart nachhaltig zerstören konnte. Die Handlung folgt einem Kameramann, der Frauen ermordet und dabei ihre letzten Momente voller Angst filmt. Dabei benutzt er eine in seinem Stativ versteckte Klinge und einen Spiegel, durch den die Opfer ihren eigenen Tod mitansehen müssen.
Die britischen Kritiker behandelten den Film 1960 beinahe wie einen moralischen Skandal. Powell, der zuvor als angesehener Filmemacher galt, wurde innerhalb kürzester Zeit zum Außenseiter der Branche. Jahrzehnte später bezeichneten Martin Scorsese und andere Augen der Angst als wichtigen Einfluss darauf, wie Horrorfilme mit dem Thema Voyeurismus umgehen. Diese späte Anerkennung kam für Powell allerdings viel zu spät, um seine Karriere noch zu retten. | © Astor Pictures
M verwandelte einen Mordfall in einen der ersten echten Serienkiller-Krimis – lange bevor es für dieses Genre überhaupt einen Namen gab. Peter Lorre verkörpert den Mörder mit einer nervösen, schweißtreibenden Menschlichkeit, die ihn nicht weniger bedrohlich, sondern nur noch unheimlicher macht.
Regisseur Fritz Lang setzte außerdem auf eine für die damalige Zeit ungewöhnliche Tongestaltung. Eine gepfiffene Melodie kündigt das Grauen an, noch bevor überhaupt ein Gesicht zu sehen ist. Viele Fans von Kriminalfilmen haben den Film, der still und heimlich zahlreiche Stilmittel des Genres vorweggenommen hat, bis heute nie gesehen. | © Kino Lorber
Dass Jack Nicholson sich in einen Werwolf verwandelt, klingt zunächst nach einem trashigen Mitternachtsfilm. Doch Wolf – Das Tier im Manne erzählt die Geschichte vielmehr als langsames Drama über das Älterwerden, Eifersucht und den Versuch, die eigene Macht zurückzugewinnen.
Mike Nichols inszeniert den Film wie ein Beziehungsdrama, in dem die Hauptfiguren zufällig Fangzähne und übernatürliche Sinne haben. Nicholson braucht dabei kaum aufwendige Make-up-Effekte, denn seine Darstellung allein strahlt bereits genug Bedrohlichkeit aus.
Ausgerechnet diese ungewöhnliche Mischung aus anspruchsvollem Drama und klassischem Monsterfilm geriet im Horrorboom der 90er-Jahre weitgehend in Vergessenheit. | © Columbia Pictures
Ron Howard baute Backdraft – Männer, die durchs Feuer gehen auf aufwendige praktische Feuereffekte, die selbst heute noch überzeugender wirken als viele digitale Feuerhöllen. Stuntleute bewegten sich tatsächlich durch brennende Korridore und kontrollierte Feuer, während der Schweiß in ihren Gesichtern nicht gespielt, sondern Ausdruck echter Anspannung war.
Unter dem spektakulären Feuer steckt ein Drama über Feuerwehrleute in Chicago, das heute allerdings schnell in Vergessenheit gerät. Stattdessen erinnern sich viele vor allem an Kurt Russell, der durch ein brennendes Gebäude rennt. Fragt man heute nach dem Film, erntet man meist ein vages Nicken – aber nur selten echte Erinnerungen. | © Universal Pictures
Ein Mann wird einer radioaktiven Wolke ausgesetzt und beginnt daraufhin langsam zu schrumpfen – bis er schließlich nur noch winzig klein ist. Die unglaubliche Geschichte des Mister C. nimmt diese ungewöhnliche Prämisse vollkommen ernst.
Die Spezialeffekte waren für das Jahr 1957 beeindruckend: Alltägliche Gegenstände werden plötzlich zu riesigen Hindernissen und selbst die Hauskatze verwandelt sich in einen gefährlichen Jäger. Besonders eindrucksvoll ist jedoch das Ende. Statt gegen sein Schicksal anzukämpfen, akzeptiert der Protagonist seine neue Realität. Aus der klassischen Idee eines Monsterfilms wird dadurch beinahe eine Meditation über die Bedeutungslosigkeit des Menschen.
Heute spricht kaum noch jemand über den Film, obwohl er zahlreiche Geschichten über schrumpfende Helden beeinflusst hat, die deutlich mehr Aufmerksamkeit bekommen. | © Universal Pictures
Rocketeer – Der Raketenmann präsentierte dem Publikum einen Helden mit Raketenrucksack und setzte dabei auf echte praktische Effekte – Jahre bevor Superheldenfilme zur Massenware wurden. Bill Campbell gelang mit der Rolle allerdings nicht der große Durchbruch, und der Film floppte an den Kinokassen so deutlich, dass Disney Pläne für eine Fortsetzung bald wieder auf Eis legte.
Was bis heute im Gedächtnis geblieben ist, ist vor allem das visuelle Design: Der glänzende Helm und die Art-déco-inspirierte Hollywood-Kulisse wirken noch immer beeindruckender als vieles, was moderne Comicverfilmungen zu bieten haben.
An den Kinokassen war Rocketeer – Der Raketenmann zwar ein Misserfolg, doch die handwerkliche Arbeit hinter dem Film bekam nie die Anerkennung, die sie verdient hätte. | © Walt Disney Pictures
Dark City erschuf eine düstere Metropole, in der sich die Gebäude jede Nacht neu anordnen – und niemand davon etwas bemerkt, außer einem verwirrten Mann, der unter Gedächtnisverlust leidet. Regisseur Alex Proyas schuf dabei eine einzigartige visuelle Welt, die The Matrix offensichtlich beeinflusste. Der ein Jahr später erschienene Film wurde jedoch zum weitaus größeren Erfolg und bekam den Großteil der Aufmerksamkeit.
Inhaltlich beschäftigt sich Dark City mit Erinnerung, Identität und der Manipulation des menschlichen Geistes durch eine außerirdische Spezies. Auch bei einer erneuten Sichtung wirkt die Geschichte noch immer erstaunlich komplex.
An den Kinokassen floppte der Film allerdings und ist heute vor allem eingefleischten Filmfans ein Begriff. | © New Line Cinema
Die Nacht des Jägers floppte 1955 derart heftig, dass Charles Laughton danach nie wieder Regie bei einem Film führte. Robert Mitchum spielt einen fanatischen Prediger, der die Wörter „LOVE“ und „HATE“ auf die Fingerknöchel tätowiert hat und zwei Kinder wegen versteckten Geldes verfolgt. Der gesamte Film wirkt dabei wie ein düsteres Märchen, das niemand entschärft hat.
Die Schatten, der Fluss und die markante Silhouette des Predigers vor dem Himmel – nichts davon erinnerte an das, was andere Studios zu dieser Zeit produzierten. Es dauerte Jahrzehnte und unzählige Filmseminare, bis zunehmend anerkannt wurde, wie außergewöhnlich Laughtons Werk tatsächlich war. | © United Artists
Dick Tracy erschuf eine komplette Stadtwelt aus gerade einmal sieben Farben, die direkt einem Comic entsprungen sein könnte – und machte daraus keinen Hehl. Warren Beatty führte Regie und übernahm gleichzeitig die Hauptrolle. Der eigentliche Clou lag jedoch im Make-up und im Szenenbild, die die Darsteller regelrecht in lebende Comicfiguren verwandelten.
Al Pacino verschwindet unter der Prothese nahezu vollständig hinter seiner Figur Big Boy Caprice. Trotzdem funktioniert der ungewöhnliche Look bis heute und zählt zu den gewagtesten visuellen Stilentscheidungen seiner Zeit.
Doch all das geriet schnell in den Hintergrund: Im selben Jahr hatte Batman bereits die Aufmerksamkeit des Publikums auf sich gezogen und den Comicfilm-Thron für sich beansprucht. | © Buena Vista
Deep Impact kam nur wenige Monate vor Armageddon in die Kinos und wurde von seinem deutlich lauteren Konkurrenten beinahe vollständig überschattet. Während es bei Armageddon vor allem um spektakuläre Action geht, beschäftigt sich Deep Impact stärker mit Trauer, Abschied und Opferbereitschaft.
Neben der klassischen Astronautenhandlung begleitet der Film Familien, die sich darauf vorbereiten, dass die Welt untergehen könnte. Morgan Freeman überzeugt als besonnener US-Präsident, während die gewaltige Flutwelle, die Manhattan verschlingt, bis heute zu den beklemmendsten Bildern des Films gehört.
Heute wird Deep Impact kaum noch erwähnt – vor allem, weil Armageddon in jenem Sommer die gesamte Aufmerksamkeit auf sich zog. | © Paramount Pictures
Einige Filme haben das Kino für immer verändert: Sie führten wegweisende Techniken, Effekte oder Erzählweisen ein, die alles Folgende prägten – und gerieten dennoch aus dem öffentlichen Bewusstsein, während ihr Einfluss bis heute nachwirkt. Zu ihrer Zeit waren sie revolutionär, heute werden sie kaum noch erwähnt. Hier sind 15 bahnbrechende Filme, für die sich heute kaum noch jemand interessiert.
