Eine Frau, die über ein Jahr lang Jüdinnen und Juden in einem engen Abwassersystem versteckt hält – das klingt zunächst nicht nach dem Stoff für einen Film, der Hoffnung vermittelt. Doch Agnieszka Holland gelingt mit In Darkness genau das, ohne dabei die Angst und den Schmutz der Geschichte zu beschönigen. Ihre Filme widmen sich immer wieder den dunkelsten Kapiteln der Geschichte, ohne daraus jemals simple Lehrstücke zu machen. Gerade diese Weigerung, komplexe Ereignisse zu vereinfachen, macht ihre Filme bis heute so eindringlich. | © Sony Pictures Classics
Steve McQueen lässt die Kamera nicht wegsehen, und genau darum geht es ihm. In 12 Years a Slave dauert eine einzige Einstellung, in der ein Mann nur knapp eine Erhängung überlebt, so lange an, bis sie kaum noch zu ertragen ist. Und genau das ist beabsichtigt. McQueen inszeniert seine Szenen nicht als großes Spektakel, sondern als Momente des Ausharrens und Durchhaltens. Dabei lässt er die Stille eine Wirkung entfalten, die Worte allein niemals erreichen könnten. Seine Filme anzusehen, fühlt sich weniger nach Unterhaltung an als vielmehr danach, Zeugnis abzulegen. | © Fox Searchlight Pictures
Zwei Mädchen an einem Strand in Frankreich in den 1990er-Jahren, und an der Oberfläche passiert kaum etwas. Genau darum geht es in Water Lilies, dem Film, mit dem Céline Sciamma ihren ganz eigenen Weg fand, stille Sehnsucht auf der Leinwand spürbar zu machen. Bis sie später Porträt einer jungen Frau in Flammen drehte, hatte sich diese erzählerische Geduld zu etwas nahezu Perfektem entwickelt: einer Liebesgeschichte, die fast ausschließlich durch Blicke erzählt wird. Nur wenige Regisseurinnen verstehen es, der Stille so viel Raum zu geben und sie dennoch derart schmerzhaft spürbar zu machen. | © Pyramide Distribution
Man nennt es den „Lubitsch-Touch“: jene besondere Kunst, bei der eine geschlossene Tür mehr erzählt als so manche Liebesszene. Ernst Lubitsch machte Andeutungen zu seinem Markenzeichen und überließ es dem Publikum, sich seinen Teil zu denken. In Rendezvous nach Ladenschluss verwandelt er zwei Kollegen, die einander nicht ausstehen können, in eines der charmantesten Liebespaare der Filmgeschichte. Komödien mit einer solchen Leichtigkeit altern normalerweise nicht besonders gut. Doch Lubitschs Filme haben bis heute nichts von ihrem Zauber verloren. | © MGM
Drei Oscars für die beste Regie, und trotzdem gilt William Wyler noch immer als unterschätzter Filmemacher. Er war dafür bekannt, seine Schauspieler Einstellung um Einstellung spielen zu lassen, bis irgendwann eine wirklich authentische Darstellung zum Vorschein kam. In Ben Hur führte diese Akribie zu einem Wagenrennen, das bis heute unerreicht ist. Seine Filme drängen sich während des Zuschauens nur selten als besonders bedeutend auf. Doch oft merkt man erst Jahre oder Jahrzehnte später, dass genau sie einem besonders im Gedächtnis geblieben sind. | © MGM
Ein Hochstapler im Rollstuhl, ein Mann im Kleid, eine Leiche, die ihren eigenen Mord erzählt. Billy Wilder machte eine ganze Karriere aus Filmideen, die eigentlich zum Scheitern verurteilt schienen, und schaffte es trotzdem immer wieder, sie zum Erfolg zu machen. Manche mögen’s heiß wird bis heute von Menschen zitiert, die vielleicht noch nie einen anderen Schwarz-Weiß-Film gesehen haben. Mühelos wechselte Wilder zwischen Komödie und Film noir, als wären ihm beide Genres zu nichts verpflichtet. | © United Artists
Das Berlin der 1920er-Jahre lieferte Fritz Lang die perfekte Kulisse, um auf der Leinwand eine ganze Stadt auseinanderzunehmen. In Metropolis verwandelte er die Skyline in eine Welt aus gläsernen Wolkenkratzern und gewaltigen Maschinen, deren Ästhetik bis heute in Filmen aufgegriffen wird. Später drehte er M – Eine Stadt sucht einen Mörder, einen Film über einen Kindermörder, der das Publikum auf bemerkenswerte Weise auch mit dem Mob mitfühlen lässt, der Jagd auf ihn macht. Nur wenige Filmemacher haben das Erscheinungsbild eines ganzen Genres so nachhaltig geprägt, noch bevor dieses überhaupt einen Namen hatte. | © Universum Film Distribution
Klassenkampf war selten so raffiniert inszeniert wie hier. Bong Joon-ho baut Parasite rund um verschiedene Ebenen auf: Die Reichen leben oben, die Armen unten, während das Hochwasser pünktlich seinen Weg nach oben findet. Der Film gewann den Oscar als bester Film, ohne dabei auch nur einen Funken seiner gesellschaftskritischen Wut einzubüßen. Bong bewies, dass Untertitel niemals ein Hindernis sein müssen, wenn die Geschichte dahinter so pointiert erzählt wird. | © CJ Entertainment
Niemand versteht es, Ruß so zum Leben zu erwecken wie Hayao Miyazaki. Die kleinen Rußmännchen in Chihiros Reise ins Zauberland, die Kohlebrocken tragen, die doppelt so groß sind wie sie selbst, sind liebenswerter als so manche Figuren, die ganze Animationsstudios mit ihrem kompletten Team hervorbringen. Miyazakis Welten bestehen aus Wäldern, die atmen, und Schweinen, die einst Menschen waren. Und nichts davon muss er dem Publikum zweimal erklären. Wer mit seinen Filmen aufwächst, lernt schnell, allzu harmonischen Happy Ends nicht mehr ganz zu vertrauen. | © Toho
In Magnolia gibt es eine Szene, in der alle Figuren denselben Song von Aimee Mann mitsingen, jede für sich allein in ihrem eigenen Zimmer. Paul Thomas Anderson hat schon immer einen Weg gefunden, selbst Momente völliger Isolation als Teil einer größeren Geschichte erscheinen zu lassen. There Will Be Blood bescherte Daniel Day-Lewis einen Monolog über Milchshakes, der sich auf unerklärliche Weise ins kollektive Popkulturgedächtnis eingebrannt hat. Seine Filme verlangen dem Publikum ab, Unbehagen länger auszuhalten als die Werke fast aller anderen Regisseure, die heute aktiv sind. | © Paramount Vantage
Quentin Tarantino machte sich mit Dialogen einen Namen, die auf den ersten Blick nichts mit der Handlung zu tun haben, aber jede Menge Spannung erzeugen. Man denke nur an zwei Auftragskiller, die sich in Pulp Fiction vor einem Job über Fast Food unterhalten. Die Dialoge sind so gut, dass man beinahe vergisst, dass gleich Gewalt ausbrechen wird. Tarantino spielt mit Zeitebenen, versteckt in jeder Einstellung Anspielungen auf andere Filmgenres und schafft es trotzdem, dass die Handlung stets nachvollziehbar bleibt. Niemand sonst versteht es, Gewaltdarstellungen so sehr wie Jazz wirken zu lassen. | © Miramax Films
Große Ideen und spektakuläre Actionszenen sind Christopher Nolans Markenzeichen. In Inception ließ er die Zeit aus den Fugen geraten, in Tenet verdrehte er sie erneut und schaffte es irgendwie, dass das Publikum trotzdem den Überblick behielt. Was seine Filme so besonders macht, ist sein Anspruch, möglichst viel ganz praktisch umzusetzen: echte Explosionen, reale Drehorte und greifbare Konsequenzen. Ein Kinobesuch bei einem seiner Filme fühlt sich bis heute wie ein richtiges Ereignis an und nicht einfach nur wie ein weiterer Filmstart. | © Universal Pictures
Bevor Alfred Hitchcock sich des Genres annahm, hatte Spannung im Kino eine ganz andere Bedeutung. Er erkannte, dass es wirkungsvoller ist, dem Publikum eine Bombe unter dem Tisch zu zeigen, als es mit ihrer Explosion zu überraschen. Statt auf einen plötzlichen Schock setzte er auf langsam aufgebaute Anspannung. Die berühmte Duschszene in Psycho zeigt kaum etwas und sorgte trotzdem dafür, dass eine ganze Generation das Duschen mit anderen Augen sah. Diese außergewöhnliche Kontrolle über die Nerven des Publikums hat bis heute kaum jemand erreicht. | © Paramount Pictures
Auch nach Jahrzehnten im Filmgeschäft findet Martin Scorsese immer wieder neue Wege, Schuldgefühle filmisch zum Ausdruck zu bringen. Seine Kamera bewegt sich, als wäre sie selbst Teil des Geschehens: rastlos und voller Leben. Ob sie in GoodFellas durch einen Nachtclub gleitet oder in The Irishman bei den Reuegefühlen eines alten Mannes verweilt. Scorsese lässt seine Gangster niemals ungeschoren davonkommen, ganz gleich, wie charmant sie auch sein mögen. Nur wenige Filmemacher haben die Unausweichlichkeit der Konsequenzen menschlichen Handelns so eindringlich eingefangen. | © Netflix
Eine einzige Einstellung in 2001: Odyssee im Weltraum fasst Stanley Kubricks gesamtes Schaffen in gerade einmal vier Sekunden zusammen: Ein in die Luft geworfener Knochen verwandelt sich in ein Raumschiff. Kubrick arbeitete langsam und mit geradezu obsessiver Akribie. Er ließ Szenen so oft neu drehen, bis die Schauspieler manchmal selbst nicht mehr wussten, worum es eigentlich ging. Jedes Genre, dem er sich widmete, ob Horror, Kriegsfilm oder Science-Fiction, sah durch seine Handschrift plötzlich völlig neu aus. Eine solche kreative Kontrolle ist selten. Und doch wirkten seine Filme kein einziges Mal emotionslos oder distanziert. | © MGM
Jeder Regisseur leistet sich irgendwann einen Fehltritt. Doch einige wenige scheinen davon verschont geblieben zu sein. Hier sind 15 Regisseure, die noch nie einen schlechten Film gedreht haben.
