EarlyGame | 15 unantastbare Filme, von denen es niemals ein Remake…

15. Ran (1985)

Ein modernes Studio könnte doppelt so viel Geld für Ran ausgeben und würde dennoch etwas produzieren, das nur halb so imposant ist. Akira Kurosawa verbrachte ein Jahrzehnt damit, seine Verschmelzung von König Lear und der Legende von Mōri Motonari zu entwickeln, und malte den Film Bild für Bild, noch bevor die Kameras liefen. Für die Produktion wurden anschließend rund 1.400 Kostüme in Handarbeit angefertigt und eigens am Berg Fuji eine Burg gebaut, nur um sie niederzubrennen. Digitale Armeen könnten zwar die schiere Masse nachbilden, nicht aber Kurosawas malerische Beherrschung von Farbe, Wetter, Stille und menschlichem Verfall. Diese Szenen wurden nicht einfach nur gefilmt - sie wurden im Laufe eines ganzen Lebens angesammelt. | © Greenwich Film Productions

14. Stirb langsam (1988)

Hollywood kopiert Stirb langsam schon seit Jahrzehnten, ohne den eigentlichen Titel zu verwenden: in einem Bus, auf einem Schlachtschiff, in einem Flugzeug und in fast jedem Gebäude mit einem Lüftungsschacht. John McTiernans Original gewinnt dieses Duell immer noch, weil Bruce Willis seinen John McClane als erschöpft und verängstigt statt als unbesiegbar spielt, während Alan Rickman sein Spielfilmdebüt in eine Schurkenrolle für die Ewigkeit verwandelt. Die nächste Version als offizielles Remake zu betiteln, würde lediglich ein Franchise neu starten, dessen Grundformel ohnehin schon bis zur totalen Erschöpfung kopiert wurde. Ein anderes Nakatomi Plaza zu finden ist einfach - Willis und Rickman zu ersetzen, ohne dass es wie teures Cosplay wirkt, ist der unmögliche Teil. | © 20th Century Fox

13. Zwei Banditen (1969)

Das Ganze beginnt bereits mit einer unmöglichen Besetzungssuche: Man müsste einen weiteren Paul Newman und einen weiteren Robert Redford finden und sie dann bitten, eine Freundschaft nachzubilden, die sich zu keinem Zeitpunkt geschauspielert anfühlt. Regisseur George Roy Hill lässt ihre Chemie William Goldmans cleveres Drehbuch tragen, während Conrad Halls Bildsprache und Burt Bacharachs fröhlich-anachronistische Musik verhindern, dass dieser Western zu einem reinen Museumsstück wird. Ein Prequel hat die Rollen von Butch und Sundance zwar schon einmal neu besetzt, konnte das ursprüngliche Duo im kollektiven Gedächtnis jedoch nie verdrängen. Ihr prägendes Abenteuer noch einmal aufzugreifen, würde nur zu zwei Stunden ununterbrochener Vergleiche führen, noch bevor die neuen Gesetzlosen überhaupt Bolivien erreicht haben. | © 20th Century Fox

12. Taxi Driver (1976)

Säubert man Travis Bickles New York, bricht sofort das gesamte Fieber in sich zusammen. Taxi Driver gehört zu einer dreckigen, finanziell gebeutelten Stadt, gesehen durch die Augen von Paul Schraders einsamem Veteranen und Martin Scorseses beunruhigender Inszenierung auf Straßenhöhe, während Robert De Niro jede Pause in eine unterschwellige Warnung verwandelt. Die Themen der Geschichte - Entfremdung, politische Gewalt, selbsternanntes Heldentum - bleiben erschreckend aktuell, und genau das ist der Grund, warum Nachahmer sie immer wieder umkreisen. Die Telefone und Schlagzeilen zu modernisieren, wäre einfach; diese mulmige Unklarheit neu zu erschaffen, ohne Travis zu einem modischen Antihelden zu degradieren, wäre weitaus schwieriger. Das Kino hat sich das Taxi schon oft genug geliehen - es braucht keine neuen Nummernschilder. | © Columbia Pictures

11. Apocalypse Now (1979)

Ein Remake von Apocalypse Now würde weit mehr erfordern, als nur Herz der Finsternis in einen anderen Krieg zu verlegen. Francis Ford Coppolas Film trägt den Wahnsinn seiner eigenen Produktion in jedem einzelnen Bild in sich: Ein Taifun verwüstete die Kulissen, Martin Sheen erlitt einen Herzinfarkt und der Regisseur riskierte sein gesamtes Vermögen, während sich die Dreharbeiten über die Philippinen erstreckten. Dieses Chaos wurde irgendwie zu einer künstlerischen Methode, anstatt nur zu einer dokumentarischen Warnung vor den Gefahren des Filmemachens. Moderne Effekte könnten Hubschrauber und brennenden Dschungel auf Knopfdruck herbeirufen, aber eine sicherere, sauberere Produktion würde womöglich den Sinn des Ganzen verfehlen. Coppola hat bereits mehrere Schnittfassungen herausgebracht - da braucht niemand die bereinigte Fassung von jemand anderem. | © Omni Zoetrope

10. Der weiße Hai (1975)

Der defekte Hai war die glücklichste Katastrophe, die Steven Spielberg je zugestoßen ist. Da er gezwungen war, die Kreatur außerhalb des Bildes zu lassen, baute er Der weiße Hai stattdessen um die reine Erwartungshaltung, John Williams’ Zwei-Noten-Warnsignal und das wunderbar ungleiche Trio aus Roy Scheider, Richard Dreyfuss und Robert Shaw auf. Universal presste zwar drei Fortsetzungen heraus, doch das Original bleibt unantastbar. Spielberg hat zudem unmissverständlich klargestellt, dass er niemals ein Remake drehen würde, und hat jegliche Reboot-Anfragen abgelehnt. Ein neuer Hai könnte zwar realistischer, schneller und deutlich weniger zickig sein - doch keines dieser Upgrades würde den Moment verbessern, in dem das Publikum begreift, dass das Wasser selbst zur Bedrohung geworden ist. | © Universal Pictures

9. Zurück in die Zukunft (1985)

Zurück in die Zukunft besitzt etwas, das den meisten Klassikern fehlt: einen vertraglichen Schutzpanzer. Robert Zemeckis und Bob Gale behalten das Mitspracherecht bei jeder Fortsetzung oder Neuauflage, und beide haben jahrzehntelang auf die Angebote aus Hollywood mit verschiedenen Varianten von „absolut nicht“ geantwortet. Das gibt dem Musical, den Spielen, Comics und der Original-Trilogie die Freiheit, den DeLorean am Laufen zu halten, ohne Marty McFly oder Doc Brown neu besetzen zu müssen. Michael J. Fox und Christopher Lloyd sorgen dafür, dass sich das wie ein Uhrwerk funktionierende Drehbuch des Films locker, herzlich und spontan anfühlt - eine Kombination, die kein Algorithmus künstlich herstellen kann. Zur Abwechslung ist der Reboot-Knopf hier nicht bloß unbeliebt; jemand hat ihn schlicht und ergreifend mit einem Schloss verriegelt. | © Universal Pictures

8. Citizen Kane (1941)

Citizen Kane ist das Werk, das Regisseure anführen, wenn sie die Erlaubnis suchen, ehrgeizig zu sein - und von dem Studios klugerweise die Finger lassen, wenn sie auf der Suche nach einem bekannten Titel sind. Orson Welles verschmolz sein Mercury-Theatre-Ensemble mit Gregg Tolands Deep-Focus-Fotografie, überlappenden Dialogen, höhlenartigen Kulissen und einer Biografie, die wie zerbrochenes Glas zusammengesetzt ist. Die Popkultur hat das Geheimnis um „Rosebud“ schon vor Generationen gespoilert, und dennoch überlebt der Film, weil die Auflösung nie der eigentliche Trick war. Jedes Remake müsste Techniken nachahmen, die längst Teil des filmischen Vokabulars geworden sind, wodurch ihm kein anderer Platz bliebe als tief im gewaltigen Schatten von Welles. | © RKO Radio Pictures

7. Der Pate (1972)

Paramount könnte sich theoretisch wieder Mario Puzos Roman zuwenden, doch jeder Weg führt unweigerlich zurück zu den Gesichtern, die dort bereits auf einen warten. Marlon Brandos verletzte Autorität, Al Pacinos fast unsichtbarer moralischer Verfall, Gordon Willis’ schattenschwere Kameraarbeit und Nino Rotas schwermütige Filmmusik haben Der Pate zur Grammatik der modernen Kriminalsaga gemacht. Jede neue Corleone-Produktion würde Bild für Bild an einem der fundamentalen Meisterwerke Hollywoods gemessen und nicht als eine weitere Interpretation behandelt werden. Die Familie hat bereits Fortsetzungen, neue Schnittfassungen und endlose Nachahmer erhalten. Sie für ein weiteres Porträt Modell sitzen zu lassen, wirkt gierig - selbst nach den Maßstäben der Corleones. | © Paramount Pictures

6. Pulp Fiction (1994)

Ein schlechtes Remake von Pulp Fiction existiert im Geiste bereits: Es ist jeder Kriminalfilm, der die Auftragsmörder, die verschachtelte Chronologie, den Retro-Soundtrack und das Gerede im Diner kopiert hat, während er den darunter liegenden Puls vergaß. Quentin Tarantinos Dialoge sind wichtig, aber ebenso wichtig sind Sally Menkes Schnitt, die seltsame Zärtlichkeit zwischen den Gewaltausbrüchen und Schauspieler, die genau im richtigen Moment ihrer Karriere dazustießen. Jules, Vincent oder Mia neu zu besetzen, würde das Projekt in einen Promi-Imitationswettbewerb mit einem extrem teuren Musikbudget verwandeln. Tarantino hat ein Mixtape zusammengestellt, das veränderte, was das unabhängige amerikanische Kino verkaufen konnte. Die gleichen Tracks noch einmal aufzunehmen, würde nur die Coverband entlarven. | © A Band Apart

5. E.T. – Der Außerirdische (1982)

Steven Spielberg hat eine Fortsetzung von E.T. nicht bloß abgelehnt; er erkämpfte sich die vertragliche Macht, Sequels und Remakes zu stoppen, nachdem der Film zu einem Phänomen geworden war. Diese Beschützerhaltung ergibt Sinn. Hinter den Fahrrädern und dem leuchtenden Finger verbirgt sich eine schmerzhaft intime Geschichte über Elliotts Einsamkeit, die teilweise von Spielbergs eigenen Erinnerungen an die Scheidung seiner Eltern geprägt und aus der emotionalen Höhe eines Kindes gefilmt wurde. Jede Neuauflage würde bereits unter Merchandising-Plänen begraben ankommen, noch bevor der Außerirdische überhaupt nach Hause telefoniert. Die handgemachte Kreatur, die vorstädtische Stille und die ungenierte Aufrichtigkeit gehören zusammen - und Spielberg hat dafür gesorgt, dass Hollywood sie nicht einfach auseinanderreißen kann. | © Universal Pictures

4. Die Braut des Prinzen (1987)

Schon das erste leise Gerücht über ein Remake von Die Braut des Prinzen löste einen so unmittelbaren Widerstand aus, dass die Idee das Duell verlor, noch bevor sie ihr Schwert ziehen konnte. Rob Reiners Film funktioniert, weil William Goldmans Geschichte sowohl ein aufrichtiges Märchen als auch ein Scherz über Märchen ist, ohne jemals so weit in eine Richtung zu kippen, dass eine der beiden Seiten verdorben wird. Cary Elwes, Robin Wright, Mandy Patinkin, André the Giant, Wallace Shawn und Billy Crystal verkörpern Tonfälle, die logischerweise eigentlich nicht in dasselbe Schloss gehören sollten, es aber irgendwie doch tun. Das Land Florin mag mit modernen Effekten zwar größer wirken und die Schwertkämpfe geschmeidiger sein - die Magie würde jedoch mit ziemlicher Sicherheit kleiner werden. | © Act III Communications

3. GoodFellas – Drei Jahrzehnte in der Mafia (1990)

GoodFellas bewegt sich mit der Selbstsicherheit eines Gangsters, der bereits weiß, wo die Leichen vergraben sind. Martin Scorsese und Nicholas Pileggi verwandeln Henry Hills kriminelles Leben in einen wahnhaften Rausch und lassen dann Thelma Schoonmakers Schnitt und den Soundtrack die Daumenschrauben anziehen, bis der Glamour in pure Paranoia umschlägt. Ray Liottas Off-Erzählung lädt die Zuschauer nach drinnen ein; Lorraine Braccos Perspektive offenbart im Stillen, was diese Einladung kostet. Unzählige Mafiafilme haben sich die Kamerafahrten, Standbilder, Songplatzierungen und die Bedrohlichkeit am Küchentisch geliehen. Steckt man eine neue Besetzung in diese Anzüge, würden sie die gesamte Laufzeit über nur an Scorsese berichten. | © Warner Bros. Pictures

2. Schindlers Liste (1993)

Schindlers Liste als wiederverwendbares geistiges Eigentum zu behandeln, würde sich schon falsch anfühlen, bevor auch nur eine einzige Szene gedreht wäre. Steven Spielberg näherte sich der Geschichte von Oskar Schindler als einen Akt des Gedenkens, drehte weitgehend in Schwarz-Weiß rund um Krakau und ließ den Film damit enden, dass Überlebende gemeinsam mit ihren Schauspielern Schindlers Grab besuchen. Liam Neeson, Ben Kingsley und Ralph Fiennes spielen reale Geschichte, ohne sie in ein gefälliges Prestige-Drama zu verwandeln, während Janusz Kamińskis Bilder die Sicherheit der Distanz verweigern. Andere Filmemacher können und sollten Geschichten über den Holocaust erzählen. Ein Remake dieses ganz speziellen Denkmals als eine neue Markenversion zu inszenieren, würde allerdings Erneuerung mit Auslöschung verwechseln. | © Amblin Entertainment

1. Die Verurteilten (1994)

Hollywood liebt Comeback-Geschichten, und Die Verurteilten hat bereits eine solche abseits der Leinwand durchlebt. Der Kinostart war enttäuschend, der Film verlor bei den Oscars in allen sieben Kategorien, und erst Heimvideos und das Fernsehen verwandelten Frank Darabonts Gefängnisdrama in ein Werk, das Menschen zitieren, immer wieder ansehen und einander wie einen Trost zusprechen. Tim Robbins’ Zurückhaltung, Morgan Freemans Stimme, Roger Deakins’ Kameraarbeit und Thomas Newmans Filmmusik sind untrennbar mit Andy und Red verbunden. Eine weitere Adaption von Stephen Kings Novelle ist rechtlich zwar vorstellbar - diese hier kulturell zu ersetzen jedoch nicht. Auf ein besseres Remake zu hoffen, wäre Wahnvorstellung im institutionellen Ausmaß. | © Castle Rock Entertainment