EarlyGame | 25 fantastische Filme, die man nur schwer weiterempfehlen…

25. Predestination (2014)

Sarah Snook erzählt in Predestination einem Barkeeper über weite Strecken die Lebensgeschichte ihrer Figur. Und dieses Gespräch ist tatsächlich genauso fesselnd wie die Zeitreisen selbst. Die Spierig-Brüder stellen in ihrem Science-Fiction-Thriller zunächst die Menschen in den Mittelpunkt, bevor sie offenbaren, wie raffiniert alles zusammenhängt. Ethan Hawke verleiht seiner Figur eine abgeklärte Autorität, Snook ihrer einen tiefen Schmerz. Wer mehr als diese Begegnung verrät, riskiert, das gesamte Filmerlebnis zu ruinieren. Deshalb endet eine Empfehlung meist mit einem nervigen, aber berechtigten: Vertrau mir bitte einfach.

| © Blacklab Entertainment

24. Der heilige Berg (1973)

Ein Alchemist, der Exkremente in Gold verwandelt, gilt in Alejandro Jodorowskys Der heilige Berg kaum als ungewöhnlicher Zeitvertreib. Religiöses Spektakel, grotesker Kommerz und die Suche nach Unsterblichkeit prallen in Bildkompositionen aufeinander, die ebenso gut in einer Kunstgalerie hängen wie für einen Rauswurf aus der Kirche sorgen könnten. Der visuelle Einfallsreichtum ist atemberaubend, selbst wenn die Symbolik irgendwann ermüdet. Wer darauf wartet, dass der Surrealismus in eine beruhigende Erklärung mündet, sollte wohl aufhören, sich dagegen zu sträuben, und sich dem Wahnsinn hingeben.

| © ABKCO Films

23. Prisoners (2013)

Hugh Jackman verleiht elterlicher Hingabe in Prisoners etwas Beängstigendes. Er spielt einen Vater, dem die Suche nach seiner verschwundenen Tochter als Rechtfertigung für nahezu alles dient. Ihm gegenüber steht Jake Gyllenhaal als angespannter Ermittler, der einen Fall verfolgt, in dem sich jede vermeintliche Gewissheit wieder entzieht. Denis Villeneuve verknüpft die Spannung untrennbar mit moralischen Abgründen: Du verstehst die Verzweiflung, während dich ihre Folgen entsetzen. Hervorragendes Kino, zweifellos. Doch niemand sollte die bekannten Stars als Versprechen für einen gemütlichen Filmabend verstehen.

| © Alcon Entertainment

22. Cloud Atlas – Alles ist verbunden (2012)

Bei Tom Hanks’ verschiedenen Gesichtern den Überblick zu behalten, ist in Cloud Atlas – Alles ist verbunden praktisch eine Nebenquest. Der Film schickt sein Ensemble durch sechs miteinander verwobene Geschichten, die sich über Jahrhunderte erstrecken. Die Wachowskis und Tom Tykwer wechseln mit enormer Überzeugung zwischen den Genres und entdecken in grundverschiedenen Lebensgeschichten Parallelen von Ausbeutung, Auflehnung und Menschlichkeit. Manche Maskeneffekte lenken ab, und gelegentlich werden die großen Gefühle per Megafon verkündet. Trotzdem ist es mitreißend, einem Film zuzusehen, der sich seiner gewaltigen, sperrigen Vision so bedingungslos verschreibt.

| © Cloud Atlas Productions

21. 12 Uhr nachts – Midnight Express (1978)

Die Flughafenszene zu Beginn von 12 Uhr nachts – Midnight Express kann dich selbst an einem Koffer zweifeln lassen, den du eigenhändig gepackt hast. Unter Alan Parkers Regie spielt Brad Davis einen Amerikaner, dessen Inhaftierung in der Türkei zum Albtraum wird. Giorgio Moroders elektronische Filmmusik verstärkt die Panik zusätzlich. Die dramatische Wucht ist nach wie vor enorm. Doch der Film verfälscht Billy Hayes’ Erlebnisse und zeichnet türkische Figuren auf entmenschlichende Weise, was seine Leistung überschattet. Man kann das filmische Handwerk bewundern und sich zugleich wünschen, dass bei all dem Streben nach Intensität auch Raum für eine faire Darstellung geblieben wäre.

| © Casablanca FilmWorks

20. Gummo (1997)

Spaghetti in einer versifften Badewanne gehören in Gummo noch zu den vergleichsweise zugänglichen Momenten – und das sagt einiges über Harmony Korines Debüt aus. Sein fragmentarisches Porträt vernachlässigter Menschen in einer Kleinstadt in Ohio zeigt Grausamkeit, Langeweile und plötzlich aufblitzende Zärtlichkeit, ohne daraus eine tröstliche Lehre zu ziehen. Die rohen Bilder lassen alltägliche Schauplätze beinahe außerirdisch wirken. Ob Korine Schönheit in Menschen entdeckt, die sonst übersehen werden, oder uns zum unverhohlenen Glotzen einlädt, bleibt eine ergiebige und zutiefst unangenehme Streitfrage.

| © Independent Pictures

19. Irreversible (2002)

Zu wissen, dass Irreversibel rückwärts erzählt wird, bereitet einen kaum darauf vor, den Film tatsächlich zu sehen. Gaspar Noé zeigt unerträgliche Gewalt vor der Zärtlichkeit, die ihr vorausging. Dadurch verändert er die Bedeutung dieser alltäglichen Momente, ohne die Erleichterung zu bieten, irgendetwas verhindern zu können. Die lang anhaltende Vergewaltigungsszene stellt eine besonders hohe Hürde dar, zusätzlich verstärkt durch die desorientierende Kameraführung und die bedrückende Geräuschkulisse. Die Raffinesse seiner filmischen Gestaltung ist unbestreitbar. Ob sie die damit verbundene Belastung wert ist, kann jedoch kein noch so begeisterter Filmfan für jemand anderen entscheiden.

| © StudioCanal

18. Dragged Across Concrete (2018)

Dragged Across Concrete stellt die Geduld auf eine harte Probe: S. Craig Zahler lässt Gespräche, Observationen und selbst das Essen Zeit verschlingen, in der ein anderer Kriminalfilm längst Kugeln fliegen ließe. Dadurch erhält die Gewalt, wenn sie schließlich ausbricht, eine beklemmende Wucht. Mel Gibson und Vince Vaughn spielen suspendierte Polizisten, die auf kriminellem Weg das große Geld machen wollen. Doch ihr Frust macht sie nie zu angenehmen Zeitgenossen. Rassistische Anfeindungen und schroffe politische Positionen sind ein fester Bestandteil des Filmerlebnisses – die Beschreibung als guter Heist-Film greift da gewaltig zu kurz.

| © Unified Pictures

17. Eyes Wide Shut (1999)

Tom Cruise muss in Eyes Wide Shut feststellen, dass gutes Aussehen, Wohlstand und ein Arztberuf ihn nicht automatisch zu einem besonders scharfsinnigen Menschen machen. Stanley Kubrick schickt seine Figur durch ein nächtliches Labyrinth, nachdem das Geständnis seiner Frau seine Gewissheiten über ihre Ehe erschüttert hat. Das Maskenritual zieht die Aufmerksamkeit auf sich, doch einen Großteil des Schadens richten die unbeholfenen Gespräche und die verletzte Eitelkeit an. Wer einen Erotikthriller erwartet, erlebt womöglich stattdessen eine aufwendig inszenierte, bis ins kleinste Detail kontrollierte Demütigung.

| © Stanley Kubrick Productions

16. The Tree of Life (2011)

Ein schwieriges Verhältnis zum Vater verlangt in Terrence Malicks The Tree of Life offenbar danach, den Ursprüngen der Existenz auf den Grund zu gehen. Das klingt wie ein Witz, bis die kosmischen Passagen des Films eine Kindheit in Texas zugleich winzig klein und unermesslich bedeutsam erscheinen lassen. Brad Pitt verankert als strenger Vater die schwebenden Erinnerungen in vertrauten familiären Spannungen. Die geflüsterten Fragen und die assoziative Montage verlangen allerdings Offenheit: Wer versucht, all das in eine konventionelle Handlung zu zwängen, findet damit zuverlässig einen Weg, sich den Abend zu verderben.

| © River Road Entertainment

15. Buffalo '66 (1998)

Christina Riccis Stepptanz auf der Bowlingbahn ist eine wunderbare Unterbrechung der Feindseligkeit, die Buffalo ’66durchzieht. Vincent Gallo spielt einen Ex-Häftling, der ihre Figur entführt hat, damit sie sich als seine Frau ausgibt. Diese Ausgangslage macht es schwer, sich vorbehaltlos auf die Zärtlichkeit einzulassen, die der Film später entwickelt. Doch die beklemmenden Familientreffen und die bruchstückhaften Bilder lassen hinter seinen Schikanen eine unverkennbare Einsamkeit erkennen. Ricci gibt dem Film Raum zum Atmen. Ohne sie würde sich die viele Zeit mit Billy deutlich mehr danach anfühlen, seine Haftstrafe mit abzusitzen. | © Cinépix Film Properties

14. Climax (2018)

Eine herrliche Zeit lang lässt Climax einen einfach genießen, wie eine Tanztruppe ihr Können auf aberwitzigem Niveau zeigt. Dann entfaltet die mit Drogen versetzte Sangria ihre Wirkung, und dieselben Körper, die sich zuvor so präzise im Einklang bewegt haben, werden füreinander zur unberechenbaren Bedrohung. Gaspar Noé macht Korridore, Licht und hämmernde Musik zu Instrumenten der Panik. Die Choreografie bleibt zentral, selbst als jede Koordination zerfällt. So entsteht ein Horrorfilm, dessen größte Stärke zugleich sein Problem ist: Er vermittelt das Gefühl, diese Party unmöglich verlassen zu können.

| © Wild Bunch

13. Dancer in the Dark (2000)

Björk hört Musik im Lärm der Fabrikmaschinen und schenkt Dancer in the Dark damit Momente der Flucht, die aus purer Notwendigkeit entstanden scheinen. Ihre Selma verliert ihr Augenlicht und spart, um ihren Sohn vor demselben Schicksal zu bewahren, während Lars von Trier ihr nach und nach jeden Ausweg nimmt. Der Kontrast zwischen Musicalfantasie und tristem Alltag ist außergewöhnlich. Ebenso Björks ungeschütztes, verletzliches Spiel, das es schwerer macht, das unablässige Leid abzutun – und erheblich schwerer, es auszuhalten.

| © Zentropa Entertainments

12. Happiness (1998)

Happiness als Komödie zu bezeichnen, ist zutreffend, lässt aber erschreckend viel unerwähnt. Todd Solondz erzählt vom Leben in der Vorstadt, von Zurückweisung, sexueller Scham und Missbrauch und lässt dabei banale Gespräche fast unerträglich werden. Dylan Bakers Darstellung ist besonders verstörend, weil das respektable Auftreten seiner Figur das Monster dahinter nie so eindeutig verrät, wie man es sich wünschen würde. Der Humor legt die Kluft zwischen der Selbstdarstellung der Menschen und dem offen, was sie verbergen. Das Lachen löst diese Spannung kaum – vielmehr verstrickt es einen selbst darin.

| © Killer Films

11. Koyaanisqatsi (1982)

Selten hat Straßenverkehr so viel Leinwandzeit verdient. In Koyaanisqatsi untersucht Godfrey Reggio anhand von Landschaften, Menschenmengen, Maschinen und Zeitrafferaufnahmen eine Zivilisation, die sich zunehmend um ihre eigenen Systeme herum organisiert. Philip Glass’ Musik verleiht den Bildern Dynamik, ohne dass eine Erzählerstimme vorgibt, was man denken soll. So kann eine Autobahn innerhalb derselben Sequenz wunderschön und zutiefst beunruhigend wirken. Dafür muss man allerdings die Erwartung ablegen, dass es Figuren, Dialoge oder jemanden gibt, der irgendwann auftaucht und erklärt, was das Ganze soll.

| © IRE Productions

10. Synecdoche, New York (2008)

Caden Cotard erhält die Mittel, um sein ultimatives Theaterstück zu verwirklichen, und verwandelt seine künstlerische Freiheit prompt in einen bürokratischen Albtraum. Während seine Inszenierung immer größere Ausmaße annimmt, lässt Synecdoche, New York die Proben das Leben verschlingen, das sie eigentlich erhellen sollten. Philip Seymour Hoffman verleiht Charlie Kaufmans zunehmend unmöglichem Konstrukt eine schmerzhafte Menschlichkeit. Der Film betrachtet Eitelkeit mit Humor und vergeudete Zeit mit niederschmetternder Klarheit – besonders, wenn man selbst schon einmal etwas Bedeutsames aufgeschoben hat, bis man sich endlich bereit fühlte, damit anzufangen.

| © Sidney Kimmel Entertainment

9. Under the Skin (2013)

Scarlett Johanssons vertrautes Gesicht wird in Under the Skin auf verstörende Weise undurchschaubar. Sie spielt ein außerirdisches Wesen, das durch Schottland streift und Männer aufliest. Jonathan Glazer verzichtet auf die üblichen Science-Fiction-Erklärungen und fordert uns auf, Gesten, Körper und gesellschaftliche Routinen von außen zu betrachten. Mica Levis Musik lässt selbst scheinbare Ruhe bedrohlich lauern. Der Horror wird noch befremdlicher, sobald Verletzlichkeit ins Spiel kommt. Wer allerdings eine klare Erklärung für die Mission des Wesens erwartet, bekommt vom Kundenservice kaum Unterstützung.

| © Film4

8. Lars und die Frauen (2007)

Über den Gedanken hinwegzukommen, dass er eine Sexpuppe als Freundin hat, ist die größte Hürde bei Lars und die Frauen. Ryan Gosling spielt Lars mit so viel Aufrichtigkeit, dass die Ausgangsidee bald nicht mehr als Pointe funktioniert, während die Menschen um ihn herum nach einem einfühlsamen Umgang mit seiner Wahnvorstellung suchen. Nancy Olivers Drehbuch macht ihre unbeholfenen Versuche, sich darauf einzulassen, zugleich komisch und berührend. Der überraschende Reiz liegt darin, einer Gemeinschaft zuzusehen, die sich für Geduld entscheidet, obwohl Spott so viel einfacher gewesen wäre.

7. Blade Runner 2049 (2017)

Eine Fortsetzung von Blade Runner bringt ohnehin schon Hausaufgaben mit sich. Denis Villeneuve legt dann noch 163 Minuten voller Stille, Regen, Staub, Erinnerungen und philosophischer Detektivarbeit obendrauf. Die Belohnung ist gewaltig: Roger Deakins’ oscarprämierte Kameraarbeit, Ryan Goslings wunderbar zurückhaltendes Spiel und eine Geschichte, die die Frage nach dem Personsein erweitert, ohne bloß das Original zu kopieren. Trotzdem bewegt sich Blade Runner 2049 im Tempo eines sehr traurigen Gletschers. Ihn jemandem zu empfehlen, der heute Abend etwas Unterhaltsames sehen möchte, ist ein zuverlässiger Weg, künftig nicht mehr den Film aussuchen zu dürfen.

6. Possessor (2020)

In Possessor werden Auftragsmorde direkt in die Körper anderer Menschen ausgelagert – ein Geschäftsmodell mit vorhersehbar grauenhaften Arbeitsbedingungen. Andrea Riseborough spielt eine Agentin, deren jüngster Auftrag die Grenze zwischen ihrer eigenen Identität und der ihres Wirts aufzulösen droht. Brandon Cronenberg macht diese Instabilität durch verzerrte Gesichter, invasive Technologie und drastische Körperverletzungen geradezu greifbar. Unter all dem Blut verbirgt sich die scharfsinnige Frage, wie viel von einem selbst ein Job verschlingen kann. Der Film hat allerdings keinerlei Interesse daran, sie behutsam zu stellen.

5. Requiem for a Dream (2000)

Ellen Burstyn dabei zuzuhören, wie sie über ihr rotes Kleid spricht, schmerzt mehr als das, was viele Horrorfilme mit ihrem gesamten Effektbudget erreichen. Ihre Sehnsucht danach, sich attraktiv und begehrt zu fühlen, bildet das erschütterndste emotionale Fundament von Requiem for a Dream. Darren Aronofsky verknüpft diese Sehnsucht durch eine getriebene Montage und Clint Mansells eindringliche Musik mit den Süchten dreier jüngerer Figuren. Die Inszenierung lässt jeden vermeintlichen Ausweg zunehmend mechanisch wirken, bis das Zuschauen selbst zur Belastungsprobe wird. Bewunderung bedeutet nicht zwangsläufig, dass man den Film noch einmal sehen möchte.

4. Lost Highway (1997)

Eine Videokassette mit Aufnahmen aus dem Inneren des eigenen Hauses ist ein nachvollziehbarer Grund zur Panik. Bei fast allem, was danach in Lost Highway geschieht, hilft Nachvollziehbarkeit allerdings deutlich weniger. David Lynch gleitet von häuslichem Misstrauen zu zersplitterten Identitäten und einer Begierde im Stil des Film noir. Patricia Arquette bleibt dabei eine gefährlich schwer greifbare Präsenz in der sich wandelnden Erzählung. Klang und Atmosphäre halten den Film zusammen, wo die übliche Logik von Ursache und Wirkung versagt. Hinterher kann man stundenlang Erklärungen diskutieren – solange niemand das Gespräch mit dem Versuch verwechselt, eine kaputte Handlung zu reparieren.

| © CiBy 2000

3. Bone Tomahawk (2015)

Kurt Russells Sheriff und seine Begleiter verbringen in Bone Tomahawk so viel Zeit mit Gesprächen, dass ihre Rettungsmission den behaglichen Rhythmus eines klassischen Westerns annimmt. Besonders Richard Jenkins versteht es, scheinbar beiläufiges Geplauder hörenswert zu machen. Dann setzt S. Craig Zahler diese vertraut gewordenen Figuren einer Gewalt aus, die weit über die üblichen Schießereien des Genres hinausgeht. Ihre Verbundenheit verleiht dem Horror Gewicht. Doch einem Freund diesen Film als Western mit ein paar üblen Momenten zu beschreiben, käme einem schweren Vertrauensbruch gleich.

2. Mysterious Skin – Unter die Haut (2004)

Gregg Araki verleiht Mysterious Skin – Unter die Haut eine verträumte visuelle Sanftheit, die seine Auseinandersetzung mit sexuellem Missbrauch in der Kindheit noch schmerzhafter macht. Joseph Gordon-Levitt und Brady Corbet spielen junge Männer, die eine gemeinsame Vergangenheit auf radikal unterschiedliche Weise deuten. Einer von ihnen glaubt, von Außerirdischen entführt worden zu sein. Ihre Darstellungen widersetzen sich einfachen Vorstellungen davon, wie Überlebende solcher Erfahrungen zu sein haben. Obwohl die sexuelle Gewalt den Film schwer erträglich macht, gilt Arakis Aufmerksamkeit den vom Missbrauch gezeichneten Leben und nicht dem Schock der Enthüllung.

1. Dear Zachary (2008)

Privataufnahmen und liebevolle Erinnerungen geben Dear Zachary ein persönlicheres Anliegen als die Aufklärung eines Verbrechens: die Erinnerung an Andrew Bagby für den Sohn zu bewahren, der ihn nie kennenlernen wird. Die Freundschaft des Filmemachers Kurt Kuenne mit Andrew prägt jeden Übergang und lässt die Dokumentation im Verlauf ihrer Geschichte eindringlich persönlich wirken. Andrews Eltern werden zu ihrem emotionalen Mittelpunkt, ihre Liebe untrennbar mit ihrer Trauer verbunden. Die Wucht des Films verdient Anerkennung. Ihn jedoch als Wettbewerb darum zu betrachten, wer am heftigsten weint, verfehlt die Menschen, um die es geht, vollkommen.