EarlyGame | Die 20 am meisten missverstandenen Filme der 90er Jahre

Eyes Wide Shut (1999)

Stanley Kubricks letzter Film, Eyes Wide Shut, war bei seiner Veröffentlichung von Kontroversen und Fehlinterpretationen umgeben. Viele Zuschauer erwarteten einen konventionellen Erotikthriller, vor allem weil das echte Ehepaar Tom Cruise und Nicole Kidman die Hauptrollen spielten. Stattdessen lieferte Kubrick eine psychologisch tiefgründige Auseinandersetzung mit ehelicher Treue, Begierde und Identität vor dem Hintergrund einer eindringlichen Traumlandschaft. Das bewusste Tempo und die surreale Atmosphäre des Films verwirrten die Zuschauer, die nach eindeutigen Antworten suchten. Heute wird Eyes Wide Shut für seine vielschichtige Symbolik geschätzt und ist unter Filmfans zu einem Kultfilm geworden. Seine Themen finden in der heutigen Welt mit ihren emotionalen Komplexitäten und verschwommenen moralischen Grenzen noch mehr Resonanz. | © Warner Bros. Pictures

Cropped South Park Bigger Longer and Uncut 1999

South Park: Bigger, Longer & Uncut (1999)

Als South Park: Bigger, Longer & Uncut in die Kinos kam, haben viele es als vulgären Cartoon abgetan, der zu einem abendfüllenden Film gestreckt wurde. Aber hinter dem derben Humor und der provokanten Sprache steckt eine scharfe Satire auf Zensur, Krieg und die Kultur der Angst. Der von Trey Parker und Matt Stone geschaffene Film nutzt sein animiertes Format, um furchtlose Kritik zu üben, und präsentiert dabei überraschend eingängige und gut gemachte Musicalnummern. Mit Figuren wie Stan, Kyle, Cartman und Kenny, die von den Machern selbst gesprochen werden, fängt der Film den rebellischen Geist der späten 90er Jahre ein. Er wird heute weithin als eines der besten animierten Musicals und als einer der mutigsten politischen Kommentare seiner Zeit gelobt. | © Paramount Pictures

Drop Dead Gorgeous (1999)

Drop Dead Gorgeous ist bei seiner ersten Veröffentlichung irgendwie untergegangen, hat sich aber seitdem zu einem beliebten Kultklassiker entwickelt. Die schwarze Komödie, die in einer Kleinstadt in Minnesota spielt, nimmt mit messerscharfem Witz die Absurdität von Schönheitswettbewerben und Kleinstadtpolitik aufs Korn. Kirsten Dunst, Denise Richards und die umwerfende Allison Janney führen eine Besetzung an, die Satire mit trockenem Humor verbindet. Viele Zuschauer haben damals den satirischen Ton des Films missverstanden und ihn eher als gemein denn als subversiv interpretiert. Aber sein Mockumentary-Stil und seine Kommentare zu Ehrgeiz, Eitelkeit und amerikanischem Idealismus sind unglaublich gut gealtert. Heute wird er für seinen gewagten Humor und seine zitierbaren Einzeiler gefeiert. | © New Line Cinema

Fear And Loathing In Las Vegas (1998)

Terry Gilliams Fear and Loathing in Las Vegas ist eine wilde, psychedelische Reise, die viele Zuschauer verwirrt und durcheinander gebracht hat – aber genau darum geht es ja. Der Film basiert auf dem Kultroman von Hunter S. Thompson und zeigt Johnny Depp als Journalist Raoul Duke und Benicio Del Toro als seinen durchgeknallten Anwalt Dr. Gonzo. Ihre von Drogen geprägte Reise durch Las Vegas dreht sich weniger um die Handlung als vielmehr um einen anarchischen Sprung in den Zusammenbruch des amerikanischen Traums. Ursprünglich als zusammenhanglos abgetan, wird der Film heute für seine originalgetreue Adaption, seine halluzinatorischen Bilder und seine mutigen Darstellungen gelobt. Es ist eine Reise, die sich für alle lohnt, die Chaos mit einer tieferen Botschaft zu schätzen wissen. | © Universal Pictures

Starship Troopers (1997)

Paul Verhoevens Starship Troopers wurde bei seiner Veröffentlichung ziemlich missverstanden, weil viele Kritiker und Zuschauer ihn für einen ernsthaften Science-Fiction-Actionfilm hielten. In Wirklichkeit ist er eine scharfe, satirische Kritik an Militarismus, Faschismus und Propaganda, verpackt in einen auffälligen Weltraumkriegsfilm. Casper Van Dien, Denise Richards und Neil Patrick Harris spielen in einem Film mit, der bewusst die Ästhetik der Kriegspropaganda nachahmt und die Zuschauer dazu herausfordert, zu hinterfragen, wofür sie eigentlich jubeln. Die übertriebene Gewalt und die scheinbar hölzernen Darstellungen sind Teil des Witzes – aber das ging vielen beim ersten Ansehen über den Kopf. Heute wird Starship Troopers als brillantes Beispiel für subversives Filmemachen gefeiert. | © TriStar Pictures

Funny Games (1997)

Funny Games ist ein verstörender und echt polarisierender Psychothriller, der viele Zuschauer schockiert und verwirrt zurückgelassen hat. Unter der Regie von Michael Haneke zeigt der Film einen scheinbar normalen Familienurlaub, der durch zwei unheimlich höfliche Eindringlinge zu einem brutalen, sich langsam entwickelnden Albtraum wird. Arno Frisch und Frank Giering liefern erschreckende Darstellungen, die die Grenze zwischen Fiktion und Realität verwischen. Was viele damals übersehen haben, ist, dass Funny Games nicht zur Unterhaltung gedacht ist – es ist eine harte Kritik daran, wie Gewalt in den Medien konsumiert wird. Das Publikum, das einen traditionellen Home-Invasion-Film erwartete, war auf den konfrontativen Stil und die Momente, in denen die vierte Wand durchbrochen wird, nicht vorbereitet. Heute gilt der Film als Pflichtprogramm für Fans von Meta-Horror und psychologischen Kommentaren. | © Wega Film

Trainspotting (1996)

Trainspotting hat die düstere Unterwelt der Heroinsucht in Edinburgh wie kein anderer Film zuvor eingefangen, aber seine Mischung aus schwarzem Humor und brutalem Realismus hat einige Zuschauer anfangs verwirrt. Unter der Regie von Danny Boyle und basierend auf dem Roman von Irvine Welsh spielt Ewan McGregor die Rolle des Renton, neben Jonny Lee Miller, Robert Carlyle und Ewen Bremner als eine Gruppe unvergesslicher Charaktere. Die stylische Optik, der rasante Schnitt und der legendäre Soundtrack machten den Film zu einem kulturellen Meilenstein. Trotzdem führten das düstere Thema und die schonungslose Darstellung des Drogenkonsums dazu, dass manche ihn als Verherrlichung der Sucht missverstanden. Heute wird er als mutige und ehrliche Darstellung von Jugend, Flucht und Selbstzerstörung gelobt. | © PolyGram Filmed Entertainment

Cable Guy – Die Nervensäge (1996)

Jim Carreys Auftritt in Cable Guy – Die Nervensäge hat das Publikum echt überrascht – weg war der verrückte, liebenswerte Trottel aus Ace Ventura, stattdessen kam ein düsterer, besessener Antiheld. Unter der Regie von Ben Stiller mischt der Film schwarze Komödie mit Psychothriller und erzählt die Geschichte eines einsamen Kabelinstallateurs, der sich auf einen neuen Kunden, gespielt von Matthew Broderick, fixiert. Carreys Darstellung ist verstörend, urkomisch und seltsam tragisch, aber viele Zuschauer waren sich damals nicht sicher, wie sie sie auffassen sollten. Der Ton des Films war für Mainstream-Komödienfans zu düster und für Thriller-Liebhaber zu seltsam. Im Laufe der Zeit hat „Der Kabelmann“ eine treue Fangemeinde gewonnen und gilt heute als seiner Zeit voraus, was die Kritik an Medienabhängigkeit und Einsamkeit angeht. | © Columbia Pictures

Bound (1996)

Bevor sie mit Matrix das Science-Fiction-Genre neu erfanden, legten die Wachowski-Geschwister mit Bound ein mutiges Debüt hin, einen stylischen Neo-Noir-Thriller, der unter dem Radar flog. Der Film zeigt Jennifer Tilly und Gina Gershon als zwei Frauen, die vorhaben, Millionen von der Mafia zu klauen, während Joe Pantoliano den unberechenbaren Gangster spielt, der ihnen im Weg steht. Voller Spannung, Sinnlichkeit und cleverer Handlung wurde Bound in den 90er Jahren von einigen als bloß provokativ abgetan, wobei seine straffe Regie und die bahnbrechende Darstellung einer lesbischen Beziehung, die nicht nur ausbeuterische Augenwischerei war, übersehen wurden. Heute wird er für seine Meisterschaft im Genre und die Darstellung von LGBTQ+ im Mainstream-Kino gefeiert. | © Dino De Laurentiis Company

Welcome To The Dollhouse (1995)

Todd Solondz' Welcome to the Dollhouse gibt einen unangenehm ehrlichen Einblick in die Pubertät, erzählt aus der Perspektive einer unbeholfenen und ständig gemobbten Siebtklässlerin namens Dawn Wiener, gespielt von Heather Matarazzo. Der brutal ehrliche Ton des Films und die Weigerung, die Realität des Vorstadtjugendlichen zu beschönigen, ließen einige Zuschauer unsicher zurück, ob sie lachen, zusammenzucken oder weinen sollten. Sein düsterer Humor und seine trostlose emotionale Landschaft heben ihn von sentimentalereren Coming-of-Age-Geschichten ab. Obwohl er bei seiner Veröffentlichung keinen großen kommerziellen Erfolg hatte, wurde der Film von Kritikern gelobt und erlangte schließlich Kultstatus für seine rohe Authentizität und seine furchtlose Erzählweise. Er bleibt eine der brutalsten Darstellungen der Mittelschule, die jemals verfilmt wurden. | © Suburban Pictures

Natural Born Killers (1994)

Natural Born Killers ist einer der umstrittensten Filme der 1990er Jahre und auch einer der am meisten missverstandenen. Unter der Regie von Oliver Stone und basierend auf einer Geschichte von Quentin Tarantino spielen Woody Harrelson und Juliette Lewis ein mörderisches Paar, das zu einer Mediensensation wird. Viele Kritiker und Zuschauer haben den Film wegen seiner extremen Gewalt verurteilt, ohne zu erkennen, dass es sich um eine bissige Satire auf die Besessenheit der Medien von Verbrechen und Prominenten handelt. Mit Auftritten von Robert Downey Jr. und Tommy Lee Jones verleiht die Besetzung dem surrealen Stil des Films sowohl Tiefe als auch Chaos. Visuell wild und bewusst verstörend, fordert Natural Born Killers das Publikum dazu heraus, sich zu fragen, was – und wen – es wirklich sieht. | © Warner Bros. Pictures

Ed Wood (1994)

Tim Burtons Ed Wood war ein Herzensprojekt, das das Mainstream-Publikum verwirrte, aber Filmfans begeisterte. Johnny Depp spielt Edward D. Wood Jr., der allgemein als einer der schlechtesten Regisseure der Hollywood-Geschichte gilt, und bringt überraschende Wärme und Optimismus in die Rolle. Die Schwarz-Weiß-Kameraführung des Films und die liebevolle Darstellung von Woods seltsamer Filmwelt – einschließlich Martin Landaus Oscar-prämierter Darstellung als Bela Lugosi – ließen einige unsicher zurück, wie sie den Film interpretieren sollten. Ed Wood ist jedoch keine Verhöhnung, sondern eine herzliche Hommage an die künstlerische Leidenschaft, selbst angesichts des Scheiterns. Heute gilt er als einer von Burtons persönlichsten und am meisten unterschätzten Filmen. | © Touchstone Pictures

Last Action Hero (1993)

Last Action Hero war Arnold Schwarzeneggers großes, riskantes Genre-Experiment, das anfangs floppte, weil das Publikum nicht wusste, was es davon halten sollte. Der Film, der Meta-Humor, Fantasy und Action-Klischees mischt, handelt von einem Jungen, der auf magische Weise in seinen Lieblingsactionfilm versetzt wird – nur um dort die Absurdität filmischer Klischees zu entdecken. Schwarzenegger macht sich über sein eigenes Image lustig, während Charles Dance als Bösewicht, der in die reale Welt flüchtet, eine herausragende Leistung zeigt. Die Satire des Films auf Hollywood und seine Selbstreflexion war ihrer Zeit zu weit voraus und verwirrten das Publikum, das einen traditionellen Sommer-Blockbuster erwartete. Heute wird er als intelligentes, witziges und missverstandenes Juwel geschätzt, das die postmoderne Action-Comedy-Welle vorweggenommen hat. | © Columbia Pictures

Hocus Pocus (1993)

Obwohl Hocus Pocus mittlerweile zu einem festen Bestandteil von Halloween geworden ist, war der Film bei seiner Premiere eigentlich ein Flop an den Kinokassen. Die Kritiker waren sich nicht sicher, was sie von dieser seltsamen Mischung aus Familienkomödie, dunkler Magie und Musicalnummern halten sollten. Bette Midler, Sarah Jessica Parker und Kathy Najimy spielen die herrlich bösen Sanderson-Schwestern, Hexen, die im heutigen Salem wieder zum Leben erweckt wurden. Ihre übertriebenen Darbietungen, gepaart mit dem kitschigen Ton des Films, verwirrten einige frühe Kritiker – aber genau das gab Hocus Pocus seine Beständigkeit. Dank jahrelanger Ausstrahlungen im Fernsehen und der nostalgischen Liebe der Fans ist er heute einer der beliebtesten Kultklassiker der Saison. | © Walt Disney Pictures

Man Bites Dog (1992)

Man Bites Dog ist ein gruseliger Mockumentary-Film, der die Grenze zwischen Fiktion und Horror so gut verwischt, dass viele nicht wussten, wie sie damit umgehen sollten. Unter der Regie von Rémy Belvaux, André Bonzel und Benoît Poelvoorde, die auch die Hauptrollen spielen, begleitet der Film ein Kamerateam, das das Leben eines charismatischen, aber kaltblütigen Serienmörders dokumentiert. Seine rabenschwarze Satire auf die Komplizenschaft der Medien und die Abstumpfung gegenüber Gewalt traf einen Nerv – und nicht jeder verstand den Witz. Die Mischung aus Realismus und Absurdität ließ den Film gefährlich authentisch wirken, was sowohl zu Lob als auch zu Empörung führte. Heute gilt er als provokanter Kultklassiker und brutaler Kommentar zum Voyeurismus in der Unterhaltungsbranche. | © Les Artistes Anonymes

Death Becomes Her (1992)

Death Becomes Her ist eine dunkle Komödie, die ihrer Zeit weit voraus war und bissige Satire mit bahnbrechenden visuellen Effekten verbindet. Mit Meryl Streep, Goldie Hawn und Bruce Willis in den Hauptrollen erzählt der Film die Geschichte von Eitelkeit, Unsterblichkeit und den absurden Anstrengungen, die Menschen unternehmen, um dem Altern zu entgehen. Bei seiner Veröffentlichung waren Kritiker und Publikum geteilter Meinung und unsicher, ob sie den Film als kitschige Fantasie oder als ernsthafte Kritik an den Schönheitsidealen Hollywoods auffassen sollten. Die für die damalige Zeit revolutionären visuellen Effekte wurden gelobt, aber der Ton des Films verwirrte viele. Im Laufe der Jahre wurde er zu einem Kultfilm, vor allem in LGBTQ+-Communities, der für seine ausgefallenen Darstellungen und seinen schwarzen Humor gefeiert wird. | © Universal Pictures

Basic Instinct (1992)

Basic Instinct wurde wegen seiner expliziten Inhalte und der provokanten Darstellung von Sexualität zum Auslöser heftiger Kontroversen, aber dieser Neo-Noir-Thriller hat weit mehr zu bieten als nur Schockwert. Unter der Regie von Paul Verhoeven und mit Sharon Stone in einer für ihre Karriere prägenden Rolle an der Seite von Michael Douglas wurde der Film zunächst von einigen als reißerische Ausbeutung abgetan. Stones Darstellung der rätselhaften und mächtigen Catherine Tramell stellte jedoch traditionelle Geschlechterrollen und Erwartungen in Thrillern infrage. Das Publikum übersah die subversive Kritik an Besessenheit, Manipulation und Medienspektakel. Heute gilt Basic Instinct als wegweisender Beitrag zum erotischen Kino und sorgt weiterhin für Diskussionen und Analysen. | © TriStar Pictures

Twin Peaks: Fire Walk With Me (1992)

Als Twin Peaks: Fire Walk With Me rauskam, wurde er in Cannes ausgebuht und die Fans, die einen schrägen Krimi in einer Kleinstadt erwartet hatten, waren verwirrt. Stattdessen lieferte David Lynch eine erschütternde Vorgeschichte, die sich mit den letzten Tagen von Laura Palmers Leben beschäftigt und Licht auf das Trauma und die Dunkelheit unter der Oberfläche der Kult-TV-Serie wirft. Sheryl Lee liefert eine eindringliche, emotional rohe Darstellung, und Auftritte von Ray Wise, Moira Kelly und Kyle MacLachlan verankern den Film in seinem bizarren Universum. Der surreale und albtraumhafte Ton des Films schreckte viele ab, aber im Laufe der Zeit wurde er als eines der kraftvollsten und tragischsten Werke Lynchs neu bewertet. | © New Line Cinema

Joe gegen den Vulkan (1990)

Joe gegen den Vulkan ist eine skurrile, philosophische Romantikkomödie, die bei ihrer Veröffentlichung nicht wirklich ihr Publikum gefunden hat. Mit Tom Hanks als hypochondrischem Büroangestellten und Meg Ryan in drei unterschiedlichen Rollen folgt der Film Joes surrealer Reise von der Unternehmensplackerei zur Selbstfindung auf einer tropischen Insel. Viele Zuschauer waren verwirrt von der Mischung aus magischem Realismus, absurdem Humor und existentiellen Themen. Aber hinter der schrägen Fassade steckt eine herzliche Botschaft darüber, wie man mit Sinn lebt und das Unbekannte annimmt. Heute wird der Film als unterschätzter Schatz geschätzt, der es wagte, sowohl im Ton als auch in der Erzählweise anders zu sein. | © Warner Bros. Pictures

Die Affäre der Sunny von B. (1990)

Die Affäre der Sunny von B. ist ein spannendes Gerichtsdrama, das von Kritikern gelobt wurde, aber vom Mainstream-Publikum oft übersehen wurde. Der Film basiert auf der wahren Geschichte von Claus von Bülow, der wegen versuchten Mordes an seiner reichen Frau angeklagt wurde. Jeremy Irons spielt darin eine Oscar-prämierte Rolle und Glenn Close die komatöse Sunny von Bülow. Ron Silver spielt den berühmten Anwalt Alan Dershowitz, der den umstrittenen Fall übernimmt. Die komplexe Struktur des Films und die moralisch ambivalenten Charaktere machten ihn für Gelegenheitszuschauer weniger zugänglich, aber er bietet einen fesselnden Blick auf Privilegien, Gerechtigkeit und Manipulation. Es ist ein intellektueller, sich langsam entwickelnder Thriller, der geduldige Zuschauer mit großartigen Darbietungen und scharfsinnigen Dialogen belohnt. | © Warner Bros. Pictures