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15 Filme, die nur dazu gemacht wurden, eine bestimmte Agenda voranzutreiben

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Nazarii Verbitskiy

Filme und Serien - April 20th 2026, 08:00 MESZ

Star Wars The Last Jedi — 15. Star Wars: Die letzten Jedi (2017)

Die Empörung über diese Fortsetzung beschränkte sich nie allein auf Handlungsentscheidungen oder abrupte Tonartwechsel. Was die Leute aufbrachte, war das Gefühl, der Film wolle die Star-Wars-Mythologie selbst zerstören, insbesondere das alte Heldenideal um Luke Skywalker. Anstatt die Vergangenheit als etwas Wertvolles zu behandeln, das es wert ist, weitergetragen zu werden, kreist das Drehbuch immer wieder um Scheitern, Desillusionierung und die Idee, dass Legenden es verdienen, zerstört zu werden. Für viele Zuschauer wirkte das wie eine sehr moderne Anti-Erbe-Korrektur, die mehr daran interessiert schien, Nostalgie zu tadeln als sie zu belohnen. Deshalb fühlten sich so viele Fans belehrt statt mitgerissen. | © Walt Disney Pictures

Wonder Woman from Wonder Woman 1984 — 14. Wonder Woman 1984 (2020)

*Wonder Woman 1984* gibt sich als schillernde Eskapismus-Geschichte, doch unter der Neonfassade verbirgt sich eine unverblümte Predigt über Gier, egoistische Begierden und moralischen Verfall. Patty Jenkins will mit dem Film ganz offensichtlich gegen Exzesse, Konsumdenken und die Illusion ankämpfen, man könne sich ungestraft alles nehmen. Das hätte funktionieren können, wenn die Geschichte dem Publikum etwas mehr Vertrauen geschenkt hätte. Doch die Botschaft wird so aufdringlich vermittelt, dass Szenen ihre Dramatik verlieren und stattdessen belehrend wirken. Der Film predigt ständig, die Wahrheit sei wichtiger als Wunscherfüllung – und das mit der Subtilität einer Werbetafel. Sobald dieser Tonfall angeschlagen ist, erholt sich das Abenteuer nie wieder vollständig.. | © Warner Bros.

13. Argo (2012)

Es steht außer Frage, dass Ben Affleck diesem Film Schwung verliehen hat. Das Problem ist jedoch, dass *Argo* eine komplexe internationale Krise in einen glatten, publikumswirksamen Mythos über die Cleverness der CIA und die amerikanische Rettung verwandelt. Der Iran wird zur Kulisse für Chaos und Bedrohung, während Hollywood-Tricks und US-Geheimdiensterkenntnisse zu einer heroischen Nationalfantasie verklärt werden. Deshalb wurde dem Film so oft vorgeworfen, eine CIA- und amerikanisch-freundliche Version der Ereignisse zu propagieren, die Rolle Kanadas zu verharmlosen und Iraner zu karikieren. Als Thriller funktioniert er, weil er so glatt inszeniert ist, doch genau diese Glätte macht es schwer, den propagandistischen Unterton loszuwerden. | © Warner Bros.

No time to die — 12. James Bond 007: Keine Zeit zu sterben (2021)

Bond bewegte sich schon seit Jahren in Richtung Selbstkorrektur, doch dieser Film machte dieses Projekt unübersehbar. Er inszeniert James Bond immer wieder als Relikt eines überholten Männlichkeitskodex und erinnert ihn gleichzeitig daran, dass sein Auftreten, sein Anspruchsdenken und seine Gewohnheiten einer längst vergangenen Welt angehören. Die #MeToo-Revolution ist nicht nur angedeutet, sondern durchdringt die Art und Weise, wie die Geschichte mit seinem Alter, seinem Sexismus und sogar der vorübergehenden Übertragung des Namens 007 umgeht. Das macht *Keine Zeit zu sterben* nicht wertlos, aber es lässt ihn wie einen Bond-Film wirken, der sich zwar für Bond entschuldigen will, aber gleichzeitig weiterhin von ihm profitieren möchte.. | © MGM

Terminator Dark Fate — 11. Terminator: Dark Fate (2019)

Diese Fortsetzung führt nicht einfach nur neue Charaktere ein und macht dann weiter. Sie ersetzt das alte Franchise-Zentrum durch eine von Frauen geprägte Zukunft um Sarah Connor, Grace und Dani – symbolisch untermauert durch die Übergabe der Zukunft der Menschheit an eine junge Mexikanerin. Das ist an sich eine nachvollziehbare kreative Entscheidung, doch *Terminator: Dark Fate* treibt sie so offen zur Schau, dass viele Zuschauer den Film weniger als Fortsetzung, sondern vielmehr als eine neu inszenierte Aussage darüber wahrnahmen, wem das Franchise nun gehört. Die alte Rolle des männlichen Retters wird gestrichen, das neue Schema verkündet und die Übergabe als Kernpunkt dargestellt. Sobald das offensichtlich wird, wirkt die Action wie ein bloßes Mittel zum Zweck für das Rebranding. | © Paramount

Birds Of Prey — 10. Birds of Prey: The Emancipation of Harley Quinn(2020)

Harley Quinn war schon immer anarchisch, aber dieses Spin-off stilisiert das Chaos zu einem voll ausgewachsenen Empowerment-Paket. Der offizielle Untertitel verrät bereits, worum es geht: Emanzipation, Befreiung nach einer Trennung, weibliche Solidarität, Frauen, die die Kontrolle übernehmen, und Männer, die zu austauschbaren Widerlingen oder Prügelknaben degradiert werden. Nichts davon ist in Birds of Prey subtil, und der Film versucht es auch kaum. Er will, dass das Publikum den Feminismus in den Kostümen, der Inszenierung, den Witzen und der gesamten Struktur von Harleys Befreiung von der vom Joker definierten Identität spürt. Für manche Zuschauer war genau das der Reiz. Andere empfanden den Film als Comicverfilmung, bei der das Empowerment-Image an erster Stelle steht und die Geschichte zweitrangig ist. | © Warner Bros.

9. Tödliches Kommando – The Hurt Locker (2009)

Das Tückische an diesem Film ist, dass seine Botschaft zwar nicht lautstark, aber dennoch präsent ist. Anstatt den Irakkrieg als politische Katastrophe zu beleuchten, reduziert der Film alles auf die adrenalingeladene Psychologie amerikanischer Soldaten und behandelt den Irak hauptsächlich als Bühne für ihre Gefahren, ihren Zwang und ihre Traumata. Diese Fokussierung verleiht *The Hurt Locker* zwar seine Intensität, entzieht dem Konflikt aber auch seinen größeren Kontext und macht den Krieg eher zu einer Prüfung der Kriegeridentität als zu einer historischen Katastrophe. Kritiker bemerkten dies sofort. Der Film wirkt weniger wie eine Auseinandersetzung mit dem Irak als vielmehr wie ein immersiver Mythos über die unwiderstehliche Anziehungskraft des Kampfes und die tragische Würde der darin gefangenen Männer. | © Summit Entertainment

The Hustle — 8. Glam Girls – Hinreißend verdorben (2019)

Das Problem mit diesem Remake ist nicht der Austausch von Männern durch Frauen. Das Problem ist, dass es so tut, als reiche dieser Austausch allein aus, um den ganzen Film zu tragen. Was einst eine zynische Gaunerkomödie war, wird in *Glam Girls* zu einer glatten, popfeministischen Rachefantasie, in der Frauen reiche Männer demütigen und strukturellen Sexismus zur Pointe machen. Schon das Marketing und die frühe Entwicklungsphase setzten auf diesen Ansatz, was erklärt, warum der fertige Film so dünn wirkt, sobald der Neuheitsreiz verflogen ist. Statt scharfer Satire oder echter Boshaftigkeit bietet er vor allem Attitüde, Parolen und die selbstgefällige Annahme, Geschlechtertausch sei automatisch geistreich. Das ist kein Drehbuch, sondern ein überstrapaziertes Rahmenmotiv. | © MGM

7. The Marvels (2023)

Marvel wirbt seit Jahren mit Fortschritt, und diese Fortsetzung wirkt oft, als versuche die Marke, diesen Fortschritt in ein einziges Gesamtpaket zu pressen. Drei Heldinnen, mehrere farbige Frauen, ein starker Fokus auf Zusammenhalt, Schwesternschaft und mitreißende Teamchemie sowie ein Tonfall, der stets betont, dass sich all dies frisch und unbeschwert anfühlen soll: All das ist unübersehbar. Das Problem ist jedoch, dass *The Marvels* diese Ideen selten zu einer wirklich tiefgründigen Geschichte ausbaut, sodass die auf Repräsentation ausgerichtete Konzeption immer deutlicher sichtbar wird. Anstatt organisch zu wirken, erscheint der Film oft wie eine aufgebauschte Girlpower-Kampagne mit gigantischem Budget. Er ist stellenweise energiegeladen, aber man hat stets den Eindruck, dass die Botschaft vor dem Drehbuch stand. | © Walt Disney Pictures

Men in Black International — 6. Men in Black: International (2019)

Das Ganze wurde als frischer Anstrich verkauft, und genau deshalb wirkt es so kalkuliert. Die Reihe bekommt zwar ihren „Women-in-Black“-Aspekt, einige subtile Anspielungen auf Migration und Außenseiterstatus sowie ein globaleres Image, aber es wirkt, als sei das Ganze im Konferenzraum entworfen worden, anstatt beim Drehbuchschreiben entstanden zu sein. Irgendwann hört Men in Black: International auf, sich wie eine schräge Science-Fiction-Komödie anzufühlen, und wirkt wie ein Modernisierungsauftrag für ein Unternehmen: breitere Zielgruppe ansprechen, Team diversifizieren, Ecken und Kanten glätten, fertig. Das Problem ist, dass dabei die Persönlichkeit verloren geht. Der Film modernisiert die Optik des Franchises, ohne ihm neues Leben einzuhauchen.| © Sony

Top Gun Maverick — 5. Top Gun: Maverick (2022)

Das Spektakel ist echt, aber auch die Verkaufsmasche. Entfernt man die makellosen Luftaufnahmen, bleibt eine der ausgefeiltesten Militärfantasien Hollywoods der letzten Jahre übrig: Elitepiloten, edle Opfer, patriotische Kompetenz, teures Gerät, das glorreich inszeniert wird, und nahezu keine Konflikte innerhalb der Institution, die all dies ermöglicht. Die Beziehung des Pentagons zu Filmen dieser Art ist seit Jahrzehnten dokumentiert, und *Top Gun: Maverick* passt perfekt in dieses Schema. Er braucht keine nationalistischen Reden, denn die Botschaft ist im Nervenkitzel selbst verankert. Der Film lässt den Dienst transzendent, die Kampfbereitschaft romantisch und militärische Macht als Inbegriff persönlicher Erfüllung erscheinen. Das ist Propaganda auf Luxus-Blockbuster-Niveau. | © Paramount Pictures

Cropped Zero Dark Thirty — 4. Zero Dark Thirty – Die Jagd auf Osama bin Laden (2012)

Kathryn Bigelow drehte diesen Film mit formaler Disziplin, was die politische Kritik umso heftiger machte. Befürworter argumentierten, er schildere lediglich die Jagd nach Bin Laden, doch Kritiker sahen in der Verknüpfung von Folter, Informationsbeschaffung und letztendlichem Erfolg etwas viel Schlimmeres. Daher rührten die Vorwürfe, der Film befürworte die CIA und Folter, und diese Einwände waren keineswegs unbegründet. Der Film präsentiert den nationalen Sicherheitsstaat mit solcher Ernsthaftigkeit und Autorität, dass er weniger wie eine Überprüfung als vielmehr wie eine Legitimierung wirkt, insbesondere wenn Zwangsverhöre in die Maschinerie des Triumphs integriert werden. Selbst Bewunderer des Films empfanden die zugrundeliegende Weltanschauung oft als äußerst gefährlich. | © Columbia Pictures

Snow White — 3. Schneewittchen (2025)

Dieses Remake wirkte wie ein verzweifelter Versuch, den Kulturkampf zu beenden. Modernisierte Geschlechterrollen, die Reduzierung der alten Prinzendynamik, die öffentliche Forderung nach einer Aktualisierung der Originalgeschichte, die Kontroverse um den Zwerg, die Kritik an der Besetzung und die politischen Auseinandersetzungen hinter den Kulissen – all das verstärkte den Eindruck: *Schneewittchen* wurde umgestaltet, um gegenwärtige ideologische Ängste zu befriedigen, bevor es als Märchen überhaupt gefiel. Das heißt nicht, dass jede Kritik berechtigt war, doch die revisionistische Absicht des Films war nie wirklich verheimlicht. Disney wollte eine Version, die zeitgemäß, moralisch unbedenklich und öffentlich vertretbar wirkte. Der Preis für diese Strategie: Das Ganze wirkt oft eher wie eine nervöse Markenanpassung als wie eine mit Überzeugung erzählte Geschichte. | © Walt Disney Pictures

2. Bowling For Columbine (2002)

Michael Moore wollte nie neutral bleiben, und wer das Gegenteil behauptet, verkennt den Kern der Sache. Dieser Dokumentarfilm ist eine Polemik gegen Waffen, Angst und amerikanische Gewalt, die darauf abzielt, zu mobilisieren, zu provozieren und ihre Zielpersonen bloßzustellen – nicht, um sich höflich in die Mitte der Debatte zu plazieren. Deshalb ist *Bowling for Columbine* gleichermaßen wirkungsvoll und empörend. Bewunderer sehen moralische Klarheit. Kritiker hingegen erkennen Manipulation, Hinterhaltstaktiken und einen Filmemacher, der zu sehr von seiner eigenen Gerechtigkeit überzeugt ist. Beide Reaktionen beruhen auf derselben Tatsache: Der Film predigt ganz offen. Moore untersucht nicht, ob die amerikanische Waffenkultur krankhaft ist; er hat sich bereits dazu entschieden, und jede Szene ist darauf ausgelegt, dieses Urteil zu untermauern. | © MGM

Dr Strangelove — 1. Dr. Seltsam oder: Wie ich lernte, die Bombe zu lieben (1964)

Es hat keinen Sinn, diesen Film als schüchtern darzustellen. Kubrick schuf eine wütende Antikriegs-, Antiatom- und Antiabschreckungssatire, und jede einzelne Einstellung ist darauf ausgerichtet, die Absurdität militärischer Logik aufzuzeigen, sobald Macht, Ego und Apokalypse aufeinandertreffen. Der Unterschied liegt darin, dass *Dr. Seltsam oder: Wie ich lernte, die Bombe zu lieben* sich nicht in seiner eigenen Agenda erdrückt. Im Gegenteil: Die Agenda schärft die Komik, vertieft den Horror und verleiht dem gesamten Film seine manische Präzision. Dieser Film hat eine so aggressive Perspektive, dass sie fast beißt, aber er ist auch einer der seltenen Fälle, in denen sich Botschaft und Kunstfertigkeit gegenseitig befruchten, anstatt miteinander zu konkurrieren. Er will unbedingt überzeugen. Er ist nur viel zu brillant, um wie eine Predigt zu wirken. | © Columbia Pictures

1-15

Man spürt förmlich, wenn ein Film das Vertrauen in seine eigene Geschichte verliert. Eine Figur spricht, eine Szene zieht sich etwas zu lange hin, und plötzlich wirkt das Ganze wie ein steifer, als Unterhaltung verkleideter Diskussionspunkt.

Dieser bittere Nachgeschmack haftet jedem Film hier an. Unterschiedliche Genres, unterschiedliche Zielgruppen, immer dasselbe Ergebnis: Das Drehbuch drängt, zwinkert und beharrt so lange, bis die Geschichte den Film nicht mehr trägt und die Agenda im Fahrersitz sitzt.

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Man spürt förmlich, wenn ein Film das Vertrauen in seine eigene Geschichte verliert. Eine Figur spricht, eine Szene zieht sich etwas zu lange hin, und plötzlich wirkt das Ganze wie ein steifer, als Unterhaltung verkleideter Diskussionspunkt.

Dieser bittere Nachgeschmack haftet jedem Film hier an. Unterschiedliche Genres, unterschiedliche Zielgruppen, immer dasselbe Ergebnis: Das Drehbuch drängt, zwinkert und beharrt so lange, bis die Geschichte den Film nicht mehr trägt und die Agenda im Fahrersitz sitzt.