November entführt euch in ein estnisches Dorf, in dem Bauern mit dem Teufel verhandeln, um sogenannte Kratts zu erschaffen – Kreaturen, die aus landwirtschaftlichen Werkzeugen und gestohlenen Seelen zusammengesetzt sind. Die Schwarz-Weiß-Aufnahmen lassen Schlamm, Schnee und Tierknochen wie Motive aus einem alten Holzschnitt wirken. Es gibt eine Werwolfhochzeit, die Pest in Gestalt einer Ziege und eine Liebesgeschichte, die sich kein einziges Mal so entwickelt, wie man es erwartet. Kaum jemand spricht über diesen Film – und das ist wirklich schade, denn er sieht anders aus als alles andere, was das Genre zu bieten hat.
| © Oscilloscope Laboratories
Ein Mädchen erbt ein verfallendes Anwesen voller Geheimnisse – das klingt zunächst vertraut. Doch Das Geheimnis von Moonacre folgt konsequenter der Logik klassischer Märchen, als es sich die meisten Familienfilme trauen. Dakota Blue Richards spielt Maria mit einer Sturheit, die verhindert, dass der Film ins Kitschige abrutscht. Es gibt den Fluch einer Mondprinzessin, einen entstellten Adligen, gespielt von Ioan Gruffudd, und ein magisches Tal, das wirkt, als hätte es jemand erschaffen, der tatsächlich alte Märchenbücher gelesen hat. Der Film wurde im Kino nie wirklich groß beworben, was schade ist, denn er fühlt sich wie einer dieser Filme an, über die man spät in der Nacht zufällig stolpert und die man danach nie wieder vergisst.
| © Sony Pictures Home Entertainment (Off We Go Productions / Entertainment One)
Rotkäppchen als fiebriger Traum über das Erwachsenwerden und darüber, was dabei mit dem eigenen Körper geschieht. Neil Jordan inszeniert das Ganze wie eine Geschichte in einer Geschichte in einem Traum – mit Wölfen, die einst Menschen waren, und Großmüttern, die ganz genau wissen, wovon sie sprechen. Die Werwolfverwandlungen wirken noch immer auf eine Weise feucht und schmerzhaft, wie es CGI nie ganz hinbekommt. Der Film ist weniger gruselig als vielmehr verstörend – und zwar auf eine Art, die einem selbst Jahrzehnte später noch aus den falschen Gründen im Gedächtnis bleibt.
| © Independent Distributors (ITC/Cannon; MGM in the US)
Sieben Minuten nach Mitternacht lässt einen Jungen mit einem Baummonster über seine sterbende Mutter sprechen – und schafft es mit dieser Prämisse tatsächlich, sich jede einzelne Träne zu verdienen. Liam Neeson verleiht der Kreatur eine knurrende Stimme, die sich zunehmend wie eine Form der Trauerbegleitung anfühlt. Die Geschichten, die das Monster erzählt, sind widersprüchlich und moralisch unbequem – und funktionieren gerade deshalb so gut. Die meisten Menschen, die den Film gesehen haben, waren danach emotional völlig fertig. Doch die meisten haben ihn leider nie gesehen.
| © Focus Features
Ein Einhorn erfährt, dass es möglicherweise das letzte seiner Art ist – keine besonders fröhliche Ausgangslage, und Das letzte Einhorn tut auch nie so, als wäre es eine. Rankin/Bass erschufen hier etwas wirklich Eigenwilliges: mit einem Roten Stier aus Feuer, einem sprechenden Skelett und Songs, die eher für ein Folk-Album als für einen Kinderfilm geschrieben zu sein scheinen. Mia Farrow verleiht dem Einhorn eine stille Traurigkeit, die länger im Gedächtnis bleibt, als es die meisten Animationsfilme überhaupt zu versuchen wagen. Wer den Film als Kind gesehen hat, erinnert sich wahrscheinlich noch immer an die Szene mit der Harpyie – selbst wenn der Titel danach zwanzig Jahre lang vergessen war.
| © Jensen Farley Pictures
Allein Tim Currys Herr der Finsternis rechtfertigt die Existenz von Legende: rote Haut, gewaltige Hörner und eine Stimme, die direkt aus dem Boden zu kommen scheint. Ridley Scott ließ für den Film ganze Wälder in Studiokulissen errichten – und das hohe Budget ist in jedem moosbewachsenen, nebelverhangenen Bild zu spüren. Tom Cruise spielt einen unschuldigen Jungen aus dem Wald, was aus heutiger Sicht durchaus amüsant wirkt. Die eigentliche Attraktion ist jedoch Jerry Goldsmiths Filmmusik, die all den handgemachten Kreatureneffekten eine zusätzliche Kraft verleiht. Im Kino floppte der Film gewaltig, doch die Fassung, die Fans heute lieben, gewinnt seit Jahrzehnten auf dem Heimvideomarkt still und leise neue Anhänger.
| © Universal Pictures
Das Kabinett des Doktor Parnassus trägt die Last, Heath Ledgers letzter Film gewesen zu sein – und dieser Schatten ist in jeder Szene spürbar. Nachdem sein Hauptdarsteller während der Dreharbeiten gestorben war, ließ Terry Gilliam die Figur beim Durchschreiten eines magischen Spiegels ihr Gesicht wechseln. Johnny Depp, Jude Law und Colin Farrell übernahmen die verschiedenen Gestalten und vollendeten, was Ledger begonnen hatte. Die Welt hinter dem Spiegel ist eine Mischung aus billig wirkenden CGI-Effekten und echter Vorstellungskraft, was erstaunlich gut zu einer Geschichte über einen alten Mann passt, der im wahrsten Sinne des Wortes Träume verkauft, um zu überleben. Der Film ist chaotisch und unausgewogen, doch durch all seine Bruchstellen scheint echtes Herz hindurch.
| © Sony Pictures Classics
Ein verrückter Wissenschaftler, der selbst nicht träumen kann, stiehlt die Träume von Kindern, um jung zu bleiben – und das ist gerade einmal die Ausgangslage von Die Stadt der verlorenen Kinder. Jedes Bild wirkt wie ein verrosteter Jahrmarkt, der mitten in einem Albtraum errichtet wurde: voller verzerrter Winkel und flackerndem Laternenlicht. Ron Perlman spielt einen starken Mann, der nach einem entführten Jungen sucht und dabei auf einen Kult aus kybernetischen Zyklopen und zusammengewachsenen Zwillingsgehirnen trifft. Der Film ist französisch, eigenwillig und macht sich nie die Mühe, sich selbst zu erklären – was ihn irgendwie nur noch unterhaltsamer macht.
| © Sony Pictures Classics
Tarsem Singh drehte vier Jahre lang in 24 Ländern an The Fall – und nichts davon entstand am Computer. Jede Wüste, jeder Palast und jede unmöglich wirkende Treppe, die im Film zu sehen ist, wurde tatsächlich irgendwo auf der Welt gebaut oder entdeckt. Die Geschichte selbst ist simpel: Ein bettlägeriger Stuntman erzählt einem kleinen Mädchen eine fantastische Geschichte, um sie dazu zu bringen, ihm zu helfen. Doch die Bilder verwandeln das kleine Krankenzimmer in eine gewaltige Welt. Menschen, die den Film damals im Kino gesehen haben, sprechen selbst Jahrzehnte später noch aus dem Gedächtnis über einzelne Einstellungen.
| © Roadside Attractions
Jim Henson erschuf eine vollständige außerirdische Welt aus Puppen, ohne dem Publikum auch nur ein einziges Mal augenzwinkernd ins Gedächtnis zu rufen, dass sie nicht real ist. Die Skekse wirken noch immer wie Kreaturen, die direkt aus einem Fiebertraum gekrochen sind – eine Mischung aus verfallener Eleganz und kreischender Bedrohlichkeit. Es gibt kaum Humor, der die düstere Atmosphäre auflockert. Für einen Kinderfilm aus dem Jahr 1982 war das ein großes Risiko, doch gerade diese Ernsthaftigkeit sorgt dafür, dass er bis heute funktioniert. Keine CGI-Effekte, keine Abkürzungen – nur ein handwerkliches Können, das man durch den Bildschirm beinahe berühren kann.
| © Universal Pictures / The Jim Henson Company
Tim Burton verwandelte eine schaurige Lagerfeuergeschichte in einen ausgewachsenen gotischen Fiebertraum – und das funktioniert weitaus besser, als es eigentlich dürfte. Der Nebel lichtet sich nie, die Bäume wirken, als würden sie mit ihren Ästen nach dem Himmel greifen, und Christopher Walken braucht als kopfloser Reiter kaum Dialog, um furchteinflößend zu sein. Ichabod Crane ist hier ein zimperlicher, ständig in Ohnmacht fallender Ermittler, der von Logik besessen ist – in einer Stadt, die ihm immer wieder das Gegenteil beweist. Unter all den abgetrennten Köpfen und dem Kerzenschein verbirgt sich im Grunde ein kleines, düsteres Krimirätsel im Halloweenkostüm.
| © Paramount Pictures
Ein gefallener Stern namens Yvaine wird in Der Sternwanderer buchstäblich in Richtung einer Mauer gezerrt – und danach nimmt der Film kaum noch das Tempo heraus. Claire Danes strahlt in den meisten ihrer Szenen tatsächlich Licht aus, was albern klingt, aber erstaunlich gut funktioniert. Robert De Niro als heimlich schwuler Luftpiratenkapitän mit einer Leidenschaft für Mode dürfte eigentlich überhaupt nicht in diese Geschichte passen – und doch tut er es. Wer den Film erst Jahre später zufällig im Fernsehen entdeckt hat, erwähnt ihn oft völlig aus dem Nichts, als hätte er sich gerade an einen besonders schönen Traum erinnert.
| © Paramount Pictures
Bevor all die CGI-Drachen kamen, gab es Vermithrax Pejorative – eine Mischung aus Puppe und Animatronik, die selbst heute noch überzeugender aussieht als die meisten digitalen Kreaturen. Der Drachentöter verzichtet auf die übliche Disney-Fröhlichkeit und schlägt deutlich düsterere Töne an: mit zahlreichen Todesfällen und einem Zauberer, der tatsächlich mitten im Film stirbt. Auch das Ende liefert keinen makellosen Sieg, sondern lässt das Gewicht der Ereignisse einfach im Raum stehen. Kinder, die den Film in den 1980er-Jahren zufällig im Fernsehen entdeckten, haben diesen Drachen nie wieder vergessen – selbst wenn ihnen der Titel jahrelang nicht mehr einfiel.
| © Paramount Pictures
John Boorman inszenierte Excalibur so, wie sich ein Mythos tatsächlich anfühlt: voller Nebel, klirrender Rüstungen und grüner irischer Hügellandschaften. Nicol Williamson spielt Merlin halb als Propheten, halb als Wahnsinnigen, der sich lachend durch Weissagungen bewegt, die niemand hören will. Die Ritter leuchten, als wären sie direkt einem Buntglasfenster entstiegen, während Carmina Burana über allem erklingt. Die meisten erinnern sich an das Schwert und den See, vergessen aber, wie eigenwillig, sexuell aufgeladen und gewalttätig der Rest des Films wird.
| © Warner Bros.
David Bowie in hautenger Hose als Herrscher eines Koboldreichs klingt wie ein Fiebertraum – und genau das liefert Die Reise ins Labyrinth. Jennifer Connelly verbringt den Film damit, ihren kleinen Bruder durch ein Labyrinth voller Rätsel, Fallen und Kreaturen zu verfolgen, die jeder Logik widersprechen und sich trotzdem vollkommen real anfühlen. Die Puppenkunst aus Jim Hensons Werkstatt überzeugt bis heute auf eine Weise, die CGI nur selten erreicht. An den Kinokassen lief der Film bei seiner Veröffentlichung enttäuschend, doch irgendwann fand er sein Publikum – und dieses Publikum hat ihn nie wieder losgelassen.
| © TriStar PicturesAuf jedes große Fantasy-Blockbuster-Epos kommt ein kleines Juwel, das vom Publikum übersehen wurde und nie die Anerkennung erhielt, die es verdient hätte. Diese unterschätzten Filme erschufen faszinierende Welten und erzählten zauberhafte Geschichten, flogen aber dennoch weitgehend unter dem Radar. Hier sind 15 großartige Fantasyfilme, die deutlich mehr Aufmerksamkeit verdienen.
