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Die 15 schlechtesten Filme der besten Regisseure

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Nazarii Verbitskiy

Filme und Serien - September 7th 2026, 09:30 MESZ

Valerian and the City of a Thousand Planets 2017 — 15. Luc Besson — Valerian – Die Stadt der tausend Planeten (2017)

Luc Besson träumte jahrelang davon, die französischen Comics zu verfilmen, die seinen eigenen Science-Fiction-Stil mitgeprägt hatten. Das daraus entstandene Epos überließ er schließlich zwei Hauptdarstellern, zwischen denen erstaunlich wenig Chemie herrscht. Alpha ist eine überwältigende visuelle Schöpfung voller außerirdischer Kulturen und fantasievoller Technologien, doch die Handlung verliert sich immer wieder in belanglosen Nebensträngen, während Dane DeHaan wenig überzeugend versucht, den selbstbewussten Weltraumhelden zu verkörpern. All die kostspielige Schönheit kann nicht darüber hinwegtäuschen, dass dieses Abenteuer seltsam leblos wirkt. Sein Misserfolg an den Kinokassen versetzte Bessons Produktionsfirma EuropaCorp einen schweren Schlag.
| © EuropaCorp

Piranha II The Spawning 1982 — 14. James Cameron — Fliegende Killer – Piranha II (1982)

Bevor James Cameron die Kinokassen eroberte, drehte er eine Horrorfortsetzung über genetisch veränderte Piranhas, die fliegen können – ein Beweis dafür, dass jeder einmal klein anfangen muss. Die gummiartigen Kreaturen greifen ein karibisches Ferienresort an, wobei die Szenen zwischen billigem Splatter, unbeholfener Komik und purem Unglauben schwanken. Cameron wurde während der Produktion entlassen und durfte den finalen Schnitt nicht mitbestimmen, weshalb es unfair wäre, ihm die alleinige Schuld zu geben. Trotzdem steht sein Name bis heute auf einem Film, von dem er sich später distanzierte und den er bei Gesprächen über seine Regiekarriere am liebsten ausklammerte.

| © Chako Film Company

Cropped The Hobbit The Battle of the Five Armies — 13. Peter Jackson - Der Hobbit: Die Schlacht der Fünf Armeen (2014)

Mittelerde fühlte sich einst schlammig, verwittert und so greifbar an, als könnte man selbst hindurchwandern. Hier wirkt es dagegen wie ein teures Videospiel, in dem eine endlose Schlachtensimulation läuft. Peter Jackson dehnt den letzten Teil von Tolkiens überschaubarem Abenteuer zu einer CGI-Belagerung aus, die von austauschbaren Armeen, künstlich erzeugter Gefahr und Figuren dominiert wird, die um Aufmerksamkeit kämpfen. Martin Freeman findet als Bilbo noch immer kleine, berührende Momente, während Richard Armitage Thorins Niedergang echtes Gewicht verleiht. Leider gehen beide immer wieder in digitalen Schlachten unter, die Bewegung mit erzählerischem Fortschritt verwechseln.
| © Warner Bros. Pictures

Alien 3 1992 — 12. David Fincher — Alien 3 (1992)

Newt und Hicks noch vor dem Vorspann zu töten, war ein gewagter Einstieg in eine Fortsetzung von *Alien* – wobei „offen feindselig“ wohl treffender wäre. Ripley stürzt auf einem Gefängnisplaneten ab, der von austauschbaren Insassen bevölkert wird. Dort weicht die typische Spannung der Reihe erdrückendem Elend und hektischen Verfolgungsjagden durch Tunnel. David Finchers visuelles Gespür zeigt sich bereits in der industriellen Düsternis, doch eine chaotische Produktion mit unfertigen Drehbüchern und ständigen Eingriffen des Studios ließ ihm keinerlei Kontrolle über den fertigen Film. Seitdem hat er sich unmissverständlich von ihm distanziert.
| © 20th Century Fox

Cropped The Squid and the Whale — 11. Darren Aronofsky - The Whale (2022)

Brendan Fraser leistet emotional genug Schwerstarbeit, um das gesamte, fast ausschließlich in einer Wohnung spielende Drama zu tragen – doch Darren Aronofsky packt trotzdem immer noch mehr Gewicht obendrauf. Die anschwellende Filmmusik, die unablässigen Nahaufnahmen und die sorgfältig getimten Enthüllungen drängen so entschlossen auf Tränen, dass sich Mitgefühl bisweilen wie eine Anweisung anfühlt. Hong Chau verleiht einer Geschichte die nötige Schärfe, die ansonsten dazu neigt, ihre Figuren auf ihr Leid zu reduzieren. Fraser hat die Anerkennung verdient, doch der Film um ihn herum verwechselt es häufig damit, das Publikum zu quälen, statt es zu berühren. | © A24

Fear and Desire 1952 — 10. Stanley Kubrick — Furcht und Begierde (1952)

Stanley Kubricks erster Langfilm begleitet vier Soldaten, die in einem nicht näher benannten Krieg hinter feindlichen Linien festsitzen, und verwandelt ihre Tortur in eine abstrakte Auseinandersetzung mit Gewalt und Identität. An Ambition mangelte es nicht, sondern an Erfahrung. Steife Darstellungen, allzu aufdringliche Symbolik und theatralische Dialoge lassen die kurze Laufzeit deutlich länger erscheinen, als sie tatsächlich ist – trotz erster Anzeichen für jenes akribische visuelle Gespür, das Kubrick schon bald entwickeln sollte. Später versuchte der Regisseur, noch existierende Filmkopien aus dem Verkehr zu ziehen, und bezeichnete den Film als amateurhafte Übung. Damit dürfte die Diskussion ziemlich eindeutig beendet sein.
| © Joseph Burstyn

Jack 1996 — 9. Francis Ford Coppola - Jack (1996)

Ein Kind, das im erwachsenen Körper von Robin Williams gefangen ist, klingt zunächst nach einer vielversprechenden Grundlage für eine Komödie – bis *Jack* das beschleunigte Altern gleichzeitig als albernen Kinderscherz und tödliche Tragödie behandelt. Francis Ford Coppola findet nie einen Ton, der diese beiden Ansätze miteinander vereinen könnte. Stattdessen springt der Film mit erschreckender Selbstsicherheit zwischen Furzwitzen und Monologen über die Sterblichkeit hin und her. Williams wirft sich mit vollem Einsatz in die Rolle, denn halbe Sachen waren nie sein Stil. Doch selbst seine Wärme kann weder die unangenehme Prämisse noch den schier endlosen Kitsch des Drehbuchs retten.
| © Hollywood Pictures

Boxcar Bertha 1972 — 8. Martin Scorsese — Boxcar Bertha (1972)

Unter der Regie des Exploitation-Spezialisten Roger Corman verwandelte Martin Scorsese eine Gangstergeschichte aus der Zeit der Großen Depression in eine Mischung aus Romantik, Gewalt, Nacktheit und vom Studio verordneter Rebellion. Barbara Hershey und David Carradine verleihen dem Film mehr Überzeugungskraft, als sein billiges *Bonnie und Clyde*-Grundgerüst verdient, während das brutale Finale bereits den Filmemacher erahnen lässt, der später zum Vorschein kommen sollte. Der Großteil wirkt jedoch eher wie eine Kopie als wie etwas Persönliches. Nachdem John Cassavetes den Film gesehen hatte, drängte er Scorsese dazu, keine Auftragsarbeiten mehr zu drehen und seine eigenen Geschichten zu verfolgen. Als Nächstes entstand *Hexenkessel*.
| © American International Pictures

Oz the Great and Powerful — 7. Sam Raimi - Die fantastische Welt von Oz (2013)

Gelegentlich schimmert Sam Raimis Handschrift durch die vielen Schichten digitaler Kulissen hindurch – vor allem, wenn die Hexen angreifen oder das zerbrechliche Porzellanmädchen in die Geschichte eintritt. Den Großteil der Reise bestreitet jedoch ein auffallend teilnahmsloser James Franco, dessen Jahrmarktzauberer drei mächtige Frauen um den Finger wickeln soll, ohne dabei selbst besonders viel Charme zu versprühen. Mila Kunis erhält eine ausgesprochen unbeholfene Verwandlung, während die bonbonfarbenen Welten nur selten echte Magie entfalten. Disney hat eine gewaltige Smaragdstadt erschaffen, aber vergessen, seinem Zauberer einen überzeugenden Grund zu geben, sie mit Leben zu füllen. | © Walt Disney Pictures

Cropped Ready Player One — 6. Steven Spielberg - Ready Player One (2018)

Kein Regisseur inszeniert groß angelegte Action mit einer solchen visuellen Klarheit wie Steven Spielberg. Die Verfolgungsjagd durch das virtuelle Manhattan beweist, dass er digitales Chaos besser ordnen kann als Filmemacher, die halb so alt sind wie er. Problematisch wird es immer dann, wenn *Ready Player One* innehält und vom Publikum erwartet, sich für Wade Watts zu interessieren – einen oberflächlich gezeichneten Helden, der von bekannten Medienmarken umgeben ist. Selbst die geniale *Shining*-Sequenz wirkt wie aus einem interessanteren Film entliehen – was sie streng genommen auch ist. Spielberg erschafft einen spektakulären Vergnügungspark, dessen Attraktionen die Menschen in den Schatten stellen, die ihn eigentlich retten sollen. | © Warner Bros. Pictures

North 1994 — 5. Rob Reiner - North (1994)

Nachdem Rob Reiner bei *Stand by Me – Das Geheimnis eines Sommers*, *Die Braut des Prinzen* und *Harry und Sally*Regie geführt hatte, landete er aus unerfindlichen Gründen bei einer Komödie über einen Jungen, der rund um die Welt nach Ersatzeltern sucht. Die episodenhafte Reise setzt auf ethnische Karikaturen, prominente Gastauftritte und Witze, die wie abgelehnte Fernsehsketche wirken. Elijah Wood sieht verständlicherweise völlig verwirrt aus, während Bruce Willis immer wieder in zunehmend bizarren Verkleidungen auftaucht. *North* wurde berüchtigt genug, um Roger Ebert zu einer seiner wütendsten Kritiken zu inspirieren – und der Film arbeitet bemerkenswert hart daran, sie zu verdienen. | © Castle Rock Entertainment

Exodus Gods and Kings — 4. Ridley Scott - Exodus: Gods and Kings (2014)

Ridley Scott könnte vermutlich im Schlaf Armeen, Seuchen und untergehende Zivilisationen inszenieren – was erklären könnte, warum sich dieses Bibelepos über weite Strecken emotional wie im Tiefschlaf anfühlt. Christian Bales Moses wirkt häufiger gereizt als göttlich inspiriert, während Joel Edgertons mit Accessoires überladener Ramses beinahe ins unfreiwillig Theatralische abdriftet. Die kontroverse Besetzung weißer Schauspieler für nicht weiße Rollen verstärkt zusätzlich den Eindruck einer Produktion, die sich mehr für monumentale Bilder als für die Menschen darin interessiert. Selbst die Teilung des Roten Meeres wirkt letztlich nur wie ein weiterer teurer Effekt, der darauf wartet, vom nächsten abgelöst zu werden. | © 20th Century Fox

3. Damien Chazelle - Babylon (2022)

Schon in den ersten Minuten entleert sich ein Elefant in Richtung Kamera und macht damit unmissverständlich klar, dass Damien Chazelle jede Zurückhaltung irgendwo vor den Studiotoren zurückgelassen hat. Seine Chronik vom chaotischen Übergang des Stummfilms zum Tonfilm ist mitreißend, widerwärtig, melancholisch und anstrengend – oft alles innerhalb derselben Szene. Margot Robbie brennt sich förmlich durch die Leinwand, Brad Pitt verleiht dem Film eine von Rückschlägen gezeichnete Eleganz und Justin Hurwitz’ Filmmusik fordert das Publikum geradezu heraus, still sitzen zu bleiben. Doch bei einer Laufzeit von mehr als drei Stunden ist der Exzess nicht mehr nur das Thema, sondern wird zur liebsten Ausrede des Films.
| © Paramount Pictures

The Ladykillers 2004 — 2. Die Coen-Brüder - The Ladykillers (2004)

Die messerscharfe Ealing-Komödie mit Tom Hanks, Gospelmusik und einem Casino am Mississippi neu zu verfilmen, hätte für einen genialen kulturellen Kontrast sorgen können. Stattdessen drehen die Coen-Brüder jede Exzentrik derart auf, dass ihr sonst so präzises komödiantisches Timing zu einem Wettbrüllen verkommt. Hanks stürzt sich mit bewundernswerter Begeisterung auf seine kunstvoll verschnörkelten Dialoge, Marlon Wayans bekommt eine Figur voller ermüdender Stereotype vorgesetzt und mehrere Fäkalwitze weigern sich hartnäckig, still und leise zu verschwinden. Irma P. Hall bringt jene Würde und jenes Timing mit, die dem Film ständig abhandenkommen, und macht Mrs. Munson zur einzigen Person, die das Geschehen wirklich unter Kontrolle hat.
| © Touchstone Pictures

1. Christopher Nolan - Tenet (2020)

Christopher Nolan verwandelt die Umkehrung der Zeit in ein Spionagespektakel mit temporalen Zangenbewegungen, rückwärts fliegenden Kugeln und so vielen Erklärungen, dass der Film beinahe als betriebliche Schulung durchgehen könnte. Die handgemachten Stunts sind beeindruckend, doch der namenlose Protagonist bleibt genau das: eine erzählerische Funktion in einem sehr guten Anzug. Die Dialoge müssen sich regelmäßig gegen Ludwig Göranssons donnernde Filmmusik behaupten, während die emotionale Fallhöhe größtenteils aus Kats unglücklicher Ehe entsteht. Der Maschinerie bei der Arbeit zuzusehen, kann mitreißend sein. Um zu verstehen, warum sie überhaupt jemand gebaut hat, braucht es allerdings Diagramme, Untertitel und vielleicht einen Nebenabschluss in theoretischer Physik.
| © Warner Bros. Pictures

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Ein Oscar auf dem Kaminsims ist keine Garantie dafür, dass jeder Ausflug hinter die Kamera zum Erfolg wird. Selbst die gefeiertsten Regisseure der Filmgeschichte haben spektakuläre Fehltritte hingelegt – sei es durch Einmischung des Studios, rätselhafte kreative Entscheidungen oder schlichte Selbstüberschätzung. Diese Filme sind besonders faszinierend, weil man von den Talenten dahinter eigentlich mehr erwartet hätte. Hier sind 15 der schlechtesten Filme, die ansonsten brillante Regisseure je gedreht haben.

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Ein Oscar auf dem Kaminsims ist keine Garantie dafür, dass jeder Ausflug hinter die Kamera zum Erfolg wird. Selbst die gefeiertsten Regisseure der Filmgeschichte haben spektakuläre Fehltritte hingelegt – sei es durch Einmischung des Studios, rätselhafte kreative Entscheidungen oder schlichte Selbstüberschätzung. Diese Filme sind besonders faszinierend, weil man von den Talenten dahinter eigentlich mehr erwartet hätte. Hier sind 15 der schlechtesten Filme, die ansonsten brillante Regisseure je gedreht haben.