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Ungewürdigt? 25 großartige Filme, die miserable Kritiken ernteten

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Henry Henzler

Filme und Serien - Oktober 20th 2026, 10:30 MESZ

Jennifers Body 2009 1 — 25. Jennifer's Body (2009)

Die Jungs sind austauschbar; in der Freundschaft entsteht der eigentliche Schaden. Karyn Kusamas Horrorkomödie verstrickt Megan Fox und Amanda Seyfried in eine Beziehung aus Eifersucht, Anziehung und der Gewohnheit, jemandem zu verzeihen, der einen schrecklich behandelt. Kritiker, die hinterfragten, ob der Film lustig oder unheimlich genug sei, übersahen einige seiner bösartigsten Vergnügen - insbesondere die Band, deren musikalische Ambitionen ein Menschenopfer erfordern. Offenbar war es zu viel verlangt, einen vierten Akkord zu lernen. | © Fox Atomic

The 5th Wave — 24. Die 5. Welle (2016)

Eine Alien-Invasion wird besonders unangenehm, wenn sich die Überlebenden nicht mehr darüber einig sind, wer die Aliens überhaupt sind. Dieses Misstrauen liefert *Die 5. Welle* seinen stärksten Stoff, während Cassie, gespielt von Chloë Grace Moretz, in einer zusammenbrechenden Gesellschaft nach ihrem jüngeren Bruder sucht. Die Romanze und der Aufbau für eine Fortsetzung zogen berechtigte Kritik nach sich, doch der Film findet verstörende Ansätze darin, wie Erwachsene Kindern beibringen, vor wem sie Angst haben müssen. Seine besseren Momente begreifen, dass ein Feind nicht immer selbst den Abzug drücken muss. | © Columbia Pictures

Observe and Report — 23. Shopping-Center King – Hier gilt mein Gesetz (2009)

Seth Rogens vertraute Herzlichkeit verwandelt sich in *Shopping-Center King – Hier gilt mein Gesetz* in etwas zutiefst Unbehagliches. Sein Einkaufszentrum-Sicherheitschef Ronnie Barnhardt sehnt sich nach Autorität, ohne jedoch das nötige Urteilsvermögen zu besitzen, um sie auszuüben - und Regisseur Jody Hill lässt dieses Missverhältnis mit jeder Begegnung hässlicher werden. Die Bösartigkeit des Films spaltete die Kritiker, aber Rogens Weigerung, Ronnies Charakter abzumildern, ist die große Stärke dieser schauspielerischen Leistung. Selbst die scheinbaren Triumphe wirken alarmierend: Dies ist ein Mann, dessen Traumjob seinen schlimmsten Impulsen eine Dienstmarke verleihen würde. | © Warner Bros. Pictures

22. Person to Person (2017)

Eine seltene Schallplatte kann genauso wichtig sein wie eine Mordermittlung, wenn ein Film der Person, die danach sucht, die nötige Aufmerksamkeit schenkt. Dustin Guy Defas New Yorker Ensemble-Komödie folgt mehreren lose miteinander verbundenen Lebenswegen, ohne alle Beteiligten zu einer großen, zentralen Erkenntnis zu drängen. Einige Kritiker fanden diesen Ansatz ziellos; der Reiz des Films liegt jedoch in den wunderbar spezifischen Gesprächen, die sich auf dem Weg ergeben. Bene Coopersmiths Vinyl-Enthusiast ist dabei eine besonders angenehme Person und bringt die Ernsthaftigkeit eines Detektivs in das Geschäft des Sammelns ein. | © Sailor Bear

21. Dog Eat Dog (2016)

Diese drei Männer anzuheuern, um ein Baby zu entführen, legt nahe, dass die kriminelle Unterwelt ein besseres Vorstellungsgespräch braucht. Nicolas Cage, Willem Dafoe und Christopher Matthew Cook spielen Ex-Häftlinge, deren vermeintlicher Neuanfang in einer weiteren entsetzlichen Entscheidung mündet, wobei Paul Schrader ihre Umgebung ebenso instabil inszeniert wie ihr Verhalten. Die rücksichtslose Gewalt und die holprige Erzählweise spalteten die Kritiker. Dennoch verleiht Dafoes verzweifeltes Bedürfnis nach Nähe der Hässlichkeit eine beunruhigende menschliche Dimension: Selbst diese Katastrophe von Mensch wünscht sich jemanden, der ihn mag. | © Ingenious Media

The Great Gatsby — 20. Der große Gatsby (2013)

Beobachte Leonardo DiCaprio in dem Moment, in dem Gatsbys sorgfältig einstudierter Charme nicht mehr funktioniert. Unter dem Lächeln sitzt ein Mann, der ein Vermögen ausgegeben hat, um sich auf ein Wiedersehen vorzubereiten, das er kaum ertragen kann. Baz Luhrmanns Adaption zog Kritik auf sich, weil sie Fitzgerald in purem Spektakel ertränkte, doch diese schauspielerische Leistung bietet inmitten von Champagner und digitalen Kulissen einen emotionalen Halt. Der unangenehme Nachmittagstee ist dabei besonders aufschlussreich: Gatsby kann müheloser eine riesige Party organisieren, als ein ehrliches Gespräch zu führen. | © Warner Bros. Pictures

The Postman — 19. Postman (1997)

Der Wiederaufbau der Zivilisation beginnt mit einer Lüge und einer geliehenen Postuniform. Kevin Costners umherziehender Überlebender erfindet eine wiederhergestellte Regierung und stellt dann fest, dass die Menschen verzweifelt mithelfen wollen, seine Geschichte wahr werden zu lassen. *Postman* erntete vernichtende Kritiken für seine Länge und Wichtigtuerei, und das Pathos wird hier gewiss in industriellen Mengen geliefert. Doch die zugrunde liegende Idee verdient Anerkennung: Ein Land wiederaufzubauen bedeutet, isolierte Fremde davon zu überzeugen, dass sich hinter dem nächsten Hügel immer noch jemand darum schert, ob sie überhaupt noch am Leben sind. | © Tig Productions / Warner Bros. Pictures

18. Venom (2018)

Tom Hardy klettert in das Hummerbecken eines Restaurants - und plötzlich werden die Prioritäten des Films klarer. *Venom* ist dann am lebendigsten, wenn sich Eddie Brocks Körper in eine Wohngemeinschaft mit einem extrem anspruchsvollen Untermieter verwandelt. Die Kritiker hatten reichlich an der Handlung und den effektgeladenen Kämpfen auszusetzen, aber Hardy macht aus dieser Besessenheit körperliche Komik: Eddie wirkt geradezu peinlich berührt von seiner eigenen Superhelden-Entstehungsgeschichte. Der laufende Kommentar des Aliens liefert dazu den Zuspruch eines Freundes, dem man niemals erlauben sollte, Ratschläge zu erteilen. | © Columbia Pictures

17. Masterminds – Minimales Genie, maximaler Blödsinn (2016)

Der Titel ist eine überaus großzügige Einschätzung der beteiligten Angestellten. Lose inspiriert vom Loomis-Fargo-Raubüberfall verwandelt *Masterminds* einen riesigen Diebstahl in eine Lektion kleingeistiger Eitelkeit, wobei Zach Galifianakis einen Mann spielt, der gefährlich anfällig für Schmeicheleien ist. Die Kritiker lehnten das Trommelfeuer aus groteskem Styling und plumpen Gags größtenteils ab. Jared Hess versteht dennoch die Komik von Menschen, die sich für das glamouröse Leben kleiden, das sie sich vorstellen, während sie gleichzeitig spektakulär schlecht dafür gerüstet sind, es auch wirklich zu leben. Kate McKinnons beunruhigende Gelassenheit ist dabei ein echter Bonus. | © Relativity Studios

Speed Racer 2008 — 16. Speed Racer (2008)

Vergiss realistisches Fahren - die Wachowskis interessieren sich dafür, wie Rennsport in den wildesten Tagträumen eines Kindes aussehen könnte. Autos schlittern über unmögliche Rennstrecken, während Gesichter und Erinnerungen durch das Bild gleiten und den Wettkampf in einen Rausch aus Familiengeschichte und Emotionen verwandeln. Viele Kritiker fanden diesen Ansatz erschöpfend. Dennoch verdient Speed Racer seine Extravaganz, indem er jedes Rennen zu einer persönlichen Angelegenheit macht - besonders dann, wenn die Übernahme durch Großkonzerne droht, eine geliebte Familienleidenschaft in ein weiteres gekauftes Ergebnis zu verwandeln. | © Warner Bros. Pictures

Cropped Star Wars Episode II Attack of the Clones — 15. Star Wars: Angriff der Klonkrieger (2002)

Obi-Wan Kenobi verbringt einen Großteil von *Angriff der Klonkrieger* damit, einem Rätsel nachzugehen, dessen scheinbare Lösung alle Beteiligten wesentlich mehr beunruhigen sollte, als es der Fall ist. Diese Detektivgeschichte verleiht dem Prequel eine reizvolle Unruhe, besonders auf dem regenfeuchten Planeten Kamino, wo eine Armee mit unheimlicher Effizienz hergestellt wurde. Die Romanze zog innerhalb der gemischten Reaktionen heftige Kritik auf sich, aber George Lucas gelingt ein starkes politisches Bild: Die Republik heißt genau die Militärmaschinerie willkommen, die zu ihrer Zerstörung beitragen wird. Ein Sieg sah selten unbehaglicher aus. | © Lucasfilm

Cabin Boy — 14. Schiffsjunge ahoi! (1994)

Chris Elliotts Nathanial Mayweather besitzt das Selbstbewusstsein eines angesehenen Aristokraten und so gut wie keine der Fähigkeiten, die nötig sind, um am Leben zu bleiben. Gestrandet an Bord eines Fischerbootes, behandelt er seine eigene Nutzlosigkeit als Beweis dafür, dass es allen anderen an Raffinesse fehlt. Die Kritiker waren reihenweise entsetzt; Liebhaber erkennen darin eine ungewöhnlich konsequente Übung darin, die falsche Person zur Hauptfigur zu machen. Die bewusst künstlich gestalteten Fantasiewesen passen perfekt zum Witz und platzieren Elliotts grandiose soziale Inkompetenz in einem Universum, das sich ebenso wenig darum schert, sich normal zu verhalten. | © Touchstone Pictures

Season of the Witch — 13. Der letzte Tempelritter (2011)

Nicolas Cage und Ron Perlman geben ein überraschend harmonisches Paar erschöpfter Kreuzritter ab, die die müden Frotzeleien von Männern austauschen, die genug von heiligen Kriegen gesehen haben. Ihr Auftrag, eine beschuldigte Hexe durch von der Pest geplagtes Gebiet zu eskortieren, verleiht dieser vielbeachteten Fantasy-Produktion eine sinnvolle moralische Fragestellung, bevor die Monster das Kommando übernehmen. Claire Foy sorgt dafür, dass die Gefangene schwer zu durchschauen bleibt, wodurch Zweifel die Reise belasten. Das schlussendliche Effektspektakel ist weniger überzeugend als die schlammige, misstrauische Gesellschaft, die sich entlang des Weges zusammengefunden hat. | © Atlas Entertainment

12. Hudson Hawk – Der Meisterdieb (1991)

Die meisten Meisterdiebe synchronisieren ihre Uhren - Bruce Willis und Danny Aiello hingegen synchronisieren Songs. Sie timen ihre Einbrüche mithilfe von Musiknummern in einem Film, der kriminelle Professionalität wie eine Varieté-Nummer behandelt. *Hudson Hawk – Der Meisterdieb* wurde für seine wilde, unruhige Tonalität heftig kritisiert, aber der Gesang bietet einen guten Einstieg in die ganz eigene Logik des Films. Richard E. Grant und Sandra Bernhard nehmen diese Einladung mit spektakulärer Begeisterung an und spielen ein reiches Schurkenpaar, dessen Hang zum Exzess die gestohlenen Meisterwerke fast schon bescheiden aussehen lässt. | © TriStar Pictures

But Im a Cheerleader — 11. Weil ich ein Mädchen bin (1999)

Bei „True Directions“ erfordert Heterosexualität offensichtlich ein bestimmtes Farbschema und beaufsichtigte Hausarbeiten. Jamie Babbit inszeniert das Umerziehungslager in *Weil ich ein Mädchen bin* so unübersehbar künstlich, dass seine Besessenheit von angeblich „natürlichem“ Verhalten selbst zum Witz wird. Die frühe Kritik bemängelte oft die Plumpheit der Satire, aber Natasha Lyonne und Clea DuVall verleihen der Romanze eine wunderbare Zartheit. Megan dabei zuzusehen, wie sie ihr Begehren entdeckt, während Erwachsene darauf bestehen, dem Mädchen ihr eigenes Wesen zu erklären, ist bis heute sowohl lustig als auch provokant. | © Ignite Entertainment

Cropped Just Go with It — 10. Meine erfundene Frau (2011)

Jennifer Aniston leistet in *Meine erfundene Frau* den Großteil der Schwerstarbeit, indem sie Verzweiflung verdächtig nach Zuneigung aussehen lässt. Als Assistentin, die für Adam Sandlers raffiniertes romantisches Täuschungsmanöver rekrutiert wird, verleiht sie ihren Wortwechseln eine Vertrautheit, welche die zunehmend absurde Handlung allein nicht erzeugen kann. Die Kritiker reagierten verständlicherweise ungeduldig auf die Konstruiertheit und die plumpen Umwege. Das Vergnügen besteht darin, zwei Menschen zuzusehen, die die Tricks des jeweils anderen bereits kennen und allmählich merken, dass genau das ein Hauptkriterium für ihre Liebe sein könnte. | © Happy Madison Productions

Hardcore henry 2 — 9. Hardcore (2015)

In *Hardcore* bekommt man niemals die beruhigende Gegenschuss-Montage eines Helden, der die Gefahr einschätzt. Die Gefahr kommt direkt auf die Kamera zu, weil Ilya Naishuller das Publikum durch Verfolgungsjagden, Stürze und Nahkämpfe mitten in der Perspektive seines Protagonisten gefangen hält. Die Kritiken waren gespalten darüber, ob dieses Experiment einen Spielfilm tragen kann, und die dünne Charakterisierung bietet kaum Entlastung. Sharlto Copley sorgt für eine willkommene komödiantische Abwechslung, während die Stunt-Choreografie immer wieder geniale Antworten auf die Frage findet, wohin sich eine Kamera als Nächstes überhaupt noch bewegen kann. | © Bazelevs

8. Eyes Wide Shut (1999)

Geld öffnet viele Türen für Tom Cruises Dr. Bill Harford, was seine Entdeckung einer Tür, die er nicht sicher betreten kann, besonders unheimlich macht. Stanley Kubrick schickt ihn auf eine Odyssee durch sexuelle Eifersucht, verletzten Stolz und immer teurere Formen der Geheimhaltung. Obwohl der Film bei aller Kritik auch viel Lob erntete, halten sich die Beschwerden über sein unterkühltes Erzähltempo hartnäckig. Diese Langsamkeit ist jedoch wirkungsvoll: Bill hat unendlich viel Zeit zum Nachdenken und ist bemerkenswert unfähig zu verstehen, was seine Frau ihm eigentlich erzählt hat. | © Warner Bros. Pictures

7. Sucker Punch (2011)

Ein routinemäßiger Diebstahl wird zu einer militärischen Operation; eine furchterregende Anstalt verwandelt sich in eine Reihe fantastischer Schlachtfelder. Zack Snyder baut *Sucker Punch* um die Versuche einer jungen Frau auf, sich ein gewisses Maß an Kontrolle über ihre Gefangenschaft vorzustellen, was der opulenten Action eine tiefgründige Verzweiflung verleiht. Die Kritiker hinterfragten aus gutem Grund sowohl das Storytelling als auch die sexualisierte Darstellung. Dennoch hinterlässt das Aufeinanderprallen von scheinbarer Ermächtigung und tatsächlichem Eingesperrtsein einen beunruhigenden Nachgeschmack, den selbst die Drachen und das Gewehrfeuer nicht völlig übertönen können. | © Warner Bros. Pictures

Cropped Death Becomes Her — 6. Der Tod steht ihr gut (1992)

Ewige Jugend klingt wesentlich weniger attraktiv, sobald ihr Erhalt nach jedem Streit professionelle Hilfe erfordert. *Der Tod steht ihr gut* lässt Meryl Streep und Goldie Hawn Eitelkeit in vollkörperlichen Slapstick verwandeln, während Bruce Willis die zunehmend verzweifelten Reparaturarbeiten beisteuert. Kritiker, die die Komödie als unterkühlt empfanden, hatten nicht ganz unrecht mit dem Vorwurf mangelnder Herzlichkeit - doch genau diese Bösartigkeit bringt einige hervorragende Witze hervor. Die Spezialeffekte machen Schönheit zu einem technischen Problem, und die Rivalität der beiden Frauen findet immer neue Wege, die Garantiezeit vorzeitig ablaufen zu lassen. | © Universal Pictures

5. Waterworld (1995)

Erde ist wertvoll, Trinkwasser ist knapp und ein funktionstüchtiges Boot ist praktisch eine ganze Existenzgrundlage. *Waterworld* macht seine überschwemmte Zukunft durch das schmutzige Geschäft des Überlebens greifbar und schenkt Kevin Costners einsamem Mariner eine Welt, die es wert ist, erkundet zu werden. Das berüchtigte Budget überschattete die gemischten Kritiken. Abseits dieser Schlagzeilen liegt der Reiz im wunderbar Habtischen: Geflickte Segel, ramponierte Maschinen und riesige schwimmende Konstruktionen sorgen dafür, dass sich das Abenteuer anfühlt, als wäre es aus Dingen zusammengesetzt, die seine Bewohner tatsächlich irgendwie bergen konnten. | © Universal Pictures

Cropped Vanilla Sky — 4. Vanilla Sky (2001)

Ein menschenleerer Times Square verwandelt eine vertraute Filmstar-Fantasie in etwas Angsteinflößendes: Tom Cruise hat die ganze Stadt für sich allein, und es fühlt sich schrecklich falsch an. Cameron Crowe hält dieses Unbehagen in *Vanilla Sky*, seinem Remake von *Öffne die Augen*, durchgehend aufrecht, während Schönheit, Privilegien und Erinnerungen zu unzuverlässigem Schutz werden. Viele Kritiker lehnten die Verschachtelungen des Films ab. Seine emotionale Triebkraft ist jedoch einfacher als seine Mechanismen: Die Möglichkeit, ein perfektes Leben zu entwerfen, wird genau dann furchterregend, wenn man nicht aufhören kann, sich selbst und seine eigenen Fehler darin einzubringen. | © Paramount Pictures

3. Scooby Doo (2002)

Matthew Lillard begreift, dass Shaggys Stimme nur die halbe Miete ist - der Rest besteht darin, permanent so auszusehen, als würden einem gleich die Knie wegknicken. Seine schauspielerische Leistung verleiht *Scooby-Doo* eine menschliche Verbindung zu seiner animierten Vorlage, selbst wenn die digitalen Kreaturen und die Fäkalwitze überhandnehmen. Die Kritiker taten die Adaption weitgehend ab, aber die angeknacksten Egos der Bande bieten eine amüsante Grundlage für ihr Wiedersehen. Diese vermeintlich unzertrennlichen Freunde haben zwischen ihren Monster-Ermittlungen so einige Kränkungen am Arbeitsplatz angesammelt. | © Warner Bros. Pictures

Cropped The Thing — 2. Das Ding aus einer anderen Welt (1982)

Eine Blutprobe sollte den Streit eigentlich schlichten. John Carpenter verwandelt diesen Moment in eine der qualvollsten Sequenzen der Horrorgeschichte, weil jeder, der auf das Ergebnis wartet, nah genug am anderen steht, um ihn umzubringen. *Das Ding aus einer anderen Welt* erhielt feindselige Kritiken, die seinen Splatter und die dünne Charakterzeichnung angriffen - doch diese Vorwürfe unterschätzen, wie effizient das Verhalten das Misstrauen der Männer etabliert. Rob Bottins Kreaturen machen die Angst sichtbar; die ruhigeren Szenen machen sie ansteckend. Niemand muss sich erst verwandeln, damit ein Raum voller Kollegen brandgefährlich wird. | © Universal Pictures

1. Xanadu (1980)

Gene Kelly bringt eine altmodische Eleganz in einen Film, der gleichzeitig der Meinung ist, dass eine Rollschuh-Disko göttliche Intervention verdient. Die Kombination ist absurd, aber *Xanadu* zieht enorm viel Kraft daraus, sie mit absoluter Aufrichtigkeit zu behandeln. Die Kritiker griffen die schauspielerische Leistung und die dünne Handlung an; Olivia Newton-Johns Gesang und die Songs des „Electric Light Orchestra“ bieten jedoch einen weitaus besseren Grund, dranzubleiben. Seine besten musikalischen Passagen lassen den Nachtclub wie einen unmöglichen Begegnungsort für die Vorstellungen verschiedener Generationen von einem spektakulären Abend wirken. | © Universal Pictures

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Kritiker haben nicht immer das letzte Wort. Viele Filme wurden direkt zum Start fallen gelassen, unter brutalen Kritiken begraben oder wie filmische Katastrophen behandelt, noch bevor das Publikum die Chance hatte, sich eine eigene Meinung zu bilden. Jahre später sind viele dieser vermeintlichen Misserfolge zu Kultklassikern, Wohlfühlfilmen oder aufrichtig geschätzten Werken geworden. Diese 25 großartigen Filme beweisen, dass eine schlechte Rotten-Tomatoes-Bewertung deutlich schlechter altern kann als der Film selbst.

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Kritiker haben nicht immer das letzte Wort. Viele Filme wurden direkt zum Start fallen gelassen, unter brutalen Kritiken begraben oder wie filmische Katastrophen behandelt, noch bevor das Publikum die Chance hatte, sich eine eigene Meinung zu bilden. Jahre später sind viele dieser vermeintlichen Misserfolge zu Kultklassikern, Wohlfühlfilmen oder aufrichtig geschätzten Werken geworden. Diese 25 großartigen Filme beweisen, dass eine schlechte Rotten-Tomatoes-Bewertung deutlich schlechter altern kann als der Film selbst.