EarlyGame | Die 15 besten und gleichzeitig schlechtesten Filme der…

15. Meine Frau, die Spartaner und ich (2008)

Meine Frau, die Spartaner und ich erschien genau zu dem Zeitpunkt, als Parodiefilme aufhörten, scharfsinnige Beobachtungen und intelligente Satire zu liefern, und stattdessen damit begannen, einfach Dinge zu zeigen, die das Publikum wiedererkennen sollte. Die Gags besitzen dabei ungefähr die Feinfühligkeit einer Person, die in billigen Halloween-Kostümen die Titel aktueller Filme durch den Raum ruft. Nahezu jede Anspielung wirkt, als wäre sie direkt aus den damaligen Google-Trends oder den Schlagzeilen der jeweiligen Woche übernommen worden. Dadurch altert der Film praktisch in Echtzeit: Was einst als aktueller Popkultur-Bezug gedacht war, wirkt heute oft wie eine Sammlung längst vergessener Internet- und Medienphänomene. Gerade darin liegt auch das zentrale Problem des Films. Er verwechselt Satire mit bloßer Wiedererkennung. Anstatt populäre Kultur zu kommentieren, zu überzeichnen oder kritisch zu hinterfragen, beschränkt er sich häufig darauf, auf bekannte Figuren, Filme oder Prominente zu zeigen und darauf zu hoffen, dass allein die Referenz bereits einen Lacher auslöst. Rückblickend wirkt der Film deshalb weniger wie eine gelungene Parodie und mehr wie ein Zeitdokument jener Phase, in der das Genre begann, seine kreative Schärfe zu verlieren. Seine Komik entsteht heute oft eher aus der Erinnerung daran, wie kurzlebig viele dieser Anspielungen waren, als aus den Witzen selbst. | © 20th Century Fox

14. Der Love Guru (2008)

The Love Guru zeigt Mike Myers bei dem Versuch, den Erfolg und Zauber von Austin Powers wiederzubeleben – allerdings mit einer Figur, die so konsequent unlustig wirkt, dass sich viele Witze anfühlen, als würde jemand ausführlich erklären, warum etwas eigentlich lustig sein sollte, anstatt das Publikum tatsächlich zum Lachen zu bringen. Der künstliche Guru-Akzent, die endlosen Peniswitze und die Vielzahl prominenter Gastauftritte ergeben eine Komödie, die Lautstärke, Übertreibung und ständige Wiederholung mit echtem Humor verwechselt. Myers wirft sich zwar mit voller Hingabe in die Rolle, doch oft entsteht der Eindruck, als sei er der Einzige, der wirklich an das Material glaubt. Dazu kommt eine Romanze mit Jessica Alba, die vor allem den Zweck zu erfüllen scheint, die Zeit zwischen zunehmend verzweifelt wirkenden Gags zu überbrücken. Gerade das macht den Film im Nachhinein fast schon faszinierend. The Love Guru hält mit bemerkenswerter Selbstsicherheit an kreativen Entscheidungen fest, die bereits beim ersten Trailer auf Skepsis stießen. Statt Kurskorrekturen vorzunehmen, verdoppelt der Film seinen Einsatz bei nahezu jedem seiner fragwürdigen Einfälle. Dadurch wird er weniger zu einer gelungenen Komödie als zu einem interessanten Beispiel dafür, wie ein großes Comedy-Projekt an der Überzeugung scheitern kann, dass eine erfolgreiche Formel sich einfach wiederholen lässt. Heute ist der Film oft weniger wegen seiner Witze erinnerungswürdig als wegen seines spektakulären Scheiterns. | © Paramount Pictures

13. Not A Girl – Crossroads (2002)

Not A Girl – Crossroads erschien genau zu dem Zeitpunkt, als Britney Spears beweisen sollte, dass sie nicht nur als Popstar, sondern auch als Schauspielerin bestehen konnte. Dieses Vorhaben erwies sich jedoch als eine Fehleinschätzung, die letztlich etwas deutlich Unterhaltsameres hervorbrachte als ursprünglich beabsichtigt. Die Roadtrip-Handlung liefert Spears und ihren Co-Stars gerade genug erzählerischen Rahmen, um nahezu jedes denkbare Klischee über Freundschaft, Träume und die Suche nach sich selbst abzuhaken. Der eigentliche Reiz des Films liegt jedoch darin, Britney Spears dabei zuzusehen, wie sie ihre Dialoge mit derselben Ernsthaftigkeit und Hingabe vorträgt, die sie sonst in ihre Choreografien investierte. Dabei nimmt sich der Film zu jeder Zeit vollkommen ernst. Gleichzeitig enthält er Momente, die wirken, als wären sie von jemandem geschrieben worden, der menschliche Emotionen nur aus Erzählungen kennt. Viele Szenen sollen tiefgründig und bewegend sein, erzeugen heute aber oft eine unbeabsichtigte Komik. Genau diese aufrichtige Ernsthaftigkeit macht Crossroads rückblickend so interessant. Der Film versucht nie, ironisch oder selbstbewusst überzeichnet zu sein. Stattdessen glaubt er uneingeschränkt an seine Geschichte und seine emotionalen Botschaften – und gerade dadurch entsteht jener unfreiwillige Humor, der ihn für viele Zuschauer heute unterhaltsamer macht als die eigentliche Handlung. | © Paramount Pictures

12. Ein Duke kommt selten allein (2005)

Ein Duke kommt selten allein nimmt eine beliebte Fernsehserie über gewitzte Südstaaten-Helden und ihre rasanten Verfolgungsjagden und verwandelt sie auf seltsame Weise in eine Parodie ihrer selbst. Johnny Knoxville und Sean William Scott werfen sich zwar mit voller Hingabe in ihre Rollen als Bo und Luke Duke, spielen die Figuren jedoch so überzeichnet und einfältig, dass dies nur funktioniert hätte, wenn der Film selbst eine klare Vorstellung von seinem Tonfall gehabt hätte. Die Verfolgungsjagden wirken aufwendig produziert, und der legendäre General Lee liefert nach wie vor spektakuläre Sprünge. Doch alles, was zwischen diesen Momenten passiert, vermittelt häufig den Eindruck, als hätten die Autoren die Originalserie nur vage in Erinnerung gehabt und dabei missverstanden, was ihren Charme eigentlich ausmachte. Das zentrale Problem des Films liegt in seiner Orientierungslosigkeit. Mal versucht er, eine nostalgische Hommage zu sein, dann wieder eine moderne Komödie voller derber Gags. Dadurch entsteht kein stimmiges Ganzes, sondern ein Werk, das nie genau weiß, was es sein möchte. Was eigentlich unkomplizierter, nostalgischer Unterhaltungsspaß hätte werden können, gerät so zu einem lauten und oft chaotischen Durcheinander. Rückblickend wirkt die ursprüngliche Fernsehserie dadurch stellenweise sogar deutlich durchdachter und charmanter, als viele ihr damals zugestanden hätten. | © Warner Bros. Pictures

11. Die Geistervilla (2003)

Die Geistervilla versucht, eine beliebte Disney-Attraktion in eine familienfreundliche Filmkomödie zu verwandeln. Dabei prallt Eddie Murphys energiegeladene, hektische Spielweise jedoch ständig mit den Versuchen des Films zusammen, echte Gruselstimmung zu erzeugen. Das größte Problem besteht darin, dass der Film sich nie entscheiden kann, was er eigentlich sein möchte. Mal inszeniert er sich als übernatürlicher Spukfilm, dann wieder als klassische Slapstick-Komödie. Dadurch springt er fortwährend zwischen Schreckmomenten und albernen Gags hin und her, ohne sich konsequent für einen der beiden Ansätze zu entscheiden. Murphy liefert dabei sein gewohnt schnelles und kommentierendes Spiel ab, während er durch ein Herrenhaus voller computergenerierter Geister läuft, die eher wie Figuren aus einem Cartoon wirken als wie etwas tatsächlich Unheimliches. Die visuellen Effekte sollten einst spektakulär erscheinen, verleihen dem Film heute jedoch oft einen unfreiwillig komischen Charakter. Besonders faszinierend wird das Ganze durch den Widerspruch zwischen Ton und Inhalt. Der Film behandelt seine komplizierte Hintergrundgeschichte über verfluchte Liebe, tragische Schicksale und übernatürliche Flüche mit größtmöglichem Ernst, während Murphy gleichzeitig jede Szene mit übertriebenen Gesichtsausdrücken und lockeren Sprüchen dominiert. Genau diese Diskrepanz macht Die Geistervilla zu einem jener Filme, die weniger wegen ihrer Qualitäten als vielmehr wegen ihrer kuriosen Fehlentscheidungen in Erinnerung bleiben. Das Ergebnis ist weder wirklich gruselig noch besonders lustig, aber gerade deshalb auf eine seltsam unterhaltsame Weise faszinierend. | © Walt Disney Pictures

10. Scooby-Doo (2002)

Scooby-Doo verfolgt das ehrgeizige Ziel, die Logik eines Zeichentricks direkt in einen Realfilm zu übertragen – und zeigt dabei keinerlei Scham darüber, wie absurd das auf den ersten Blick wirkt. Der Film wirft Freddie Prinze Jr. und Sarah Michelle Gellar in eine Welt, in der eine sprechende Deutsche Dogge Verbrechen aufklärt, und geht noch einen Schritt weiter, indem die Gegenspieler diesmal tatsächlich echte Monster sind und nicht bloß Menschen in Gummikostümen. Besonders Matthew Lillard sticht hervor, der die nervöse, chaotische Energie von Shaggy mit einer solchen Hingabe verkörpert, dass die Figur erstaunlich authentisch wirkt. Gleichzeitig springt der computeranimierte Scooby-Doo durch die Handlung wie eine digitale Fiebervision, was dem Film eine zusätzliche Ebene von Kuriosität verleiht. Gerade diese kompromisslose Bereitschaft, jede noch so alberne Idee ernsthaft umzusetzen, macht den Film bemerkenswert. Anstatt die Vorlage zu modernisieren oder realistischer zu gestalten, setzt er vollständig auf die überdrehte Logik des Samstagmorgen-Cartoons, aus dem die Figuren stammen. Das Ergebnis ist zweifellos seltsam, manchmal chaotisch und oft völlig überzogen. Dennoch entwickelt der Film einen unerwarteten Charme. Seine größte Stärke liegt darin, dass er nie versucht, cooler, intelligenter oder realistischer zu wirken, als er ist. Diese bedingungslose Hingabe an den eigenen Unsinn macht Scooby-Doo überraschend liebenswert – selbst in den Momenten, in denen eigentlich nichts daran funktionieren dürfte. | © Warner Bros.

9. Obsessed (2009)

Obsessed nimmt ein Szenario rund um Belästigung am Arbeitsplatz und steigert es zu einem ausgewachsenen Psychothriller, der schließlich in einer der unterhaltsamsten und befriedigendsten Finalkämpfe des Jahres 2009 gipfelt. Der Film nimmt sich dabei zu jeder Zeit vollkommen ernst – selbst dann, wenn die Handlung zunehmend überzogen wirkt. Ali Larters Figur entwickelt sich mit der Feinfühligkeit einer klassischen Seifenopern-Antagonistin von einer flirtenden Aushilfskraft zu einer besessenen Eindringlingin, die das Leben einer Familie systematisch aus den Fugen geraten lässt. Jede neue Eskalationsstufe erscheint drastischer als die vorherige, wodurch der Film immer stärker ins Melodramatische abrutscht. Idris Elba verbringt einen großen Teil der Laufzeit damit, den Eindruck zu vermitteln, selbst nicht ganz zu verstehen, wie seine Figur in eine derart absurde Situation geraten ist. Paradoxerweise passt genau diese Verwirrung hervorragend zum Ton des Films und macht viele Szenen glaubwürdiger, als sie eigentlich sein dürften. Alles läuft schließlich auf das große Finale hinaus, in dem Beyoncé ihre Familie mit einer Entschlossenheit und Intensität verteidigt, die den gesamten Film plötzlich mit neuer Energie auflädt. Für einen Moment vergisst man beinahe, wie unwahrscheinlich und überdreht die Handlung zuvor gewesen ist. Gerade diese Kombination aus völliger Ernsthaftigkeit, melodramatischer Übertreibung und einem überraschend effektiven Schlussakt macht Obsessed zu einem jener Filme, die weit unterhaltsamer sind, als ihre eigentliche Qualität vermuten lässt. | © Sony Pictures

8. The Butterfly Effect (2004)

The Butterfly Effect fordert das Publikum dazu auf, Ashton Kutcher auf einer Zeitreise in seine eigene Vergangenheit zu begleiten. Seine Figur versucht, traumatische Erlebnisse aus der Kindheit zu korrigieren, muss jedoch feststellen, dass jede Veränderung unerwartete und meist noch schlimmere Folgen für die Gegenwart nach sich zieht. Die Grundidee klingt zunächst durchaus plausibel. Doch je weiter die Handlung voranschreitet, desto extremer und teilweise absurder werden die Auswirkungen dieser Eingriffe. Aus vergleichsweise kleinen Ereignissen entstehen plötzlich drastische Veränderungen im Leben der Figuren, sodass manche Wendungen eher wie übersteigerte Gedankenspiele als wie glaubwürdige Konsequenzen wirken. Kutcher begegnet all diesen Enthüllungen mit großer Ernsthaftigkeit und versucht, ihnen emotionales Gewicht zu verleihen. Gerade diese kompromisslose Aufrichtigkeit sorgt jedoch für einen interessanten Kontrast zu den zunehmend wilden und oft schwer nachvollziehbaren Entwicklungen der Handlung. Dieser Widerspruch zwischen dramatischem Anspruch und überzogener Umsetzung wird mit der Zeit selbst zu einem Teil des Unterhaltungswerts.Im weiteren Verlauf steigert sich der Film immer stärker in immer neue alternative Realitäten und Schicksalswendungen hinein, bis die Geschichte ein Maß an Absurdität erreicht, das sie auf unerwartete Weise faszinierend macht. Das Ergebnis ist ein Film, der weniger durch seine Logik als durch seine Bereitschaft beeindruckt, jede noch so extreme Konsequenz seiner eigenen Prämisse auszureizen. Gerade deshalb bleibt The Butterfly Effect bis heute ein bemerkenswertes Beispiel für einen Film, der in vielerlei Hinsicht aus dem Ruder läuft – und gerade dadurch überraschend fesselnd wird. | © New Line Cinema

7. Nachts im Museum (2006)

Nachts im Museum basiert auf einer Prämisse, die klingt, als hätte sie sich ein Achtjähriger ausgedacht – und genau darin liegt ein großer Teil ihres Charmes. Der Film nimmt diese Idee mit einer aufwendigen Ernsthaftigkeit und einem beachtlichen Budget so konsequent ernst, dass daraus etwas überraschend Liebenswertes entsteht. Ben Stiller spielt einen Nachtwächter, der entdeckt, dass nach Einbruch der Dunkelheit sämtliche Ausstellungsstücke eines Naturkundemuseums zum Leben erwachen. Das führt zu einem heillosen Durcheinander, in dem ein winziger Cowboy, ein riesiges T-Rex-Skelett und ein reitender Theodore Roosevelt gleichermaßen für Chaos sorgen. Die Spezialeffekte halten die ungewöhnliche Prämisse überzeugend zusammen, doch der eigentliche Reiz des Films liegt woanders: darin, Ben Stiller dabei zuzusehen, wie er versucht, das zu kontrollieren, was im Grunde die aufwendigste und chaotischste Babysitter-Aufgabe der Welt ist. Jede Nacht verwandelt sich in den Versuch, eine Horde unberechenbarer historischer Figuren, Tiere und Ausstellungsstücke irgendwie unter Kontrolle zu halten. Der Film erhebt nie den Anspruch, besonders tiefgründig oder anspruchsvoll zu sein. Stattdessen setzt er ganz auf Abenteuer, Humor und die Freude an einer herrlich albernen Idee. Gerade deshalb funktioniert er so gut: Er ist auf genau die richtige Weise simpel und verspielt, wie ein Familienfilm es sein sollte. Seine Naivität wirkt nicht störend, sondern sympathisch – und macht Nachts im Museum bis heute zu einer unterhaltsamen und charmanten Unterhaltung für Jung und Alt. | © 20th Century Fox

6. Das Vermächtnis der Tempelritter (2004)

Das Vermächtnis der Tempelritter basiert auf einer vollkommen absurden Grundidee: Die amerikanische Unabhängigkeitserklärung soll in Wahrheit eine Schatzkarte enthalten. Doch anstatt diese Prämisse mit einem Augenzwinkern zu behandeln, präsentiert der Film sie mit größtmöglicher Ernsthaftigkeit – und genau das macht einen großen Teil seines Reizes aus. Nicolas Cage trägt jede Zeile über Geheimtinten, verborgene Botschaften und Verschwörungen der Gründerväter mit einer Überzeugung vor, als würde er unumstößliche historische Tatsachen erläutern. Gleichzeitig häuft die Handlung immer neue Rätsel, Hinweise und Zufälle an, die auf immer unwahrscheinlichere Weise miteinander verknüpft sind und letztlich alle zur Rettung eines jahrhundertealten Geheimnisses beitragen. Eigentlich müsste ein Film mit einer solchen Geschichte unter der Last seiner eigenen Absurdität zusammenbrechen. Stattdessen gelingt ihm das Gegenteil. Die typisch familienfreundliche Disney-Inszenierung verleiht dem Abenteuer eine aufrichtige Ernsthaftigkeit, während Cages unerschütterliche Überzeugungskraft selbst die verrücktesten Wendungen glaubwürdig erscheinen lässt. Gerade deshalb funktioniert der Film erstaunlich gut. Er versucht nie, sich für seine eigene Albernheit zu entschuldigen oder ironisch davon zu distanzieren. Stattdessen akzeptiert er seine Prämisse vollständig und zieht sie kompromisslos durch. Dadurch entsteht eines jener seltenen Abenteuer, die mit einer völlig unrealistischen Idee durchkommen, weil sie niemals zugeben, wie unrealistisch sie eigentlich ist. Das Ergebnis ist ein Film, der gleichzeitig absurd und mitreißend wirkt – eine Schatzsuche voller historischer Rätsel, die gerade durch ihre völlige Unwahrscheinlichkeit so viel Spaß macht. | © Walt Disney Pictures

5. Jennifer's Body (2009)

Jennifer’s Body erschien als Horror-Komödie über eine besessene Cheerleaderin, die ihre männlichen Mitschüler buchstäblich verschlingt. Doch viele Zuschauer wussten damals wenig mit Diablo Codys bewusst überzeichneten Dialogen und Megan Fox’ Darstellung einer mörderischen Highschool-Queen anzufangen. Der Film setzte kompromisslos auf seinen eigenen Camp-Charakter und spielte mit den Klischees des Teenie-Horrors, als wären sie Spielzeug, das nach Belieben zerlegt und neu zusammengesetzt werden kann. Megan Fox trägt selbst die absurdesten Dialogzeilen mit völliger Überzeugung vor, wodurch die Grenze zwischen Satire und Überzeichnung bewusst verschwimmt. Was zunächst wie unbeholfene oder schlicht schlechte Dialoge wirkte, entpuppte sich bei genauerem Hinsehen als Teil einer sehr gezielten Stilentscheidung. Der Film wollte nie realistisch oder subtil sein – er wollte provokant, exzentrisch und unangenehm sein. Mit den Jahren veränderte sich deshalb auch die Wahrnehmung des Films. Viele jener Elemente, die 2009 als peinlich, übertrieben oder misslungen galten, werden heute deutlich häufiger als bewusst eingesetzte Mittel verstanden. Plötzlich wirkte das vermeintlich chaotische Gesamtbild weniger wie ein Unfall und mehr wie eine kalkulierte kreative Entscheidung. Rückblickend erscheint Jennifer’s Body zunehmend als bissige Satire über weibliche Wut, gesellschaftliche Erwartungen an junge Frauen und die Art und Weise, wie weibliche Körper und Identitäten konsumiert, bewertet und instrumentalisiert werden. Dass der Film bei seiner Veröffentlichung oft missverstanden wurde, lag möglicherweise weniger an seinem Inhalt als daran, dass er zu einem Zeitpunkt erschien, an dem viele Zuschauer für diese Art von schwarzem Humor und feministischer Genre-Satire noch nicht besonders empfänglich waren. Gerade deshalb gilt Jennifer’s Body heute für viele als Kultfilm: ein Werk, das zunächst als misslungene Horror-Komödie abgetan wurde, sich im Rückblick jedoch als deutlich klüger und absichtsvoller erwiesen hat, als sein damaliger Ruf vermuten ließ. | © 20th Century Fox

4. Wicker Man – Ritual des Bösen (2006)

Wicker Man – Ritual des Bösen ist eines jener Remakes, nach denen kaum jemand gefragt hatte – und gerade deshalb ist das Ergebnis so bemerkenswert. Der Film lässt Nicolas Cage völlig von der Leine, und die daraus entstehende Mischung aus Horror, Übertreibung und unfreiwilliger Komik macht ihn auf eine Weise faszinierend, die sicher nie beabsichtigt war. Cage rennt in einem Bärenkostüm durch die Gegend, gerät in bizarre Auseinandersetzungen, schreit verzweifelt über Bienen und trägt selbst die absurdesten Dialogzeilen mit einer Intensität vor, als hinge das Schicksal der Menschheit davon ab. Jede Szene wirkt, als würde er in einem völlig anderen Film spielen als alle anderen Beteiligten – und genau das macht viele Momente so unvergesslich. Das Original aus dem Jahr 1973, The Wicker Man, gilt als beklemmender Klassiker des Folk-Horrors und erzeugt seine Wirkung durch Atmosphäre, psychologische Spannung und unterschwellige Bedrohung. Die Neuverfilmung hingegen vermittelt häufig den Eindruck, als wäre die Handlung durch mehrere fehlerhafte Übersetzungen gelaufen und anschließend Nicolas Cage übergeben worden, mit der Anweisung, auf alles so zu reagieren, als befände er sich mitten in einem Fiebertraum. Wo eigentlich düstere Spannung und wachsendes Unbehagen entstehen sollten, entwickelt sich stattdessen eine Form unfreiwilliger Komik, die bis heute für zahllose Memes, Zitate und Internetclips verantwortlich ist. Viele Szenen sind so überzogen und seltsam inszeniert, dass sie beinahe surreal wirken. Gerade deshalb hat sich Wicker Man einen besonderen Platz in der Filmkultur erarbeitet. Als Horrorfilm wird er oft kritisch gesehen, doch als Beispiel für spektakulär aus dem Ruder gelaufene Unterhaltung besitzt er einen ganz eigenen Reiz. Was als atmosphärischer Albtraum gedacht war, wurde letztlich zu einer Fundgrube unfreiwilliger Komik – und genau das macht den Film für viele Zuschauer heute deutlich unterhaltsamer als seine ursprüngliche Intention. | © Warner Bros.

3. Catwoman (2004)

Catwoman schafft das Kunststück, eine der faszinierendsten Antiheldinnen der Comicwelt in eine Figur zu verwandeln, die durch den magischen Atem einer Katze Superkräfte erhält und gegen eine Verschwörung in der Kosmetikindustrie kämpft. Schon diese Prämisse vermittelt eine Vorstellung davon, wie weit sich der Film von seiner Vorlage entfernt. Halle Berry bewegt sich durch die Handlung in einem Kostüm, das eher an Fetischmode als an eine klassische Superheldenuniform erinnert, und trägt selbst die absurdesten Katzenspiele und Wortwitze mit einer bemerkenswerten Selbstsicherheit vor. Ob aus Überzeugung oder professioneller Disziplin – sie spielt die Rolle mit einem Ernst, den das Material kaum rechtfertigt. Besonders berüchtigt wurde die legendäre Basketball-Szene, die inzwischen fast sinnbildlich für den Film steht. Sie wirkt wie eine Aneinanderreihung fragwürdiger Regieentscheidungen und übertriebener Inszenierungseinfälle und verkörpert perfekt jene Art von Fehlgriff, die zugleich irritierend und unfreiwillig unterhaltsam ist. Das grundlegende Problem von Catwoman liegt darin, dass der Film zwar den Namen der Figur übernimmt, aber nur wenig von dem versteht, was sie in den Comics interessant macht. Statt einer komplexen Antiheldin mit moralischen Grauzonen erhält das Publikum eine weitgehend neu erfundene Figur, deren Geschichte sich wie eine Ansammlung zufälliger Ideen anfühlt. Rückblickend wirkt der Film deshalb wie ein Paradebeispiel dafür, was passieren kann, wenn ein Studio eine bekannte Marke verfilmt, ohne wirklich zu begreifen, warum diese Figur überhaupt beliebt geworden ist. Das Ergebnis ist kein gelungenes Superheldenabenteuer, sondern ein kurioses Relikt der frühen 2000er-Jahre – so überzogen, fehlgeleitet und bizarr, dass es auf seine eigene Weise beinahe schon wieder faszinierend wird. | © Warner Bros. Pictures

2. Snakes on a Plane (2006)

Snakes on a Plane gehört zu den wenigen Filmen, die bereits zum Meme wurden, bevor überhaupt jemand sie gesehen hatte. Der Titel verrät schließlich alles, was man über die Handlung wissen muss: Schlangen in einem Flugzeug. Gleichzeitig versprach die Besetzung mit Samuel L. Jackson, dass jemand diese vollkommen absurde Prämisse mit maximalem Ernst vertreten würde. Der Hype im Internet erreichte damals ein Ausmaß, das kaum ein Film realistischerweise hätte erfüllen können. Dennoch funktioniert Snakes on a Plane überraschend gut, weil er sich seiner eigenen Lächerlichkeit niemals verweigert. Statt die Idee abzuschwächen oder ironisch zu brechen, setzt der Film voll und ganz auf das, was sein Titel verspricht. Samuel L. Jackson liefert genau die Art von Performance ab, die sich die Fans erhofft hatten. Er trägt jede Zeile mit der ihm eigenen Intensität vor und begegnet der Situation, als stünde tatsächlich das Schicksal der Welt auf dem Spiel. Gleichzeitig nutzt der Film jede Gelegenheit, um möglichst kreative, absurde und oft völlig überdrehte Todesarten rund um seine reptilischen Antagonisten zu präsentieren. Gerade diese kompromisslose Hingabe an die eigene Prämisse macht den Reiz des Films aus. Snakes on a Plane versucht nie, anspruchsvoll, tiefgründig oder besonders clever zu sein. Er weiß genau, was er ist, und liefert genau das: einen B-Movie-Actionthriller, der seine absurde Ausgangsidee mit voller Überzeugung ausreizt. Am besten funktioniert der Film deshalb, wenn man ihn nicht nach klassischen Maßstäben bewertet. Wer erwartet, einen „guten“ Film im traditionellen Sinne zu sehen, wird vermutlich enttäuscht. Wer hingegen bereit ist, sich auf die pure Absurdität einzulassen, erlebt einen Film, der aus seiner eigenen Lächerlichkeit eine erstaunlich unterhaltsame Form von Selbstbewusstsein entwickelt. Genau das hat ihm seinen Kultstatus eingebracht. | © New Line Cinema

1. Twilight (2008)

Twilight verwandelte Teenager-Vampire in melancholische Traummänner, die im Sonnenlicht glitzern, statt zu verbrennen – eine Idee, die eigentlich lächerlich klingen sollte, aber dennoch Millionen von Fans begeisterte. Der Film definierte das Vampirgenre für eine ganze Generation neu und machte aus klassischen Monstern romantische Sehnsuchtsfiguren. Die Handlung entfaltet sich in einem Tempo, das beinahe hypnotisch wirkt. Der Film verweilt ausgiebig bei jedem bedeutungsvollen Blick zwischen Bella und Edward und dehnt selbst die kleinsten Momente emotionaler Spannung aus, bis sie fast unerträglich werden. Für manche Zuschauer wirkt das intensiv romantisch, für andere unfreiwillig komisch. Kristen Stewart und Robert Pattinson tragen viele ihrer Dialoge mit einer auffallenden Zurückhaltung und Unsicherheit vor. Ihre Darstellungen wirken mitunter steif oder unbeholfen, doch gerade diese merkwürdige Energie passt erstaunlich gut zu einer Geschichte, die gleichzeitig von übernatürlicher Romantik, jugendlicher Unsicherheit und der Überforderung erster großer Gefühle erzählt. Dadurch entsteht ein Film, der sich anfühlt wie ein seltsamer Fiebertraum: voller dramatischer Blicke, existenzieller Liebeserklärungen und übernatürlicher Konflikte, die mit absoluter Ernsthaftigkeit behandelt werden. Twilight macht nie den Versuch, sich von seiner eigenen Emotionalität zu distanzieren oder ironisch zu brechen. Genau darin liegt letztlich sein Erfolgsgeheimnis. Was für Kritiker oft überzogen, kitschig oder unfreiwillig komisch wirkte, empfanden viele Fans als aufrichtige und intensive Liebesgeschichte. Das Ergebnis ist ein Film, der zugleich faszinierend, befremdlich und unverwechselbar bleibt – ein kulturelles Phänomen, das bis heute Diskussionen auslöst und dessen einzigartige Mischung aus Romantik, Fantasy und Teenager-Drama kaum zu verwechseln ist. | © Summit Entertainment