Filme über Filme: Die 20 besten Filme über das Kino

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Verena Buchner

Entertainment - Februar 23rd 2025, 11:00 MEZ

Cropped About — Über diese Galerie:

Für diese Liste haben wir uns auf Filme konzentriert, die sich – direkt oder indirekt – mit der Filmindustrie beschäftigen: Schauspieler, Regisseure, Drehbuchautoren und vieles mehr. Um die Sache spannend zu halten (und endlose Diskussionen zu vermeiden), haben wir sie chronologisch statt nach Platzierungen geordnet.

Fehlt deiner Meinung nach ein Film über Filme? Dann lass es uns in den Kommentaren wissen! Wir lieben gute "Wie konntet ihr DEN vergessen?!"-Momente... | © Realitism Films

Cropped Sunset Blvd — Boulevard der Dämmerung (1950)

Ah, *Boulevard der Dämmerung* – wo der Glanz Hollywoods stirbt, aber auf die dramatischste und fabelhafteste Weise überhaupt. Dieses Noir-Meisterwerk führt uns in die verfallene Villa von Norma Desmond, eines ehemaligen Stummfilm-Stars, die noch lange nicht bereit ist, ihr verblasstes Dasein zu akzeptieren. Gloria Swanson liefert eine so eindringliche Performance, dass sie praktisch in die Filmgeschichte eingraviert ist. Der Film ist sowohl eine Liebeserklärung als auch eine schonungslose Abrechnung mit Hollywood und entlarvt dessen gnadenlose Obsession mit Jugend und Ruhm. Düster, tragisch und absolut fesselnd – ein bisschen so, als würde man um 3 Uhr morgens endlos durch Social Media scrollen. | © Paramount Pictures

Cropped Singin in the Rain — Du sollst mein Glücksstern sein (1952)

Wenn *Boulevard der Dämmerung* Hollywoods dunkle Seite zeigt, dann ist *Du sollst mein Glücksstern sein* der fröhliche Nachbar, der so tut, als wäre alles in Ordnung… während er insgeheim ums Überleben kämpft. Das Musical spielt während des chaotischen Übergangs vom Stumm- zum Tonfilm und sprüht nur so vor eingängigen Songs, atemberaubenden Tanznummern und mehr Charme, als es Gene Kellys Regenschirm-Wirbeln je könnte (und das will was heißen). Klar, offiziell geht es um die technischen Herausforderungen des Tons, aber eigentlich dreht sich alles um Liebe, Lachen und die Kunst, das Beste aus einer schlechten Lage zu machen – so wie dann, wenn das Leben auf dich niederprasselt und du dich trotzdem entschließt, zu tanzen. Ikonisch. Zeitlos. Und ja, nass. Sehr, sehr nass. | © MGM

Cropped 8½ — Achteinhalb (1963)

Würde Kino eine Therapiesitzung haben, dann würde sie ziemlich genau so aussehen wie Federico Fellinis *Achteinhalb*. Dieses surreale Meisterwerk folgt Guido, einem Regisseur, der an der schlimmsten kreativen Blockade aller Zeiten leidet – was im Grunde jedem Schriftsteller an einem gewöhnlichen Montag widerfährt. Mit Traumszenen, verschwimmenden Grenzen zwischen Realität und Fantasie und existenzieller Angst, die wie Parmesan oben drauf gestreut wird, ist *Achteinhalb* sowohl verwirrend als auch brillant – ein bisschen wie der Versuch, moderne Kunst zu verstehen. Es ist ein Film über das Filmemachen, aber auch darüber, nicht zu wissen, wie man einen Film macht. Ironie-Level: völlig durch die Decke. Schau ihn dir an, verliere dich in ihm und tue so, als hättest du ihn total verstanden (wir verraten es nicht). | © Cineriz

Cropped Day for Night — Die amerikanische Nacht (1973)

*Die amerikanische Nacht* ist wie das Belauschen eines Filmsets, nur dass du statt nur Tratsch all das Drama, Chaos und die existenziellen Krisen in einem wundervollen Paket bekommst. François Truffaut (ja, der Regisseur selbst) spielt einen Regisseur, der verzweifelt versucht, seinen Film zusammenzuhalten, während alles – Schauspieler, Crew, Katzen – völlig aus dem Ruder läuft. Der englische Original-Titel, Day for Night, bezieht sich auf den filmischen Trick, Nachtszenen am Tag zu drehen, was eine perfekte Metapher für das Filmgeschäft ist: Alles ist eine Illusion, aber wir tun so, als wäre es Magie. Er ist lustig, herzergreifend und lässt dich die Tatsache schätzen, dass überhaupt irgendein Film je fertig wird. | © Les Films du Carrosse

Cropped Blow Out — Blow Out – Der Tod löscht alle Spuren (1981)

Nimm eine Prise Verschwörungsthriller, einen Hauch von Paranoia und eine großzügige Portion John Travoltas Frisur, und du hast *Blow Out– Der Tod löscht alle Spuren*. Brian De Palmas Film ist ein Meisterwerk der Spannung und folgt einem Tontechniker, der versehentlich Beweise für ein Verbrechen aufnimmt. Es ist wie *Blow Up*, aber mit mehr Explosionen und weniger grüblerischen Fotografen. Dieser Film zeigt die technische Seite des Filmemachens nicht nur, sondern er macht sie spannend. Wer hätte gedacht, dass das Aufnehmen von Soundeffekten so… tödlich sein könnte? Das Ende trifft härter als ein Jumpscare und hinterlässt den beunruhigenden Gedanken, dass die Wahrheit manchmal nicht nur seltsamer als Fiktion ist – sie ist auch weitaus tragischer. | © Filmways Pictures

Cropped Videodrome — Videodrome (1983)

Lang lebe das neue Fleisch! Wenn dieser Satz jetzt keinen Sinn ergibt, wird er es nach dem Ansehen von David Cronenbergs *Videodrome* – obwohl 'Verständnis' optional sein könnte. Dieser Film ist ein wilder Fiebertraum über Medien, Technologie und Körperhorror, mit James Woods als schleimigem TV-Manager, der eine illegale Übertragung entdeckt, die buchstäblich mit seinem Geist (und seinem Körper… und der Realität selbst) spielt. Es ist, als würde Kabelfernsehen Tentakel bekommen und dunkle Geheimnisse direkt in dein Gehirn flüstern. Ein glorreich bizarrer, prophetischer Blick darauf, wie Medien uns verzehren. *Videodrome* ist ebenso verstörend wie dein Bildschirmzeitbericht nach einem Wochenend-Binge. | © Universal Pictures

Cropped Cinema Paradiso — Cinema Paradiso (1988)

*Cinema Paradiso* ist das filmische Äquivalent einer warmen Umarmung, verfeinert mit Nostalgie und einer Prise bittersüßer Tränen. Der Film spielt in einem kleinen italienischen Dorf und erzählt die Geschichte des kleinen Jungen Toto, der sich in die Kunst der Filme verliebt und von dem grimmigen, aber liebenswerten Filmvorführer Alfredo betreut wird. Es ist eine wunderschöne Ode an die Magie des Kinos – die Art von Magie, die dich dazu bringt, deinen Job zu kündigen, nach Italien zu ziehen und sehnsüchtig auf alte Filmrollen zu starren. Wenn du die letzte Szene erreichst (wenn du sie kennst, weißt du, was ich meine), wirst du entweder weinen oder so tun, als wärst du 'einfach nur müde'. Ein Liebesbrief an Film, Freundschaft und die Macht der Erinnerungen. | © Miramax Films

Cropped Ed Wood — Ed Wood (1994)

Tim Burtons *Ed Wood* ist eine glorreich schrullige Hommage an den schlechtesten Filmemacher der Geschichte – und irgendwie ist es einer der besten Filme über das Filmemachen. Johnny Depp spielt Ed Wood, einen unermüdlich optimistischen Regisseur ohne Talent, aber mit einer Leidenschaft für das Kino, die ihresgleichen sucht. Ihm dabei zuzusehen, wie er versucht, *Plan 9 aus dem Weltall* mit Papp-Sets, sichtbaren Fäden und Bela Lugosi (perfekt gespielt von Martin Landau) zu drehen, ist pure Freude. Es ist ein Film, der das Scheitern mit so viel Zuneigung feiert, dass man gar nicht anders kann, als bei Ed mitzufiebern. Der Film beweist, dass manchmal Enthusiasmus Talent übertrumpft. Wer braucht schon gute Drehbücher, wenn man… Enthusiasmus hat? | © Touchstone Pictures

Cropped Mulholland Drive — Mulholland Drive – Straße der Finsternis (2001)

Worum geht es in *Mulholland Drive – Straße der Finsternis*? Gute Frage. Falls du es herausfindest, lass es uns wissen. David Lynchs neo-noir Rätselbox ist teils Traum, teils Albtraum, teils Hollywood-Fieberwahn – und komplett hypnotisierend. Naomi Watts liefert die Performance ihres Lebens (eigentlich vielleicht sogar zweier Leben – es ist kompliziert) als aufstrebende Schauspielerin, die in ein Mysterium aus Amnesie, Identität und… einem furchteinflößenden Typen hinter einem Diner verwickelt wird. Es ist, als hätte Hollywood ein Spiegel-Selfie gemacht – aber das Spiegelbild starrt zurück und flüstert: 'Nichts ist real.' Du wirst den Film verwirrt, fasziniert, vielleicht verängstigt beenden – und ihn dann sofort noch einmal schauen, um all das wieder zu fühlen. | © Universal Pictures

Cropped Adaptation — Adaption – Der Orchideen-Dieb (2002)

*Adaption – Der Orchideen-Dieb* ist das, was passiert, wenn Drehbuchautor Charlie Kaufman eine Schreibblockade hat… und beschließt, einen Film darüber zu schreiben, eine Schreibblockade zu haben. Nicolas Cage spielt nicht nur einen, sondern gleich zwei Kaufmans – Charlie, den ängstlichen, selbstzweifelnden Autor, und Donald, seinen selbstbewussten, völlig fiktiven Zwillingsbruder. Der Film beginnt als Adaption eines Buches über Blumen und verwandelt sich irgendwie in einen Meta-Thriller mit Alligatoren, Verfolgungsjagden und existenzieller Verzweiflung. Es ist, als würde man zusehen, wie jemand in den Wahnsinn abrutscht – aber auf extrem kreative und seltsam nachvollziehbare Weise. *Adaptation – Der Orchideen-Dieb* ist gleichermaßen urkomisch und verblüffend und beweist, dass selbst Scheitern pures Kinogold sein kann. | © Columbia Pictures

Cropped The Dreamers — Die Träumer (2003)

Bernardo Bertoluccis *Die Träumer* ist wie ein Liebesbrief an das Kino… geschrieben in Lippenstift auf einem beschlagenen Spiegel nach einem nächtlichen Film-Marathon. Im Paris des Jahres 1968, vor dem Hintergrund der Studentenproteste, folgt der Film einem amerikanischen Studenten, der ein rätselhaftes französisches Zwillingspaar kennenlernt. Was folgt, ist ein Wirbel aus filmliebhaberischen Anspielungen, revolutionären Idealen und – nun ja… sagen wir einfach, dass die Grenzen zwischen persönlichem und privatem Raum so dünn sind wie die Seiten eines alten Filmmagazins. Sexy, provokativ und voller jugendlicher Rebellion – wie Godard, nur mit mehr Nacktheit und weniger Jump Cuts. Schau ihn, während dein innerer Film-Nerd komplett aktiviert ist (und vielleicht nicht mit deinen Eltern). | © Fox Searchlight Pictures

Cropped Birdman — Birdman oder (Die unverhoffte Macht der Ahnungslosigkeit) (2014)

Ah, *Birdman oder (Die unverhoffte Macht der Ahnungslosigkeit)* – der Film, der plötzlich alle für One-Take-Kameraarbeit und existenzielle Angst begeistert hat. Michael Keaton (in einer fast zu perfekten Rolle) spielt Riggan, einen abgehalfterten Schauspieler, der einst als Superheld berühmt war und nun verzweifelt versucht, mit einem Broadway-Stück seine künstlerische Integrität zurückzugewinnen. Dank der makellosen 'One-Shot'-Illusion fühlt sich der Film an wie ein einziger, nervenaufreibender Atemzug. Doch jenseits der technischen Brillanz ist *Birdman oder (Die unverhoffte Macht der Ahnungslosigkeit)* eine düster-komische Meditation über Ego, Relevanz und die Stimmen in unserem Kopf – in Riggans Fall sogar ganz wörtlich. Und ein großes Lob an die jazzige Schlagzeug-Musik, die sich anhört wie ein Nervenzusammenbruch – aber als Kunst. | © Fox Searchlight Pictures

Cropped Reality — Reality (2014)

Quentin Dupieuxs *Reality* ist das, was passiert, wenn man einen Traum nimmt, ihn mit absurdem Humor in einen Mixer wirft und auf "Pürieren" drückt. Die Handlung – falls man sie überhaupt so nennen kann – folgt einem Möchtegern-Regisseur, der den perfekten Schrei für seinen Horrorfilm aufnehmen will, doch dabei kollabiert die Realität in sich selbst wie ein filmisches Origami. Stell dir *Inception* trifft *The Twilight Zone* vor, aber mit mehr VHS-Kassetten und weniger Erklärungen. Es ist bizarr, urkomisch und hemmungslos schräg – ein Film, bei dem du dich ständig fragst: 'Warte, was ist gerade passiert?!' – aber dabei die ganze Zeit grinst. | © Realitism Films

Cropped Hugo — Hugo Cabret (2011)

Martin Scorsese dreht einen Familienfilm? Klingt wie ein Scherz, aber *Hugo Cabret* beweist, dass sogar der Mann hinter *Taxi Driver* eine Schwäche für Kinomagie hat. Im Paris der 1930er Jahre folgt der Film einem kleinen Waisenjungen, der in einem Bahnhof lebt und einen mechanischen Automaten entdeckt, der mit einem der echten Pioniere des Kinos, Georges Méliès, verbunden ist. Visuell atemberaubend und voller Herz, ist *Hugo* eine liebevolle Hommage an die Anfänge des Films – mit genug Zahnrädern, Uhren und Filmrollen, um jeden Filmliebhaber zum Schwärmen zu bringen. *Hugo Cabret* zu sehen, fühlt sich an, als würde man eine verstaubte alte Kiste öffnen, ein vergessenes Stück Kinogeschichte entdecken – und feststellen, dass es immer noch funkelt. | © Paramount Pictures

Cropped The Artist — The Artist (2011)

*The Artist* ist ein Stummfilm im Zeitalter der Smartphones – und irgendwie funktioniert es einfach wunderbar. Der Film spielt während Hollywoods Übergang von Stummfilmen zu den Tonfilmen und folgt George Valentin, einem charmanten Stummfilmstar, dessen Karriere abstürzt, als der Ton Einzug hält. Schwarz-weiß, fast ohne Dialoge und dennoch emotional fesselnder als viele Filme, die in Spezialeffekten ertrinken. Jean Dujardins ausdrucksstarke Performance ist eine Meisterklasse in Charisma und beweist, dass man keine Worte braucht, wenn das Gesicht alles sagen kann. *The Artist* ist eine freudige, nostalgische Erinnerung daran, dass weniger manchmal mehr ist – es sei denn, es geht um Popcorn, dann ist mehr natürlich immer besser. | © Warner Bros. Pictures

Cropped La La Land — La La Land (2016)

*La La Land* ist wie dieser eine Freund, der sagt: 'Mir geht’s gut', während er dramatisch aus dem Fenster schaut und eine einzelne Träne über die Wange rollt. An der Oberfläche ist es ein leuchtend buntes Musical voller spontaner Tanznummern, verträumter Sonnenuntergänge und einer ordentlichen Dosis Jazz-Hände. Aber darunter? Ein waschechtes Herzbruch-Drama, verpackt in eine Liebeserklärung an Los Angeles und den bittersüßen Traum vom Erfolg. Ryan Gosling und Emma Stone haben eine Chemie, die locker das Griffith-Observatorium mit Strom versorgen könnte, und das Ende? Sagen wir mal so – es wird dich in die Ferne starren lassen, während du dein ganzes Leben hinterfragst… natürlich summend zu *City of Stars*. | © Lionsgate

Cropped Once Upon a Time in Hollywood — Once Upon a Time in Hollywood (2019)

Quentin Tarantinos *Once Upon a Time in Hollywood* ist teils Märchen, teils Liebeserklärung und teils ein großes 'Hey, waren die 60er nicht völlig verrückt?'. Der Film folgt dem abgehalfterten TV-Star Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) und seinem Stuntdouble/besten Kumpel Cliff Booth (Brad Pitt), während sie durch eine sonnengetränkte, leicht psychedelische Version von Los Angeles im Jahr 1969 treiben. Es geht weniger um die Handlung als um das Gefühl – mit diesen Figuren abzuhängen, über neonbeleuchtete Boulevards zu cruisen und Brad Pitt dabei zuzusehen, wie er selbst das Öffnen einer Hundefutterdose cool aussehen lässt. Ach ja, und dann gibt es noch einen alternativ-historischen Twist, die so Tarantino ist, dass du entweder erschrocken aufkeuchst, jubelst – oder beides. Wahrscheinlich beides. | © Columbia Pictures

Cropped Mank — Mank (2020)

*Mank* ist, als hätte *Citizen Kane* einen Hinter-den-Kulissen-Dokumentarfilm – nur in glorreichem Schwarz-Weiß und mit David Finchers akribischen Fingerabdrücken übersäht. Der Film taucht ein in das chaotische, trinkgeladene Leben von Herman J. Mankiewicz (gespielt von Gary Oldman), dem Drehbuchautor hinter *Kane*, der gleichermaßen Genie und Desaster ist. Es ist gerissen, zynisch und voll von Drama aus dem alten Hollywood – von politischen Skandalen bis zu Egos, die so groß sind wie der Schatten von Orson Welles. *Mank* zu sehen, fühlt sich an wie ein Vintage-Cocktail zu trinken: elegant, ein bisschen bitter und mit einer neuen Wertschätzung für Hollywoods goldene (und weniger goldene) Ära im Nachgeschmack. | © Netflix

Cropped Babylon — Babylon – Rausch der Ekstase (2022)

*Babylon – Rausch der Ekstase* ist, als hätte jemand Hollywoods wildeste Partys genommen, mit einer existenziellen Krise vermischt und die Lautstärke auf Maximum gedreht. Damien Chazelles chaotisches Epos erkundet die hedonistischen Höhen und tragischen Tiefen der Filmindustrie während des Übergangs von Stummfilmen zu Tonfilmen. Es ist chaotisch, kühn und unverfroren übertrieben – fast so, als hätte *Der große Gatsby* einen Fiebertraum über das Kino gehabt. Margot Robbie und Diego Calva glänzen inmitten des Wahnsinns, während Brad Pitt mit einem Gang durch die Szenerie schreitet, der die Verkörperung von Old-School-Cool ist. Bereite dich auf Jazz, Elefanten (ja, wirklich) und genug filmischen Überfluss vor, um dich sowohl Hollywood lieben als auch dessen Existenz hinterfragen zu lassen. | © Paramount Pictures

Cropped The Fabelmans — Die Fabelmans (2022)

*Die Fabelmans* ist Steven Spielbergs semi-autobiografische Liebeserklärung an, nun ja... Steven Spielberg. Es ist ein zutiefst persönlicher, einfühlsamer Film über einen jungen Jungen namens Sammy, der die Magie des Filmemachens entdeckt, während er sich durch die Schwierigkeiten des Familienlebens navigiert. Stell dir vor, es ist wie *E.T.* ohne den Außerirdischen oder *Unheimliche Begegnung der dritten Art* ohne die UFOs – einfach pure, herzliche Erzählkunst darüber, was jemanden inspiriert, überhaupt eine Kamera in die Hand zu nehmen. Er ist nostalgisch, bewegend und voll von diesem charakteristischen Spielberg-Wunder, das beweist, dass die außergewöhnlichsten Geschichten oft die sind, die einem am nächsten sind. Extra Punkte für den Cameo-Auftritt, der jeden Film-Nerd ausrasten lässt. | © Universal Pictures

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Das Kino hatte schon immer eine Faszination für sich selbst. Von der goldenen Ära Hollywoods bis hin zu modernen Meisterwerken haben Filmemacher die Magie, den Wahnsinn und die Technik des Filmemachens erkundet. Egal, ob es der Nervenkitzel, hinter der Kamera zu stehen, ist, das Streben von Künstlern auf der Suche nach Perfektion oder bittersüße Liebeserklärungen an die Leinwand – Filme über Filme bieten ein einzigartiges, selbstreflektives Erlebnis, das sowohl Filmliebhaber als auch Gelegenheitszuschauer anspricht.

In dieser Liste haben wir die 20 besten Filme zusammengestellt, die das Kino feiern, hinterfragen und dekonstruieren. Diese Filme erzählen nicht nur Geschichten – sie lüften den Vorhang und enthüllen die Leidenschaft, das Chaos und die Schönheit, die sowohl vor als auch hinter der Kamera existieren. Mach dich bereit, in Welten einzutauchen, in denen Filme mehr als nur Unterhaltung sind – sie sind der Mittelpunkt der Geschichte.