Der Baywatch-Film aus dem Jahr 2017 weiß genau, was er ist, und zieht die Nummer völlig schamlos durch. Dwayne Johnson und Zac Efron lassen sich voll und ganz auf die Absurdität ein, eine Strandwache in Actionhelden zu verwandeln, während das Drehbuch jede lächerliche Wendung so behandelt, als ginge es um Leben und Tod. Der Film funktioniert, weil er nie verschwörerisch in die Kamera blinzelt oder sich dafür entschuldigt, albern zu sein. Wenn ein Film über Rettungsschwimmer, die gegen internationale Drogenkartelle kämpfen, sich selbst so ernst nimmt, schreibt sich die Komik von ganz allein. | © Paramount Pictures
Allein die Lagerhaus-Kampfszene rechtfertigt die Existenz von Batman v Superman, weil sie den brutalen Kampfstil des Dunklen Ritters endlich mit der Wucht auf die Leinwand bringt, die er verdient. Zack Snyder hat etwas bewusst Schweres und Opernhaftes erschaffen und behandelt den Superhelden-Konflikt wie Mythologie statt als mit Witzeleien übersätes Spektakel. Die Gegenreaktionen konzentrierten sich so sehr auf „Martha“ und Doomsday, dass die Leute übersahen, wie treu diese Version ihrer eigenen düsteren Vision bleibt. Die meisten Comicverfilmungen wollen es jedem recht machen; dieser Film wählt eine klare Linie und zieht sie durch. | © Warner Bros. Pictures
Pearl Harbor funktioniert am besten, wenn man aufhört, Der Soldat James Ryan zu erwarten, und anfängt, den Film als die teuerste Seifenoper zu schätzen, die je gedreht wurde. Michael Bay hat verstanden, dass sich der Angriff selbst gleichzeitig gewaltig und persönlich anfühlen musste. Deshalb hat er den gesamten Film darauf ausgerichtet, der Tragödie ein Gesicht zu geben, noch bevor die ersten Bomben fallen. Die Liebesgeschichte wirkt übertrieben dramatisch, weil sie genau so wirken soll. Wenn die japanischen Flugzeuge schließlich eintreffen, treffen das Chaos und die Zerstörung umso härter, weil einem die Menschen, die in Deckung rennen, tatsächlich am Herzen liegen. | © Touchstone Pictures
Der Kalte Krieg wird auf zwei Typen reduziert, die sich gegenseitig schlagen, und irgendwie lässt Rocky IV das besser funktionieren, als es sollte. Stallone streicht den Großteil der Charakterentwicklung, die die früheren Filme so besonders gemacht hat, und ersetzt sie durch pures, patriotisches Spektakel und mit Synthesizer-Musik unterlegten Trainingsmontagen. Das Ergebnis fühlt sich an wie Propaganda in Boxhandschuhen, aber der finale Kampf zwischen Rocky und Drago hat eine echte Spannung, weil sich der Einsatz absurd hoch anfühlt. Was eigentlich lächerlich sein sollte, wird seltsam mitreißend, wenn man aufhört, Tiefgang zu erwarten, und einfach die amerikanische Flagge wehen lässt. | © MGM/UA Entertainment Co.
Die digitale Welt von Tron: Legacy sieht so aus, als hätte tatsächlich jemand Geld investiert, um die Zukunft greifbar und bewohnt wirken zu lassen, statt einfach nur glänzend. Der elektronische Soundtrack von Daft Punk untermalt die Optik nicht nur; er treibt jede Szene mit Beats an, die die Lightcycle-Rennen und Diskus-Kämpfe wie kinetische Musikvideos wirken lassen. Die Vater-Sohn-Geschichte, die das ganze digitale Spektakel erdet, verleiht den neongebadeten Actionsequenzen echtes emotionales Gewicht. Die meisten Science-Fiction-Fortsetzungen fühlen sich dazu verpflichtet, größer zu sein; diese hier fühlt sich dazu verpflichtet, cooler zu sein. | © Walt Disney Pictures
Dass Nicolas Cage nach Hinweisen auf einer Schatzkarte sucht, die auf der Rückseite der Unabhängigkeitserklärung versteckt ist, klingt wie der Anfang eines Witzes - aber Das Vermächtnis der Tempelritter lässt sich so vollkommen auf seine absurde Prämisse ein, dass es echte Unterhaltung bietet. Der Film behandelt jede noch so lächerliche historische Verschwörung mit absolutem Ernst und baut ein komplexes Rätsel auf, das es einem irgendwie wichtig macht, ob der von Sean Bean gespielte Bösewicht den Schatz zuerst erreicht. Disney fand die perfekte Balance zwischen dem Nervenkitzel eines Abenteuerfilms und familienfreundlichem Spaß, ohne dabei jemanden im Publikum herablassend zu behandeln. Was ein weiterer austauschbarer Actionfilm hätte werden können, wurde stattdessen zu einer clever konstruierten Schatzsuche, die sich ihre hanebüchenen Momente redlich verdient. | © Walt Disney Pictures
Mittelalterliche Kulissen verlangen normalerweise nach absoluter historischer Authentizität, aber Ritter aus Leidenschaft legt einen Soundtrack von Queen über Tjost-Turniere und lässt das irgendwie perfekt funktionieren. Heath Ledger spielt einen Bauern, der sich mit purem Charisma und einer Sammlung von Lügen, die von Szene zu Szene komplexer werden, seinen Weg ins Rittertum erschwindelt. Der anachronistische Ansatz verwandelt das, was ein weiteres langweiliges Historiendrama hätte werden können, in etwas, das sich wie ein Sportfilm im Gewand eines Mittelalterabenteuers anfühlt. Niemand hat erwartet, dass ein Film über Turniere des 14. Jahrhunderts die Energie eines Rockkonzerts einfangen würde. | © Columbia Pictures
Weihnachtsfilme sollten eigentlich keine Explosionen, barfüßige Helden oder einen Hans Gruber beinhalten, der in einem makellosen Anzug Drohungen ausspricht. Stirb langsam funktioniert, weil der Film John McClane in einem einzigen Gebäude einsperrt und ihn zwingt, Probleme mit allem zu lösen, was er gerade finden kann, wodurch jede Etage zu einem neuen Rätsel wird. Die Action fühlt sich persönlich und unkonventionell an statt bombastisch, und Alan Rickmans Bösewicht spricht so, als stamme er aus einem völlig anderen, anspruchsvolleren Film. Dieses Ungleichgewicht zwischen McClanes verzweifelter Improvisation und Grubers kalkulierter Eleganz macht jede Konfrontation elektrisierend. | © 20th Century Fox
Alles Routine verwandelte den Frust am Arbeitsplatz in so etwas wie eine religiöse Erfahrung für jeden, der in einem Großraumbüro-Abteil gefangen ist. Mike Judge fand genau den richtigen Ton zwischen trockener Absurdität und echtem Zorn, sodass sich jeder Papierstau im Drucker und jedes Deckblatt für einen TPS-Bericht wie ein kleiner Akt der Rebellion anfühlt. Der Film floppte in den Kinos, wurde aber zu einem Kultklassiker, weil er etwas Spezifisches über das moderne Arbeitsleben einfing, das die meisten Komödien völlig verpassen. Fünfundzwanzig Jahre später zitieren die Menschen ihn immer noch an ihren tatsächlichen Arbeitsplätzen. | © 20th Century Fox
Die meisten Menschen gingen in Edge of Tomorrow in der Erwartung eines weiteren generischen Tom-Cruise-Actionfilms und fanden sich stattdessen in der cleversten Zeitschleife seit Und täglich grüßt das Murmeltier wieder. Der Film greift das Videospiel-Konzept vom Sterben und Respawn auf und nutzt es dann tatsächlich, um sowohl Spannung als auch Lacher zu erzeugen, während sich Cruises Charakter durch endlose brutale Wiederholungen vom Feigling zum Krieger wandelt. Emily Blunt ist ihm in jeder Hinsicht ebenbürtig als abgehärtete Soldatin, die diese Hölle schon hinter sich hat. Was ein effekthascherisches Sci-Fi-Konzept hätte sein können, wird stattdessen zu einem überraschend straffen Kriegsfilm, der sich jeden einzelnen seiner Resets redlich verdient. | © Warner Bros. Pictures
Die meisten Kriminalthriller schlagen sich entweder auf die Seite der Cops oder der Räuber, aber Heat zeigt zwei Profis, die einander mehr respektieren als jeden anderen Menschen in ihrem Leben. De Niro und Pacino umkreisen sich den ganzen Film über mittels ausgeklügelter Raubüberfälle und Ermittlungen, bis hin zu jener berühmten Cafészene, in der sie sich endlich zusammensetzen und miteinander reden. Die dreistündige Laufzeit gibt jedem Charakter Raum zum Atmen und jeder Schießerei den Platz, um echte Spannung aufzubauen. Mann verwandelt ein Katz-und-Maus-Spiel in etwas, das eher an ein Arbeitsplatz-Drama erinnert - nur dass der Arbeitsplatz hier zufällig mit automatischen Waffen zu tun hat. | © Warner Bros.
Matrix kam genau im richtigen Moment, um alles in die Luft zu jagen, was die Leute über Actionfilme zu wissen glaubten. Die Wachowskis haben nicht nur die „Bullet-Time“ erfunden; sie haben eine komplette visuelle Sprache um die Idee herum aufgebaut, dass die Realität selbst eine Lüge sein könnte, die es zu bekämpfen gilt. Keanu Reeves fand genau die richtige Frequenz zwischen dem verwirrten Jedermann und dem messianischen Draufgänger, während der Film echtes philosophisches Gewicht mit einigen der innovativsten Kampfszenen verband, die je gefilmt wurden. Fünfundzwanzig Jahre später versucht jeder andere Science-Fiction-Film immer noch, diesen Moment nachzustellen, in dem Neo zum ersten Mal den Code sieht. | © Warner Bros.
Pulp Fiction hat bewiesen, dass das Publikum hungrig nach etwas war, das sich wie pures Kino anfühlte, statt nach einem weiteren Blockbuster nach Schema F. Tarantinos Drehbuch springt zwischen den Zeitebenen hin und her, lässt Unterhaltungen über Burger genauso lang dauern wie Schießereien und sorgt dafür, dass jeder Dialog so klingt, als würden sich echte Menschen unterhalten, anstatt nur Erklärungen abzuliefern. Der Film funktioniert, weil er den Zuschauern vertraut, der Handlung auch ohne Wegweiser oder Erklärungen zu folgen. Dass Vincent und Jules über Fußmassagen diskutieren, trifft einen härter als die meisten Actionszenen, weil es sich in einer völlig unrealistischen Geschichte komplett real anfühlt. | © Miramax Films
Die Prämisse klingt nach einem Konzept für einen einzigen Witz, der sich nach zwanzig Minuten abnutzt: Bill Murray wacht immer wieder am selben Tag auf, bis er lernt, ein besserer Mensch zu werden. Und täglich grüßt das Murmeltier funktioniert, weil der Film die Zeitschleife nie nur als billigen Gag für schnelle Lacher nutzt. Murray beginnt arrogant, wird verzweifelt, wird gemein, dreht völlig durch und findet schließlich so etwas wie Weisheit - wobei sich jede Phase verdient und nicht überstürzt anfühlt. Der Film schmuggelt tiefgründige Fragen über Zeit, Sterblichkeit und darüber, was es bedeutet, einen anderen Menschen wirklich zu kennen, in eine Geschichte, die auch hätte eine belanglose Komödie werden können. | © Columbia Pictures
Die meisten Märchen wirken so, als wären sie für Kinder geschrieben und von Erwachsenen dann nur widerwillig toleriert worden. Die Braut des Prinzen stellt das völlig auf den Kopf und erschafft eine Geschichte, die gleichzeitig als Abenteuer, Komödie und Liebesfilm funktioniert, ohne dabei jemals jemanden im Publikum herablassend zu behandeln. Rob Reiner fand genau die richtige Balance zwischen Aufrichtigkeit und Selbstironie. Er lässt die Charaktere ihre Mission vollkommen ernst nehmen, während er gleichzeitig anerkennt, wie lächerlich das Ganze eigentlich ist. Die Schwertkämpfe wirken echt, die Gags zünden, ohne die Ernsthaftigkeit der Lage zu untergraben, und irgendwie wird ein Film über die wahre Liebe niemals kitschig. | © 20th Century Fox
Ein schlechtes Startwochenende, ein überfülltes Release-Zeitfenster oder einfach nur der falsche Moment im Leben - all das kann dazu führen, dass ein Film nicht so ankommt, wie er eigentlich sollte. Diese 15 Filme gealtert sind besser, als ihr Ruf vermuten lässt, und ein erneutes Anschauen sorgt meist dafür, dass einige ihre Meinung ändern.
