Arielle, die Meerjungfrau versprach, die geliebte Magie des Zeichentrickfilms in die reale Welt zu bringen, doch das Budget von 250 Millionen Dollar produzierte etwas, das sich wie ein Fremdkörper zwischen zwei verschiedenen Filmen anfühlte. Die Unterwassersequenzen wirkten trüb und gewichtslos und verwandelten die farbenprächtigen Korallenriffe in eine matte CGI-Suppe, in der man kaum noch erkennen konnte, was vor sich ging oder warum es überhaupt von Bedeutung war. Halle Baileys Gesang hätte Besseres verdient, als von Fischen umgeben zu sein, die sich wie Plastikspielzeug bewegten, und von Wasser, das sich nie nass anfühlte. Die gesamte Produktion schien darauf bedacht, jeden einzelnen Moment des Originals nachzuahmen, und verfehlte dabei irgendwie das, was diese Momente ursprünglich so wirkungsvoll gemacht hatte. | © Walt Disney Studios
Schneewittchen erschien mit einem derart großen Drama hinter den Kulissen, dass der eigentliche Film fast wie eine bloße Nebensache wirkt. Die Hauptdarstellerin verbrachte Monate damit, in Interviews zu erklären, warum die Originalgeschichte einer Modernisierung bedürfe, während gleichzeitig Set-Fotos durchsickerten, die zeigten, wie die Zwerge durch „magische Kreaturen“ ersetzt worden waren; Wesen, die aussahen, als seien sie einem völlig anderen, weitaus billigeren Fantasy-Film entlaufen. Disney gelang es auf irgendwie unerklärliche Weise, eine seiner beliebtesten Marken in einen kulturellen Zankapfel zu verwandeln, noch bevor den Film überhaupt jemand zu Gesicht bekommen hatte. Das Endprodukt wirkt weniger wie ein Film, sondern vielmehr wie eine teure Entschuldigung, die niemand haben wollte. | © Walt Disney Pictures
Star Wars: Der Aufstieg Skywalkers versucht, sämtliche Kritikpunkte an Die letzten Jedi auszubügeln und gleichzeitig eine neunteilige Saga zu einem Abschluss zu bringen und das Ergebnis wirkt, als würde man jemandem dabei zusehen, wie er verzweifelt Jahrzehnte an Lore in einen einzigen Film hineinstopft. Der Film holt Palpatine fast ohne jegliche Vorbereitung zurück, führt Reys Sith-Abstammung als Last-Minute-Twist ein und rast so schnell durch die Handlungspunkte, dass emotionalen Momenten niemals Raum zum Atmen bleibt. Jede wichtige Entscheidung scheint darauf ausgelegt zu sein, den Vorgängerfilm rückgängig zu machen, anstatt auf ihm aufzubauen. Was eigentlich ein triumphales Finale hätte sein sollen, wirkt stattdessen wie eine teure Schadensbegrenzung. | © Walt Disney Studios Motion Pictures
Manche Filmreihen sollten wissen, wann es an der Zeit ist aufzuhören, doch Indiana Jones und das Rad des Schicksals prescht dennoch voran: mit einer Geschichte über Zeitreisen und uralte Artefakte, die völlig losgelöst von all dem wirkt, was die Figur einst so überzeugend machte. Die digitale Verjüngungstechnologie lässt Harrison Ford in der Eröffnungssequenz wie eine Videospielfigur wirken und etabliert damit sogleich eine Atmosphäre kostspieliger Künstlichkeit, die den gesamten Film über bestehen bleibt. Selbst als Ford in seinem tatsächlichen Alter zu sehen ist, wirken die Actionsequenzen mühsam konstruiert, und die Dialoge klingen, als würden die Figuren krampfhaft versuchen, sich daran zu erinnern, wie man in Indiana-Jones-Filmen früher eigentlich sprach. Zweieinhalb Stunden später wird schließlich klar: Manche Helden funktionieren am besten als Erinnerung. | © Walt Disney Studios
Deadpool & Wolverine versprach, das Multiversums-Chaos zu beheben, indem man zwei beliebte Charaktere in denselben Film wirft und darauf hofft, dass ihre Chemie alles andere kaschiert. Die Meta-Witze über die Disney-Eigentümerschaft und die Franchise-Müdigkeit wirken eher verzweifelt als clever – so, als versuche Ryan Reynolds, sich mit einem Augenzwinkern aus einem Drehbuch herauszuwinden, das nie so recht weiß, welche Geschichte es eigentlich erzählen will. Hugh Jackmans Rückkehr als Wolverine hätte der emotionale Anker sein sollen; stattdessen behandelt der Film sein Logan-Comeback lediglich als einen weiteren Gag und nicht als etwas, das wirklich Gewicht hat. All die Gewalt und das Durchbrechen der vierten Wand können nicht darüber hinwegtäuschen, wie sehr sich das Ganze wie teurer Fanservice anfühlt, der nur vorgibt, ein echter Film zu sein. | © Walt Disney Studios Motion Pictures
Manche Superhelden-Team-Ups wirken unvermeidlich, doch Justice League kam wie eine Pflichtübung daher, die niemand wirklich erfüllen wollte. Der Film versucht, sechs Hauptfiguren in eine überfrachtete Handlung zu pressen, während umfangreiche Nachdrehs Supermans digital entfernten Schnurrbart wie einen Fiebertraum aussehen ließen. Batman, Wonder Woman und die anderen mit ihren hölzernen Dialogen und einem vergessenswerten Bösewicht zu sehen, wirkt eher wie teure Schadensbegrenzung als wie der epische Höhepunkt, den DC-Fans verdient hätten. Zweieinhalb Stunden fühlten sich irgendwie gleichzeitig gehetzt und endlos an. | © Warner Bros.
Thor: Love and Thunder wirkt, als hätte jemand beschlossen, die Witze seien die besten Elemente von Thor: Tag der Entscheidung gewesen – und dann einen ganzen Film genau auf diesem Missverständnis aufgebaut. Taika Waititi dreht die Komik so weit auf, dass echte emotionale Momente rund um Themen wie Krebs und Verlust unter einem Dauerfeuer aus Sprüchen und schreienden Ziegen begraben werden. Der Tonfall schwankt wild zwischen Albernheit und Ernsthaftigkeit, ohne je ein Gleichgewicht zu finden; dadurch wirkt Russell Crowes theatralisch überdrehter Bösewicht, als wäre er versehentlich aus einem völlig anderen Film herübergewandert. Was eigentlich eine berührende Geschichte über die Sterblichkeit hätte sein sollen, wird stattdessen zu einer ermüdenden Erfahrung. | © Walt Disney Studios Motion Pictures
The Electric State ist auf Netflix als ein 320-Millionen-Dollar-Wagnis angelaufen, das sich anfühlt, als hätte jemand sämtliche nostalgischen Sci-Fi-Referenzen in einen Algorithmus eingespeist und diesen aufgefordert, daraus einen Film zu machen. Die Russo-Brüder haben ihren postapokalyptischen Roadtrip vollgepackt mit riesigen Robotern, Retro-Ästhetik und emotionalem Familiendrama – doch keines dieser kostspieligen Elemente fügt sich jemals zu einem Ganzen zusammen, das notwendig oder auch nur stimmig wirkt. Millie Bobby Brown und Chris Pratt irren durch eine Welt, die zwar akribisch gestaltet, aber völlig hohl aussieht – wie eine Themenpark-Attraktion, bei der man vergessen hat, die eigentliche Fahrt einzubauen. All das Geld hat zwar für beeindruckende visuelle Effekte gereicht, die die Geschichte jedoch irgendwie kleiner wirken lassen, anstatt ihr mehr Größe zu verleihen. | © Netflix
Jupiter Ascending beweist, dass spektakuläre Bilder und ein gewaltiges Budget eine Geschichte nicht retten können, die absolut keinen Sinn ergibt. Die Wachowskis konstruierten aufwendige Alienwelten und schillernde Actionsequenzen rund um eine Handlung, die von intergalaktischem Adel, reinkarnierten Weltraumprinzessinnen und einem Mann handelt, der halb Wolf ist – vergaßen dabei jedoch, jegliche Logik einzubauen, die diese Elemente miteinander verknüpfen würde. Mila Kunis verbringt den Großteil des Films damit, verwirrt dreinzublicken, während Channing Tatum auf Rollschuhen und mithilfe von Schwerkraftstiefeln durch die Luft saust - ein Bild, das das Gefühl des Publikums beim Zuschauen perfekt widerspiegelt. Das gesamte Werk bricht unter der Last seiner eigenen Ambitionen zusammen und verwandelt das, was eigentlich episch hätte sein sollen, in etwas unfreiwillig Komisches. | © Warner Bros.
Bays fünfter Transformers-Film schaffte es irgendwie, den Kampf riesiger Roboter eher ermüdend als aufregend wirken zu lassen. The Last Knight ertränkt jede Actionsequenz in einem derartigen visuellen Rauschen, dass es regelrecht schwierig wird, überhaupt noch nachzuvollziehen, wer gegen wen kämpft; gleichzeitig springt die Handlung zwischen der Artussage, Alien-Verschwörungen und einem Mark Wahlberg hin und her, der Maschinen anschreit – ohne dass irgendein kohärenter roter Faden all dies miteinander verbinden würde. Selbst die Explosionen beginnen nach zweieinhalb Stunden unerbittlichen Chaos miteinander zu verschwimmen. Genau das geschieht, wenn das reine Spektakel das Storytelling vollständig verdrängt und scheinbar niemand den Unterschied bemerkt. | © Paramount Pictures
Das Problem bei Batman v Superman bestand nicht bloß darin, dass der Film düster und ernst war. Zack Snyder nahm zwei der beliebtesten Superhelden der Geschichte und verwandelte sie in grübelnde, gewalttätige Fremde, die ihren Comic-Vorbildern kaum noch ähnelten. Das Ganze wirkte wie ein düsterer Fiebertraum, in dem Superman ständig finster dreinblickt und Batman Verbrecher wie Vieh brandmarkt. Wenn ein Film das Publikum dazu bringt, aktiv gegen Superman zu fiebern, dann ist etwas katastrophal schiefgelaufen. | © Warner Bros. Pictures
Michael Bay hat einen der feierlichsten Momente der amerikanischen Geschichte in eine dreistündige Romanze verwandelt, in der der eigentliche Angriff wie eine Nebensache wirkt. Pearl Harbor verschwendet den Großteil seiner enormen Laufzeit mit einer so hölzernen Dreiecksbeziehung, dass die Explosionen im Vergleich dazu fast schon subtil erscheinen. Der Film lässt den Zweiten Weltkrieg seltsamerweise wie ein Hintergrundgeräusch wirken, während es nur darum geht, ob Kate Beckinsale sich für Ben Affleck oder Josh Hartnett entscheidet. Bays typischer Exzess macht aus dem, was ein Gedenken hätte sein sollen, ein aufgeblähtes Spektakel, das Lautstärke mit Emotionen verwechselt. | © Touchstone Pictures
Green Lantern verfügte über eines der teuersten Superheldenkostüme, die je geschaffen wurden – und es war aus Gründen, die niemand erklären konnte, vollständig computergeneriert. Der digitale Anzug ließ es so wirken, als wäre Ryan Reynolds in einer Videospiel-Zwischensequenz gefangen, wodurch jede Szene auf die denkbar schlechteste Weise von der Realität entkoppelt erschien. Warner Bros. gab ein Vermögen aus, um eine ganze kosmische Mythologie um einen Helden herum aufzubauen, dem es scheinbar peinlich war, seine eigene Uniform zu tragen. Die gesamte Produktion fühlte sich an, als würde man jemandem dabei zusehen, wie er das Geld des Studios verbrannte – und sich dabei gleichzeitig für seine bloße Existenz entschuldigte. | © Warner Bros. Pictures
Mit Die Mumie versuchte Universal, sein „Dark Universe“ an den Start zu bringen – mit Tom Cruise in seiner gewohnten Rolle, die aus nichts anderem als Rennen und Schreien besteht; nur war er diesmal umgeben von altägyptischen Flüchen und einer Mumie, die eher wie ein Zombie-Statist aus The Walking Dead wirkte. Der Film konnte sich nicht entscheiden, ob er ein Horrorfilm, ein Action-Blockbuster oder der Auftakt für fünf weitere Filme sein wollte – also versuchte er, einen Kompromiss zu finden, und scheiterte an allen drei Fronten. Russell Crowe tritt als Dr. Jekyll auf, um Hintergrundinformationen über Monsterjäger-Organisationen zu liefern, nach denen niemand gefragt hatte. Was eigentlich ein geradliniger Monsterfilm hätte werden sollen, entpuppte sich stattdessen als bloßes Konzern-Diktat, verpackt in ein wirres Drehbuch, das völlig vergessen hatte, beim Zuschauer auch nur das geringste Interesse an der eigentlichen Mumie zu wecken. | © Universal Pictures
Suicide Squad versprach eine andere Art von Superheldenfilm – einen, in dem die Schurken chaotisch und unberechenbar sein durften, anstatt edel und grüblerisch. Das Editing wirkt, als sei es von jemandem zusammengewürfelt worden, der gerade eine Panikattacke erleidet; es springt zwischen Stimmungen und Szenen hin und her, ohne auch nur den Hauch eines klaren Gespürs dafür zu zeigen, welche Geschichte es eigentlich erzählen will. Jared Letos Joker taucht gerade oft genug auf, um abzulenken, aber niemals oft genug, um wirklich von Bedeutung zu sein; währenddessen kämpft der Rest des Squads gegen einen vergessenswerten, leuchtenden Himmelsstrahl, der direkt aus irgendeinem anderen Blockbuster kopiert sein könnte. Die wahre Tragödie besteht darin, Will Smith und Margot Robbie dabei zuzusehen, wie sie Schwerstarbeit leisten, um einem Drehbuch Persönlichkeit einzuhauchen, das der Charakterentwicklung aktiv feindlich gegenüberzustehen scheint. | © Warner Bros. Pictures
Hollywood blickt auf eine lange und schmerzhafte Geschichte zurück, in der enorme Budgets in Projekte gepumpt wurden, die keinerlei Berechtigung hatten, diese überhaupt einzufordern. Diese 15 Filme beweisen, dass ein neunstelliges Budget absolut keine Garantie dafür ist, dass irgendjemand Gefallen an dem findet, was am Ende auf der Leinwand zu sehen ist.
