EarlyGame | Die 50 besten Sci-Fi Filme aller Zeiten

50. Equilibrium (2002)

Kurt Wimmers Equilibrium ist die Art von Hochglanz-Dystopie-Actionfilm, die sich ganz offensichtlich Matrix angeschaut, Notizen gemacht und dann gefragt hat: „Was wäre, wenn Gefühle illegal wären und jeder Streitigkeiten mit Gun-Fu lösen würde?“ Hinter den langen Ledermänteln und der kathedralengroßen, faschistischen Architektur verbirgt sich in Christian Bales Darstellung eines Regierungs-Vollstreckers, der langsam seine Emotionen wiederentdeckt, jedoch eine aufrichtige, packende Pulp-Energie. Der Film ist plump, stilvoll, manchmal lächerlich und trotzdem seltsam befriedigend. | © Dimension Films

49. Der Junge und sein Hund (1975)

Lange bevor das postapokalyptische Kino von cooler Ödland-Ästhetik besessen war, wanderte Der Junge und sein Hund mit einem fiesen Grinsen, einem sprechenden, telepathischen Hund und so gut wie keinem Interesse an gutem Benehmen in die Wüste. Seine Zukunft ist hässlich, sexbesessen, zynisch und aus den Überresten des amerikanischen Zusammenbruchs zusammengezimmert. Die Ecken und Kanten des Films gehören zum Programm: Dies ist Kult-Sci-Fi wie ein böser Traum, der an einem sterbenden Lagerfeuer erzählt wird. | © LQ/JAF

48. Flucht ins 23. Jahrhundert (1976)

Flucht ins 23. Jahrhundert entwirft eine Zukunft, in der die Jugendkultur so vollständig gesiegt hat, dass das Erreichen des dreißigsten Lebensjahres im Grunde ein Todesurteil ist - was bis heute eine der lustigsten und düstersten filmischen Formen von Geburtstagsangst bleibt. Die Filmwelt aus Kuppeln, Lasern, Vergnügungskammern und verdächtig fröhlichen Bürgern ist zwar zu retro-futuristischem Klamauk gealtert, aber die Angst vor dem eigenen, austauschbaren Körper sitzt nach wie vor. Der Film ist glänzend, seltsam und weitaus tragischer, als seine Plastikoberflächen vermuten lassen. | © Metro-Goldwyn-Mayer

47. Upstream Color (2013)

Shane Carruths Upstream Color erklärt sich dem Zuschauer nicht wirklich selbst, sondern infiziert ihn vielmehr - was für einen Film über Parasiten, Identität, Traumata und emotionale Programmierung durchaus passend ist. Seine Geschichte bewegt sich wie die Erinnerung nach einer Gehirnerschütterung: fragmentiert, intim und voller unsichtbarer Verbindungen. Amy Seimetz verleiht dem Film ein rohes, zutiefst menschliches Zentrum und bewahrt ihn davor, in die reine Abstraktion einer bloßen Rätselbox abzugleiten. Es ist Science-Fiction, die durch beschädigte Nervensysteme geflüstert wird. | © ERBP

46. Kampf der Welten (1953)

Das Original von Kampf der Welten bleibt eine wunderschöne Erinnerung daran, dass das Alien-Invasionskino schon furchteinflößend war, lange bevor Städte durch fotorealistisches CGI dem Erdboden gleichgemacht werden mussten. Seine marsianischen Maschinen gleiten mit einer unheimlichen, fast schon religiösen Bedrohlichkeit dahin und verwandeln die Angst des Kalten Krieges in ein Technicolor-Spektakel. Der Film strafft die Vorlage von H.G. Wells zu etwas Schlankerem und Amerikanischerem, aber die Panik fühlt sich universell an: die Menschheit, die plötzlich feststellt, dass sie nicht das Ende der Nahrungskette ist. | © Paramount Pictures

45. Die Frau des Zeitreisenden (2009)

Die Frau des Zeitreisenden behandelt Zeitreisen weniger wie ein physikalisches Problem, sondern vielmehr wie ein grausames medizinisches Leiden, was der Romanze einen von Natur aus tiefen Schmerz verleiht. Eric Banas Figur Henry springt nicht aus Abenteuerlust durch die Geschichte; er wird ohne Vorwarnung aus seinem eigenen Leben gerissen, sodass Clare (gespielt von Rachel McAdams) jemanden lieben muss, der mitten im Satz verschwinden kann. Die Mechanismen des Genres sind hier zwar weichgezeichnet, aber die emotionale Prämisse ist von verheerender Schärfe. | © New Line Cinema

44. Alphaville (1965)

Jean-Luc Godard brauchte keine Raumschiffe, Strahlenkanonen oder aufwendige Kulissen, damit sich Alphaville futuristisch anfühlt; er richtete seine Kamera einfach auf das moderne Paris und ließ es spirituell tot aussehen. Das Ergebnis ist ein als Science-Fiction getarnter Film Noir, in dem Eddie Constantine durch eine Stadt wandert, die von Logik, Bürokratie und einem Computer beherrscht wird, der sich anhört, als würde er drei Packungen Zigaretten am Tag rauchen. Cool, kryptisch und seltsam komisch setzt der Film den Minimalismus auf wunderbare Weise als Waffe ein. | © Chaumiane Productions

43. Tron (1982)

Tron sah aus wie nichts anderes im Mainstream-Kino, und selbst heute noch besitzen seine leuchtenden digitalen Landschaften die seltsame Schönheit einer Technologie, die zum ersten Mal von sich selbst träumt. Die Handlung ist im Grunde der fiebrige Arcade-Mythos eines Programmierers, aber die visuelle Vorstellungskraft ist gigantisch: Lichtrennräder, Identitätsdisken, Neon-Tempel und Jeff Bridges, der in einem Computer gefangen ist, noch bevor die meisten Menschen überhaupt verstanden, was das bedeutet. Der Film ist stellenweise klobig, aber historisch elektrisierend. | © Walt Disney Productions

42. Predestination (2014)

Predestination nimmt eines der hirnzerrüttendsten Paradoxa des Zeitreisens und verwandelt es in eine kompakte Noir-Tragödie, getragen von einer herausragenden Leistung von Sarah Snook, die weitaus mehr Beachtung verdient hätte. Der Film beginnt wie ein Krimi, entfaltet sich zu einem Geständnis und zieht sich dann zu etwas fast schon Mythologischem zusammen. Er ist clever, ja, aber der Clou funktioniert nur deshalb, weil die emotionale Wunde nicht bloß als Dekoration dient. Die Zeitschleife tut weh, bevor sie beeindruckt. | © Blacklab Entertainment

41. Timecrimes – Mordbeschlüsse (2007)

Nacho Vigalondos Timecrimes – Mordbeschlüsse beweist, dass ein großartiger Zeitschleifen-Film kein riesiges Budget braucht; er benötigt lediglich eine klare Idee, ein grausames Gespür für Eskalation und einen Protagonisten, der eine schreckliche Entscheidung nach der anderen trifft. Der Film ist so schlank konzipiert, dass er sich wie ein Streich anfühlt, und so fies, dass er einer Bestrafung gleicht. Jeder Versuch, den Zeitverlauf zu reparieren, macht die Falle nur noch eleganter, absurder und hoffnungsloser menschlich. | © Karbo Vantas Entertainment

40. Starship Troopers (1997)

Paul Verhoevens Starship Troopers ist einer der amüsantesten missverstandenen Blockbuster Hollywoods: Ein faschistisches Rekrutierungsplakat, das so heftig und ununterbrochen zwinkert, dass es sich praktisch einen Muskel zerrt. Oberflächlich betrachtet besteht alles aus Käfer-Innereien, markanten Kiefern und Militärslogans; darunter verbirgt sich jedoch ein schonungsloser Scherz über Propaganda, Nationalismus und wunderschöne Menschen, die direkt in den Fleischwolf marschieren. Die Satire ist nur noch schärfer geworden, da das Publikum die Pointe mittlerweile endlich verstanden hat. | © TriStar Pictures

39. Sie leben (1988)

John Carpenters Sie leben verwandelt Klassenwut in die großartigste Sonnenbrille der Filmgeschichte, was gleichermaßen extrem albern wie auch absolut perfekt ist. Roddy Pipers herumtreibender Protagonist entdeckt, dass der Kapitalismus im wahrsten Sinne des Wortes eine außerirdische Gedankenkontrolle ist - und der Film schwächt diese Pointe zu keinem Zeitpunkt ab. Die berühmte Schlägerei in der Seitengasse ist deshalb so absurd lang, weil sture Männer eben absurd schwer zu deprogrammieren sind. Billig, wütend, voller zitierfähiger Sprüche und immer noch deprimierend aktuell, bleibt dieser Film Carpenters stumpfeste Waffe. | © Alive Films

38. Das fünfte Element (1997)

Luc Bessons Das fünfte Element ist eine maximalistische Weltraum-Oper, die wie eine Fashionshow nach drei Energydrinks gekleidet ist - und irgendwie fügt sich das Chaos am Ende stimmig zusammen. Bruce Willis spielt den erschöpften Jedermann, Milla Jovovich wird zu einer göttlichen Pop-Art-Waffe und Gary Oldman verwandelt das Schurkendasein in Performance-Jazz. Die Zukunft des Films ist laut, bunt, sexbesessen, kommerziell, lächerlich und in jedem einzelnen Frame lebendig. Subtil ist das alles nicht, aber Subtilität würde das Ganze vermutlich auch ruinieren. | © Gaumont

37. Coherence (2013)

Coherence beginnt mit einer Dinnerparty und einem vorbeiziehenden Kometen und verwandelt höfliche Unterhaltung dann langsam in Quanten-Paranoia. Seine Low-Fi-Inszenierung erweist sich als echtes Geschenk: Der Verzicht auf großes Spektakel lenkt die Aufmerksamkeit voll und ganz auf das schwindende Vertrauen, auf Doppelgänger und die furchteinflößende Möglichkeit, dass eine einzige kleine Entscheidung einen selbst ersetzbar machen könnte. Das naturalistische Chaos des Ensembles sorgt dafür, dass sich die Prämisse weniger wie ein intellektuelles Rätsel anfühlt, sondern vielmehr wie ein sozialer Albtraum, der sich inmitten von Weingläsern entfaltet. | © Bellanova Films

36. Primer (2004)

Primer ist berühmt dafür, kompliziert zu sein, aber sein eigentliches Genie liegt darin, wie sterbenslangweilig plausibel sich dieses Wunder anfangs anfühlt. Zwei Ingenieure erfinden zufällig eine Zeitmaschine in einer Garage und beginnen sofort damit, das Ganze wie eine Geschäftsmöglichkeit zu behandeln - was die vielleicht realistischste Idee sein dürfte, die je in einem Sci-Fi-Film geäußert wurde. Shane Carruths aufs Wesentliche reduzierter Stil sorgt dafür, dass sich die Verwirrung verdient anfühlt und nicht bloß dekorativ ist. Der Film nimmt einen nicht an die Hand; er hält kaum Augenkontakt. | © ERBP

35. Videodrome (1983)

David Cronenbergs Videodrome sagte eine medienabhängige Zukunft voraus, indem er das Fernsehen feucht, fleischig, erotisch und krankhaft wirken ließ. James Woods’ Figur Max Renn ist kein Held, der eine Verschwörung aufdeckt, sondern vielmehr ein Mann, der sich dem Signal bereitwillig selbst zum Fraß vorwirft. Der Body-Horror des Films bleibt unvergesslich, aber der schärfere Horror ist psychologischer Natur: Bildschirme, die das Verlangen so lange neu formen, bis die Realität verhandelbar wird. Es lebe das neue Fleisch - leider. | © Filmplan International

34. Die Fliege (1986)

Die Fliege verwandelt einen Unfall beim Teleportieren in eines der herzzerreißendsten filmischen Porträts körperlichen Verfalls. Jeff Goldblums Figur Seth Brundle beginnt als charmanter Exzentriker und wird langsam zu einem Genie, das in seinem eigenen, verrottenden Experiment gefangen ist, während Geena Davis den Albtraum in tiefer Trauer statt in purem Schock verankert. Cronenbergs Splatter-Effekte sind legendär, aber es ist die Tragödie, die nachwirkt. Dies ist ein Monsterfilm, in dem das Monster ganz genau weiß, was es verliert. | © Brooksfilms

33. Dark City (1998)

Alex Proyas Dark City fühlt sich an wie ein Noir Film, der in einem außerirdischen Labor gefangen ist, wobei jede einzelne Beschattung eine weitere Manipulation verbirgt. Der an Amnesie leidende Held, die sich verschiebende Architektur und die blassen Herrscher in ihren langen Ledermänteln erschaffen eine Welt, in der die Identität selbst zum Versuchskaninchen geworden ist. Der Film kam fast zeitgleich mit Matrix in die Kinos und wurde von der Geschichte etwas verschluckt, aber seine Stimmung ist völlig einzigartig: verraucht, gotisch, paranoid und auf die bestmögliche Weise grandios künstlich. | © New Line Cinema

32. Das Ding aus einer anderen Welt (1982)

John Carpenters Das Ding aus einer anderen Welt bleibt auf fast schon unfaire Weise effektiv, weil es die grundlegendste Voraussetzung fürs Überleben angreift: Vertrauen. Eine Gruppe von Männern, die in der Antarktis gefangen ist, entdeckt, dass ein außerirdischer Organismus jeden von ihnen imitieren kann - und plötzlich wird jeder Blick zum Beweisstück. Rob Bottins Kreatureneffekte sind bis heute groteske Wunderwerke, aber der wahre Motor des Films ist das Misstrauen. Die Kälte tötet die Figuren nicht zuerst; die Paranoia ist einfach schneller. | © Universal Pictures

31. RoboCop (1987)

RoboCop ist ein Cyberpunk-Actionfilm, eine Mediensatire auf Großkonzerne, eine Christus-Allegorie und eine brutal lustige Nachrichtensendung aus einer Zukunft, die sich standhaft weigert, reine Fiktion zu bleiben. Peter Wellers Darstellung verleiht dem Metallanzug eine verwundete Seele, während Paul Verhoeven jeden Werbespot, jede Vorstandsetage und jede Schießerei vom Kapitalismus vergiftet wirken lässt. Der Film ist gewalttätig genug, um Actionfans zufriedenzustellen, und clever genug, um genau dieses Vergnügen unangenehm zu machen. Tot oder lebendig - er funktioniert immer noch. | © Orion Pictures

30. Sunshine (2007)

Danny Boyles Sunshine schickt eine Crew auf den Weg zur sterbenden Sonne und findet das Grauen nicht in der Dunkelheit des tiefen Weltraums, sondern im unerträglichen Licht. Der erste Teil des Films ist fast schon andächtig, voller wissenschaftlicher Rituale, Aufopferung und Ehrfurcht vor einem Stern, der zu gewaltig ist, um ihn zu begreifen. Der letzte Akt wird chaotischer und spaltet die Gemüter, aber die sensorische Kraft bleibt immens. Kaum ein Weltraumfilm lässt das Überleben so spirituell, so physisch und so strafend hell erscheinen. | © Fox Searchlight Pictures

29. Minority Report (2002)

Steven Spielbergs Minority Report ist ein Verfolgungstriller, der auf einer von Philip K. Dicks schärfsten Fragen aufbaut: Was passiert, wenn die Strafverfolgung die Absicht bestraft, bevor die Tat überhaupt begangen wurde? Tom Cruise rennt durch eine hochglanzpolierte Überwachungszukunft, die bei der Veröffentlichung cool aussah und sich heute unangenehm vertraut anfühlt. Die Gadgets sind umwerfend, aber Spielberg kreist unentwegt um die moralische Fäulnis unter den Glasoberflächen. Dies ist Blockbuster-Kino mit schlechtem Gewissen und einem extrem schnellen Puls. | © 20th Century Fox

28. Prestige – Die Meister der Magie (2006)

Christopher Nolans Prestige – Die Meister der Magie lässt Science-Fiction so elegant in eine Rivalität zwischen zwei Magiern einfließen, dass sich der Genre-Twist wie eine letzte, unter dem Tisch versteckte Karte anfühlt. Hugh Jackman und Christian Bale verwandeln Besessenheit in ein Duell aus zerstörten Leben, während die Szenen rund um Nikola Tesla dem Film seine unheimliche Energie verleihen. Es geht nicht darum, ob der Trick machbar ist; es geht darum, was für ein Mensch bereit wäre, den Preis dafür zu zahlen. | © Touchstone Pictures

27. District 9 (2009)

Neill Blomkamps District 9 schlug mit der Wucht einer Reportage aus einer Welt ein, die ihre außerirdischen Besucher bereits im Stich gelassen hatte. Der Film nutzt Johannesburg als weit mehr als nur eine Kulisse und kanalisiert die Geschichte der Apartheid, Fremdenfeindlichkeit, militarisierte Bürokratie sowie Body-Horror durch Sharlto Copleys spektakulär unangenehmen Bürokraten. Der Mockumentary-Stil verleiht dem Chaos eine fiese Unmittelbarkeit. Die Effekte beeindrucken noch immer, aber es ist der gesellschaftliche Ekel, der dem Film seine Zähne verleiht. | © WingNut Films

26. Tenet (2020)

Tenet zeigt Christopher Nolan von seiner am aggressivsten architektonischen Seite: Ein Spionagefilm, dessen Handlung sich nicht entfaltet, sondern sich vielmehr umkehrt, kollidiert und sich aus der entgegengesetzten Richtung neu lädt. John David Washington verleiht einem Film, der sich oft mehr für Dynamik als für Intimität zu interessieren scheint, eine coole physische Präsenz. Die invertierte Action ist wahrhaft umwerfend, und die schiere Kühnheit macht einen Teil des Reizes aus. Es ist Unsinn mit Regeln - was nicht dasselbe ist wie bloßer Unsinn. | © Warner Bros. Pictures

25. Moon (2009)

Duncan Jones’ Moon versteht, dass Einsamkeit in der Science-Fiction dann am mächtigsten ist, wenn die Stille anfängt, Antwort zu geben. Sam Rockwell trägt den Film fast im Alleingang und verwandelt einen Arbeitseinsatz auf dem Mond in eine Krise der Identität, der Arbeit, der Erinnerung und der Austauschbarkeit. Das Retro-Produktionsdesign verleiht dem Film etwas Greifbares und Menschliches; es liegt näher an der Melancholie staubiger Modellbaukunst als an sterilem Futurismus. Der Plot-Twist ist wichtig, aber die Traurigkeit, die ihn umgibt, wiegt schwerer. | © Liberty Films

24. Looper (2012)

Rian Johnsons Looper verleiht Zeitreisen eine schmutzige, kriminelle Textur: keine glänzenden Maschinen und Gleichungen, sondern Verträge, Schrotflinten, Sucht und Männer, die darauf warten, ihr zukünftiges Ich hinzurichten. Joseph Gordon-Levitt und Bruce Willis lassen die eigentlich unmögliche Besetzungsidee eher durch ihre Haltung als durch äußere Ähnlichkeit aufgehen. Die wahre Überraschung des Films ist, wie er sich von cleveren Noir-Mechanismen in eine Geschichte über Kreisläufe der Gewalt verwandelt. Das Ende sitzt, weil die Logik emotional wird. | © Endgame Entertainment

23. Children of Men (2006)

Alfonso Cuaróns Children of Men entwirft das Ende der Menschheit nicht als eine gewaltige Explosion, sondern als einen bürokratischen, militarisierten und erschöpften Niedergang. Es werden keine Kinder mehr geboren, und die Welt hat darauf mit Grenzen, Propaganda, Internierungslagern und stumpfem Überleben reagiert. Clive Owen bewegt sich durch die Ruinen wie ein Mann, der zu müde für Heldentum ist, was seiner schlussendlichen Bestimmung echte Glaubwürdigkeit verleiht. Seine Plansequenzen sind berühmt; seine Verzweiflung ist nur noch schwerer abzuschütteln. | © Universal Pictures

22. Metropolis (1927)

Fritz Langs Metropolis ist fast ein Jahrhundert alt und sieht immer noch aus wie die Zukunft, die einen Albtraum über Arbeit hat. Seine hoch aufragende Stadt, die Arbeiter im Untergrund, die falsche Maria und die Bildsprache des Maschinengottes prägten die visuelle Sprache der Science-Fiction, noch bevor sich das Genre in seiner modernen Form gefestigt hatte. Die politische Botschaft mag plump sein, aber die Dimensionen sind erstaunlich. Jeder Roboter, jede Megacity und jede klassengeteilte Dystopie, die danach gedreht wurde, steht tief in seiner Schuld. | © UFA

21. Stalker (1979)

Andrei Tarkowskis Stalker bewegt sich in der Geschwindigkeit von Grauen, Gebet, Schlamm und Erschöpfung - genau deshalb fühlt er sich an wie kaum ein anderer Science-Fiction-Film. Seine verbotene „Zone“ braucht keine Monster; sie besitzt Stille, Verfall und das Versprechen, das wahre Verlangen der Menschen zu offenbaren. Die Reise wird philosophisch, ohne jemals ihr physisches Gewicht zu verlieren. Jeder Tümpel, jeder Tunnel und jeder verfallene Raum scheint die Figuren allein dafür zu verurteilen, dass sie eingetreten sind. | © Mosfilm

20. Planet der Affen (1968)

Planet der Affen hätte reines Kostüm-Abenteuer sein können, aber seine Genialität liegt darin, wie ernsthaft sich der Film auf die Absurdität seiner Prämisse einlässt. Charlton Hestons gestrandeter Astronaut findet eine Welt vor, in der Affen regieren und Menschen wie Tiere behandelt werden - und die Satire wird umso schärfer, je vertrauter die Machtstrukturen wirken. Dann folgt eines der größten Schlussbilder der Filmgeschichte: ein Twist, der Pulp im Handumdrehen in eine Apokalypse verwandelt. | © APJAC Productions

19. Total Recall – Totale Erinnerung (1990)

Paul Verhoevens Total Recall – Totale Erinnerung ist eine muskelbepackte Identitätskrise voller Mutanten-Rebellen, schurkischer Großkonzerne, Erinnerungsimplantaten und einem Arnold Schwarzenegger, der existenzielle Panik versprüht wie ein Mann, der Philosophie auf der Hantelbank drückt. Das Geniale an diesem Film ist, dass seine zentrale Frage niemals aufhört zu bohren: Ist Quaid ein Held, eine Fantasie oder ein Konsument, der in der ultimativen Pauschalreise gefangen ist? Der Film ist reißerisch, urkomisch, gewalttätig und weitaus raffinierter, als seine explodierenden Köpfe vermuten lassen. | © Carolco Pictures

18. Gattaca (1997)

Gattaca bleibt eine der saubersten und elegantesten Warnungen vor genetischem Determinismus, was zum Teil daran liegt, dass seine Zukunft so ruhig aussieht. Andrew Niccol befreit die Dystopie von jeglichem Ballast und erschafft eine Welt, in der Diskriminierung durch Perfektion, Tests und leise administrative Grausamkeit stattfindet. Ethan Hawkes Figur Vincent rebelliert nicht mit Waffen; er rebelliert mit einer geliehenen Identität und unmöglicher Disziplin. Die Wucht des Films resultiert daraus, wie höflich diese Gesellschaft Menschen ein lebenswertes Leben verwehrt. | © Columbia Pictures

17. Auslöschung (2018)

Alex Garlands Auslöschung verwandelt außerirdischen Kontakt in Krebs, Trauer, Selbstzerstörung und einen äußerst unangenehmen Bären. Der „Schimmer“ ist auf eine Weise wunderschön, die sich biologisch falsch anfühlt, und mutiert alles, was er berührt, bis die Natur gleichermaßen zur Kathedrale und zum Tatort wird. Natalie Portmans zurückhaltendes Spiel verleiht dem Film sein geisterhaftes Zentrum, während der letzte Teil einfache Erklärungen zugunsten reiner sensorischer Unruhe hinter sich lässt. Es geht weniger um eine Invasion als vielmehr um eine Transformation ohne Zustimmung. | © Paramount Pictures

16. Her (2013)

Spike Jonzes Her ist sanft genug, um sich romantisch anzufühlen, und scharf genug, um wehzutun. Joaquin Phoenix verliebt sich in ein Betriebssystem, das von Scarlett Johansson gesprochen wird, aber der Film handelt nicht nur davon, dass Technologie die Intimität ersetzt; es geht darum, wie sich Einsamkeit an die jeweils verfügbaren Werkzeuge anpasst. Seine sanften Farben und das Design der nahen Zukunft verbergen eine schmerzhafte Frage: Was passiert, wenn künstliche Intelligenz schneller wächst als das menschliche Bedürfnis? | © Annapurna Pictures

15. Donnie Darko (2001)

Donnie Darko ist die Angst eines Vorstadt-Teenagers, gefiltert durch Zeitschleifen, Triebwerke, Schlafwandeln, Therapie und einen zwei Meter großen Hasen mit Albtraum-Augen. Richard Kellys Debüt fängt das Gefühl ein, jung, klug, psychisch labil und davon überzeugt zu sein, dass das Universum codierte Botschaften direkt an einen selbst sendet. Die Mythologie mag chaotisch werden, aber die Atmosphäre ist unwiderstehlich. Es ist Science-Fiction als jugendlicher Weltuntergang - und irgendwie trotzdem sehr lustig. | © Flower Films

14. Solaris (1972)

Tarkowskis Solaris wird oft als Antwort auf 2001: Odyssee im Weltraum bezeichnet, aber das lässt den Film kämpferischer klingen, als er sich eigentlich anfühlt. Dies ist kein Film über die Eroberung des Weltraums; es geht darum, was der menschliche Geist in den Kosmos hineinschmuggelt. Der fühlende Planet greift nicht mit Lasern an, sondern mit Erinnerung, Schuld und einer unmöglichen Auferstehung. Seine Langsamkeit ist keine Leere; es ist Trauer, die sich über eine ganze Umlaufbahn erstreckt. | © Mosfilm

13. Zurück in die Zukunft (1985)

Zurück in die Zukunft lässt Zeitreisen so unkompliziert, lustig und emotional befriedigend wirken, dass man leicht vergisst, wie knifflig die Mechanismen dahinter eigentlich sind. Robert Zemeckis und Bob Gale verwandeln Paradoxa in puren komödiantischen Schwung, während Michael J. Fox seiner Figur Marty McFly die perfekte Mischung aus Panik, Charme und jugendlicher Ungeduld verleiht. Der DeLorean ist natürlich kult, aber der wahre Motor des Films ist seine Struktur. Jede Vorbereitung zahlt sich am Ende wie ein Uhrwerk aus. | © Universal Pictures

12. Arrival (2016)

Denis Villeneuves Arrival behandelt den Erstkontakt als ein Problem der Sprache, noch bevor er zu einem Problem des Krieges wird - was den Film auf der Stelle von lauteren Alien-Invasions-Spektakeln abhebt. Amy Adams liefert eine wunderbar verinnerlichte Darstellung als Linguistin, die lernen muss, dass Kommunikation die Art und Weise verändern kann, wie Zeit überhaupt verstanden wird. Der Film ist intellektuell, ohne kalt zu werden, und emotional, ohne in Kitsch abzugleiten. Seine finale Offenbarung deutet die gesamte Geschichte in einen Akt radikaler Akzeptanz um. | © FilmNation Entertainment

Cropped Eternal Sunshine of the Spotless Mind

11. Vergiss mein nicht! (2004)

Michel Gondry und Charlie Kaufman haben das Löschen von Erinnerungen in eine der schmerzhaftesten Liebesgeschichten des Kinos verwandelt, obwohl „Liebesgeschichte“ fast schon zu ordentlich wirkt für etwas so Zerschundenes. Vergiss mein nicht! versteht, dass Herzschmerz keine Datei ist, die man einfach löscht; er ist eine Architektur in deinem Inneren. Jim Carrey und Kate Winslet machen Joel und Clementine chaotisch, inkompatibel, magnetisch und schmerzhaft menschlich. Die Sci-Fi-Idee ist klein; der emotionale Sprengradius ist gigantisch. | © Focus Features

Cropped Everything Everywhere All at Once

10. Everything Everywhere All at Once (2022)

Everything Everywhere All at Once wirft Multiversums-Theorie, das Drama einer Einwandererfamilie, Kampfkunst, Steuerstress, Nihilismus, Würstchenfinger und Wackelaugen in denselben Mixer und kommt am Ende irgendwie emotional präzise heraus. Michelle Yeoh verleiht dem Chaos seine Seele, während Ke Huy Quan Freundlichkeit in eine Kampfstrategie verwandelt. Der Maximalismus des Films ist kein zufälliges Rauschen; er ist das Porträt einer modernen Reizüberflutung, in der jedes erdenkliche Leben letztlich doch zu einer verletzten Familie zurückführt. | © A24

9. 12 Monkeys (1995)

Terry Gilliams 12 Monkeys lässt Zeitreisen schmutzig, instabil und geistig zersetzend wirken. Bruce Willis spielt James Cole wie einen Mann, der in Fesseln durch das Schicksal gezerrt wird, während Brad Pitts manische Darstellung genau das richtige Maß an Chaos einbringt, um die Verschwörung schwer fassbar zu halten. Die Zukunft des Films ist nicht elegant; sie ist bürokratisch, unterirdisch und krank. Seine geschlossene Zeitschleifen-Struktur ist gnadenlos: Sie verwandelt Erinnerung in Prophezeiung und die Prophezeiung in eine Falle, die längst zugeschnappt ist. | © Universal Pictures

8. Inception (2010)

Inception ist Christopher Nolans Blockbuster-Gehirnlabyrinth, aber seine Geheimwaffe liegt darin, wie schnörkellos der Film Erklärungen in die Dynamik eines Heist-Movies verwandelt. Träume haben Regeln, Teams haben Rollen, und die Trauer sabotiert die Mission unentwegt aus dem Inneren von Leonardo DiCaprios Kopf heraus. Die sich zusammenfaltende Stadt und der rotierende Flur wurden sofort zu ikonischen Bildern, aber der eigentliche Haken des Films ist emotionaler Natur: ein Mann, der versucht, einer Erinnerung zu entkommen, die er selbst mitaufgebaut hat. Der Kreisel hat genau das getan, was er tun musste. | © Warner Bros. Pictures

7. Interstellar (2014)

Interstellar greift ohne jede Scham nach kosmischer Ehrfurcht, und genau deshalb fühlen sich seine größten Momente so gewaltig an. Christopher Nolan baut den Film aus Wurmlöchern, Relativitätstheorie, Staubstürmen, gefrorenen Planeten und den Orgelgewalten von Hans Zimmer auf, um das Spektakel dann in der emotionalen Wunde zwischen einem Vater und seiner Tochter zu verankern. Die Wissenschaft verleiht der Geschichte ihre Dimensionen, aber die Liebe gibt ihr die nötige Intensität. Nicht jede Zeile sitzt perfekt, doch der Ehrgeiz ist packend: Ein Weltraum-Epos, das im IMAX-Kino Tränen vergießt. | © Paramount Pictures

6. Ex Machina (2014)

Alex Garlands Ex Machina sperrt drei Personen in ein elegantes Haus und lässt die Zukunft der künstlichen Intelligenz wie eine Verführung, ein Vorstellungsgespräch und einen Gefängnisausbruch zugleich ablaufen. Alicia Vikanders Figur Ava ist feinsinnig, undurchschaubar und furchterregend strategisch, während Oscar Isaac das Genie eines Tech-Bros in eine geballte Anspruchshaltung verwandelt. Der Film ist deshalb so elegant, weil er genau weiß, was er dem Zuschauer vorenthalten muss. Jede Glaswand wird hier zu einer moralischen Falle. | © DNA Films

5. Brazil (1985)

Terry Gilliams Brazil ist Bürokratie als Nervenzusammenbruch: Ein retro-futuristischer Albtraum, in dem Papierkram tötet, Belüftungsrohre über die Decken kriechen und die eigene Fantasie die einzige Form der Rebellion bleibt. Jonathan Pryces Figur Sam Lowry ist von Natur aus kein Revolutionär; er ist ein Träumer, der in einer Maschine gefangen ist, die Fehler und Menschen mit gleicher Gleichgültigkeit verdaut. Der Film ist absurd, urkomisch, grausam und visuell überwältigend. Seine Zukunft ist so lange lächerlich, bis sie beginnt, vertraut auszusehen. | © Embassy International Pictures

4. Matrix (1999)

Matrix hat Cyberpunk nicht nur einer neue Generation schmackhaft gemacht; der Film hat verändert, wie Action, Philosophie, Mode und digitale Angst auf der Leinwand aussehen können. Keanu Reeves’ Neo beginnt als gelangweilter Büroangestellter und wird zu einem mythischen Fehler im System, während die Wachowskis Anime, Kampfkunst, Hacker-Kultur und religiöse Symbolik zu einer makellosen Pop-Maschine verschmelzen. Die „Bullet Time“ war der visuelle Köder, aber die existenzielle Unruhe ist der Grund, warum der Film überdauert hat. | © Village Roadshow Pictures

3. Alien – Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt (1979)

Ridley Scotts Alien – Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt ist ein Geisterhaus-Film im Weltraum, aber diese Beschreibung untergräbt fast, wie perfekt er Design, Stille, Arbeit und körperliche Schändung als Waffe einsetzt. Die Nostromo fühlt sich erst wie ein Arbeitsplatz an, bevor sie zum Grab wird, was den Horror weitaus greifbarer macht, wenn die Kreatur beginnt, die Besatzung nacheinander auszuschalten. Sigourney Weavers Ripley kristallisiert sich erst nach und nach heraus - nicht als eine Auserwählte, sondern als die einzige Person, die noch einen klaren Kopf bewahrt. Elegant, dreckig und furchteinflößend. | © 20th Century Fox

2. Blade Runner (1982)

Blade Runner bescherte der Science-Fiction eines ihrer prägendsten Stadtbilder: Regen, Neonlicht, Rauch, Werbung, überfüllte Straßen und eine Einsamkeit, die durch jeden einzelnen Frame leuchtet. Harrison Fords Figur Deckard bewegt sich wie ein müder Noir-Geist durch die Geschichte, aber Rutger Hauers Roy Batty stiehlt sich die Unsterblichkeit aus den Randzonen des Daseins und verwandelt sie in Poesie. Die Fragen des Films über Erinnerung, Arbeit, Menschlichkeit und künstliches Leben haben sich im Laufe der Zeit nur noch weiter vertieft. Seine Zukunft wurde zum visuellen Vokabular für alle nachfolgenden Werke. | © The Ladd Company

1. 2001: Odyssee im Weltraum (1968)

Stanley Kubricks 2001: Odyssee im Weltraum fühlt sich bis heute weniger wie ein konventioneller Film an, sondern vielmehr wie eine Übertragung von einem Ort jenseits des Kinos. Der Film springt mit einer eisigen Selbstsicherheit, die sich weigert, das Mysterium wegzuerklären, von prähistorischer Gewalt über künstliche Intelligenz bis hin zu kosmischer Wiedergeburt. HAL 9000 bleibt furchteinflößend, weil er ruhig und nicht monströs ist, und die Stargate-Sequenz lässt den menschlichen Ehrgeiz noch immer winzig erscheinen. Die Science-Fiction ist in Sachen Handlung seither weiter gegangen, aber selten weiter in ihrer Ehrfurcht. | © Metro-Goldwyn-Mayer