„Die Bourne Identität“ verzichtet auf all die Gadgets, lockeren Sprüche und übertriebenen Stunts, mit denen Actionfilme jahrzehntelang immer weiter aufgeladen wurden. Matt Damons Jason Bourne kämpft mit allem, was er gerade in die Finger bekommt, löst Probleme eher mit seinem Verstand als mit roher Waffengewalt und verbringt einen Großteil des Films damit, wirklich nicht zu wissen, wer er eigentlich ist.
Die Nahkämpfe wirken brutal und improvisiert – als würde man dabei zusehen, wie sich jemand in Echtzeit wieder daran erinnert, wie man Menschen tötet. Der Film bewies, dass das Publikum bereit für Actionhelden war, die eher wie echte Menschen wirkten und weniger wie Figuren aus einem Comic. | © Universal Pictures
„Police Story“ beweist, dass Jackie Chan niemals CGI oder ein riesiges Budget brauchte, um einige der spektakulärsten Actionsequenzen der Filmgeschichte zu erschaffen. Chan stürzt sich durch Glasscheiben, Mall-Rolltreppen hinunter und von Gebäuden, mit einer Hingabe, bei der man jeden Aufprall förmlich spürt.
Die Stunts wirken so gefährlich, weil sie es tatsächlich waren – und Chans Bereitschaft, für seine Kunst zu bluten, zeigt sich in jeder perfekt choreografierten Kampfszene. Die meisten Actionstars arbeiten mit Stunt-Doubles; Chan arbeitet mit Krankenhäusern. | © Golden Harvest
„Black Panther“ bewies, dass Superheldenfilme echte politische Bedeutung haben können, ohne dabei auf spektakuläres Entertainment zu verzichten. Der Film erschafft Wakanda als technologisches Wunderland und stellt gleichzeitig die provokante Frage, wie sich Afrika ohne die Folgen der Kolonialisierung hätte entwickeln können. Diese Spannung treibt sowohl die Actionszenen als auch die familiären Konflikte der Geschichte an.
Michael B. Jordans Killmonger überzeugt dabei als Bösewicht, dessen Wut und Motive nachvollziehbar sind. Dadurch wird das klassische Gut-gegen-Böse-Schema deutlich komplexer. Marvel hatte bereits ein Jahrzehnt lang erfolgreiche Blockbuster produziert – doch dieser Film fühlte sich an, als würde er tatsächlich etwas bedeuten. | © Walt Disney Studios Motion Pictures
„Gnadenloser Meisterermittler, knallharter Meisterdetektiv“ verwandelt Polizeiarbeit in ein pures Ballett: John Woo inszeniert Schießereien wie musikalische Choreografien, bei denen jede Kugel zählt und jede Bewegung perfekt ineinandergreift. Chow Yun-fat spielt einen Polizisten, der beim Schießen mit zwei Pistolen Geländer hinunterrutscht – und irgendwie wirkt die Physik dahinter weniger wichtig als der Rhythmus der Szene.
Allein die Krankenhaus-Schießerei dauert rund 40 Minuten voller pausenloser Action, die niemals langweilig wird, weil Woo versteht, dass großartige Actionsequenzen nicht nur von größeren Explosionen leben, sondern von emotionalen Konflikten. Dieser Film zeigt, was passiert, wenn jemand Gewalt wie eine Kunstform behandelt, anstatt einfach nur eine Kamera darauf zu richten. | © Golden Princess Film Production
„Der Mann mit der Todeskralle“ bewies, dass Martial-Arts-Filme ein weltweites Publikum erreichen können, ohne dabei das zu verlieren, was sie ursprünglich so besonders machte. Bruce Lee bewegt sich durch den Film, als würde er auf einer völlig anderen Ebene agieren, und verwandelt jede Kampfszene in ein beeindruckendes Schaulaufen seiner Präzision – etwas, das viele Actionfilme bis heute kaum erreichen.
Das Turniersetting gibt ihm die Möglichkeit zu zeigen, warum seine Philosophie des Kämpfens genauso wichtig war wie seine körperliche Technik. Auch 50 Jahre später versuchen Actionstars noch immer, dieselbe Kombination aus Geschwindigkeit, Kraft und Ausstrahlung einzufangen, die Bruce Lee mühelos wirken ließ. | © Warner Bros.
„Die Razzia“ verwandelt eine simple Ausgangsidee in 101 Minuten gnadenloser Brutalität: Ein SWAT-Team wird in einem von einem Verbrecherboss kontrollierten Hochhaus eingeschlossen – und der einzige Weg nach draußen führt durch jede einzelne Etage.
Die indonesische Kampfkunst-Choreografie fühlt sich anders an als alles, was Hollywood zu dieser Zeit produzierte. Pencak Silat erschafft Kampfszenen, die eher wirken, als würde man dabei zusehen, wie jemand von einer menschlichen Abrissbirne zerlegt wird. Regisseur Gareth Evans hält die Kamera nah genug an den Figuren, um jeden Knochen brechenden Treffer spürbar zu machen, aber gleichzeitig ruhig genug, damit das Chaos jederzeit nachvollziehbar bleibt.
Was eigentlich nur ein gewöhnlicher Actionfilm hätte werden können, entwickelte sich zu einem Werk, das andere Filmemacher erkennen ließ, dass sie ihre Kampfszenen bisher vielleicht falsch inszeniert hatten. | © Sony Pictures Classics
„Mad Max: Fury Road“ beweist, dass echte Effekte und reale Stunts noch immer eine ganz eigene Wirkung haben, die digitale Effekte kaum erreichen können. George Miller befestigte Kameras an echten Fahrzeugen, die durch die Wüste rasten, und schnitt dieses Chaos anschließend zu einem Film zusammen, der gleichzeitig völlig durchgedreht und perfekt choreografiert wirkt.
Die Handlung besteht im Grunde aus einer einzigen langen Verfolgungsjagd mit Charlize Theron und Tom Hardy – doch jede Explosion, jeder Crash und jeder gitarrenschwingende Wahnsinnige wirkt greifbar und echt. Dadurch sehen viele andere Actionfilme im Vergleich fast künstlich aus.
Der Film verwandelt Straßenwut in große Kunst. | © Warner Bros. Pictures
„Die sieben Samurai“ dauert dreieinhalb Stunden – und trotzdem fühlt sich jede einzelne Minute notwendig an. Akira Kurosawa legte mit seinem Film die Vorlage für moderne Team-Actionfilme, indem er sieben Krieger begleitet, die zustimmen, ein Dorf zu verteidigen – als Bezahlung erhalten sie lediglich Reis und die Möglichkeit, etwas Gutes zu tun.
Die Kameraarbeit verleiht jedem Schwertkampf eine persönliche und brutale Intensität, während die vom Regen geprägte finale Schlacht die Spannung über ein ganzes Dorf hinweg aufbaut, bis man vergisst, dass man einen fast 70 Jahre alten Film sieht.
Hier entstand die Formel des „Ein Team wird für eine scheinbar unmögliche Mission zusammengestellt“, die bis heute unzählige Actionfilme geprägt hat. Doch kaum ein Werk hat seitdem die Balance aus tiefgründigen Charakteren und mitreißendem, dynamischem Storytelling so perfekt erreicht. | © Toho
„John Wick“ beweist, dass die besten Rachegeschichten keine komplizierten Motive brauchen, solange der einfache Grund nur stark genug trifft. Keanu Reeves spielt einen ehemaligen Auftragskiller, der nach dem Mord an seinem Welpen durch Gangster aus dem Ruhestand zurückkehrt – und trotzdem wirkt diese Ausgangsidee niemals lächerlich, weil der Film sie vollkommen ernst nimmt.
Die Actionszenen entfalten sich wie perfekt choreografierte Gewalt, mit Schusswechseln, die eher an ein tödliches Ballett erinnern als an gewöhnliche Schießereien. Der Film begründete ein ganzes Franchise, weil er daran erinnerte, dass Zuschauer nahezu jede Geschichte akzeptieren, wenn sie mit genügend Stil und echter Überzeugung erzählt wird. | © Lionsgate
„Aliens – Die Rückkehr“ nimmt den Horror eines Spukhauses aus dem Original und verwandelt ihn in einen Kriegsfilm – mit Marines, Flammenwerfern und genug Feuerkraft, um einen kleinen Planeten dem Erdboden gleichzumachen. Ripley kehrt nicht als hilfloses Opfer zurück, sondern als jemand, der diesen Albtraum bereits erlebt hat und genau weiß, wie sie dagegen kämpfen muss.
Der geniale Kniff besteht darin, die Aliens weniger geheimnisvoll und stattdessen eher wie eine riesige Schwarmbedrohung darzustellen, die scheinbar niedergeschossen werden kann – was sie durch ihre schiere Masse nur noch furchteinflößender macht. Cameron baut jede Actionszene auf der Idee auf, dass selbst überwältigende Feuerkraft vielleicht nicht ausreichen könnte. | © 20th Century Fox
„Stirb langsam“ funktioniert, weil der Film einen einzigen Mann in einem Gebäude festsetzt und jede Etage, jeden Aufzug und jeden Lüftungsschacht bedeutend macht. John McClane kriecht durch Glasscherben, freundet sich über Funk mit einem Polizisten an und verwandelt eine Weihnachtsfeier in ein Kriegsgebiet, während Alan Rickman als einer der besten Bösewichte des Jahrzehnts jede Szene an sich reißt.
Der gesamte Film lebt von einem cleveren Drehbuch, das genau weiß, wann es lustig sein darf und wann es wehtun muss. Während viele Actionfilme mit riesigen Budgets auf Spektakel setzen, sperrt „Stirb langsam“ seine Figuren einfach in ein Gebäude ein – und zwingt sie dadurch, kreativ zu werden. | © 20th Century Fox
„Matrix“ verwandelte die einfache Idee einer künstlichen Realität in einen Actionfilm, der die Zuschauer nach dem Kinobesuch ihre eigene Existenz hinterfragen ließ. Die Wachowskis bauten jede Kampfszene auf der Vorstellung auf, dass die Gesetze der Physik außer Kraft gesetzt werden können, und erschufen Schießereien mit in Zeitlupe fliegenden Kugeln sowie Martial-Arts-Sequenzen, die der Schwerkraft zu trotzen schienen.
Keanu Reeves, der im schwarzen Ledermantel Kugeln auswich, wurde zu dem Bild, das im folgenden Jahrzehnt unzählige Filme zu kopieren versuchten. Der Film funktionierte, weil er philosophische Fragen in das aufregendste Element verwandelte, das auf der Leinwand zu sehen war. | © Warner Bros.
„Jäger des verlorenen Schatzes“ funktioniert, weil Spielberg verstanden hat, dass die besten Actionfilme im Grunde aufwendige Zaubertricks sind. Jede Sequenz baut auf einen Moment hin, der eigentlich unmöglich umzusetzen scheint – und liefert ihn mit einem so perfekten Timing, dass man vergisst, die Logik dahinter zu hinterfragen.
Die Verfolgungsjagd mit dem rollenden Felsen, die Lkw-Sequenz, das Finale mit den schmelzenden Gesichtern – jede dieser Szenen fühlt sich an, als würde man jemandem dabei zusehen, wie er ein Rätsel löst, von dessen Existenz man vorher gar nichts wusste.
Der Film bewies, dass Blockbuster gleichzeitig clever und bewusst überdreht sein können – und genau diese Kombination wurde bis heute kaum übertroffen. | © Paramount Pictures
„The Dark Knight“ verwandelt einen Superheldenfilm in einen Crime-Thriller, in dem zufällig jemand ein Cape trägt. Heath Ledgers Joker wirkt weniger wie ein klassischer Comic-Bösewicht und mehr wie eine chaotische Kraft, die tatsächlich existieren könnte – wodurch jede Szene mit ihm unberechenbar und spannungsgeladen wird.
Christopher Nolan erschafft Gotham als echte Stadt mit echter Korruption und lässt den Joker anschließend wie ein brennendes Streichholz in eine Tankstelle fallen. Das Ergebnis ist ein Batman-Film, der selbst dann funktioniert, wenn man eigentlich keine Batman-Filme mag. | © Warner Bros. Pictures
„Terminator 2 – Tag der Abrechnung“ nimmt die Slasher-Horror-Grundidee des Originals und verwandelt sie in etwas Größeres und zugleich völlig Neues. Der gleiche Schauspieler, der Sarah Connor im ersten Teil unerbittlich gejagt hat, beschützt nun ihren Sohn – und dieser Rollenwechsel funktioniert, weil Arnold Schwarzenegger den Roboter als Beschützer mit derselben kompromisslosen Intensität spielt, die er zuvor als Gegenspieler gezeigt hatte.
James Cameron verbindet bahnbrechende Flüssigmetall-Effekte mit gewaltigen Actionszenen, doch der emotionale Kern bleibt erstaunlich einfach: Eine Maschine lernt, menschlich zu werden, während sich die Menschen zunehmend wie Maschinen verhalten.
Der T-1000 gehört bis heute zu den verstörendsten Filmgegnern aller Zeiten – auch, weil Robert Patrick unmenschliche Bewegungen mit einer beeindruckenden Leichtigkeit und Präzision darstellt. | © TriStar Pictures
Manche Actionfilme sind gut. Diese hier sind unerreichbar. Von perfekt choreografierten Kampfszenen bis hin zu spektakulären Setpieces, die bis heute nicht übertroffen wurden: Diese Hollywood-Filme haben gezeigt, was das Genre auf seinem absoluten Höhepunkt leisten kann.
