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28 Weeks Later nimmt das schlimmstmögliche Szenario und verschlimmert es noch, indem es militärische Inkompetenz mit einem Zombie-Ausbruch kombiniert. Der Film beginnt mit einer der brutalsten und hoffnungslosesten Szenen der Horrorgeschichte und beweist anschließend eindrucksvoll, dass die Menschheit sich selbst besser zerstören kann als jedes Virus. Danny Boyle gab die Regie ab, doch Juan Carlos Fresnadillo brachte seine eigene, brutal effiziente Art in die leeren Straßen Londons ein. Jede einzelne Autoritätsperson trifft im falschen Moment die völlig falsche Entscheidung und verwandelt so eine Rettungsmission in ein Paradebeispiel für den Zusammenbruch der Zivilisation. | © 20th Century Fox
Vanilla Sky fragt, was passiert, wenn ein narzisstischer Casanova bei einem Autounfall sein Gesicht entstellt bekommt und anschließend durch eine Realität taumelt, in der nichts von Dauer ist. Cameron Crowe hat einen spanischen Psychothriller in die glänzende Welt Hollywoods verpflanzt und etwas geschaffen, das sich wie ein Fiebertraum im Gewand eines Tom-Cruise-Films anfühlt. Der Film folgt seiner eigenen verworrenen Logik und springt zwischen Zeitebenen und Traumzuständen hin und her, ohne sich für die damit einhergehende Desorientierung zu entschuldigen. Die meisten Zuschauer wünschten sich einfache Antworten, doch der Film funktioniert besser als ein Puzzle, das unvollständig bleibt. | © Paramount Pictures
Der Aufstieg Skywalkers wird dafür kritisiert, zu viel Handlung in einen einzigen Film zu quetschen, doch genau diese atemberaubende Energie macht ihn zu einem gelungenen Finale. J.J. Abrams präsentiert Machtblitze, Weltraumpferde, geheime Flotten und drei verschiedene Enthüllungen über Reys Herkunft mit der Selbstsicherheit eines Mannes, der weiß, dass dies die letzte Chance ist, alles zu geben. Das Tempo wirkt wie ein Zusammenschnitt der Höhepunkte, aber wenn man eine neunteilige Saga abschließen will, ist mehr manchmal tatsächlich mehr. Der Film liefert das opernhafte, überwältigende Spektakel, das Star Wars immer sein sollte. | © Walt Disney Studios
Shape of Water fordert den Zuschauer auf, mit einer Frau mitzufiebern, die sich in ein Fischwesen verliebt, und Guillermo del Toro schafft es, diese Prämisse glaubwürdig umzusetzen, ohne dabei auch nur einen Moment lang zynisch zu wirken. Der Film folgt konsequent seiner Märchenlogik und behandelt die Romanze mit dem gleichen Ernst wie jede andere Liebesgeschichte, während er sie gleichzeitig mit der Paranoia des Kalten Krieges und einer echten Bedrohung umgibt. Del Toros Monsterdesigns wirken greifbar und authentisch, nicht digital, und verleihen der Geschichte Gewicht, die leicht ins Kitschige hätte abgleiten können. Was manche Zuschauer als prätentiös empfanden, funktioniert hier als aufrichtiges Fantasy-Kino, das sich nicht für seine Andersartigkeit entschuldigt. | © Fox Searchlight Pictures
Gravity verwandelt neunzig Minuten im Weltraum in ein klaustrophobisches Erlebnis der Extraklasse und fängt Sandra Bullock und das Publikum in einem Trümmerfeld ein, wo jeder umherfliegende Bolzen zum potenziellen Todesurteil wird. Der Film ist ganz seiner technischen Besessenheit verschrieben und nutzt lange, ungeschnittene Einstellungen und ein unerbittliches Sounddesign, um die Schwerelosigkeit schwerer erscheinen zu lassen als jede Actionsequenz auf festem Boden. Alfonso Cuarón lässt den Zuschauern keine Verschnaufpause von der Panik und erzeugt Spannung durch reine Physik statt durch künstliche Dramatik. Was wie ein effekthascherischer Weltraumthriller aussah, lieferte etwas, das die meisten Blockbuster vermeiden: das Gefühl, dass Überleben mehr als Glück erfordert. | © Warner Bros. Pictures
Avatar nutzte den größten technischen Fortschritt seit Jahrzehnten für eine Geschichte über blaue Aliens, die gegen Weltraumkolonisten kämpfen, und irgendwie funktionierte dieses offensichtliche Szenario besser, als irgendjemand zugeben wollte. Die 3D-Technologie wirkte endlich notwendig und nicht mehr nur wie ein Gimmick. Sie erschuf Unterwasserwälder und schwebende Berge, die das Publikum in eine Welt entführten, die tatsächlich bewohnt aussah. James Cameron verbrachte über ein Jahrzehnt damit, Pandora von Grund auf neu zu erschaffen, und das sieht man jeder leuchtenden Pflanze und jeder unglaublich detaillierten Kreatur an. Die Kritik kam später, als die Leute entschieden, dass das Spektakel nicht ausreichte, um die altbekannte Handlung zu verzeihen. | © 20th Century Fox
Jennifer’s Body wurde fälschlicherweise als seichter Teenie-Horrorfilm abgetan, obwohl er in Wirklichkeit eine messerscharfe Satire über weibliche Freundschaft und übergriffige Männer war. Diablo Codys Drehbuch nutzt die Prämisse der besessenen Cheerleaderin, um zu ergründen, wie Mädchen miteinander konkurrieren und sich gegenseitig beschützen, während Megan Fox eine viel reifere Performance abliefert, als ihr damals allgemein zugestanden wurde. Der Film stellt die übernatürliche Rachehandlung in den Hintergrund gegenüber dem wahren Schrecken, mitanzusehen, wie beste Freundinnen toxisch werden. Was wie Ausbeutung aussah, beutete letztendlich geade zurück aus. | © 20th Century Fox
Der mit dem Wolf tanzt verlangte dem Publikum drei Stunden lang ab, Kevin Costner beim Erlernen der Lakota-Sprache und der Annäherung an Büffel zuzusehen – was zunächst wie eine Tortur klingt, bis man erkennt, wie konsequent der Film dieses Tempo beibehält. Er hetzt nicht durch seine Geschichte der kulturellen Immersion, sondern lässt Szenen wirken und Beziehungen sich auf eine Weise entwickeln, die die meisten westlichen Filmemacher nie wagen. Costners Regie vertraut darauf, dass die Zuschauer sich für kleine Momente und leise Gespräche interessieren, selbst wenn die Laufzeit dieses Vertrauen riskant erscheinen lässt. Die Kritik kam von Zuschauern, die sich Action gewünscht hatten, doch der Film funktioniert, gerade weil er Empathie über Action stellt. | © Orion Pictures
Titanic wurde zu einem Film, den alle liebten zu hassen, weil er zu groß, zu lang und zu erfolgreich zugleich war. Die dreistündige Laufzeit und die Besetzung mit Leonardo DiCaprio als Schönling machten es leicht, ihn als übertriebenes Hollywood-Spektakel abzutun, doch Cameron schuf tatsächlich etwas, das auf mehreren Ebenen funktioniert. Die Katastrophenszenen zählen noch immer zu den überzeugendsten Darstellungen groß angelegter Zerstörung, die je gefilmt wurden. Was Kritiker besonders ärgert, ist, wie wirkungsvoll die schlichte Liebesgeschichte die Tragödie verstärkt, anstatt sie zu entwerten. | © Paramount Pictures
Forrest Gump verwandelte die amerikanische Geschichte in eine Wohlfühlfabel, in der ein Mann zufällig durch alle wichtigen kulturellen Momente des späten 20. Jahrhunderts stolpert. Der aufrichtige Optimismus des Films und seine Philosophie, dass das Leben wie eine Schachtel Pralinen sei, wirkten auf viele manipulativ, insbesondere als er bei den Oscars deutlich härtere Konkurrenten wie Pulp Fiction hinter sich ließ. Doch unter all der süßen Fassade verbirgt sich eine überraschend scharfe Satire darüber, wie Amerika Geschichten über sich selbst erzählt. Tom Hanks lässt die ungewöhnliche Prämisse funktionieren, indem er Forrest als aufrichtig gütig und nicht nur naiv darstellt. | © Paramount Pictures
Die letzten Jedi entschied, dass die beste Art, Star Wars zu ehren, darin bestand, alle Erwartungen der Fans an die Funktionsweise dieser Filme infrage zu stellen. Rian Johnson lässt den Obersten Anführer Snoke sterben, ohne dessen Hintergrundgeschichte zu erklären, macht Luke Skywalker zu einem verbitterten Einsiedler, der sein Lichtschwert achtlos über die Schulter wirft, und degradiert den Widerstand zu einer kleinen Gruppe Überlebender, die am Rande des Zusammenbruchs steht. Der Film stellt immer wieder die Frage, was passiert, wenn Legenden ihren eigenen Mythen nicht gerecht werden. Sämtliche Fan-Theorien über Reys Herkunft und Snokes Identität werden verworfen und müssen einem komplexeren und menschlicheren Geschehen als erwartet weichen. | © Walt Disney Studios
La La Land versprüht so viel Charme des alten Hollywood, dass man fast vergisst, wie schonungslos der Film die Träume dekonstruiert, die er feiert. Zwei Stunden lang baut er eine scheinbar perfekte Romanze zwischen Emma Stone und Ryan Gosling auf, nur um dann mit einem Ende, das schonungslos vor Augen führt, welche Opfer beide bringen mussten, um ihre Ziele zu erreichen, völlig zu vernichten. Diese Schlussszene trifft einen umso härter, weil sie einen zwingt, das wunderschöne Leben zu betrachten, das sie hätten führen können, nur um einen daran zu erinnern, warum sie sich anders entschieden haben. | © Lionsgate
American Beauty kam als Vorstadtsatire in die Kinos, die viele verstörte, und gewann trotzdem den Oscar für den besten Film. Sam Mendes macht aus einer Midlife-Crisis etwas zutiefst Persönliches und zugleich seltsam Universelles. Er begleitet Kevin Spaceys Lester Burnham, der seinen Job kündigt, mit dem Training beginnt und von der jugendlichen Freundin seiner Tochter besessen ist. Der Film balanciert gekonnt zwischen Komödie und Tragödie, ohne jemals den Eindruck zu erwecken, er wolle nur billige Schockeffekte erzielen. Was manchen Zuschauern wie prätentiöses Arthouse-Poseiren vorkam, war in Wirklichkeit eine präzise Analyse der amerikanischen Männlichkeit in ihrer zerbrechlichsten Form. | © DreamWorks Pictures
Shakespeare in Love stilisierte eine historische Figur zum romantischen Helden – inklusive Verwechslungen, Verkleidungen und geistreichen Dialogen, die das elisabethanische England wie einen Richard-Curtis-Film wirken ließen. Die Kritik rührte von dem überraschenden Oscar-Sieg für den besten Film her, den er vor „Der Soldat James Ryan“ errang. Dadurch wurde der Film als unwürdiger Eindringling behandelt, anstatt als das, was er eigentlich war. Doch der Film funktioniert, weil er sich ganz seiner spielerischen Prämisse verschreibt und Shakespeares Originalstücke als Rahmen für eine Liebesgeschichte nutzt, die gleichermaßen raffiniert und charmant wirkt. Der Unmut richtete sich nie wirklich gegen den Film selbst. | © Miramax Films
Fight Club kam mit einer Botschaft über die Konsumkultur in die Kinos, die der Hälfte des Publikums völlig entging. Der Film wurde zu einer Art Werbeplakat für genau jene Art von toxischer Männlichkeit, die er kritisieren wollte. Die Zuschauer feierten Tyler Durden als Helden, anstatt ihn als Warnung zu erkennen. Diese Diskrepanz zwischen Finchers Intention und der Interpretation des Films führte jahrelang zu Diskussionen darüber, ob die Satire zu subtil oder das Publikum zu wörtlich war. Die Ironie ist so tiefgreifend, dass Fight-Club-Merchandise zum Verkaufsschlager wurde. | © 20th Century Fox
Nicht jeder großartige Film bekommt eine faire Chance. Manche werden von schlechten Kritiken, überzogenen Erwartungen oder einfach nur schlechtem Timing begraben. Diese Filme wurden viel zu schnell abgeschrieben, und bei genauerem Hinsehen zeigt sich, dass sie viel besser waren, als ihnen die Welt zugestanden hat.
