Hiernach hat wirklich niemand gefragt.
Der weiße Hai – Die Abrechnung basiert auf der Prämisse, dass ein Weißer Hai eine persönliche Vendetta gegen eine ganz bestimmte Familie entwickelt hat und ihr von Amity Island bis auf die Bahamas folgt – und der Film zieht das komplett ernsthaft durch. Michael Caine, der bekanntermaßen sagte, er habe den Film nie gesehen, aber sehr wohl das Haus, das er ihm gekauft habe, wirkt, als würde er seine Szenen für einen völlig anderen Film drehen. An einer Stelle brüllt der Hai, was eigentlich schon alles über das Maß an biologischer Genauigkeit sagt, das hier geboten wird. Das Ende wurde mehrfach nachgedreht und ergibt trotzdem in keiner seiner Versionen Sinn. | © Universal Studios
Die Maske 2: Die nächste Generation versuchte, die manische Energie des Originals mit Jim Carrey wieder einzufangen, ohne zu verstehen, warum sie dort überhaupt funktionierte. Die auf das Baby fokussierte Handlung verwandelt jede Szene in einen anstrengenden Angriff aus CGI-Chaos, bei dem ein digital aufgepeppter Säugling Stunts vollführt, die eher verstörend als lustig wirken. Jamie Kennedy wird unter Make-up-Effekten begraben, die ihn dauerhaft unwohl aussehen lassen, während der Film an jeder Ecke Lautstärke mit Cleverness verwechselt. Was eigentlich Familienunterhaltung hätte sein sollen, wird zu einem gnadenlosen Ausdauertest, bei dem alle Beteiligten verzweifelt wirken. | © New Line Cinema
Holmes & Watson nimmt zwei der beliebtesten Figuren der Detektivliteratur und sperrt sie in Will Ferrells schlimmste Comedy-Instinkte ein. Der Film verwechselt laute Verwirrung mit cleverem Schlagabtausch und macht jede Szene zu einer Übung in Fremdscham, während Ferrell und John C. Reilly durch Rätsel stolpern, die keinen Sinn ergeben. Selbst das historische Setting wirkt falsch, als hätte jemand das viktorianische London aus einem billigen Kostümverleih bestellt. Das Ganze spielt sich ab wie ein Comedy-Sketch, der vergessen hat, echte Witze einzubauen. | © Sony Pictures
Pixels nimmt die eigentlich wirklich spaßige Prämisse, dass klassische Arcade-Game-Figuren die echte Welt angreifen, und macht daraus zwei Stunden Adam Sandler, der vom Weltuntergang nur leicht genervt wirkt. Der Film behandelt sein eigenes Konzept mit so beiläufiger Gleichgültigkeit, dass ein riesiger Pac-Man, der Manhattan zerstört, weniger aufregend wirkt als ein Besuch beim Amt. Peter Dinklage taucht mit Rattenschwanz und Kentucky-Akzent auf, der offenbar komplett auf der Fahrt zum Set entwickelt wurde. Die Tragik daran ist, dass irgendwo in diesem Film eine gute Idee steckt, die es nur nie auch nur ansatzweise auf die Leinwand geschafft hat. | © Columbia Pictures
Transformers: Ära des Untergangs kam irgendwie zu dem Schluss, dass dieses Franchise vor allem eines braucht: noch mehr Laufzeit. Heraus kamen fast drei Stunden Roboter-Zerstörung, die sich wie eine Bestrafung anfühlen. Die Handlung rund um einen böse werdenden Optimus Prime und Mark Wahlberg, der Teenager-Freunde anschreit, geht unter endlosem Product Placement und Actionszenen verloren, die irgendwann nur noch zu metallischem Lärm verschwimmen. Michael Bay wirft jede Explosion und jede Slow-Motion-Einstellung auf die Leinwand, die ihm einfällt, aber nichts davon entwickelt sich zu etwas, das sich wie eine echte Geschichte anfühlt. Das Ergebnis ist ein Film, bei dem man sich fragt, ob irgendjemand Beteiligtes ihn sich wirklich angesehen hat, bevor er ins Kino kam. | © Paramount Pictures
Der Love Guru kam als Mike Myers’ Versuch daher, eine weitere zitierfähige Figuren-Franchise zu erschaffen, doch das Ganze wirkte, als würde jemand verzweifelt versuchen, eine Magie wieder einzufangen, die längst verschwunden war. Die Witze landeten mit der Subtilität eines Vorschlaghammers und vermischten derben Humor mit spirituellen Klischees auf eine Weise, die Austin Powers im Vergleich fast anspruchsvoll wirken ließ. Myers stürzt sich komplett in die Rolle des Guru Pitka, aber genau dieses Engagement macht das unlustige Material nur noch unangenehmer anzusehen. Was eigentlich eine alberne Komödie hätte sein sollen, wird zu einem Paradebeispiel dafür, dass Starpower allein kein Drehbuch retten kann, das Lautstärke mit Lachen verwechselt. | © Paramount Pictures
Jack und Jill nimmt Adam Sandlers faulste Instinkte und verdoppelt sie, indem er sowohl die männliche Hauptrolle als auch seine Zwillingsschwester in Frauenkleidern spielt. Der ganze Film wirkt wie ein teures Heimvideo, in dem Sandler dafür bezahlt wird, mit seinen Freunden abzuhängen, während das Publikum endlosen Witzen über den Schnurrbart und die nervige Stimme seines weiblichen Alter Egos ausgesetzt wird. Jede Szene zieht sich, weil der zentrale Gag nach ungefähr drei Minuten nicht mehr lustig ist, der Film aber trotzdem noch eine weitere Stunde und zwanzig Minuten weiterläuft. Sandler neunzig Minuten lang dabei zuzusehen, wie er mit Perücke mit sich selbst redet, lässt seine anderen Komödien im Vergleich plötzlich fast anspruchsvoll wirken. | © Sony Pictures
Fifty Shades of Grey – Geheimes Verlangen versprach, erotische Literatur ins Mainstream-Kino zu bringen, lieferte aber etwas ab, das steril, unbeholfen und für einen Film, der komplett auf sexueller Spannung basiert, erstaunlich unerotisch wirkte. Die Hauptdarsteller hatten keinerlei Chemie, was zu einem echten Problem wird, wenn die gesamte Handlung davon abhängt, dass ihre magnetische Anziehung jede Szene trägt. Was heiß hätte sein sollen, wirkte klinisch, was romantisch hätte sein sollen, wirkte mechanisch, und das Ergebnis war ein Film, der es irgendwie schaffte, kinky Milliardärs-Fantasien langweilig zu machen. Der Film bewies, dass die Popularität einer Vorlage nichts bedeutet, wenn die Adaption alles entfernt, was die Menschen ursprünglich daran interessiert hat. | © Universal Pictures
Batman & Robin verwandelte den Dunklen Ritter in eine kreditkartenschwingende Sprüchemaschine, umgeben von Neonlichtern und Gumminippeln. Joel Schumacher schaffte es irgendwie, einen Superheldenfilm zu drehen, der eher wie eine Mischung aus Spielzeugwerbung und Vegas-Bühnenshow wirkte – inklusive Arnold Schwarzenegger, der Eis-Wortspiele raushaut, die selbst Dad Jokes anspruchsvoll erscheinen lassen. Das Ganze fühlt sich an, als hätte jemand den Camp-Faktor der 60er-Jahre-Serie genommen, aber den Teil verpasst, in dem das Ganze charmant sein sollte. Das ist der Film, der Warner Bros. so peinlich war, dass das Studio die komplette Reihe neu startete und so tat, als hätte das vorherige Jahrzehnt nie existiert. | © Warner Bros. Pictures
Dragonball Evolution nimmt eines der beliebtesten Anime-Franchises überhaupt und entfernt praktisch alles, was es ursprünglich ausgemacht hat. Die Martial-Arts-Szenen wirken unbeholfen, die Figuren haben kaum Ähnlichkeit mit ihrer Vorlage, und die ganze Produktion fühlt sich an, als wäre sie von Menschen gemacht worden, die Dragon Ball nie wirklich gesehen haben. Selbst die grundlegendsten Elemente werden vermasselt – von Gokus Persönlichkeit bis zur kompletten Abwesenheit der typischen Energie und des Humors der Serie. Das Ergebnis ist so weit von seinen Ursprüngen entfernt, dass es wirkt wie eine völlig andere Geschichte, die den Namen Dragon Ball nur als Verkleidung trägt. | © 20th Century Fox
Es gibt schlechte Ideen, und dann gibt es schlechte Ideen, die irgendwie immer beunruhigender werden, je teurer sie aussehen. Cats setzte voll auf einen Digital-Fur-Ansatz, der talentierte Darsteller wie Judi Dench und Ian McKellen in einem visuellen Experiment gefangen hielt, das irgendwo zwischen Fiebertraum und Body Horror landete. Die Größenverhältnisse wirkten falsch, die Anatomie sah verflucht aus, und das Publikum verbrachte mehr Zeit damit, zu hinterfragen, was es da gerade sah, als irgendeiner Handlung zu folgen. Universal Pictures gab all dem irgendwie mit voller Überzeugung grünes Licht und musste dann zusehen, wie das Internet den Film so schnell ablehnte, dass die Witze darüber berühmter wurden als der Film selbst. | © Universal Pictures
Die Legende von Aang nahm eine geliebte Animationsserie über Elementarmagie und Martial Arts und entzog ihr dann alles, was sie ursprünglich ausgemacht hatte. M. Night Shyamalan verwandelte flüssige Action in holprige Choreografie, besetzte asiatisch inspirierte Figuren mit weißen Schauspielern und schaffte es irgendwie, das Bändigen der Elemente langweilig aussehen zu lassen. Die Dialoge klingen, als würden sich die Figuren gegenseitig eine Wikipedia-Zusammenfassung der Handlung erklären. Was spektakulär hätte werden sollen, wurde zu einem Paradebeispiel dafür, wie man eine gesamte Fanbase in unter zwei Stunden enttäuscht. | © Paramount Pictures
Catwoman nimmt eine der spannendsten Figuren von DC und entfernt alles, was sie ursprünglich interessant gemacht hat. Halle Berry spielt eine komplett andere Person, die durch irgendeine mystische Katzen-Wiederauferstehung zufällig Katzenkräfte bekommt – und verwandelt damit eine elegante Antiheldin in eine verwirrte Frau, die Thunfisch aus der Dose isst und in Juweliergeschäften schnurrt. Das Lederoutfit sieht aus, als wäre es von jemandem entworfen worden, der noch nie echte Kleidung gesehen hat, und allein die Basketballszene wirkt, als käme sie aus einem völlig anderen Film. Berry nahm ihre Goldene Himbeere sogar persönlich entgegen, was eigentlich alles darüber sagt, wie dieses Experiment angekommen ist. | © Warner Bros. Pictures
Liebe mit Risiko – Gigli machte zwei der größten Stars Hollywoods zur Pointe, indem er sie in eine romantische Komödie sperrte, die wirkt, als wäre sie von jemandem geschrieben worden, der noch nie zwei Menschen miteinander reden gesehen hat. Ben Affleck spielt einen kleinen Gangster, der sich in Jennifer Lopez’ lesbische Auftragskillerin verliebt, und die Dialoge, die sie aufsagen müssen, klingen, als kämen sie von einem anderen Planeten. Allein die Truthahn-Gacker-Szene wurde im Internet zum Synonym für karrierezerstörende Momente. Noch schlimmer machte das Ganze die massive Medienaufmerksamkeit rund um Afflecks und Lopez’ echte Beziehung, durch die jede unbeholfene Textzeile zu einem öffentlichen Spektakel wurde.| © Sony Pictures
Battlefield Earth – Kampf um die Erde steht mit einer unbeirrbaren Überzeugung zu seiner Vision einer von dreadlocktragenden Aliens versklavten Menschheit, sodass jede furchtbare Entscheidung fast absichtlich wirkt. John Travolta produzierte diese Adaption von L. Ron Hubbards Roman und spielte selbst darin mit – heraus kam etwas, das wirkt wie Science-Fiction von jemandem, der von dem Genre nur Gerüchte gehört hat. Die Kamera kippt so aggressiv in Dutch Angles, dass sich das Anschauen anfühlt, als wäre man in einer Waschmaschine gefangen. Jede Dialogzeile klingt, als wäre sie erst durch drei verschiedene Sprachen übersetzt worden, bevor sie auf Englisch gelandet ist. | © Warner Bros.
Manche Filme lassen einen ernsthaft fragen, wie sie überhaupt grünes Licht bekommen konnten, wie sie produziert wurden und wie irgendjemand Beteiligtes sich das fertige Ergebnis ansehen und trotzdem entscheiden konnte, es zu veröffentlichen. Das sind die Filme, die auf ganzer Linie gescheitert sind und das Publikum ratlos zurückließen.
