Roger Corman sah, wie Star Wars ein Vermögen einspielte, und beschloss, aus Ersatzteilen, Improvisationstalent und purem Ehrgeiz seine eigene Version zu bauen. Sador – Herrscher im Weltraum übernimmt die Handlung von Die sieben Samurai, packt ein paar Schaumstoff-Aliens dazu und hat einen jungen James Horner als Komponisten an Bord, lange bevor er zu einem der bekanntesten Namen Hollywoods wurde. Robert Vaughn spielt im Grunde noch einmal seine Rolle aus Die glorreichen Sieben – nur im Weltraum – und wirkt dabei die ganze Zeit leicht peinlich berührt. Die Spezialeffekte wackeln, die Dialoge knarzen, aber gerade der enorme Ehrgeiz dieser Low-Budget-Produktion macht den Film auf seltsame Weise charmant.
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Space Mutiny wäre vermutlich für immer in der Versenkung verschwunden, wenn Mystery Science Theater 3000 den Film nicht aufgegriffen hätte. Die Handlung dreht sich um ein Generationenschiff, eine Meuterei und Weltraumschlachten, die aus Kampfstern Galactica recycelt wurden. Namen wie Ty Greene und Dave Ryder werden mit einer Ernsthaftigkeit herausgebrüllt, die der Film zu keinem Zeitpunkt verdient, und die Kampfchoreografie sieht aus wie eine Kneipenschlägerei in der Schwerelosigkeit. Ohne die spöttischen Kommentare von Mystery Science Theater 3000 hätten die Zuschauer diesen Film wahrscheinlich schon vor Jahrzehnten vergessen.
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Ein Gorillakostüm mit einem darauf montierten Taucherhelm – mehr braucht Robot Monster nicht für seine komplette Alien-Bedrohung. Und trotzdem ist genau dieses Bild bis heute einprägsamer als so mancher Film mit Millionenbudget. Ro-Man läuft zwischen Seifenblasenmaschinen umher, löscht die Menschheit aus und liefert dabei Dialoge ab, die wirken, als wäre er selbst von seinem eigenen Invasionsplan verwirrt. Das Budget für die Spezialeffekte floss offenbar in Archivaufnahmen kämpfender Dinosaurier, die ohne erkennbaren Grund in den Film geschnitten wurden. Heute fühlt sich Robot Monster an wie ein Fiebertraum, den jemand aus Versehen gefilmt hat.
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Eddie Murphy spielt in Pluto Nash – Im Kampf gegen die Mondmafia den Besitzer eines Nachtclubs auf einer Mondkolonie – in einem Film, der ein Vermögen kostete und davon an den Kinokassen fast nichts wieder einspielte. Die Grundidee wirkt wie ein nicht zu Ende gedachter Witz, inklusive Randy Quaid als Roboter-Sidekick und einer Enthüllung des Bösewichts, die völlig ins Leere läuft. Warner Bros. brachte den Film ins Kino und kassierte damit einen unmittelbaren finanziellen Flop, der seinen Ruf als eine der legendärsten Bruchlandungen Hollywoods festigte. Heute wirkt der Film wie eine bizarre Zeitkapsel des überdrehten Hollywoods der frühen 2000er.
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Freddie Prinze Jr. als Anführer einer Weltraumflotte klingt wie ein Witz, doch Wing Commander nimmt sich dabei vollkommen ernst. Die Videospielvorlage bekommt zwar ein ordentliches Kinobudget, verliert aber genau die Interaktivität, die das Original unterhaltsam gemacht hat. Übrig bleiben steife Dialoge und chaotische Weltraumschlachten. Saffron Burrows und Matthew Lillard geben ihr Bestes, doch das Drehbuch gibt ihnen kaum etwas, womit sie arbeiten können. Der legendäre Flop sorgte mit dafür, dass große Videospielverfilmungen im Kino für fast ein Jahrzehnt deutlich seltener wurden.
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Skyline hatte ein Effektbudget, das weit über seiner eigentlichen Gewichtsklasse spielte – und genau dadurch fielen die Schwächen der Geschichte umso stärker auf. Riesige Alien-Schiffe schweben über Los Angeles und ziehen Menschen in ein blaues Licht, während die Effekte bis heute besser gealtert sind als die schauspielerischen Leistungen. Das Ende biegt dann plötzlich in einen völlig absurden Body-Horror-Twist ab, der den Film rückblickend fast noch lustiger macht. Seinen berüchtigten Ruf verdankt Skyline auch dem Eindruck, als hätte das Effektteam einfach vergessen, jemanden fürs Drehbuch zu engagieren.
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Aaron Eckhart verbringt den Großteil von World Invasion: Battle Los Angeles damit, Befehle zu brüllen, als wäre er direkt aus einem Werbespot fürs Militär in den Film gestolpert. Die Handlung wirkt wie das Briefing einer Videospielmission, das auf zwei Stunden gestreckt wurde – inklusive Aliens, die es auf das Wasser der Erde abgesehen haben, ohne dass wirklich erklärt wird, warum. Wackelige Kameras und permanentes Dauerfeuer sollen die dünne Geschichte kaschieren. Irgendwie sorgt aber gerade die kompromisslose Hingabe an lautes, stumpfes Spektakel dafür, dass der Film trotzdem unterhaltsam bleibt.
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Stephen King saß genau einmal auf dem Regiestuhl – und Rhea M – Es begann ohne Warnung ist der Grund, warum es dabei blieb. Der Film erzählt von einem Kometen, der Maschinen dazu bringt, sich gegen die Menschheit zu wenden. Im Mittelpunkt steht unter anderem ein mörderischer Truck mit australischer Flagge und einem Green-Goblin-Gesicht, der eine Raststätte terrorisiert. King gab später selbst zu, während der Dreharbeiten stark unter dem Einfluss von Drogen und Alkohol gestanden zu haben – was im Nachhinein einiges von dem erklärt, was auf dem Bildschirm passiert. AC/DC liefern den kompletten Soundtrack und schaffen es damit irgendwie, selbst Getränkeautomaten, die Menschen mit Dosen beschießen, wie eine echte Rockoper wirken zu lassen.
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Disney versuchte mit Das schwarze Loch seine eigene Antwort auf Star Wars zu schaffen – und dass diese beiden Ansätze nicht wirklich zusammenpassen, merkt man in fast jeder Szene. Es gibt ein unheimliches Raumschiff, einen lautlosen Killerroboter namens Maximilian und ein Finale, das plötzlich in eine psychedelische Vision von Himmel und Hölle abdriftet. Der harte Wechsel zwischen kinderfreundlichem Abenteuer und existenziellem Grauen löst sich nie wirklich auf – und genau deshalb diskutieren Fans noch Jahrzehnte später über den Film.
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Aliens vs. Predator 2 nimmt zwei Franchises mit jahrzehntelanger Mythologie und verfrachtet sie in einen nebelverhangenen Vorort, in dem man kaum erkennen kann, wer gerade gegen wen kämpft. Die Strause-Brüder haben die Bilder so extrem dunkel gestaltet, dass ganze Actionszenen beinahe in völliger Finsternis stattfinden und jeder Kampf zum Ratespiel wird. Dazu kommen ein Predalien-Hybrid, menschliche Nebenhandlungen, nach denen niemand gefragt hat, und eine Vertuschungsaktion der Regierung. Das Ergebnis wirkt wie eine Handlung, die aus übrig gebliebenen Einzelteilen irgendwie zusammengesetzt wurde.
| © 20th Century Fox
Keanu Reeves spielt in Vernetzt – Johnny Mnemonic einen Datenkurier mit einer Festplatte im Kopf – und irgendwie ist das noch der am wenigsten seltsame Teil des Films. Die Dialoge bewegen sich irgendwo zwischen Cyberpunk-Poesie und einer schlechten Übersetzung, während Reeves davon schreit, Stacheldraht im Gehirn zu haben. Und dann wäre da noch der Hacker-Delfin Jones, der dabei helfen soll, eine Verschlüsselung zu knacken – eine Wendung, die der Film mit vollkommenem Ernst präsentiert.
| © TriStar Pictures
Stephen King ließ seinen Namen bekanntermaßen aus Der Rasenmähermann entfernen, weil der fertige Film kaum noch etwas mit seiner Kurzgeschichte zu tun hatte. Übrig bleibt die Geschichte eines einfachen Gärtners, der durch Virtual-Reality-Experimente in ein Wesen mit übernatürlichen geistigen Fähigkeiten verwandelt wird – dargestellt mit CGI, die aussieht, als hätte ein Bildschirmschoner einen Nervenzusammenbruch. Die Handlung springt so schnell von Laborexperimenten zu vollständiger Cyber-Gottheit, dass sie sich kaum die Zeit nimmt, irgendetwas davon zu erklären. Heute wirkt der Film wie ein Blick darauf, wie man sich Anfang der 1990er-Jahre die Zukunft der Computer vorgestellt hat.
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Zwei der größten Horror-Franchises trafen in Alien vs. Predator endlich aufeinander – und das Ergebnis wirkte kleiner als jeder der beiden Filme für sich. Die PG-13-Freigabe nahm dem Film einen Großteil der Brutalität, die Fans erwartet hatten, und machte aus Säureblut und Schädeltrophäen etwas, das man problemlos mit den Eltern schauen konnte. Paul W. S. Anderson vergräbt die Handlung unter einer Pyramide in der Antarktis und einer hastig zusammengestellten menschlichen Besetzung, an die sich heute kaum jemand erinnert. Trotzdem liefert das Finale, in dem ein Predator ordentlich von einem Xenomorph bearbeitet wird, genau den trashigen Showdown, für den man eingeschaltet hat.
| © 20th Century Fox
Roland Emmerich hatte bereits das Weiße Haus gesprengt und den ganzen Planeten überflutet, also beschloss er für Moonfall, dass der Mond selbst eine künstliche Megastruktur ist, in der sich eine uralte KI verbirgt. Die Handlung eskaliert innerhalb von zwanzig Minuten von einer Katastrophe durch die Mondgravitation zu einer ausgewachsenen Alien-Verschwörung. John Bradleys Verschwörungstheoretiker liegt am Ende mit allem richtig – und das ist noch einer der weniger seltsamen Aspekte des Films. Wissenschaftlich ergibt das Ganze kaum Sinn und auch die Geschichte hält nur mit Mühe zusammen, aber die kompromisslose Hingabe an diese völlig absurde Mythologie macht es fast unmöglich, wegzuschauen.
| © Lionsgate
Eine Astronautencrew entdeckt in einem Kometen eine Gruppe von Energievampiren – und irgendwie ist das noch der am wenigsten seltsame Teil von Lifeforce – Die tödliche Bedrohung. Tobe Hooper inszeniert den Film, als würden ein Horrorfilm, ein Katastrophenfilm und ein Softcore-Kunstprojekt gleichzeitig um die Kontrolle über dieselbe Filmrolle kämpfen. Seelenaussaugende Zombies verwüsten London, während die Handlung weiterhin so tut, als wäre das alles bitterernst. Der Film hält kein einziges Mal lange genug inne, um zu bemerken, wie vollkommen verrückt das alles aussieht.
| © TriStar Pictures
Will Smith hat seine Karriere auf Charisma aufgebaut – und drehte dann einen Film, in dem er den Großteil der Laufzeit verletzt und schweigend verbringt, während sein Sohn die eigentliche Schauspielarbeit übernimmt. Jaden Smith trägt After Earth mit einer seltsam monotonen Darbietung, die weder wirklich wie Emotion noch wie Disziplin wirkt. Schon die Grundidee – Menschen fliehen von einer zerstörten Erde, nur um später genau dort wieder abzustürzen – fühlt sich wie ein kosmischer Witz an, den der Film selbst partout nicht erkennen will. After Earth spielt sich wie ein ernstes Drama, das vergessen hat zu prüfen, ob ihm das Publikum diese Ernsthaftigkeit überhaupt abnimmt.
| © Sony Pictures / Columbia Pictures
Pflanzen werden in The Happening zu den Bösewichten – und irgendwie ist das noch nicht einmal das Seltsamste an dem Film. Mark Wahlberg verbringt einen Teil des Films damit, mit einer Plastikpflanze zu reden, als würde sie die Geheimnisse des Universums kennen, und trägt fast jede Zeile mit einer Verwirrung vor, die nie so recht zur Panik um ihn herum passen will. Statt schnell an dem Gift in der Luft zu sterben, entfernen sich die Opfer oft ganz ruhig und nehmen sich auf Arten das Leben, die eher unfreiwillig komisch als tragisch wirken. M. Night Shyamalan hat hier eine so bizarre Horroridee geschaffen, dass aus dem Schrecken irgendwann etwas wurde, über das das Publikum kaum noch aufhören konnte zu lachen.
| © 20th Century Fox
The Core – Der innere Kern verlangt vom Publikum zu akzeptieren, dass der Erdkern aufgehört hat, sich zu drehen, und nur eine Atombombe das Problem lösen kann. Wissenschaftler bohren sich in einem Raumschiff aus einem fiktiven Supermaterial direkt ins Erdinnere und weichen dabei riesigen Kristallhöhlen aus. Praktisch jedes Gesetz der Physik wird über Bord geworfen, und der Film entschuldigt sich kein einziges Mal dafür. Hilary Swank und Aaron Eckhart liefern selbst die absurdesten Dialoge mit völliger Ernsthaftigkeit ab – und genau das macht das Ganze so unterhaltsam.
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Zardoz schenkte der Welt Sean Connery in oberschenkelhohen Stiefeln und einer roten Unterhose – und dieses Bild bekommt man danach nie wieder aus dem Kopf. John Boorman erschuf eine bizarre Zukunft, in der ein riesiger steinerner Kopf durch die Luft fliegt und nach Waffen verlangt. Die Handlung hält kaum zusammen und springt zwischen Unsterblichkeitskulten und übersinnlichen gottgleichen Wesen hin und her, ohne sich groß darum zu kümmern, irgendetwas verständlich zu erklären. Irgendwie sorgt genau dieses Chaos dafür, dass Zardoz mehr Spaß macht als die meisten Sci-Fi-Filme, die sich deutlich ernster nehmen.
| © 20th Century Fox
Jane Fonda verbringt den Großteil von Barbarella entweder damit, ihre Kleidung zu verlieren oder durch Kulissen zu schweben, die aussehen wie ein Möbelhaus auf LSD. Die Handlung hält sich nur mühsam um einen verschwundenen Wissenschaftler und eine Waffe namens Positronenstrahl zusammen – aber niemand schaut Barbarella wegen der Geschichte. Man schaut den Film, weil er sich mit voller Überzeugung seinem herrlich überdrehten Camp hingibt.
| © Paramount Pictures
Niemand hat nach einem dreckigen, dystopischen Brooklyn gefragt, in dem sich Dinosaurier zu Dennis Hopper im Anzug weiterentwickelt haben – aber genau das liefert Super Mario Bros.. Bob Hoskins sieht den gesamten Film über so aus, als wüsste er ganz genau, dass er einen Fehler gemacht hat, was das Ganze nur noch unterhaltsamer macht. Allein die völlig neu gestalteten Gumbas zeigen, dass offenbar niemand der Beteiligten die Spiele wirklich gespielt hat oder sich sonderlich dafür interessierte. Jahrzehnte später wirkt der Film weniger wie eine Videospielverfilmung und mehr wie ein Fiebertraum, der irgendwie ausgebrochen ist.
| © Buena Vista Pictures
Jupiter Ascending verschlang Millionen für den Aufbau eines Universums, in dem Channing Tatum mit Wolfsohren durch die Luft skatet, um Mila Kunis zu retten. Die Wachowskis ziehen jede noch so absurde Idee mit voller Überzeugung durch – von den Witzen über Weltraumbürokratie bis zu Eddie Redmayne, der fast seine gesamte Rolle flüstert, als wäre er wütend auf ein Kissen. Eigentlich dürfte nichts davon zusammenpassen, und trotzdem macht gerade diese kompromisslose Hingabe Spaß beim Zuschauen. So sieht es aus, wenn ein Blockbuster vergisst, sich für sich selbst zu schämen.
| © Warner Bros.
Allein der Soundtrack von Queen macht klar, dass dieser Film keinerlei Interesse an Zurückhaltung hat. Sam Jones spielt Flash Gordon wie einen verwirrten Footballspieler, der versehentlich auf einem Raumschiff gelandet ist – und irgendwie funktioniert genau das zu seinen Gunsten. Ming der Grausame stolziert in Outfits herum, die aussehen, als wären sie direkt aus einer Disco geklaut worden, während die Kulissen in praktisch jeder Neonfarbe leuchten, die 1980 verfügbar war. Niemand scheint hier wirklich zu schauspielern – alle performen einfach auf maximaler Lautstärke. Und genau diese Hingabe sorgt dafür, dass der Film bis heute funktioniert.
| © Universal Pictures
Ed Wood hatte weder Geld noch gute Schauspieler noch jemanden, der am Set auf Anschlussfehler achtete – und jedes einzelne Bild von Plan 9 aus dem Weltall beweist es. UFOs, die wie Pappteller aussehen, baumeln sichtbar an Schnüren, während ein Chiropraktiker im Umhang für Bela Lugosi einspringt, der vor Abschluss der Dreharbeiten gestorben war. Die Dialoge ergeben von einem Satz zum nächsten kaum Sinn, doch genau das macht den Film irgendwie nur noch unterhaltsamer. Jahrzehntelang bezeichneten Kritiker ihn als den schlechtesten Film aller Zeiten – und ausgerechnet dieser Ruf wurde schließlich zu seinem größten Verkaufsargument. | © Reynolds Pictures
John Travolta spielt in Battlefield Earth – Kampf um die Erde einen knapp drei Meter großen Alien namens Terl, und seine Szenen sehen aus, als wären sie durch ein Aquarium gefilmt worden. Der Film setzt so exzessiv auf schräg gestellte Kameraperspektiven, dass es irgendwann wirkt, als hätte der Kameramann das Gleichgewicht verloren und nie wiedergefunden. Die Handlung dreht sich um Psychlos, Gold und die letzten Überlebenden der Menschheit – aber all das spielt keine Rolle mehr, sobald man die Kostüme gesehen hat. Ein Film, der rund 70 Millionen Dollar ausgegeben hat, um zu beweisen, dass man sich Kompetenz nicht einfach kaufen kann.
| © Warner Bros. PicturesNicht jeder Sci-Fi-Flop gehört direkt in die Ramschkiste. Manche Filme sind so herrlich misslungen, so vollgepackt mit Gummimonstern, absurden Handlungen und Dialogen, die wirklich niemand hätte absegnen dürfen, dass sie am Ende schon wieder richtig Spaß machen. Hier sind die 25 besten Sci-Fi-Filme, die so schlecht sind, dass sie schon wieder gut sind.
