Mr. Brooks dreht den klassischen Serienkiller-Film komplett um, indem er den Mörder als erfolgreichen Geschäftsmann zeigt, der seine Familie aufrichtig liebt und zugleich hasst, was er sich selbst immer wieder antun muss. Kevin Costner spielt bewusst gegen sein Image und verkörpert einen Mann, der zwischen bürgerlicher Seriosität und einer zwanghaften Mord-Sucht gefangen ist, während William Hurt als Stimme seines inneren Dämons mit beunruhigendem Charme auftritt.
Der Film verweigert sich jeder Glorifizierung von Gewalt und macht seine Hauptfigur auch nicht auf herkömmliche Weise sympathisch. Stattdessen stellt er die Frage, was passiert, wenn jemand, der nach allen Filmklischees ein Monster sein müsste, trotzdem noch auf erschreckende Weise menschlich wirkt. | © MGM
Im Tal von Elah begleitet einen pensionierten Militärermittler, dessen Sohn aus dem Irakkrieg zurückkehrt – gebrochen, sowohl körperlich als auch seelisch. Als dieser unter mysteriösen Umständen ums Leben kommt, beginnt der Vater, den Fall selbst zu untersuchen und stößt dabei auf eine Vertuschung, die indirekt aus genau den Werten hervorgegangen ist, an die er selbst immer geglaubt hat.
Tommy Lee Jones trägt die Rolle mit der ganzen Schwere eines Vaters, der erkennen muss, dass alles, was er über Ehre und Pflicht zu wissen glaubte, womöglich falsch war. Der Film vermeidet einfache Antworten zu Krieg, Schuld oder Verantwortung und lässt seine Hauptfigur stattdessen durch ein Rätsel navigieren, in dem das eigentliche Verbrechen weniger im Tod des Sohnes liegt als in dem, was aus ihm gemacht wurde. Paul Haggis baut die Spannung über kleine, schleichende Enthüllungen auf, die sich zu einem weit größeren und unangenehmeren Gesamtbild verdichten als in einem klassischen Thriller. | © Warner Independent Pictures
8 Mile funktioniert, weil Eminem sich konsequent weigert, sich selbst als etwas anderes darzustellen als wütend, pleite und festgefahren. Der Film räumt jede Fantasie von Rap-Star-Ruhm beiseite und wirft einen mitten in die rauesten Ecken Detroits, wo Talent nichts zählt, wenn man den Raum nicht überlebt. Jede Battle-Szene knistert vor echter Spannung, weil die Einsätze nicht konstruiert wirken, sondern persönlich. Es ist einer der seltenen Musikerfilme, der sein Drama tatsächlich verdient und nicht einfach darauf vertraut, dass der Soundtrack schon alles trägt. | © Universal Pictures
Hundszahn sperrt drei erwachsene Kinder auf dem abgelegenen Familienanwesen ein, wo der Vater sie davon überzeugt hat, dass Flugzeuge kleine Spielzeuge und Katzen tödliche Monster seien. Der Film zeigt dieses psychologische Gefängnis mit einer so nüchternen, beinahe sachlichen Ruhe, dass sich der Schrecken langsam und schleichend entfaltet – getragen von banalen Alltagsritualen und völlig verdrehten Sprachlektionen. Yorgos Lanthimos verzichtet darauf, die Entstehung dieser Situation zu erklären oder dem Zuschauer irgendeine beruhigende Distanz zu der kranken Logik der Familie zu geben. Gerade weil alles so methodisch und „normal“ inszeniert wirkt, entfaltet sich eine zutiefst verstörende Wirkung. | © Kino Lorber
Unzerbrechlich behandelt die Entstehungsgeschichte eines Superhelden eher wie eine ruhige psychiatrische Fallstudie als wie ein klassisches Comic-Book-Abenteuer. M. Night Shyamalan verzichtet bewusst auf Kostüme und Explosionen und konzentriert sich stattdessen darauf, wie es sich tatsächlich anfühlen würde, möglicherweise unverwundbar zu sein – und macht Bruce Willis zu einem Mann, der langsam erkennt, dass sein ganzes Leben darauf ausgerichtet war, seine eigene Stärke zu vermeiden. Der Film entwickelt sich in der Geschwindigkeit einer echten psychologischen Erkenntnis, nicht im Tempo eines Blockbusters. Zwanzig Jahre später wirkt er wie der ehrlichste Superheldenfilm, der je gemacht wurde – was auch erklärt, warum er damals viele Zuschauer irritierte, die eher etwas in Richtung X-Men erwartet hatten. | © Touchstone Pictures
Blood Diamond verwandelt den Diamantenhandel in einen Thriller, der einen nie vergessen lässt, welchen menschlichen Preis jeder funkelnde Stein hat. Leonardo DiCaprios südafrikanischer Akzent mag nicht immer ganz stabil sein, doch seine Rolle als Schmuggler funktioniert, weil der Film ihn von authentischem Chaos und unmöglichen moralischen Entscheidungen umgeben lässt.
Konfliktdiamanten werden hier nicht abstrakt behandelt, sondern sehr konkret und persönlich erfahrbar gemacht – durch die Geschichte eines Vaters, der in einem Kriegsgebiet nach seinem Sohn sucht, während Edelsteine endlose Gewalt befeuern. DiCaprio und Djimon Hounsou erzeugen dabei echte Spannung als ungleiche Partner, die einander brauchen, sich aber kaum trauen können. | © Warner Bros. Pictures
Verschollen verwandelt eine eigentlich leicht gimmickhafte Survival-Geschichte in etwas viel seltsameres und geduldiger Erzähltes. Tom Hanks verbringt den Großteil des Films allein auf einer Insel und spricht mit einem Volleyball – und trotzdem entsteht daraus eine der emotional überzeugendsten Beziehungen eines jeden 2000er-Dramas. Die mittlere Stunde kommt fast komplett ohne Dialog aus und zeigt einfach, wie Hanks Feuer macht oder sich mit einem Schlittschuh selbst eine Zahnarzt-Operation improvisiert. Als er schließlich gerettet wird, wirkt die „echte“ Welt plötzlich fremd und fast unwirklich. | © 20th Century Fox
Schweine und Diamanten beweist, dass Guy Ritchie seine Lock, Stock-Formel noch chaotischer machen kann, ohne dabei komplett die Kontrolle über die Handlung zu verlieren. Der Film wirft Bare-Knuckle-Boxen, gestohlene Diamanten und einen caravan-begeisterten Brad Pitt in denselben Strudel und lässt seine Figuren dann auf immer absurdere Weise ineinander krachen. Pitts Akzent allein ist längst legendär geworden und macht Mickey zu einer Figur, die man zwar kaum versteht, von der man aber trotzdem keinen Moment wegsehen kann. Während viele Crime-Comedys sich zu sehr bemühen, clever zu wirken, geht dieser Film einfach all-in und bleibt konsequent herrlich durchgeknallt. | © Sony Pictures Releasing
Training Day funktioniert, weil Denzel Washington den Bösewicht spielt, als hätte er dabei die Zeit seines Lebens. Sein korrupter Cop Alonzo Harris biegt Regeln nicht nur zurecht und schaut auch nicht einfach weg – er agiert wie ein lokaler König, der sich selbst eingeredet hat, dass jede seiner grausamen Entscheidungen einem höheren Zweck dient. Der Film sperrt einen für den Großteil seiner Laufzeit in ein Auto mit ihm und lässt einen zusehen, wie ein idealistischer Rookie begreift, dass sein Ausbilder genau das ist, wogegen er eigentlich ausgebildet werden sollte. | © Warner Bros.
The Aviator zeigt, was passiert, wenn Genialität und Besessenheit im selben Kopf leben. Leonardo DiCaprio spielt Howard Hughes als jemanden, der revolutionäre Flugzeuge konstruieren kann und anschließend stundenlang Erbsen auf seinem Teller in perfekte Reihen sortiert – ein Bild dafür, wie derselbe Geist, der Großes erschafft, sich auch selbst langsam zerstören kann. Martin Scorsese inszeniert die frühen Szenen in warmen, goldenen Farben, die im Verlauf des Films zunehmend verblassen, parallel zum geistigen Zerfall von Hughes, wodurch die Bildsprache seinen psychischen Zustand widerspiegelt. Der Film funktioniert, weil er seine Störungen nie als schrullige Eigenheiten oder einfache Erklärungen für Genialität darstellt, sondern als Teil eines viel komplexeren, schmerzhaften Gesamtbildes. | © Miramax Films
A Beautiful Mind verwandelt Schizophrenie in einen Thriller, in dem das Publikum die Wahnvorstellungen gemeinsam mit John Nash erlebt und bis zur Auflösung nie sicher ist, welche Figuren real sind. Russell Crowe verschmilzt vollständig mit der Rolle eines Mathematikers, dessen brillanter Verstand zu seinem größten Gegner wird, und der Film lässt einen die Paranoia und Verwirrung nicht nur beobachten, sondern regelrecht miterleben.
Er funktioniert, weil er psychische Erkrankung als etwas Komplexes und Beängstigendes darstellt und nicht als reine Inspirationsgeschichte – selbst dann nicht, wenn er sich letztlich in Richtung Hoffnung bewegt. Ron Howard findet dabei genau die richtige Balance zwischen Nashs Genialität und seiner zerstörerischen Erkrankung, ohne eines von beidem zu einem simplen dramaturgischen Mittel zu machen. | © Universal Pictures
Gangs of New York wirft einen mitten ins Manhattan der 1860er-Jahre, als die Five Points praktisch einem Kriegsgebiet glichen, in dem irische Einwanderer gegen nativistische Banden um die Kontrolle von Vierteln kämpften, die kaum den Begriff Zivilisation verdienten.
Daniel Day-Lewis macht aus Bill Cutting eine noch beunruhigendere Figur als den typischen Filmbösewicht, weil er seine fremdenfeindliche Wut auf eine seltsam konsequente, fast „prinzipientreue“ und persönliche Weise verkörpert. Scorsese baut den gesamten Film auf echter historischer Wut auf und nutzt die Draft Riots des Bürgerkriegs, um zu zeigen, wie sich Amerikas Identitätskonflikte buchstäblich in echtem Blut auf echten Straßen entladen haben. Die Gewalt trifft anders, wenn man versteht, dass es im Kern darum geht, wer sich überhaupt als Amerikaner bezeichnen darf. | © Miramax Films
The Pianist nimmt jeder Hollywood-Komfortzone ihre Wirkung, indem er seine Holocaust-Geschichte radikal von klassischen Heldentumsmomenten und erlösenden Reden befreit. Adrien Brodys Władysław Szpilman bekommt keine heroischen Auftritte und keine pathetischen Durchhalte-Monologe; Roman Polanski erzählt sein Überleben stattdessen als langsame Anhäufung kleiner, verzweifelter Entscheidungen, nicht als große, bedeutungsschwere Gesten.
Brody verschwindet so vollständig in der Rolle, dass seine körperliche Transformation selbst Teil der Erzählung wird. Die zerstörerische Wirkung des Films entsteht gerade daraus, dass er nie versucht, inspirierend zu sein, sondern einen einfach nur dazu zwingt, hinzusehen, was tatsächlich geschehen ist. | © Focus Features
Catch Me If You Can verwandelt eine der kühnsten Betrugsserien der amerikanischen Geschichte in etwas, das sich eher wie ein charmantes Zauberstück als wie ein Thriller anfühlt. Frank Abagnale Jr. fälscht nicht nur Schecks und gibt sich als verschiedene Berufsgruppen aus – er lässt alles so mühelos wirken, dass man irgendwann tatsächlich anfängt, ihm dabei zuzusehen, wie er weiterhin alle, inklusive des FBI-Agenten auf seiner Spur, hinters Licht führt. Spielberg hält den Ton leicht und unbeschwert, selbst wenn die Betrügereien immer größer werden, und inszeniert das Ganze als ein Katz-und-Maus-Spiel zwischen zwei Männern, die sich insgeheim gegenseitig respektieren.
Der Film funktioniert, weil er weder Frank zu einem gequälten Antihelden noch Carl zu einem verbitterten Gegenspieler macht. | © DreamWorks Pictures
There Will Be Blood macht aus Kapitalismus eine Charakterstudie über einen Mann, der menschliche Beziehungen wie geschäftliche Transaktionen behandelt, die er sich leisten kann zu verlieren. Daniel Day-Lewis spielt nicht einfach einen Ölsucher – er wird zu einer Figur, die in kontrolliertem, fast ruhigem Ton spricht, während sie alles um sich herum mit methodischer Konsequenz zerstört.
Paul Thomas Anderson inszeniert jede Szene so, als würde er eine Pipeline verlegen: langsam, präzise und unaufhaltsam, bis die finale Konfrontation das volle Gewicht all dessen trägt, was sich zuvor aufgebaut hat. Allein die Bowling-Alley-Szene rechtfertigt, warum dieser Film auch heute, Jahre später, noch ständig zitiert wird. | © Paramount Vantage
Die 2000er Jahre haben deutlich mehr großartige Filme hervorgebracht, als diesem Jahrzehnt oft zugeschrieben wird – und einige davon wirken heute sogar besser als zum Zeitpunkt ihres Erscheinens. Das sind die Filme, die es wirklich wert sind, noch einmal angeschaut zu werden – jene, die einem genau wieder in Erinnerung rufen, warum man sich damals überhaupt in sie verliebt hat.
