Feld der Träume verkauft Baseball-Nostalgie so wirkungsvoll, dass die meisten Menschen vergessen, dass es sich eigentlich um eine Geistergeschichte handelt. Kevin Costner legt ein Baseballfeld in seinem Maisfeld an, weil ihm verstorbene Spieler immer wieder Dinge zuflüstern – und irgendwie gelingt es dem Film, diese Prämisse vollkommen plausibel erscheinen zu lassen. Die Geister von „Shoeless Joe“ Jackson und den „Black Sox“ von 1919 treten aus dem Mais hervor, als hätten sie diesen Ort nie verlassen, und verwandeln eine Farm in Iowa in einen Ort, an dem Reue eine zweite Chance erhält. Das funktioniert, weil die übernatürlichen Elemente der emotionalen Tiefe dienen – und nicht umgekehrt. | © Universal Pictures
We Are Still Here liefert Geisterhaus-Horror der alten Schule – ganz ohne jene Sucht nach Jump-Scares, die die meisten modernen Geisterfilme verdirbt. Die Handlung folgt einem trauernden Elternpaar, das in den 1970er Jahren in ein abgelegenes Haus zieht, nur um festzustellen, dass die Vorbesitzer es eigentlich nie verlassen haben. Regisseur Ted Geoghegan erzeugt das Gefühl des Grauens durch Atmosphäre und praktische Effekte statt durch billige Tricks. So wirkt die übernatürliche Bedrohung tatsächlich furchteinflößend und nicht bloß laut. Der letzte Akt mündet in ein blutiges Chaos, das es auf bemerkenswerte Weise schafft, die zuvor so sorgsam aufgebaute Spannung dennoch nicht zu verraten. | © Dark Sky Films
Über dem Jenseits wirft die Logik kurzerhand über Bord und ersetzt sie durch pures Albtraummaterial – was seltsamerweise genau deshalb umso besser funktioniert. Lucio Fulcis Spukhotel-Film folgt einer Traumlogik, in der Spinnen Gesichter fressen, Augäpfel in extremer Großaufnahme ausgestochen werden und sich in einem Keller in Louisiana die Tore zur Hölle öffnen – aus Gründen, die sich beim besten Willen nicht schlüssig zusammenfügen lassen. Die Gore-Effekte wirken derart übertrieben, dass sie die Grenze vom bloß Schockierenden hin zu etwas beinahe Surrealem überschreiten. Was eigentlich lächerlich wirken müsste, entfaltet stattdessen eine hypnotische Wirkung – als würde man dem Fiebertraum eines anderen Menschen zusehen, der sich in Zeitlupe vor den eigenen Augen abspielt. | © Grindhouse Releasing
Ghostbusters erkannte, dass der beste Weg, Geister furchterregend wirken zu lassen, darin bestand, sie zunächst einmal lustig zu gestalten. Der Film verwandelt die übernatürliche Schädlingsbekämpfung in einen handwerklichen Job – komplett mit Ausrüstung, die ständig den Geist aufgibt, und einem Geschäftsmodell, das nur mit Mühe funktioniert. Bill Murray liefert jede seiner Zeilen so ab, als wäre er versehentlich von einem völlig anderen Filmset herübergestolpert und hätte beschlossen, einfach dazubleiben. Dies beweist, dass sich Komödie und Horror keineswegs gegenseitig ausschließen – vorausgesetzt, das Drehbuch ist scharfsinnig genug, um beide Elemente gleichermaßen zur Geltung zu bringen. | © Columbia Pictures
Personal Shopper verwandelt die Geisterjagd in ein rastloses und modernes Erlebnis und folgt dabei einem Medium, das seine Tage damit verbringt, Kleidung für eine Prominente einzukaufen, während es darauf wartet, dass sein verstorbener Zwillingsbruder Kontakt aufnimmt. Kristen Stewart trägt den gesamten Film durch lange Phasen der Stille und Ungewissheit und lässt jedes Vibrieren ihres Handys so wirken, als könnte es entweder übernatürlichen Ursprungs sein oder lediglich eine weitere fordernde Nachricht ihrer Chefin. Der Film verweigert einfache Antworten auf die Frage, was real ist und was nicht – eine Haltung, die manche Zuschauer frustriert, andere jedoch durch ihr konsequentes Festhalten an der Ambiguität vollkommen in ihren Bann gezogen hat. Es handelt sich um einen jener seltenen Horrorfilme, die eher wie ein psychologisches Drama über Trauer wirken als wie ein Werk, das auf traditionelle Schreckmomente abzielt. | © IFC Films
Conjuring beweist, dass Schreckmomente der alten Schule nach wie vor besser funktionieren als jegliche digitale Trickserei oder die Gimmicks des „Torture Porn“. James Wan baut die Spannung durch knarrende Dielen, zuschlagende Türen und unerklärliche Geräusche in der Nacht auf – und liefert dann echte Schockmomente, die das Kinopublikum gleichermaßen zum Schreien und Jubeln brachten. Die Warrens wirken dabei wie echte Menschen, die sich mit übernatürlichem Chaos auseinandersetzen, und nicht wie bloße Pappfiguren, die lediglich der Exposition dienen. Selten startet ein Horror-Franchise derart stark. | © Warner Bros. Pictures
Beetlejuice verwandelt das Jenseits in einen bürokratischen Albtraum, in dem frisch verstorbene Paare Formulare ausfüllen und Schlange stehen müssen – fast so, als befänden sie sich auf der Zulassungsstelle. Michael Keatons manischer Geist zum Anheuern stiehlt mit seiner schieren, chaotischen Energie jede Szene, in der er auftaucht; doch die eigentliche Genialität des Films liegt darin, den Tod eher als lästig denn als furchteinflößend darzustellen. Burtons Ästhetik wirkte hier noch unverbraucht – eine Mischung aus gotischer Verspieltheit und praktischen Effekten, die handgemacht anstatt digital anmuten. Während die meisten Geisterfilme darauf abzielen, dem Zuschauer Angst einzujagen, will dieser hier lediglich, dass man darüber lacht, wie absurd die Ewigkeit in Wirklichkeit sein könnte. | © Warner Bros.
Der Film Das Waisenhaus baut seine gesamte Handlung um die Mutterliebe auf, die sich in etwas Furchterregendes verwandelt. Laura kehrt in das Waisenhaus ihrer Kindheit zurück, um es wiederzueröffnen. Doch als ihr Adoptivsohn verschwindet, zieht sie ihre verzweifelte Suche immer tiefer in ein Netz aus Fantasie und Spuk hinein. Der Film lässt offen, ob die übernatürlichen Ereignisse real sind oder einem von Trauer getriebenen Wahnsinn entspringen. Dadurch wirkt jede Begegnung mit Geistern herzzerreißend und zutiefst beunruhigend. Was eigentlich eine Geschichte über den Schutz von Kindern sein sollte, wird zu einem Albtraum über deren Verlust. | © Warner Bros. Pictures
The Devil's Backbone befreit die Geistergeschichte aus knarrenden Herrenhäusern und verpflanzt sie in ein Waisenhaus während des Spanischen Bürgerkriegs – einen Ort, an dem der tote Junge, der in der Zisterne im Innenhof treibt, weit weniger Furcht einflößt als die lebenden Erwachsenen, die es versäumt haben, ihn zu beschützen. Guillermo del Toro erzeugt eine Atmosphäre des Grauens durch kleine, präzise Details: die nicht explodierte Bombe mitten im Hof, die Art, wie Schatten über hungrige Gesichter fallen, oder die Goldzähne, die aufblitzen, wenn die falschen Leute lächeln. Der Geist verlangt nach Gerechtigkeit, nicht nach billigen Schreckmomenten; und der Film verdient sich seine übernatürlichen Augenblicke dadurch, dass er den Zuschauer zunächst Anteil an den allzu realen Schrecken nehmen lässt, denen diese Kinder Tag für Tag ausgesetzt sind. Es ist politischer Horror im Gewand eines Märchens – und beide Seiten dieser Gleichung treffen hart. | © Sony Pictures Classics
Das Grauen bezieht seinen Schrecken aus einer denkbar einfachen Ausgangssituation: Ein trauernder Komponist mietet ein altes Haus und beginnt, Dinge zu hören, die dort eigentlich nicht sein dürften. George C. Scotts schauspielerische Leistung verankert jeden übernatürlichen Moment in echtem menschlichem Schmerz, wodurch die Geistergeschichte so wirkt, als drehe sie sich tatsächlich um die Themen Verlust und Schuld. Der Film jagt niemals billigen Schockeffekten hinterher; stattdessen lässt er jedes seltsame Geräusch und jedes unerklärliche Ereignis so lange anwachsen, bis das Haus selbst wie eine eigenständige Figur mit unerledigten Angelegenheiten erscheint. Die meisten Horrorfilme aus dem Jahr 1980 wirken heute veraltet – doch dieser hier versteht es noch immer meisterhaft, das bloße Herabrollen eines Rollstuhls über eine Treppe absolut furchterregend wirken zu lassen. | © Associated Film Distribution
The Sixth Sense verwandelte jedes geflüsterte Gespräch und jeden Statisten im Hintergrund in einen potenziellen Hinweis und schuf so jenen seltenen Film, der bei mehrmaligem Ansehen tatsächlich noch besser wird. M. Night Shyamalan baute den gesamten Film um eine einzige Enthüllung herum auf, die alles neu kontextualisiert, ohne dabei auf unfaire Tricks zurückzugreifen; sie lässt den Zuschauer erkennen, dass er die ganze Zeit über eine Geistergeschichte verfolgt hat – jedoch über den falschen Geist. Die Wendung funktioniert, weil sie die Sichtweise auf Malcolms Isolation, seine Eheprobleme und sogar auf die Art und Weise verändert, wie andere Figuren mit ihm interagieren. Die meisten Filme mit großen Enthüllungen fallen in sich zusammen, sobald man das Ende kennt – dieser jedoch wird zu einer anderen, tiefergehenden Erfahrung. | © Buena Vista Pictures
Poltergeist verwandelt das Haus einer Vorstadtfamilie in ein übernatürliches Schlachtfeld, doch der wahre Schrecken liegt darin, wie normal alles vor dem Erscheinen der Geister wirkt. Spielbergs Einfluss zeigt sich darin, wie der Film Kinder als echte Menschen und nicht als bloße Requisiten behandelt. So wirkt Carol Annes Verschwinden in den Fernseher wirklich erschütternd und nicht nur gruselig. Die Spezialeffekte sind auch heute noch wirkungsvoll, da sie der Geschichte dienen und nicht nur angeben wollen – von der simplen Bedrohung durch gestapelte Stühle bis hin zum fulminanten Haus-verschlingenden Finale. Die meisten Spukhausfilme lassen einen am liebsten sofort fliehen; dieser Film hingegen lässt einen verstehen, warum eine Familie um ihr Zuhause kämpfen will. | © MGM
Bis das Blut gefriert erzeugt seinen Schrecken durch Schatten, Geräusche und die Andeutung, dass Hill House weniger heimgesucht wird, als dass es heimsuchend ist. Robert Wise zeigt nie einen Geist, doch das Haus selbst wird zu einer Figur, die in jeder Szene zu atmen, zu knarren und zu flüstern scheint. Julie Harris liefert eine so zerbrechliche und beunruhigende Performance ab, dass man sich fragt, ob die übernatürlichen Ereignisse real sind oder ob ihr Verstand in Echtzeit zerfällt. Der Film beweist: Die gruseligsten Geistergeschichten entstehen dort, wo man nicht mehr unterscheiden kann, wo das Haus aufhört und der Wahnsinn beginnt. | © Metro-Goldwyn-Mayer
Schloß des Schreckens nimmt eine viktorianische Geistergeschichte und verwandelt sie in etwas, das sich eher wie ein in Echtzeit gefilmter psychischer Zusammenbruch anfühlt. Deborah Kerrs Gouvernante beginnt, auf einem weitläufigen Anwesen tote Kinder zu sehen; doch der Film lässt stets offen, ob diese Geister tatsächlich existieren oder ob sie schlichtweg – auf die denkbar eleganteste Weise – den Verstand verliert. Diese Ambivalenz reicht so tief, dass seit sechzig Jahren darüber gestritten wird, was eigentlich passiert. Jack Clayton inszeniert das Geschehen in einem gestochen scharfen Schwarz-Weiß, das jeden Schatten so wirken lässt, als könnte er etwas Schreckliches verbergen. | © 20th Century Fox
Shining verwandelt eine simple Prämisse über den Lagerkoller in etwas weitaus Seltsameres und Beunruhigenderes als jede gewöhnliche Geistergeschichte. Kubrick erfüllt das Overlook Hotel mit unmöglicher Geometrie, blutüberströmten Aufzügen und dem Gefühl, dass die Realität selbst – parallel zu Jack Torrances Verstand – zu zerfallen droht. Die Geister wirken dabei fast zweitrangig im Vergleich zu der Art und Weise, wie das Gebäude scheinbar darauf ausgelegt ist, Menschen in den Wahnsinn zu treiben. Was als übernatürlicher Horror beginnt, entwickelt sich zu einer Studie darüber, wie Isolation Jemanden für die Menschen gefährlich machen kann, die er am meisten liebt. | © Warner Bros.
Ein großartiger Geisterfilm tut mehr, als einen bloß zusammenzucken zu lassen. Die besten Exemplare gehen einem unter die Haut, wirken noch lange nach dem Abspann nach und lassen einen Schatten an Orten sehen, die man zuvor nie bemerkt hatte. Dies sind die Filme, die bewiesen haben, dass die Geistergeschichte eine der beständigsten und vielseitigsten Formen des Kinos ist.
