Absolut zeitlos.
Ein Ritter spielt auf einem Strand Schach gegen den Tod, nachdem er aus den Kreuzzügen heimgekehrt ist. Ingmar Bergman baute Das siebente Siegel um genau dieses eine Bild herum auf, und es entwickelte sich aus gutem Grund zu einer der am häufigsten parodierten Szenen der Filmgeschichte.
Pest, Zweifel und Angst liegen über jeder Einstellung, aber der Film wirkt in keinem Moment wie eine zähe Pflichtübung, weil er unentwegt diese eine kompromisslose Frage stellt: Was fängst du mit deiner Zeit an, wenn du genau weißt, wie alles endet? | © Janus Films
Federico Fellini drehte Achteinhalb, als er feststeckte und nicht wusste, was er als Nächstes filmen sollte, also verwandelte er genau diese Panik in den Film selbst. Guido Anselmi wandelt durch Erinnerungen, Fantasien und ein Filmset, das nie wirklich zu einem fertigen Film wird, wodurch die Grenze zwischen seinem Leben und seiner Vorstellungskraft verschwimmt.
Die Harem-Traumsequenz allein zeigt, wie verspielt und selbstverliebt Fellini sein konnte, ohne dabei die Kontrolle über die Geschichte zu verlieren. Jahrzehnte später bedienen sich Regisseure immer noch daran, wann immer sie einen Film über die Unmöglichkeit drehen wollen, Filme zu machen. | © Cineriz
Einer flog über das Kuckucksnest, verfrachtete Jack Nicholson in eine Nervenheilanstalt, in der nicht die Krankheit das eigentliche Leiden ist, sondern die Kontrolle. Randle McMurphy erschleicht sich die Einweisung in dem Glauben, sie sei das kleinere Übel gegenüber dem Gefängnis, trifft dort aber direkt auf Schwester Ratched, eine Frau, die die Station durch kühle und leise Grausamkeit beherrscht.
Ihr Machtkampf wird nie laut oder schrill. Er zermürbt McMurphy schlicht Stück für Stück, bis das Ende wie ein Schlag trifft, den man zwar kommen sah, auf den man aber trotzdem nicht vorbereitet war. | © United Artists
Wie ein wilder Stier hätte einfach nur ein weiterer Boxfilm werden können, aber Martin Scorsese verwandelt Jake LaMottas Geschichte stattdessen in eine Art Horrorfilm über die Eifersucht. Robert De Niro nahm für die Darstellung von LaMottas späten Jahren über 25 Kilo zu, und diese Transformation wird auch Jahrzehnte später immer noch zitiert.
Die Schwarz-Weiß-Fotografie verleiht der Gewalt eine zeitlose Intensität, besonders in den brutalen Ringszenen. Was jedoch wirklich hängen bleibt, sind nicht die Kämpfe, sondern der Anblick eines Mannes, der jede Beziehung in seinem Leben zerstört, weil er seine eigene Wut nicht unter Kontrolle bringt. | © United Artists
Zwei glorreiche Halunken verwandeln eine Schatzsuche in drei Stunden pure Hochspannung. Sergio Leone dehnt die Stille aus, bis sie wehtut, nur um Ennio Morricones Soundtrack genau im richtigen Moment explodieren zu lassen. Clint Eastwood, Lee Van Cleef und Eli Wallach umkreisen sich, als wäre der gesamte US-Sezessionskrieg nur eine Geräuschkulisse für ihr Gaunerspiel.
Das finale Showdown-Duell auf dem Friedhof ist bis heute der Referenzpunkt, an dem sich jeder Western-Schusswechsel messen lassen muss. | © United Artists
Travis Bickle verbringt seine Nächte damit, durch New York City zu fahren, und empfindet mit jeder Stunde nur noch mehr Abscheu. Taxi Driver lässt den Zuschauer in keinem Moment beruhigt in Bickles Kopf verweilen, obwohl er gezwungen ist, für die gesamte Laufzeit dort zu bleiben.
Robert De Niro spielt ihn als jemanden, der sich langsam selbst davon überzeugt, dass Gewalt ein höheres Ziel bedeutet, und der Irokesenschnitt taucht erst auf, als er den Punkt ohne Wiederkehr längst überschritten hat. Das Ende spaltet die Gemüter bis heute, zwischen einer Deutung als Erlösung oder als letzter Zynismus auf Travis’ Kosten. | © Columbia Pictures
Schindlers Liste zwang Steven Spielberg dazu, all die inszenatorischen Kniffe abzulegen, die ihn berühmt gemacht hatten. Kein melodramatischer Bombast von John Williams in den Momenten des Grauens, keine Farbe außer diesem einen roten Mantel, sondern reine Schwarz-Weiß-Bilder, die nicht wegschauen.
Liam Neeson spielt einen Kriegsgewinnler, der sich nach und nach in jemanden verwandelt, der alles riskiert, um die für ihn arbeitenden Menschen zu retten. Ralph Fiennes verkörpert die genaue Gegenbewegung dazu, und das Zusammenspiel beider Männer auf der Leinwand lässt Kinosäle bis heute in absoluter Stille erstarren. | © Universal Pictures
Akira Kurosawa schuf mit Die sieben Samurai die Blaupause für ein ganzes Genre, und moderne Blockbuster schreiben bis heute von seinen Hausaufgaben ab. Ein armes Dorf heuert sieben Ronin an, um sich gegen Banditen zu verteidigen, und der Film nimmt sich ausgiebig Zeit, um den Zuschauer jeden einzelnen Kämpfer kennenlernen zu lassen, bevor die Schwerter gezogen werden.
Trotz seiner dreieinhalb Stunden Laufzeit zieht er sich in keinem Moment, weil Kurosawa jede Planungsszene und jede Schlacht im strömenden Regen mit maximaler Relevanz auflädt. Ein halbes Jahrhundert Actionkino verdankt seine Grundstruktur dieser einen Geschichte über die Verteidigung eines Bauernhofs. | © Toho
Psycho gelang 1960 etwas damals schier Undenkbares: Der Film tötete seinen größten Star noch vor der Hälfte der Laufzeit. Das Publikum, das eine klassische Vorzeige-Rolle von Janet Leigh erwartete, bekam stattdessen einen Duschabfluss und einen Zeitungsstapel serviert. Hitchcock sorgte persönlich dafür, dass niemand zu spät kam und das Ende spoilerte, indem er verspäteten Besuchern schlicht den Zutritt zum Kinosaal verwehrte.
Die eigentliche Duschszene dauert zwar unter einer Minute, benötigte aber eine ganze Woche Drehzeit, und Bernard Herrmanns kreischende Streicher erledigen die halbe Mordarbeit. Norman Bates verwandelte den Begriff „Muttersöhnchen“ in etwas, bei dem Menschen bis heute zusammenzucken. | © Paramount Pictures
Francis Ford Coppola schickte ein Filmteam auf die Philippinen, um Apocalypse Now zu drehen, und der Dschungel schlug im Grunde die gesamte Zeit über zurück. Ein Taifun zerstörte die Kulissen, Martin Sheen erlitt während der Dreharbeiten einen Herzinfarkt und Marlon Brando erschien übergewichtig sowie unvorbereitet für eine Rolle, die er kaum verstand.
Irgendwie landete all dieses Chaos letztlich auf der Leinwand, denn der Film wirkt weniger wie eine Kriegsgeschichte als wie der Versuch, dem Verstand beim Zerfall in Echtzeit zuzusehen. Coppola hat den Wahnsinn in Vietnam nicht nur dargestellt, er schien beim Drehen selbst ein Stück weit davon erfasst worden zu sein. | © United Artists
Peter O'Toole wirkt in Lawrence von Arabien die meiste Zeit winzig vor riesigen Weiten aus Sand, und genau dieser Kontrast ist der Kern des Films. David Lean inszeniert die Wüste wie einen eigenständigen Charakter mit eigenen Launen, im einen Moment geduldig, im nächsten mörderisch.
Die Geschichte verfolgt einen Mann, der von seinem eigenen Mythos verschlungen wird, und der Film lässt sich für diesen Zerfall alle Zeit der Welt. Ihn auf einem kleineren Bildschirm zu sehen vermittelt zwar noch immer die Idee dahinter, aber man spürt in jeder Einstellung, dass er für die große Leinwand geschaffen wurde. | © Columbia Pictures
Vertigo Aus dem Reich der Toten verdreht einem den Kopf auf eine Weise, die sich selbst Jahrzehnte später noch ungewöhnlich anfühlt. James Stewart spielt einen Detektiv, der eine Obsession entwickelt, die in eine Form von Kontrollzwang abgleitet, und Hitchcock lässt den Zuschauer in keinem Moment beruhigt zusehen.
Der berühmte Dolly-Zoom erhält zwar die ganze technische Anerkennung, aber der eigentliche Clou ist, wie sich die Handlung auf halber Strecke neu zusammensetzt und einen dazu zwingt, alles bisher Angenommene zu hinterfragen. Kim Novaks Doppelrolle verleiht dem Ganzen eine nur noch instabilere Dynamik. | © Paramount Pictures
Stanley Kubrick verbringt die ersten zwanzig Minuten mit Affen und Knochen, bevor überhaupt ein Mensch auf der Leinwand zu sehen ist. Diese Geduld prägt den gesamten Film, denn 2001: Odyssee im Weltraum vertraut über fast die gesamte Laufzeit hinweg Stille und Bildern mehr als Dialogen. HAL 9000 wirkt am Ende gruseliger als jedes Monster, indem er schlicht mit ruhiger, höflicher Stimme spricht, während er sich gegen die Crew wendet.
Manche Menschen schlafen noch immer dabei ein, und irgendwie beweist genau diese Reaktion die hypnotische Anziehungskraft des Films, statt sie zu widerlegen. | © Metro-Goldwyn-Mayer
Marlon Brando murmelt sich durch die Hälfte seiner Zeilen in Der Pate, und irgendwie wurde daraus eine der am häufigsten zitierten Darstellungen der Filmgeschichte. Francis Ford Coppola verwandelt eine Mafia-Story in eine Familientragödie und zeichnet nach, wie Michael Corleone vom Kriegshelden zum kaltblütigen Nachfolger wird, ohne dass sich auch nur ein einziger Moment überstürzt anfühlt.
Die Hochzeitssequenz allein etabliert eine ganze Welt aus Loyalität und Verpflichtung, noch bevor überhaupt ein Schuss fällt. Fast jede Szene wurde so oft zitiert, parodiert oder kopiert, dass man beim Anschauen das Gefühl hat, an den Ursprung der halben Filmgeschichte zurückzukehren. | © Paramount Pictures
Citizen Kane entstand, als Orson Welles erst 25 Jahre alt war, er schrieb das Drehbuch, führte Regie und übernahm die Hauptrolle, und genau diese Unbekümmertheit spürt man in jedem Frame. Der Film begleitet einen Journalisten bei dem Versuch, die Bedeutung hinter dem letzten Wort eines sterbenden Zeitungsmagnaten zu entschlüsseln.
Welles nutzte Tiefenschärfe, ungewöhnliche Froschperspektiven und überlappende Dialoge auf eine Weise, wie es in Hollywood damals noch niemand wagte. Jahrzehnte später analysieren Filmstudenten immer noch die Aufnahmen der Studiodecken, für die die Erbauer Löcher in den Studioboden stemmen mussten, nur um die Kamera tief genug zu platzieren. | © RKO Radio Pictures
Das 20. Jahrhundert schenkte uns die fundamentalen Meisterwerke des Kinos. Filme, die so meisterhaft inszeniert sind, dass ihre Strahlkraft auch Jahrzehnte später nicht im Geringsten nachgelassen hat. Das sind nicht einfach nur Klassiker. Es sind die Werke, die definieren, was das Medium Film überhaupt erreichen kann.
Hier sind 15 Filme aus dem 20. Jahrhundert, die zweifellos Meisterwerke sind.
