EarlyGame | Die 50 besten animierten Science-Fiction-Filme aller…

50. Tamala 2010: A Punk Cat in Space (2002)

Hello-Kitty-Energie trifft in Tamala 2010: A Punk Cat in Space auf einen Cyberpunk-Philosophie-Mixer - eine schwarz-weiße Kult-Kuriosität über Kapitalismus, Reinkarnation, kosmisches Branding und eine extrem stoische Katze, die durch das Universum driftet. Seine Sci-Fi-Mythologie ist bewusst schwer greifbar, aber genau das ist Teil des Witzes: Der Film behandelt die niedliche Maskottchen-Kultur wie eine interplanetarische Religion mit einer finsteren Marketingabteilung. Selbst heute fühlt er sich weniger „veraltet“ an, sondern eher wie eine Raubkopie, die dauerhaft aus einer anderen Dimension eingeschleust wurde. | © Kinetique

49. Lily C.A.T. (1987)

Lily C.A.T. macht kein Geheimnis aus seinen Anleihen bei Alien und Das Ding aus einer anderen Welt, aber der Film trägt diese Einflüsse mit dem schmuddeligen Selbstbewusstsein der VHS-Ära. Eine Deep-Space-Mission eines Großkonzerns läuft schief, Besatzungsmitglieder sterben und der Film verwandelt sein Raumschiff in eine klaustrophobische, unter Druck stehende Kiste voller Misstrauen, Body-Horror und mieser Firmenpolitik. Die Charakterdesigns und Kreaturen-Details verleihen ihm mehr Persönlichkeit, als ein einfacher Abklatsch verdient hätte. Es ist unbestreitbar Trash-Kino, aber Trash mit Krallen. | © Studio Pierrot

48. Renaissance (2006)

Der reine Schwarz-Weiß-Look von Renaissance wirkt, als hätte jemand Blade Runner, französischen Film Noir und einen Luxusparfüm-Werbespot in dasselbe Überwachungssystem eingespeist. Angesiedelt in einem zukünftigen Paris, das von einem Kosmetik-Technologiekonzern beherrscht wird, verwandelt der Film ewige Jugend mit eisiger visueller Souveränität in den MacGuffin einer Detektivgeschichte. Die Motion-Capture-Animation ist gelegentlich steif, aber der Grafikstil ist so aggressiv, dass diese Steifheit fast schon Teil der Architektur wird. | © Onyx Films

47. Metropia (2009)

Ein Europa, das durch ein endloses unterirdisches Metrosystem verbunden ist, eine Stimme im Kopf eines Mannes und eine Verschwörung auf Shampoo-Basis: Metropia klingt absurd, bis seine stumpfsinnige Paranoia plötzlich unangenehm viel Sinn ergibt. Die an Scherenschnitte erinnernde Animation verleiht jedem Gesicht eine wächserne, schlaflose Qualität, als wäre der gesamte Kontinent durch Werbung leicht vergiftet worden. Der Film ist kein Publikumsliebling und tut auch nicht so. Er murmelt seine Dystopie unter Leuchtstoffröhren vor sich hin. | © Atmo Media Network

46. Technotise (2009)

Serbischer Cyberpunk erhält in Technotise eine unangepasste, koffeingeladene Bühne. Darin implantiert sich eine Psychologiestudentin einen Schwarzmarkt-Chip, um eine Prüfung zu bestehen, und verwandelt ihr eigenes Gehirn versehentlich in ein erstklassiges militärisches Spekulationsobjekt. Die Kulisse von Belgrad verleiht dem Film eine Textur, die ihn von glatteren, Anime-inspirierten Zukunftsvisionen abhebt, und seine Budgetgrenzen werden durch echten Comic-Stolz ausgeglichen. Er ist chaotisch, ehrgeizig und stolz auf seine ganz eigene, lokale Skurrilität. | © Black White ’N’ Green

45. Der Kongress (2013)

Ari Folmans Der Kongress beginnt als grausame Hollywood-Satire, bevor der Film zu einem animierten Fiebertraum über digitalen Besitz, Berühmtheit und die seelenzerstörende Bequemlichkeit von Fantasiewelten mutiert. Dass Robin Wright eine Version ihrer selbst spielt, verleiht dem Film eine seltsame Schärfe - besonders ab dem Moment, in dem die Industrie ihr Abbild buchstäblich scannt, um es für immer zu besitzen. Die animierte Hälfte ist umwerfend, aber ihre Schönheit kommt mit Gift in der Tinte. | © Bridgit Folman Film Gang

44. Origin: Spirits of the Past (2006)

Origin: Spirits of the Past nimmt das klassische Öko-Apokalypse-Szenario und verpasst ihm die volle, opulente und dramatische Anime-Inszenierung: Wälder mit eigenem Willen, menschliche Fraktionen, die an alten Feindseligkeiten festhalten, und ein Junge, der zwischen einem verwundeten Planeten und einer als Waffe missbrauchten Vergangenheit gefangen ist. Die Geschichte mag vertraut wirken, aber die schiere Größe und die Farben verhindern, dass sie unbedeutend wirkt. In seinen besten Momenten begreift der Film, dass Umwelt-Sci-Fi dann am stärksten ist, wenn die Natur weniger wie eine Kulisse, sondern wie eine lebendige Anschuldigung wirkt. | © Gonzo

43. Jin-Roh: Die Wolfsbrigade (1999)

Jin-Roh: Die Wolfsbrigade ist Science-Fiction ohne jede glänzende Zukunftsvision vor Augen - stattdessen gibt es nur gepanzerte Polizei, politischen Terror und ein alternatives Japan, das dauerhaft unter einem grauen Himmel gefangen zu sein scheint. Das Drehbuch von Mamoru Oshii nutzt die Symbolik von Rotkäppchen nicht als bloße Dekoration, sondern als fatalistischen Wegweiser für Verrat und Gehorsam. Die zurückhaltende Regie von Hiroyuki Okiura verleiht jeder Geste ein enormes Gewicht. Dabei geht es weniger um Action als vielmehr um den emotionalen Preis, den es kostet, selbst zu einer Waffe zu werden. | © Production I.G

42. Invader Zim: Enter the Florpus (2019)

Invader Zim: Enter the Florpus nimmt den alten, von einem Zuckerrausch getriebenen Untergangsglauben der Serie und skaliert ihn hoch, ohne dabei die Hässlichkeit glattzuschleifen, die ihn so besonders gemacht hat. Zims neuester Plan entfesselt eine die Realität verzerrende Katastrophe, Dib verstrickt sich in eine schweißtreibende Obsession und die Erde beweist wieder einmal, dass sie jeden Unsinn verdient hat, der ihr widerfährt. Die Animation ist sauberer als in der Originalserie, aber die Witze kommen immer noch mit der wundervollen Energie von „jemand hat eine Mikrowelle voller Wachsmalstifte eingeschaltet“ daher. | © Nickelodeon Animation Studio

41. The Sky Crawlers (2008)

Mamoru Oshii verwandelt den Luftkampf in The Sky Crawlers in ein trauriges, elegantes Ritual - ein Science-Fiction-Kriegsfilm, in dem Jugend, Tod und Wiederholung zu korporativer Unterhaltung verschwimmen. Die Luftkämpfe sind präzise und wunderschön, aber der Film lenkt die Aufmerksamkeit immer wieder zurück auf die emotionale Taubheit von Piloten, die in einem bereits aufgebrauchten Leben gefangen zu sein scheinen. Er ist bewusst langsam erzählt, fast schon hartnäckig, und genau diese Stille lässt seine Gewalt noch kälter wirken. | © Production I.G

Cropped April and the Extraordianry World

40. April und die außergewöhnliche Welt (2015)

Eine Welt, aus der Wissenschaftler verschwunden sind, Elektrizität sich nie ganz durchgesetzt hat und Napoleons Imperium weiter von Kohlerauch angetrieben wird, beschert April und die außergewöhnliche Welt eine der detailreichsten Alternativweltgeschichten des Animationsfilms. Die von Tardi inspirierten Designs lassen jede Maschine charmant, dreckig und leicht gefährlich aussehen. Aprils Suche nach ihren Eltern entwickelt sich zu einem Steampunk-Mysterium mit sprechenden Katzen, Eidechsen-Verschwörungen und einer echten ökologischen Botschaft hinter all der Verspieltheit. | © Je Suis Bien Content

39. Roujin Z (1991)

Nur Katsuhiro Otomo konnte dabei helfen, die Automatisierung der Altenpflege in eine wilde Mecha-Satire zu verwandeln und den Witz dennoch tief sitzen zu lassen. Roujin Z beginnt mit einem staatlich geförderten, robotergestützten Krankenhausbett und offenbart schnell den Horror, menschliche Fürsorge durch Technologie zu ersetzen, die eigentlich für die Öffentlichkeitsarbeit konzipiert wurde. Der Film ist witzig, hektisch und überraschend wütend darüber, wie die Bürokratie das Alter wie ein reines Ingenieursproblem behandelt. Seine Absurdität funktioniert, weil das eigentliche Ziel überhaupt nicht absurd ist. | © A.P.P.P.

Cropped The Place Promised in Our Early Days

38. Der in unseren frühen Tagen versprochene Ort (2004)

Bevor Makoto Shinkai zu einem Synonym für kosmische Sehnsucht im Blockbuster-Format wurde, bot Der in unseren frühen Tagen versprochene Ort eine leisere Version seiner bevorzugten emotionalen Mechanismen: Distanz, Erinnerung, unmögliche Architektur und junge Menschen, die versuchen, sich über Kräfte hinweg zu erreichen, die sie kaum verstehen. Sein alternatives, geteiltes Japan verleiht der Romanze eine politische Kälte, während das aufragende Mysterium im Zentrum wie ein Monument einer unvollendeten Jugend wirkt. | © CoMix Wave Inc.

37. Short Peace (2013)

Short Peace ist ein Episodenfilm, der keinerlei Interesse daran hat, wie ein einzelnes, ordentliches Gesamtpaket zu wirken - und genau diese Rastlosigkeit macht seinen Charme aus. Katsuhiro Otomo und seine Mitstreiter bewegen sich von übernatürlicher Folklore über Feuer und Monster hin zu mechanisierter Kriegsführung. Dabei nutzen sie Science-Fiction weniger als starre Genregrenze, sondern vielmehr als Hebel, um Druckpunkte zu treffen. Nicht jeder Abschnitt zündet mit der gleichen Wucht, aber das handwerkliche Können ist durchweg atemberaubend. Der Film wirkt wie eine Museumsausstellung, die immer wieder die Gäste angreift. | © Sunrise

36. Wonderful Days – Die Tage der Hoffnung (2003)

Südkoreas Wonderful Days – Die Tage der Hoffnung, wirft Klassenkampf, ökologischen Kollaps und hybride Animationen in eine regenüberströmte Zukunft, in der die Reichen buchstäblich über der verschmutzten Welt leben, die sie ausbeuten. Seine Mischung aus Zeichentrick, CGI und Miniatur-artigen Hintergründen mag ungleichmäßig sein, doch der Ehrgeiz dahinter lässt sich kaum leugnen. Selbst wenn die Geschichte ins Plakative abdriftet, transportieren die Bilder unaufhörlich die Tragödie einer Zivilisation, die durch das Leid aller anderen angetrieben wird. | © Tin House Productions

35. Vertreibung aus dem Paradies (2014)

Vertreibung aus dem Paradies besitzt die glänzenden Oberflächen eines Action-Animes des digitalen Zeitalters, aber seine besten Ideen sind überraschend altmodisch: Was ist ein Körper wert, was macht Freiheit real und wer darf ein virtuelles Paradies als „Leben“ bezeichnen? Angelas Reise aus einer datenbasierten Gesellschaft auf eine zerstörte Erde bietet dem Film Raum für Schießereien, Philosophie und einen Cowboy-Hacker, der bessere Prioritäten setzt als die meisten Regierungen. Er ist Trash-Kino, glänzend und insgeheim tiefgründig. | © Toei Animation

34. Herrscher der Zeit (1982)

René Laloux und Mœbius verwandeln Herrscher der Zeit in die Art von animiertem Sci-Fi-Abenteuer, das sich etwa fünf Minuten lang einfach anfühlt, bevor das Universum beginnt, sich in sich selbst zusammenzufalten. Eine Rettungsmission über fremde Welten hinweg wird zu einer seltsamen Meditation über das Schicksal, die Kindheit und kosmische Perspektiven. Die Designs besitzen diese unverkennbare europäische Comic-Eleganz, bei der jeder Planet sowohl einladend als auch leicht feindselig wirkt. Der Film ist sanft, unheimlich und von einer leisen, tiefen Erschütterung geprägt. | © Télécip

33. Mobile Police Patlabor 1: Der Film (1989)

Riesige Roboter werden normalerweise als pures Spektakel inszeniert, aber Patlabor: Der Film behandelt sie wie städtische Infrastruktur mit einer Sicherheitslücke, was irgendwie weitaus interessanter ist. Mamoru Oshii baut einen Techno-Thriller rund um Bauprojekte, Softwaresabotage, Polizeiarbeit und das unbehagliche Vertrauen auf, das die Gesellschaft in Maschinen setzt, die sie kaum versteht. Die Action ist wichtig, aber die Ermittlung ist der eigentliche Aufhänger. Dies ist Mecha-Sci-Fi für Leute, die gerne den Papierkram zu ihrer Apokalypse genießen. | © I.G Tatsunoko

32. Hal (2013)

Auf den ersten Blick wirkt Hal wie eine feinfühlige Roboter-Romanze über Trauer, Therapie und das Lernen, nach einer Katastrophe weiterzuleben. Dann beginnt der Film, das emotionale Gefüge völlig neu zu ordnen, und wird weitaus seltsamer, als es seine sanften Farben vermuten lassen. WIT Studio verleiht der Geschichte einen behutsamen, fast zerbrechlichen Look, was den menschlichen Schmerz unter dem Sci-Fi-Szenario umso spürbarer macht. Er ist klein im Format, aber seine Wendung verwandelt diese Unscheinbarkeit in etwas messerscharfes. | © WIT Studio

31. Appleseed – Kampf um die Freiheit (1988)

Das originale Appleseed ist zwar nicht die eleganteste Masamune-Shirow-Adaption, aber sie ist ein faszinierender früher Versuch, Olympus, Bioroiden, den Wiederaufbau der Nachkriegszeit und kybernetische Politik ins Animationskino zu bringen. Seine Zukunftsstadt wirkt eher skizziert als vollständig erschlossen, was dem Film den rauen Charme eines Prototyps verleiht. Deunan und Briareos sollten später noch weitaus spektakulärere Auftritte bekommen, doch dieser hier besitzt den Reiz eines Cyberpunk-Entwurfs, der noch nach Tinte riecht. | © Gainax

30. Belle (2021)

Mamoru Hosodas Belle verwandelt das Internet in ein glitzerndes emotionales Amphitheater und fragt dann, was passiert, wenn Performance, Trauma und Identität denselben Anmeldebildschirm nutzen. Die virtuelle Welt von U ist bewusst überwältigend gestaltet, aber das Herz des Films bleibt bei Suzu, deren Stimme sowohl zu einer Rüstung als auch zu einem Geständnis wird. Die Anklänge an Die Schöne und das Biest sind unübersehbar; die schärfere Erkenntnis des Films ist jedoch, wie Online-Sichtbarkeit gleichzeitig heilen und verletzen kann. | © Studio Chizu

29. Hello World (2019)

Hello World nimmt eine Teenager-Liebesgeschichte und fügt immer neue Ebenen hinzu, bis Kyoto zu einem Datenarchiv, einem Zeitreise-Rätsel und dem wohl stressigsten Backup-File der Welt wird. Die Romanze ist aufrichtig, aber der eigentliche Spaß des Films besteht darin, zuzusehen, wie er das klassische „Rette das Mädchen“-Sci-Fi-Szenario in ein Simulations-Paradoxon mit immer unberechenbareren Regeln verwandelt. Sein CG-Anime-Stil mag die Zuschauer spalten, doch das Konzept besitzt einen klaren, fesselnden Aufhänger. | © Graphinica

28. Titan A.E. (2000)

Titan A.E. erschien als die Art von mutigem Befreiungsschlag, der nur kurz vor dem Zusammenbruch eines Studios existieren konnte: handgezeichnete Abenteuer, CG-Raumschiffe, ein Überlebenskampf nach dem Untergang der Erde, Teenager-Attitüde und Aliens aus glühender Zerstörung. Don Bluth und Gary Goldman strebten nach einer Weltraumoper mit dem Puls eines Pop-Soundtracks, und selbst die ungeschicktesten Entscheidungen wirken heute seltsam charmant. Der Ruf des Films hat sich verbessert, weil sein Ehrgeiz leichter zu bewundern ist als es seine Einspielergebnisse damals waren. | © Fox Animation Studios

27. Welcome to The Space Show (2010)

Eine Gruppe von Kindern hilft einem außerirdischen Hund und landet auf einer intergalaktischen Reise, die immer größer, verrückter und überladener mit visuellen Ideen wird. Welcome to the Space Show besitzt die ungezwungene, vollgepackte Energie eines Kindheitsurlaubs, bei dem jeder Zwischenstopp heimlich Teil einer kosmischen Wirtschaft ist. Er ist lang, ja, aber der Film belohnt Geduld durch seine schiere Dichte an Fantasie: Märkte, Kreaturen, Planeten und Witze sind in jede erdenkliche Ecke gequetscht. | © A-1 Pictures

26. Gandahar (1988)

Gandahar von René Laloux entwirft eine biologische Utopie, die von Metallmenschen überfallen wird; und enthüllt dann langsam einen in der Zeit verzerrten Albtraum, der sich unter seinen wunderschönen Pastelloberflächen verbirgt. Die Science-Fiction des Films dreht sich nicht um glänzende Maschinen; es geht um Evolution, Macht, Verfall und den Horror einer Zukunft, die ihren eigenen Ursprung angreift. Er besitzt die verträumte Seltsamkeit eines Groschenromans, der von jemandem illustriert wurde, der jedem Imperium misstraut - selbst den schönen. | © Col.Ima.Son Films

25. Heavy Metal (1981)

Heavy Metal ist verschwitzt, geil, gewalttätig, pubertär, hypnotisch und gelegentlich brillant auf eine Art und Weise, wie es nur eine animierte Spätvorstellungs-Anthologie sein kann. Das grüne Loc-Nar verbindet Geschichten von Weltraum-Truckern, Kriegern, Mutanten und kosmischem Schmuddel, aber Kohärenz ist eigentlich nicht der Punkt. Der Punkt ist das Gefühl von Science-Fiction, die mit der Airbrush-Pistole auf einen Van gesprüht und dann durch einen Rock-Radio-Lautsprecher gejagt wurde. Subtil ist das nicht; kulturell hängen geblieben dagegen absolut. | © Potterton Productions

24. Manie Manie – Labyrinth-Geschichten (1987)

Drei Segmente, drei Albträume, ein kompakter Ausbruch ungetrübter Anime-Experimentierfreude: Manie Manie – Labyrinth-Geschichten ist eine Anthologie, die Science-Fiction als Bewegung, Architektur und Angst begreift. Allein „The Running Man“ würde dem Werk hier einen Platz sichern, indem es ein futuristisches Rennen in einen schweißtreibenden psychischen Zusammenbruch verwandelt, während Katsuhiro Otomos Bausatire das Ganze mit industrieller Absurdität abschließt. Der Film ist kurz, scharf und so stylisch, dass viele längere Filme daneben blass aussehen. | © Madhouse

23. Die Hunde sind los (1982)

Die Hunde sind los wird oft als Trauma in animierter Form diskutiert, und ehrlich gesagt völlig zu Recht. Zwei Hunde entkommen aus einer Forschungseinrichtung, aber der Film weigert sich, die draußen wartende Welt abzumildern: menschliche Panik, tierische Verwirrung, mediale Grausamkeit und ein Überlebenskampf ohne sentimentales Sicherheitsnetz. Seine Science-Fiction entspringt eher dem Laborhorror als irgendwelchen Raumschiffen, und genau das macht es so schwer, den Film abzuschütteln. Dies ist Animation als moralischer blauer Fleck. | © Nepenthe Productions

22. The Animatrix (2003)

The Animatrix schafft das, was Begleitprojekte fast nie hinbekommen: Es erweitert ein Blockbuster-Universum und lässt den Animatoren gleichzeitig den Freiraum, ihre ganz eigenen Obsessionen in dieses Gefüge einzubringen. Die Kurzfilme reichen von historischer Roboter-Tragödie über fehlerhaften Geisterhaus-Surrealismus und Kampfkunst-Simulationen bis hin zu Noir-Detektivarbeit. „The Second Renaissance“ bleibt dabei die große Hintergrundgeschichte-Bombe, aber der wahre Wert der Anthologie liegt in ihrer tonalen Vielfalt. Sie beweist, dass die Matrix in animierter Form schon immer flexibler war. | © Warner Bros.

21. Robot Carnival (1987)

Robot Carnival ist weniger ein Film als vielmehr eine Parade aus mechanischen Träumen, Witzen, Tragödien und Explosionen, erschaffen von Animatoren, die hier auf die bestmögliche Weise miteinander um die Wette eifern. Das Anthologie-Format erlaubt es den Robotern, Spielzeuge, Waffen, Tänzer, Götter und Pointen zu sein - ganz ohne dem Bildschirm eine starre These aufzuzwingen. Die schiere Bandbreite macht den Reiz aus: Ein Segment schwebt, ein anderes stampft, das nächste bricht einem das Herz, und die gesamte Maschine rattert unaufhaltsam weiter nach vorn. | © A.P.P.P.

20. WALL-E (2008)

WALL-E hat es irgendwie geschafft, eine weitgehend wortlose Romanze zwischen zwei Robotern zu erzählen und gleichzeitig eine der präzisesten Visionen eines konsumorientierten Kollapses in das Mainstream-Animationskino zu schmuggeln. Der Film beginnt auf einer verlassenen, von Müll bedeckten Erde und weitet sich dann zu einer im Weltraum angesiedelten Satire über Bequemlichkeit, Automatisierung und die gefährliche Leichtigkeit aus, niemals nach oben zu blicken. Das Wunderbare daran ist, wie einfühlsam er dabei bleibt. Eine rostige Müllpresse, die in die Sterne starrt, sollte eigentlich nicht so emotional wirksam sein. | © Pixar Animation Studios

19. Memories (1995)

Memories besteht im Grunde aus drei Science-Fiction-Filmen in einem Trenchcoat, und der erste davon, „Magnetic Rose“, ist so stark, dass er fast zu einer eigenen Legende wird. Das Drehbuch von Satoshi Kon und die Regie von Kōji Morimoto verwandeln eine verlassene Raumstation in eine Oper aus Erinnerung, Trauer und Halluzination, während die anderen Segmente in Richtung biologischer Katastrophen-Komödie und militaristischer Absurdität drängen. Für eine Anthologie ist das Werk nur deshalb ungleichmäßig, weil sein Höhepunkt absurd hoch liegt. | © Studio 4°C

18. Arco – Eine fantastische Reise durch die Zeiten (2025)

Arco bringt einen seltenen Optimismus in die animierte Science-Fiction und schickt einen Jungen im Regenbogenanzug aus einer fernen Zukunft in das Leben von Iris; einem Kind, das in einer sturmdurchpeitschten Welt aufwächst, die gelernt hat, zu viel von ihrer Menschlichkeit auszulagern. Das Langfilmdebüt von Ugo Bienvenu besitzt die Sanftheit einer Kinderfabel, setzt sich aber insgeheim ernsthaft mit Klimaangst, Technologie, Einsamkeit und der Notwendigkeit auseinander, sich eine bessere Zukunft vorzustellen, bevor die Gegenwart aufgibt. Der Film fühlt sich im emotionalen Sinne handgemacht an, nicht nur im visuellen. | © Remembers

17. Royal Space Force – The Wings of Honneamise (1987)

Wings of Honneamise erschafft eine komplette Alternativwelt, nur um die Frage zu stellen, ob der Vorstoß ins All überhaupt eine Bedeutung hat, wenn die Menschen, die ihn wagen, orientierungslos, kompromittiert und schmerzhaft menschlich sind. Gainaxs Debütfilm zeichnet sich durch eine erstaunliche Handwerkskunst aus, aber seine Größe liegt darin, sich den triumphalen Klischees des Wettlaufs ins All zu verweigern. Der Raketenstart ist wichtig, weil alles um ihn herum chaotisch ist: Politik, Religion, Klasse, Ego und Zweifel. Es ist ein grandioser animierter Sci-Fi-Film mit Dreck unter den Fingernägeln. | © Gainax

16. Der Gigant aus dem All (1999)

Brad Birds Der Gigant aus dem All verwandelt die Paranoia des Kalten Krieges in eine Geschichte über einen Jungen und einen Roboter, ohne dabei die politische Angst dahinter herunterzuspielen. Der Riese ist wie eine Waffe gebaut, wird wie eine Bedrohung behandelt und wie ein Mensch geliebt, was dem Film seine klare emotionale Kraft verleiht. Seine Retro-Science-Fiction-Bilder sind wunderschön, aber die wahre Stärke ist moralischer Natur: Identität ist nicht das, wofür man konstruiert wurde, sondern das, wofür man sich entscheidet. | © Warner Bros. Feature Animation

15. 9 (2009)

9 sieht aus wie das Ende der Welt, zusammengeflickt aus Sackleinen, Messing, Knochen und schlechten menschlichen Entscheidungen. Die Erweiterung von Shane Ackers Kurzfilm zu einem Spielfilm brachte zwar eine gewisse erzählerische Schwäche mit sich, aber die Atmosphäre bleibt grandios: winzige Stoffpuppen-Wesen, die durch eine tote, von Maschinen beherrschte Industrielandschaft wandern. Der Film begreift postapokalyptische Animation in erster Linie als Textur und erst in zweiter Linie als Mythologie. Selbst wenn das Drehbuch schwächelt, flüstert die Ruinenwelt unaufhörlich weiter. | © Starz Animation

14. Mars Express (2023)

Mars Express bewegt sich wie ein Detektiv-Thriller, der zufällig auch synthetische Körper, Roboter-Bürgerrechte, kybernetische Sucht und eine Mars-Kolonie mit schrecklicher Arbeitsmoral beinhaltet. Jérémie Périn hält das Tempo hoch, aber der eigentliche Clou des Films ist, wie beiläufig er eine Zukunft aufbaut, die administrativ plausibel erscheint - was beängstigender ist als jeder Killerroboter. Aline und Carlos geben ein großartiges Noir-Duo ab, weil der Film ihre Partnerschaft pragmatisch, angeschlagen und von einer leisen Traurigkeit geprägt sein lässt. | © Everybody on Deck

13. Summer Wars (2009)

Summer Wars hat die Apokalypse der sozialen Netzwerke vorausgesagt; und zwar mit einem Lächeln, einem Familientreffen und einer digitalen Welt namens OZ, die so lange nach Spaß aussieht, bis ein einziger gehackter Account alles bedroht. Mamoru Hosoda balanciert das Spektakel eines Cyberkriegs mit häuslichem Chaos aus und lässt Kartenspiele, Verwandte, Avatare und orbitale Gefahren denselben emotionalen Raum teilen. Der Film funktioniert, weil das Internet-Problem zwar riesig ist, die Lösung aber letztlich immer noch davon abhängt, dass Menschen miteinander diskutieren, kochen, sich erinnern und füreinander da sind. | © Madhouse

12. Der dunkle Schirm (2006)

Der dunkle Schirm von Richard Linklater nutzt Rotoskopie-Animation, um die Drogenparanoia von Philip K. Dick auf zellulärer Ebene instabil wirken zu lassen. Gesichter verschwimmen, Identitäten verblassen, und der berühmte Jedermann-Anzug wird zum perfekten Sinnbild für einen Überwachungsstaat, der seine eigenen Agenten verschlingt. Der Film ist auf eine kränkliche Art witzig, aber der Humor schlägt immer wieder in Trauer um. Seine Science-Fiction ist kein Eskapismus, sondern ein Horrortrip mit bürokratischem Papierkram. | © Warner Independent Pictures

11. Nausicaä aus dem Tal der Winde (1984)

Nausicaä aus dem Tal der Winde wird oft in die Studio-Ghibli-Diskussion einbezogen, aber sein Prä-Ghibli-Status ist von Bedeutung: Der Film ist der Keim, aus dem so viele spätere ökologische Fantasy-Werke erwachsen sollten. Hayao Miyazakis giftiger Dschungel, riesige Insekten und kriegführende Königreiche erschaffen eine postapokalyptische Welt, in der die Angst der eigentliche Schadstoff ist. Nausicaä selbst bleibt eine der großen Sci-Fi-Heldinnen des Animationsfilms, weil Mitgefühl hier keine Schwäche ist. Es ist Strategie. | © Topcraft

10. Das Mädchen, das durch die Zeit sprang (2006)

Zeitreisen gehen meistens mit Diagrammen, Paradoxien und Männern einher, die lautstark über das Schicksal schwadronieren; Das Mädchen, das durch die Zeit sprang beginnt damit, dass ein Teenager-Mädchen sie nutzt, um Unannehmlichkeiten zu vermeiden und Pudding zu essen. Genau dieser unbeschwerte Egoismus ist es, der den Film später so schmerzhaft macht. Mamoru Hosoda verwandelt eine spielerische Prämisse in eine messerscharfe Coming-of-Age-Geschichte über Konsequenzen, Timing und die grausame kleine Wahrheit, dass Erwachsenwerden bedeutet, einige Auswege zu verlieren. | © Madhouse

9. Der wilde Planet (1973)

Der wilde Planet wirkt auch heute noch auf die bestmögliche Art illegal, als hätte jemand durch ein psychedelisches Wissenschaftslehrbuch die Anthropologie von Außerirdischen entdeckt. Menschen sind winzige „Oms“, die unter der Kontrolle von riesigen, blauen Draags leben, und die Scherenschnitt-Animation des Films lässt jedes Ritual, jede Kreatur und jede Landschaft ruhig und besonnen verrückt wirken. Seine Allegorie ist unverblümt, aber die Bildsprache bleibt unvergesslich. Animierte Science-Fiction fühlt sich selten gleichzeitig so uralt, politisch und berauscht an. | © Les Films Armorial

8. Metropolis (2001)

Rintaros Metropolis nimmt den Manga von Osamu Tezuka, das Drehbuch von Katsuhiro Otomo und ein Jahrhundert voller Roboter-Paranoia und gießt sie in eine Stadt, die unter dem Druck ihrer eigenen vertikalen Ambitionen jeden Moment zusammenzubrechen scheint. Das Robotermädchen Tima verleiht dem Film sein tragisches Zentrum, während die Klassenpolitik und das Retro-Futurismus-Design alles in ständiger Bewegung halten. Das fesselnde Finale ist ein reines Animationsspektakel, aber es ist die unterschwellige Traurigkeit, die dem gesamten Getriebe sein emotionales Gewicht verleiht. | © Madhouse

7. Das Schloss im Himmel (1986)

Das Schloss im Himmel ist der erste offizielle Spielfilm von Studio Ghibli, und er besitzt bereits diese unnachahmliche Balance aus Abenteuer, Melancholie, Mechanik und himmlischem Staunen. Die schwebende Stadt Laputa ist einer der großartigsten Schauplätze der animierten Science-Fiction - nicht, weil sie so mächtig ist, sondern weil sie von genau dem Traum verlassen zu sein scheint, der sie einst erschuf. Piraten, Roboter, Kristalle und Luftschiffe halten den Film in ständiger Bewegung; sein antimilitaristisches Herz macht ihn zeitlos. | © Studio Ghibli

6. Paprika (2006)

Satoshi Kons Paprika verwandelt die Traumtherapie in einen ausgewachsenen Realitätsbruch und lässt die Bildgewalt Amok laufen, noch bevor überhaupt jemand einen ordentlichen Zwischenbericht einreichen kann. Das gestohlene „DC Mini“-Gerät ist ein klassischer Sci-Fi-Auslöser, aber das Genie des Films liegt darin, wie er das Unterbewusstsein gleichzeitig als Parade, Werbespot, Albtraum und Identitätskrise visualisiert. Jeder Schnitt fühlt sich wie eine Falltür an. Animation war die einzige Sprache, die schnell genug dafür war. | © Madhouse

5. Your Name. – Gestern, heute und für immer (2016)

Your Name. beginnt wie eine Körpertausch-Romanze und enthüllt langsam eine kosmische Katastrophe, die sich hinter dem Scherz verbirgt. Makoto Shinkai nutzt Handys, Erinnerungslücken, Züge, Träume und einen Kometen, um jugendliche Sehnsucht in ein Science-Fiction-Schicksal zu verwandeln, während er die Emotionen gleichzeitig schmerzhaft zugänglich hält. Seine Beliebtheit macht es leicht zu unterschätzen, wie elegant der Film konstruiert ist. Er ist eine Puzzlebox, eine Liebesgeschichte und ein Katastrophenfilm, getarnt als Déjà-vu. | © CoMix Wave Films

4. Steamboy (2004)

Steamboy, Katsuhiro Otomos Nachfolger von Akira, ist ein Steampunk-Epos, das mechanisch so besessen ist, dass jedes Ventil, jedes Rohr, jede Kanone und jeder Motor einen eigenen Gewerkschaftsvertrag zu haben scheint. Der Film verwandelt viktorianische Erfindungen in ein Wettrüsten und wirft die Frage auf, ob Fortschritt überhaupt eine Bedeutung hat, wenn ihn Kapital und ein Imperium definieren. Die Geschichte ist geradliniger als ihre Maschinerie, aber das Ausmaß ist gigantisch. Nur wenige Animationsfilme haben Druck jemals so kostspielig wirken lassen. | © Sunrise

3. Akira (1988)

Akira hat die Messlatte für animierte Science-Fiction nicht einfach nur höher gelegt - der Film ließ die Messlatte unterfinanziert aussehen. Neo-Tokyo besteht nur aus Hitze, Beton, Protest, Motorrad-Lichtspuren und psychischem Druck, wobei Tetsuos Mutation jugendliche Wut in eine Body-Horror-Apokalypse verwandelt. Katsuhiro Otomos Film bleibt überwältigend, weil sein Spektakel niemals dekorativ wirkt. Jede Explosion wirkt politisch, jede Transformation persönlich, und jedes Einzelbild sieht immer noch so aus, als würde die Zukunft zu schnell hereinbrechen. | © TMS Entertainment

2. World of Tomorrow (2015)

World of Tomorrow von Don Hertzfeldt ist zwar nur ein Kurzfilm, aber er enthält genug Klone, Datenspeicherung von Erinnerungen, digitales Bewusstsein, zukünftige Einsamkeit und existenzielle Komik, um viele Science-Fiction-Epen in Spielfilmlänge alt aussehen zu lassen. Seine Einfachheit im Strichmännchen-Stil ist ein Trick: Je aufgeräumter die Animation wirkt, desto härter treffen einen die Ideen. Die unschuldigen Fragen eines Kindes prallen auf eine Zukunft, die das Leben technisch verlängerbar und emotional unerträglich gemacht hat. Irgendwie ist das Ganze auch noch urkomisch. | © Bitter Films

1. Ghost in the Shell (1995)

Ghost in the Shell steht an der Spitze, weil der Film Cyberpunk nicht als Ästhetik betrachtet, sondern als eine spirituelle Krise mit angeschlossenen Kabeln. Major Motoko Kusanagi bewegt sich durch eine Zukunft aus künstlichen Körpern, vernetzten Geistern und staatlicher Gewalt, während sie sich fragt, was vom Selbst übrig bleibt, wenn Erinnerung, Fleisch und Identität gleichermaßen manipuliert werden können. Mamoru Oshiis Erzähltempo ist meditativ, die Action ikonisch und die Stille zwischen den Ideen ebenso kraftvoll wie das Gewehrfeuer. | © Production I.G