„Boots“ warf die Zuschauer direkt ins Chaos eines militärischen Bootcamps und traf größtenteils genau die emotionale Wucht dieser Erfahrung – vom Verlust der eigenen Individualität bis hin zum unerbittlichen Druck, ständig Leistung bringen zu müssen. Die Drill-Instructors wirkten authentisch, und der Umgang mit der sexuellen Identität der Hauptfigur wurde so zurückhaltend umgesetzt, dass sie wie ein natürlicher Teil der Geschichte wirkte und nicht wie deren einziger Fokus. Die Serie wurde abgesetzt, bevor sie überhaupt die Chance bekam, ihr Publikum zu finden – schade, denn die Grundlage war stark genug, um daraus etwas wirklich Sehenswertes zu entwickeln. | © Netflix
Margaret Chos bahnbrechende Sitcom hätte eigentlich ein Grund zum Feiern sein sollen, wurde stattdessen aber zu einem Paradebeispiel dafür, wie Sender ihre eigenen Bemühungen um mehr Diversität sabotieren können. ABC verlangte immer wieder Änderungen, die alles Authentische an Chos Erfahrungen mit ihrer koreanisch-amerikanischen Familie entfernten – und wunderte sich anschließend, warum das verwässerte Ergebnis so leer wirkte.
Der Sender drängte Cho dazu, abzunehmen, engagierte weiße Autoren, die die Kultur, über die sie schreiben sollten, nicht verstanden, und machte aus dem potenziell ersten Sitcom-Format über eine asiatisch-amerikanische Familie eine austauschbare Mehrkamera-Komödie. 29 Jahre später bleibt die Serie eine schmerzhafte Erinnerung an verpasste Chancen, die durch Verantwortliche vertan wurden, die zu wenig Vertrauen in das hatten, was die Serie ursprünglich besonders machte. | © ABC
„Now Apocalypse“ wollte gleichzeitig die sexuell aufgeladenste Serie im Fernsehen und ein ernsthaftes Science-Fiction-Rätsel über Alien-Verschwörungen und das Ende der Welt sein. Gregg Araki vermischte die Dating-Kultur der Millennials, kosmischen Horror und seine typische neongetränkte Skurrilität zu einer sehr speziellen Vision, die wirkte, als wäre sie für ein Publikum von vielleicht zwölf Menschen gemacht worden. Die Sexszenen waren häufig und explizit, die Alien-Handlung blieb verwirrend, und die gesamte Serie bewegte sich im Tempo eines Fiebertraums. Die meisten Zuschauer fanden nie heraus, ob sie über das Ganze lachen oder es tatsächlich ernst nehmen sollten. | © Starz
„The Finder“ nahm das Grundkonzept einer skurrilen Detektivserie und führte es in wirklich ungewöhnliche Gefilde. Geoff Stults spielte einen ehemaligen Militärpolizisten, dessen Hirnverletzung ihm eine unheimliche Fähigkeit verlieh, verschwundene Dinge und Menschen aufzuspüren.
Die Fälle reichten von verlorenen Haustieren bis hin zu vermissten Personen, doch der eigentliche Reiz der Serie lag darin, dass sie sich voll und ganz auf ihren schrägen Humor und Figuren einließ, die wirkten, als wären sie aus einem völlig anderen Genre herübergewandert. Fox wusste offenbar nicht, was es mit einer Krimiserie anfangen sollte, die gleichzeitig zu ungewöhnlich für das breite Publikum und zu gewöhnlich für Zuschauer war, die etwas wirklich Experimentelles suchten. Die Serie blieb zwischen diesen beiden Welten hängen und konnte letztendlich niemanden wirklich überzeugen. | © Fox
„Archive 81“ beginnt mit der einfachen Prämisse, beschädigte Videokassetten zu restaurieren, entwickelt sich aber schnell zu etwas weitaus Seltsamerem und Unheimlicherem. Die Serie folgt einem Archivar, der entdeckt, dass die Bänder, die er digitalisiert, Aufnahmen einer Frau enthalten, die in den 1990er-Jahren ein mysteriöses Apartmentgebäude untersucht.
Je tiefer er in die Aufnahmen eintaucht, desto mehr beginnen Vergangenheit und Gegenwart miteinander zu verschmelzen. Netflix erzeugte eine echte Spannung rund um das übernatürliche Rätsel und verband Found-Footage-Horror mit einer fesselnden Beziehung zwischen den beiden Hauptfiguren, deren Geschichten in unterschiedlichen Zeitebenen spielen. Die Absetzung traf besonders hart, weil das Finale gerade erst völlig neue Fragen über die dunkle Vergangenheit des Gebäudes aufgeworfen hatte. | © Netflix
„Pearson“ versuchte, Jessica Pearson aus „Suits“ in die Welt der Chicagoer Politik zu begleiten, doch die Serie fand nie wirklich heraus, was sie sein wollte. Die DNA des Justizdramas passte nicht mit den Versuchen zusammen, eine düstere Geschichte über politische Korruption zu erzählen, wodurch eine Hauptfigur entstand, die weder mit ihrer alten Welt noch mit ihrer neuen Umgebung wirklich verbunden wirkte. Gina Torres hätte besseres Material verdient als eine Serie, die sich über weite Strecken in belanglosen Rathausintrigen verlor. Was eigentlich eine natürliche Fortsetzung hätte werden sollen, fühlte sich stattdessen an, als würde man einer großartigen Schauspielerin dabei zusehen, wie sie in der falschen Geschichte verloren geht. | © USA Network
„John From Cincinnati“ versuchte, dieselbe Magie einzufangen, die „Deadwood“ so besonders gemacht hatte. Doch statt Revolverhelden und Saloons baute David Milch seine nächste Serie rund um Surfer, familiäre Konflikte und einen mysteriösen Fremden auf, der möglicherweise eine Art Messias sein könnte. Die Serie wirft übernatürliche Elemente, rätselhafte Dialoge und Strandkultur in einen Mixer, findet dabei aber nie wirklich ihren eigenen Rhythmus. Milchs typisch wortgewaltige Figuren wirkten glaubwürdig, wenn sie Shakespeare im Wilden Westen zitierten, doch völlig verloren, wenn sie in einem Surfshop philosophische Rätsel von sich gaben. HBO gab der Serie nur eine Staffel, bevor der Sender entschied, dass das, was Milch eigentlich erzählen wollte, die Verwirrung wohl nicht wert war. | © HBO
Der psychopathische Konzernaufsteiger Jim Profit kämpfte sich bei Gracen & Gracen nach oben, indem er Führungskräfte erpresste, deren Ehefrauen verführte und in einem Pappkarton schlief – genau wie in seiner traumatischen Kindheit.
Die Serie war für viele Zuschauer so verstörend, dass Fox sie trotz des Lobes der Kritiker für ihre verdrehte Genialität bereits nach acht Folgen absetzte. Adrian Pasdar spielte Profit als emotionslosen Manipulator, der die vierte Wand durchbrach, um den Zuschauern seine Pläne direkt zu erklären, und schuf damit ein Fernseherlebnis, das eher wie psychologische Kriegsführung als wie Unterhaltung wirkte. Die meisten Antihelden-Serien wollen, dass man mit fragwürdigen Figuren mitfiebert, die fragwürdige Dinge tun – diese hier wollte vor allem, dass man sich unwohl fühlt. | © Fox
Militärkomödien machen die Streitkräfte normalerweise zur reinen Witzvorlage, doch „Enlisted“ fand echte Herzlichkeit in der Geschichte dreier Brüder, die gemeinsam auf einem Stützpunkt in Florida stationiert sind. Die Serie verband absurde Situationen mit echtem Respekt gegenüber einfachen Soldaten und ließ den Humor aus Familiendynamiken und alltäglichen Frustrationen am Arbeitsplatz entstehen – statt sich auf billige Witze über das Militärleben zu verlassen. Fox bewarb die Serie kaum und setzte sie auf einen miserablen Sendeplatz, weshalb die meisten Zuschauer nie entdeckten, dass sie möglicherweise die beste Militär-Sitcom seit „MAS*H“ war. Die Absetzung wirkte besonders bitter, weil die Serie gerade erst richtig in Fahrt kam, als sie gestrichen wurde. | © Fox
„Die Wahrheit einer Nacht“ nimmt einen einfachen Mordfall und verwandelt ihn in acht Stunden beklemmender Angst darüber, wie das System jeden zerstört, der mit ihm in Berührung kommt. Riz Ahmeds College-Student entwickelt sich vom verängstigten Jungen zu einem abgebrühten Häftling, während sein Anwalt langsam an seinem Ekzem zugrunde geht – und irgendwie wirken beide Entwicklungen gleichermaßen unvermeidbar.
HBO baut die gesamte Staffel um eine Frage auf, die mit jeder Folge unwichtiger wird, denn der wahre Horror liegt darin, dabei zuzusehen, wie die Unschuld Stück für Stück ausgelöscht wird. Das Finale beantwortet zwar, was passiert ist, doch zu diesem Zeitpunkt ist der Schaden für alle Beteiligten längst dauerhaft. | © HBO
Der Hulu-Reboot von „High Fidelity“ ersetzte John Cusacks verpeilten Plattenladenbesitzer durch Zoë Kravitz’ ebenso besessene, aber deutlich dynamischere Version der Figur und verlegte die Handlung von Chicago nach Brooklyn, um dem Thema Musik-Nerdtum und romantischem Scheitern eine neue Perspektive zu geben. Kravitz verlieh Rob eine echte Ausstrahlung und sorgte dafür, dass die endlosen Listen und Beziehungsanalysen der Figur weniger wie Jammern und mehr wie ehrliche Selbstreflexion wirkten.
Die Serie modernisierte Nick Hornbys Geschichte, ohne den Kernreiz zu verlieren: Dabei zuzusehen, wie jemand seine gescheiterten Beziehungen durch die Musik seiner Plattensammlung verarbeitet. Eine einzige Staffel reichte Hulu jedoch, um den Stecker zu ziehen – und die Fans mit gerade einmal zehn Folgen einer Serie zurückzulassen, die sich wie eine erwachsenere Interpretation der Vorlage anfühlte. | © Hulu
Amy Sherman-Palladino brachte ihren typischen schnellen Wortwitz und ihre skurrilen Kleinstadtfiguren in die Welt des Balletts, doch „New in Paradise“ fand nie wirklich heraus, was für eine Serie es sein wollte. Die Handlung drehte sich um eine Las-Vegas-Showtänzerin, die spontan heiratet und in eine kleine kalifornische Stadt zieht, um dort Tanzunterricht zu geben.
Dabei wechselte die Serie ständig zwischen romantischen Komödienmomenten und ernsteren Coming-of-Age-Geschichten über ihre jugendlichen Schülerinnen. Sherman-Palladinos charakteristischer Humor funktionierte besonders gut in den Tanzstudio-Szenen, doch die wechselnden Tonlagen wirkten oft holprig, wenn die Serie versuchte, Erwachsenendrama und Teenager-Probleme miteinander zu verbinden. ABC Family gab der Serie zwar eine komplette Staffel, fand aber nie das Publikum, das „Gilmore Girls“ zu einem Phänomen gemacht hatte. | © ABC Family
„Lovecraft Country“ verwandelte kosmischen Horror in eine Waffe gegen den Rassismus in Amerika und begleitete Atticus Freeman auf einer Reise durch die 1950er-Jahre, bei der die Jim-Crow-Gesetze genauso erschreckend waren wie die tentakelartigen Monster.
Die Serie ließ den Zuschauern keine Flucht in eine reine Fantasy-Welt und nutzte Lovecrafts eigene Mythologie, um die tatsächlichen Schrecken zu beleuchten, denen Schwarze Menschen im Amerika der Rassentrennung ausgesetzt waren. HBO schuf etwas wirklich Einzigartiges, indem der Sender den Rassismus, der auch in der Vorlage eine Rolle spielte, nicht ausblendete, sondern zum zentralen Bestandteil der Geschichte machte. Das ambitionierte Konzept hätte mehr Zeit verdient, um sich weiterzuentwickeln, doch der Sender setzte die Serie trotz des Lobes der Kritiker bereits nach nur einer Staffel ab. | © HBO
„Willkommen im Leben“ fing genau ein, wie es sich anfühlt, 15 Jahre alt zu sein und überzeugt davon zu sein, dass einen jedes einzelne Gefühl überwältigen könnte. Angela Chase erzählt von ihrem Leben als Teenagerin in der Vorstadt mit einer schonungslosen Ehrlichkeit, die Erwachsene oft unangenehm berührte und Jugendlichen ein Gefühl gab, das sie zuvor im Fernsehen kaum erlebt hatten: wirklich verstanden zu werden.
Die Serie weigerte sich, Probleme aus der Schulzeit als unwichtig oder vorübergehend darzustellen, und behandelte erste Liebe und familiäre Konflikte mit genau der Bedeutung, die Jugendliche ihnen tatsächlich beimessen. ABC setzte die Serie nach nur einer Staffel ab, doch Claire Danes und Jared Leto machten diese 19 Folgen zu einer Blaupause für nahezu jede Coming-of-Age-Geschichte, die danach folgte. | © ABC
Highschool-Komödien entscheiden sich normalerweise für eine Seite – die beliebten Schüler oder die Außenseiter –, doch „Voll daneben, voll im Leben“ weigerte sich, diese Wahl so einfach zu machen. Die Serie verteilte ihren Fokus auf Lindsay Weir, die immer mehr in die Welt der Außenseiter abrutscht, und ihren jüngeren Bruder Sam, der versucht, sich in der Gruppe der Mathe-Asse zurechtzufinden. Dabei zeigte sie die echten Unsicherheiten und Peinlichkeiten beider Welten.
Paul Feig und Judd Apatow erschufen eine Serie, die sich mehr wie das echte Leben eines Teenagers anfühlte als die glänzenden Fantasien, die damals das Jugendfernsehen dominierten. NBC setzte die Serie nach nur einer Staffel ab, doch die Besetzung liest sich heute wie ein Who’s Who der Comedy-Stars, die in diesen Schulfluren ihren Anfang machten. | © NBC
Nicht jede Serie bekommt die Chance, ihren Platz zu finden – und manche hätten eine zweite Staffel wahrscheinlich ohnehin nicht verdient. Diese 15 Serien kamen, gingen wieder und hinterließen Zuschauer entweder mit dem Wunsch nach mehr oder mit der Frage, warum sie überhaupt jemals produziert wurden.
