„Valhalla Rising“ verzichtet auf Dialoge, klassische Handlung und erklärende Momente und lässt dich stattdessen allein mit einer Mischung aus purer Atmosphäre und archaischer Gewalt zurück. Nicolas Winding Refn begleitet einen stummen Wikingerkrieger durch blutgetränkte Landschaften, die eher wie fiebrige Albträume als wie historische Schauplätze wirken. Der Film verlangt Geduld, denn er entfaltet sich wie ein Trancezustand: Spannung entsteht nicht durch herkömmliches Erzählen, sondern durch Stille, bedrückende Bilder und plötzliche Ausbrüche von Brutalität. Viele Zuschauer empfinden ihn entweder als hypnotisch oder als kaum erträglich – kaum jemand findet sich irgendwo dazwischen wieder. | © IFC Films
„The Lobster: Eine unkonventionelle Liebesgeschichte“ entführt dich in eine Welt, in der Singles 45 Tage Zeit haben, einen romantischen Partner zu finden – andernfalls werden sie in ein Tier ihrer Wahl verwandelt. Yorgos Lanthimos erzählt diese absurde Ausgangslage mit derselben nüchternen Sachlichkeit, mit der man eine Hotel-Check-in-Anweisung erklären würde. Genau das macht den Film verstörender als so mancher Horrorfilm. Colin Farrell stolpert mit einer perfekten Mischung aus Verwirrung und aufrichtiger Ernsthaftigkeit durch diese bizarre Dating-Dystopie, in der Menschen die Suche nach Liebe wie eine verpflichtende staatliche Prüfung behandeln. Die Absurdität wirkt vor allem deshalb so stark, weil alle Beteiligten so tun, als wären diese Regeln völlig selbstverständlich. | © A24
„Die Werckmeisterschen Harmonien“ bewegt sich wie ein Fiebertraum durch eine kleine ungarische Stadt, in der ein Zirkus eintrifft, der etwas Gewaltiges und Unheimliches mit sich bringt. Béla Tarr inszeniert den Film in langen, hypnotischen Einstellungen, die jedem Moment ein besonderes Gewicht verleihen. Dadurch werden selbst einfache Gespräche und Spaziergänge durch leere Straßen zu beinahe spirituellen Erfahrungen. Der Film erklärt nie vollständig, was die geheimnisvolle Attraktion tatsächlich bedeutet, doch das wachsende Gefühl der Bedrohung wirkt eindringlicher als in den meisten Horrorfilmen. Die zweieinhalb Stunden vergehen wie eine Meditation und hinterlassen einen irgendwo zwischen Erschöpfung und Erleuchtung. | © 2000 Pierre Grise Distribution / T.T. Filmműhely
„Pi – System im Chaos“ verwandelt die Besessenheit von Mathematik in einen echten psychologischen Horrorfilm, der in kontrastreichem Schwarz-Weiß gedreht ist. Darren Aronofsky lässt seinen Protagonisten in eine paranoide Abwärtsspirale geraten, in der Zahlen, uralte Mystik und die Gier von Konzernen auf die beklemmendste Art miteinander verschmelzen. Die körnigen 16-mm-Aufnahmen lassen jeden Kopfschmerz körperlich spürbar werden und jede neue Erkenntnis wie eine weitere Falle wirken. Mathematik hat wohl noch nie so bedrohlich und zugleich so persönlich ausgesehen. | © Artisan Entertainment
„Augen weit geschlossen“ nimmt eine einfache Geschichte über Eifersucht und verwandelt sie in eine traumartige Odyssee durch die verborgenen Schattenseiten New Yorks. Kubrick inszeniert jede Begegnung wie einen Fiebertraum, in dem Weihnachtslichter mit Neonfarben verschwimmen und jedes Gespräch von Geheimnissen durchzogen scheint, die vielleicht nicht einmal wirklich existieren. Der Film sperrt dich zweieinhalb Stunden lang in die paranoide Gedankenwelt von Bill Harford ein und begleitet seine zunehmend verstörende Suche nach Wünschen, die er selbst kaum benennen kann. Was zunächst wie ein Beziehungsdrama beginnt, entwickelt sich zu einer psychologischen Reise über die Grenze zwischen Fantasie und Realität – und darüber, wie schwer beide voneinander zu unterscheiden sind. | © Warner Bros.
„Der Mann von der Erde“ versammelt eine Gruppe von Professoren in einer abgelegenen Hütte und stellt sie vor die Behauptung, dass ihr Kollege seit 14.000 Jahren lebt. Der gesamte Film besteht aus Gesprächen – ohne Rückblenden, Spezialeffekte oder sichtbare Beweise für etwas Übernatürliches. Was zunächst wie ein akademisches Gedankenspiel wirkt, entwickelt sich langsam zu etwas Unheimlicherem, je detaillierter die Geschichte des Mannes wird und je verzweifelter seine Freunde versuchen, Widersprüche darin zu finden. Die Spannung entsteht allein daraus, zuzusehen, wie intelligente Menschen versuchen, eine unmögliche Behauptung mit Logik zu widerlegen. | © Anchor Bay Entertainment
„My Dinner with Andre“ sperrt dich 110 Minuten lang an einen Restauranttisch, während zwei Männer mittleren Alters über das Leben, das Theater und die Frage sprechen, ob die moderne Existenz überhaupt noch einen Sinn hat. Der gesamte Film besteht nur daraus, wie Wally und Andre gemeinsam essen und ein Gespräch führen, das sich von belanglosem Smalltalk immer weiter in philosophische Gefilde bewegt – manchmal überheblich wirkend, aber gleichzeitig auf eine seltsame Art hypnotisch. Was eigentlich unerträglich sein könnte, entwickelt sich stattdessen zu einem überraschend fesselnden Erlebnis, weil das Gespräch zeigt, wie unterschiedlich zwei Menschen dieselbe Welt wahrnehmen können. Der Film beweist, dass manchmal das Radikalste, was ein Film tun kann, darin besteht, Menschen einfach laut denken zu lassen. | © New Yorker Films
„Nomadland“ begleitet Fern, die nach dem Verlust von allem während der Großen Rezession in einem Van lebt und von einem saisonalen Job zum nächsten zieht. Frances McDormand verschmilzt so sehr mit ihrer Rolle, dass der Film weniger wie Schauspiel wirkt, sondern eher wie dokumentarisches Material über einen Menschen, der tatsächlich auf diese Weise lebt. Der Film findet Schönheit in flüchtigen Begegnungen und kleinen Momenten von Würde, ohne wirtschaftliche Not jemals zu verklären. Er versteht, dass Heilung manchmal bedeutet, zu akzeptieren, dass sich manche Dinge nicht mehr reparieren lassen – sondern nur überstanden werden können. | © Searchlight Pictures
„An Elephant Sitting Still“ begleitet vier verzweifelte Menschen durch einen einzigen, endlos wirkenden Tag in einer heruntergekommenen chinesischen Stadt. Der fast vierstündige Film gönnt seinem Publikum kaum einen Moment der Erleichterung. Regisseur Hu Bo drehte ihn als eine Art filmisches Vermächtnis, wobei er mit Handkameras arbeitet, die nie zur Ruhe kommen, dem Zuschauer keinen sicheren Halt geben und bewusst auf die klassische Struktur einer erzählten Geschichte verzichten. Der Film weigert sich, einfache Antworten darauf zu liefern, warum Menschen weitermachen, obwohl um sie herum alles auseinanderzubrechen scheint. Es ist die Art von Film, bei der man versteht, warum manche Geschichten keine kurzen Sprints sein können, sondern eher einem Marathon gleichen. | © KimStim
„A Ghost Story“ nimmt die einfache Ausgangsidee eines verstorbenen Ehemanns, der seine trauernde Frau beobachtet, und verwandelt sie in eine überraschend tiefgründige Geschichte über Zeit, Erinnerungen und das Loslassen. Casey Affleck verbringt den Großteil des Films unter einem weißen Bettlaken mit ausgeschnittenen Augenlöchern – und doch wird dieses zunächst lächerlich wirkende Kostüm erstaunlich bewegend, während der Geist vom selben Ort aus beobachtet, wie Jahrzehnte im Zeitraffer vergehen. Die berühmte Szene, in der ein Kuchen gegessen wird, zieht sich unangenehm lange hin und zwingt dich dazu, unverarbeitete Trauer auszuhalten, anstatt einfach darüber hinwegzugehen. Was zunächst wie ein Arthouse-Experiment über den Tod wirkt, entwickelt sich zu etwas weitaus Fremdartigerem: einer Betrachtung darüber, wie Liebe weiterbestehen kann, selbst wenn alles andere langsam verblasst. | © A24
„Paterson“ verwandelt das Leben eines Busfahrers, der Gedichte schreibt, in etwas zutiefst Bewegendes, ohne dabei jemals darauf hinzuweisen. Jim Jarmusch begleitet seinen Protagonisten durch eine Woche voller ruhiger Routinen: Er geht mit dem Hund spazieren, fährt seine Linie, hört den Gesprächen der Fahrgäste zu und findet Poesie in den Zwischenräumen des Alltags. Der Film bewegt sich im Tempo des echten Lebens – weshalb ihn manche Zuschauer langweilig und andere wiederum hypnotisch finden werden. Er zeigt, dass selbst die gewöhnlichsten Tage ihre eigenen stillen Erkenntnisse bereithalten können, wenn man nur genau genug hinsieht. | © Amazon Studios
„Arrival“ macht aus dem ersten Kontakt mit Außerirdischen kein Spektakel voller Laser und Explosionen, sondern ein Rätsel über Sprache und Verständigung. Amy Adams spielt eine Linguistin, die versucht, eine außerirdische Kommunikation zu entschlüsseln, die wie Tintenflecken auf Papier aussieht. Der gesamte Film hängt von der Frage ab, ob man sich auf die Idee einlässt, dass das Erlernen dieser Sprache die menschliche Wahrnehmung von Zeit grundlegend verändern könnte. Das Science-Fiction-Konzept wird genau auf die richtige Weise ungewöhnlich und nutzt die fremde Grammatik als Ausgangspunkt, um über Erinnerungen, Verlust und die Frage nachzudenken, warum man sich für eine schmerzhafte Zukunft entscheiden würde, obwohl man bereits weiß, wie sie endet. Denis Villeneuve schafft es, die Geschichte trotz ihrer weltweiten Tragweite zutiefst persönlich und intim wirken zu lassen. | © Paramount Pictures
„Stalker“ begleitet drei Männer in eine verbotene Zone, in der ihre tiefsten Wünsche angeblich erfüllt werden können – und verbringt den Großteil seiner Laufzeit damit, ihnen dabei zuzusehen, wie sie darüber diskutieren, ob sie diesen Schritt überhaupt wagen wollen. Andrei Tarkowski erzeugt Spannung nicht durch Action, sondern durch die Schwere philosophischer Zweifel und existenzieller Ängste. Während die Figuren erkennen, dass die eigenen wahren Wünsche zu konfrontieren vielleicht das Beängstigendste überhaupt sein könnte, wird die Reise immer mehr zu einer inneren Prüfung.
Die Zone selbst rückt dabei zunehmend in den Hintergrund – wichtiger werden die Gespräche, die sie erzwingt. Aus einer Science-Fiction-Geschichte über die Erfüllung von Wünschen wird so etwas wie eine sehr langsame, zutiefst russische Therapiesitzung. Was als Suche nach Erfüllung beginnt, endet als Meditation über die Frage, ob wir vielleicht besser damit leben können, niemals das zu bekommen, was wir uns am meisten wünschen. | © Mosfilm
„Waking Life“ entführt dich in einen philosophischen Fiebertraum, in dem die Rotoskopie-Animation jede Unterhaltung so wirken lässt, als würde sie im Inneren eines langsam zerfallenden Bewusstseins stattfinden. Richard Linklater filmte echte Schauspieler und ließ die Aufnahmen anschließend mit fließenden, sich ständig verändernden Zeichnungen überarbeiten – wodurch man nie vergisst, dass man sich vielleicht gerade in jemandes Traum befindet.
Der gesamte Film entwickelt sich zu einer einzigen langen Auseinandersetzung mit Existenz, freiem Willen und der Frage, ob überhaupt etwas davon Bedeutung hat, wenn man nicht weiß, wann man eigentlich schläft. Es ist einer der seltenen Filme, bei denen die experimentelle Machart nicht nur ein Stilmittel ist, sondern die innere Verwirrung und die philosophischen Fragen der Geschichte perfekt widerspiegelt. | © Fox Searchlight Pictures
„Synecdoche, New York“ stellt die Frage, was passiert, wenn ein Theaterregisseur unbegrenzte finanzielle Mittel erhält, um das ambitionierteste Stück aller Zeiten zu erschaffen – und dieses Projekt sich schließlich in ein jahrzehntelanges Experiment verwandelt, das sein gesamtes Leben verschlingt. Charlie Kaufmans Regiedebüt steckt Philip Seymour Hoffman in einen immer komplexer werdenden Albtraum aus Wiederholungen und Spiegelungen, in dem die Grenzen zwischen Inszenierung und Realität vollständig verschwimmen.
Das Theaterstück wird zu einer Stadt, die Stadt wiederum zu einem weiteren Theaterstück – und alles zerbricht schließlich unter dem Gewicht des eigenen unmöglichen Anspruchs. Den Film zu sehen, fühlt sich an, als würde man in den Angsttraum eines anderen Menschen eintauchen: einen Traum über künstlerisches Scheitern, Vergänglichkeit und die eigene Sterblichkeit. | © Sony Pictures Classics
Manche Filme leben davon, dass man sie gemeinsam erlebt. Diese nicht. Diese Werke entfalten ihre volle Kraft in der Stille – sie fordern dich auf eine ganz eigene, leise Art heraus und hinterlassen etwas, das sich danach kaum in Worte fassen lässt.
