Florence Pugh trägt A Good Person durch ein Terrain, das in weniger fähigen Händen manipulativ hätte wirken können. Sie spielt eine Frau, deren Tablettensucht nach einem Autounfall beginnt, bei dem die Schwester ihres Verlobten ums Leben kommt. Der Film weigert sich, Sucht glamourös oder einfach aussehen zu lassen, und zeigt, wie schnell verschreibungspflichtige Schmerzmittel ein scheinbar perfektes Leben zerstören können. Zach Braff schreibt Szenen, die sich unangenehm real anfühlen, insbesondere die, in denen Pughs Figur versucht, normal zu funktionieren, während alles um sie herum zusammenbricht. Die Stärke des Films liegt darin, dass der Genesungsprozess mehr chaotisch und ungewiss als inspirierend dargestellt wird. | © Metro-Goldwyn-Mayer
Permanent Midnight entledigt sich der Rockstar-Mythologie, die Suchtgeschichten üblicherweise begleiten, und konzentriert sich stattdessen auf den alltäglichen Schrecken einer funktionierenden Abhängigkeit. Ben Stiller spielt einen erfolgreichen Drehbuchautor, der seine Karriere aufrechterhält, während er mit Heroin nach und nach alles andere zerstört. Seine Darstellung wirkt auf unangenehm realistische Weise, ohne dabei zu glorifizieren oder oberflächliches Mitleid zu erwecken. Der Film zeigt, wie Sucht zu einem regelrechten Job wird, der ständige Kontrolle und Lügen erfordert und schließlich mehr Energie raubt als die eigentliche Arbeit. Was ihn von anderen Suchtfilmen unterscheidet, ist die Darstellung eines Menschen, der nie einen dramatischen Tiefpunkt erreicht, sondern langsam ins Nichts abgleitet. | © Artisan Entertainment
Panik im Needle Park stürzt den Zuschauer mitten in die alltägliche Realität der Heroinsucht – ohne jeglichen Hollywood-Filter oder einen erlösenden Handlungsbogen, der die Härte der Erfahrung abmildern würde. Al Pacino und Kitty Winn verkörpern Süchtige, deren Beziehung sich gänzlich im Rhythmus des Stoffbeschaffens, Konsumierens und des verzweifelten Ringens um den nächsten Schuss abspielt. Die Kamera verharrt in unangenehmer Nähe, wenn Nadeln in Venen gleiten, und fängt die verzweifelte Logik von Drogengeschäften auf der Straße ein. Alles an diesem Film wirkt wie dokumentarisches Material, das zufällig zwei herausragende Performances eingefangen hat. | © 20th Century Fox
Rocketman weigert sich, so zu tun, als sei Elton Johns Sucht lediglich eine Fußnote in einer ansonsten glamourösen Geschichte gewesen. Der Film zeigt, wie Kokain und Alkohol zu Werkzeugen wurden, um die Kluft zwischen seiner öffentlichen Persona und seinem privaten Schmerz zu bewältigen und den Erfolg damit in eine weitere Form des Gefängnisses verwandelten. Anstatt das Hässliche zu beschönigen, lässt der Film die musikalischen Nummern sowohl die Euphorie als auch den Absturz transportieren, die mit dem Drogenmissbrauch einhergehen. Das Ergebnis fühlt sich an, als würde man die tatsächliche Beziehung eines Menschen zu Drogen beobachten und nicht etwa eine moralisierende Warnung, die lediglich dazu dient, Lektionen zu erteilen. | © Paramount Pictures
Mulholland Drive nutzt Hollywoods Traumfabrik als perfekte Kulisse für die Art und Weise, wie Sucht die Realität verzerrt. Lynch gestaltet den Film als ein Puzzle, in dem nichts beständig bleibt – ein Spiegelbild dessen, wie Substanzen Wahrnehmung und Erinnerung zersplittern, bis man nicht mehr unterscheiden kann, was tatsächlich geschehen ist. Der berühmte Bruch in der Erzählstruktur, der etwa zur Hälfte des Films einsetzt, fühlt sich an, als würde man miterleben, wie der Rausch eines Menschen jäh in eine brutale Nüchternheit abstürzt. Was zunächst wie ein glamouröses Mystery-Rätsel im Los Angeles der Filmwelt wirkt, wandelt sich schließlich zu einem Albtraum vom völligen Verlust des eigenen Selbst. | © Universal Pictures
Naked Lunch verwandelt William S. Burroughs’ unverfilmbaren Roman in einen Fiebertraum, in dem Schreibmaschinen zu sprechenden Insekten werden und die Realität sich in paranoide Halluzinationen auflöst. David Cronenberg zeigt nicht bloß Drogenabhängigkeit; er lässt den Zuschauer den vollständigen psychischen Zusammenbruch miterleben, der damit einhergeht – einen Zustand, in dem jede Oberfläche von Gewürm wimmeln könnte und jedes Gespräch eine Falle sein mag. Der Film verschreibt sich seiner surrealen Logik derart vollkommen, dass Entzugserscheinungen und Psychose nicht mehr voneinander zu unterscheiden sind. | © 20th Century Fox
Angst und Schrecken in Las Vegas verwandelt die Drogensucht in einen neongetränkten Fiebertraum, der das Chaos auf eine Weise inszeniert, die zugleich comichaft überzeichnet und zutiefst verstörend wirkt. Johnny Depp und Benicio del Toro stolpern durch Vegas, während ihre Charaktere zu paranoiden, schweißüberströmten Wracks zerfallen; doch der Film lässt einen nie vergessen, dass die Drogen sie, hinter all der surrealen Komik, bei lebendigem Leibe auffressen. Terry Gilliam inszeniert ihre Exzesse als zum Leben erwachte Halluzinationen – komplett mit schmelzenden Gesichtern und Hotelteppichen, die sich in Reptilien verwandeln. Der Film funktioniert, weil er zeigt, wie die Sucht die Realität bis zur Unkenntlichkeit verzerrt und man dennoch den Blick nicht abwenden kann. | © Universal Pictures
Rachels Hochzeit verwandelt ein Hochzeitswochenende in einen zermürbenden Marathon familiärer Dysfunktionalität; Anne Hathaway spielt darin eine Patientin aus der Entzugsklinik, deren Heimkehr all die Wunden wieder aufreißt, die ihre Sucht hinterlassen hat. Die Handkamera-Führung vermittelt das Gefühl, selbst an dem unbehaglichen Esstisch gefangen zu sein. Man lauscht passiv-aggressiven Trinksprüchen und beobachtet, wie die Verwandten um jahrelang angestauten Groll herummanövrieren. Hathaways Darstellung nimmt dem Genesungsprozess jeglichen romantischen Schein und zeigt auf, dass Sucht nicht nur dem Betroffenen schadet, sondern eine Kettenreaktion aus gebrochenem Vertrauen auslöst, die sich nicht wie durch Zauberhand heilt. Die Hochzeit rückt in den Hintergrund gegenüber dem Schauspiel einer Familie, die zu feiern versucht, während sie so tut, als säße ihr größtes Problem nicht direkt vor aller Augen am Ehrentisch. | © Sony Pictures Classics
Enter the Void folgt einem Drogendealer durch die neongetränkte Unterwelt Tokios und begleitet ihn auch weiterhin, nachdem er in einem Badezimmer niedergeschossen wurde und gestorben ist. Gaspar Noé inszeniert das gesamte Geschehen aus einer ununterbrochenen Ich-Perspektive und erschafft so ein Werk, das irgendwo zwischen Fiebertraum und Horrortrip angesiedelt ist und sich über zweieinhalb Stunden erstreckt. Die Kamera schwebt durch Wände, taucht in Erinnerungen ein und verweilt über intimen Szenen mit der unerbittlichen Neugier eines körperlosen Bewusstseins. Während sich die meisten Filme über Drogen auf die Höhen und Tiefen des Rausches konzentrieren, stellt dieser hier die Frage: Was geschieht, wenn man überhaupt nicht mehr runterkommt? | © IFC Films
Beautiful Boy verwandelt die Memoiren eines Vaters in ein Werk, das sich auf beklemmende Weise realitätsnah anfühlt, indem es den schleichenden Verfall nachzeichnet, der über eine Familie hereinbricht, sobald die Sucht Einzug hält. Steve Carell und Timothée Chalamet durchlaufen immer wieder dasselbe schmerzhafte Muster aus Hoffnung und Rückfall, gänzlich ohne jene dramatischen Höhepunkte, die man üblicherweise von Filmen über Suchterkrankungen erwartet. Der Film verweigert sich einfachen Antworten oder kathartischen Momenten; stattdessen zeigt er, wie alle Beteiligten in einem Kreislauf gefangen sind, der kein klares Ende kennt. Seine Wirkung verdankt der Film vor allem der Art und Weise, wie er die zermürbende, repetitive Natur der Liebe zu einem Menschen einfängt, dessen Krankheit immer wieder die Oberhand gewinnt. | © Amazon Studios
Oslo, 31. August begleitet einen genesenden Heroinabhängigen durch einen einzigen Tag vorübergehender Freiheit aus der Entzugsklinik – und dieser eine Tag wird zu allem. Anders streift durch seine alte Stadt, besucht Freunde, geht zu einem Vorstellungsgespräch und wägt stillschweigend ab, ob das Leben es wert ist, fortgesetzt zu werden. Der Film dramatisiert die Sucht niemals durch effekthascherische Zusammenbrüche oder Szenen, die sich auf die Nadel konzentrieren. Stattdessen fängt er die zermürbende Last des Wiederaufbaus ein – in einer Situation, in der man sich kaum noch daran erinnern kann, wer man war, bevor alles in die Brüche ging. | © The Criterion Collection
Pure S*** begleitet vier Heroinkonsumenten durch die Drogen-Underground-Szene Melbournes, nachdem eine Frau an einer Überdosis gestorben ist – ein Ereignis, das die darauffolgenden 24 Stunden in eine fieberhafte Jagd nach dem nächsten Schuss verwandelt. Was den Film so eindringlich macht, ist die geringe Distanz, die er zwischen den Zuschauer und die Routinen, die Panik, den Humor und die Erschöpfung der Konsumenten legt. Er betrachtet die Sucht nicht von außen als bloße Tragödie; vielmehr wirft er den Zuschauer mitten in diesen Kreislauf hinein und weigert sich, ihn sauberer, sicherer oder filmischer darzustellen, als er in Wirklichkeit ist. | © Apogee Films
Heaven Knows What begleitet Harley – eine obdachlose Heroinabhängige in New York – durch Zyklen des Stoffbeschaffens, Konsumierens und Überlebens, die eher wie dokumentarisches Filmmaterial wirken als wie eine traditionelle Erzählung. Die Safdie-Brüder besetzten den Film mit echten Menschen von der Straße – darunter auch die Hauptdarstellerin Arielle Holmes, die das Drehbuch auf der Grundlage ihres eigenen, veröffentlichten Tagebuchs über ihre Sucht verfasste. Jeder Moment der Verzweiflung wirkt authentisch, da er aus gelebter Erfahrung und nicht etwa aus Recherche oder bloßer Fantasie gespeist ist. Das Ergebnis ist von einer Rohheit, die andere Filme über Sucht im Vergleich dazu geradezu glattpoliert erscheinen lässt. | © RADiUS-TWC
Trainspotting wählt den kühnen Ansatz, Heroinabhängigkeit zugleich abstoßend und verführerisch darzustellen, und weigert sich dabei, sich zwischen einer Verurteilung und einer Romantisierung dieses Lebensstils zu entscheiden. Danny Boyles Kameraführung zieht den Zuschauer mit gleicher Intensität in den Rausch und den Absturz hinein und verwandelt Edinburgh in einen Spielplatz, auf dem Euphorie und Erniedrigung im selben schäbigen Apartment stattfinden. Die Energie des Films kommt niemals zum Stillstand – selbst dann nicht, wenn er Momente des absoluten Tiefpunkts zeigt, wie etwa die berüchtigte Toilettenszene oder die Vernachlässigung des Babys. Mark Rentons Erzählerstimme durchbricht jegliche Fassade, die Abhängigkeit entweder als rein tragisch oder als insgeheim glamourös darstellt. | © Miramax Films
Requiem for a Dream erzeugt seinen Horror nicht durch Jump-Scares oder blutige Effekte, sondern durch das Zuschauen, wie vier Menschen sich auf der Jagd nach ihren Träumen methodisch selbst zerstören. Darren Aronofsky nutzt eine rasante Schnitttechnik und einen treibenden Soundtrack, um jeden Rauschzustand hektisch und jeden Absturz wie einen Fall von einer Klippe wirken zu lassen. Der Film weigert sich, Sucht zu verherrlichen oder einfache Antworten zu liefern; stattdessen zeigt er auf, wie Drogen zu einer vermeintlichen Lösung werden, die am Ende nur noch schlimmere Probleme schafft. Was beim Zuschauer haften bleibt, ist nicht der Schockwert, sondern die erschreckende Normalität dieser Charaktere bevor alles aus dem Ruder läuft. | © Artisan Entertainment
Hollywood hat eine komplizierte Geschichte im Umgang mit Sucht – und viele Filme stellen dieses Thema auf peinliche Weise falsch dar. Diese 15 Filme hingegen scheuten vor nichts zurück und zeigten die Realität der Drogensucht auf eine Weise, die zwar schwer zu ertragen ist, von der man aber dennoch den Blick nicht abwenden kann.
