EarlyGame | Diese Schauspielerinnen machen jeden Film sofort besser

Frances McDormand

Sobald sie in einer Szene auftaucht, fühlt sich diese sofort verankert an, als hätte der Film aufgehört, „Drama“ zu spielen, und würde sich nun wie das echte Leben verhalten. McDormands beste Arbeit hat nichts mit Perfektion zu tun – es geht um Wahrheit, die gleichzeitig lustig, unverblümt und etwas unangenehm sein kann. Sie ist berühmt für Charaktere, die sich nicht um Erlaubnis bitten, um Raum einzunehmen, egal ob sie still trauern oder offen wütend sind, und diese Selbstsicherheit wertet alles um sie herum auf. Selbst wenn die Geschichte düster wird, bringt sie eine bodenständige Praktikabilität mit, die verhindert, dass sie zu einem Melodram wird. Wenn Sie das deutlichste Beispiel dafür suchen, wie sie einen Film tragen kann, ohne dabei auffällig zu wirken, dann ist das ihr Spezialgebiet. | © Fox Searchlight Pictures

Nicole Kidman

Nicht viele Stars können ohne Glaubwürdigkeitsverlust von glamourösen, überlebensgroßen Spektakeln zu intimen Psychodramen wechseln, aber Kidman hat aus dieser Wandlungsfähigkeit ihre Karriere gemacht. Sie ist bereit, seltsam, verletzlich oder emotional unverfälscht zu wirken – Entscheidungen, die den ganzen Film mutiger erscheinen lassen, selbst wenn das Material an der Grenze zum Skandalösen liegt. Was sie zu einer solchen „Filmverbesserin“ macht, ist zum Teil ihr Geschmack: Sie tendiert oft zu Regisseuren und Drehbüchern, die tatsächlich eine schauspielerische Leistung wollen und nicht nur ein berühmtes Gesicht. Und wenn ein Projekt etwas übertrieben ist, entschuldigt sie sich nicht dafür – sie engagiert sich, was es einfacher macht, sich auf die Welt auf der Leinwand einzulassen. Ob Romantik, Thriller oder prestigeträchtiges Drama, ihre Präsenz signalisiert in der Regel, dass der Film überdurchschnittlich hohe Ziele verfolgt. | © Columbia Pictures

Kate Winslet

Ihre Geheimwaffe ist ihre Direktheit, keine Schutzschicht, keine „Star“-Distanz, einfach nur eine Person, die das Gefühl vermittelt, schon lange vor dem Dreh in diesem Körper gelebt zu haben. Winslet kann Wärme ausstrahlen, ohne dabei kitschig zu wirken, und sie kann Herzschmerz darstellen, ohne ihn zu beschönigen, was genau der Grund dafür ist, dass ihre Filme oft umso stärker wirken. Sie ist auch ungewöhnlich gut darin, komplexe Frauen eher konkret als symbolisch darzustellen: chaotische Entscheidungen, scharfe Instinkte, unbequeme Emotionen, einfach alles. Selbst wenn sie sich die Leinwand mit großen Persönlichkeiten teilt, wird sie nicht überschattet, sondern nimmt still und leise den Mittelpunkt ein. Diese Beständigkeit ist der Grund, warum die Menschen ihrem Namen als Qualitätsmerkmal vertrauen - egal, um welchen Film es sich handelt, sie wird ihn realistisch wirken lassen. | © Constantin Film

Cate Blanchett

Wenn ein Film Eleganz, Gefahr, Humor und Intelligenz in derselben Darstellung vereinen will, ist Blanchett eine der wenigen, die alle vier Aspekte liefern kann, ohne den Zauber zu brechen. Sie verfügt über diese seltene Autorität, durch die selbst ein Fantasy-Epos glaubwürdiger wirkt, weil sie die Welt als real behandelt und nicht als Kostümparty. Gleichzeitig ist sie bereit, Risiken einzugehen – ungewöhnliche Rhythmen, gewagte Entscheidungen, Charaktere, die einschüchternd oder absurd oder beides sind –, sodass Projekte nicht zu harmlosem, geschmackvollem Prestige verkommen. Ihre Bandbreite ist nicht das Besondere, sondern die Tatsache, dass ihre Arbeit unabhängig vom Umfang, von intimen Dramen bis hin zu großen Franchises, immer scharfsinnig bleibt. Wenn sie in der Besetzungsliste steht, bedeutet das in der Regel, dass jemand Wert darauf gelegt hat, dass der Film mehr als nur Inhalt ist. | © EMJAG Productions

Helen Mirren

Manche Schauspieler strahlen sofort Autorität aus, und Mirren gehört zu denen, die keine laute Stimme brauchen, um sich Gehör zu verschaffen. Sie kann eine Szene allein durch Zuhören intelligenter wirken lassen – indem sie Pausen wirken lässt, den Subtext die Hauptarbeit übernehmen lässt – und dann, wenn es die Situation erfordert, mit eiserner Entschlossenheit auftritt. Diese Mischung aus Kontrolle und Menschlichkeit ist der Grund, warum sie alles von prestigeträchtigen Dramen bis hin zu leichteren Publikumsmagneten aufwertet: Der Film wirkt nicht mehr so, als würde er „sich wichtig nehmen“, sondern fühlt sich wie eine echte Beobachtung an. Sie scheut sich auch nicht davor, Macht zu spielen, ohne sie zu romantisieren, was ihren Figuren Biss statt Glanz verleiht. Wenn man sie in den Mittelpunkt einer Geschichte stellt, wirken die Einsätze klarer, schärfer und erwachsener. | © Pathé

Glenn Close

Das einfachste Erkennungsmerkmal eines Glenn-Close-Projekts ist das Fehlen von Weichheit und Bequemlichkeit – sie glättet ihre Figuren nicht, um sie schmackhafter zu machen. Selbst wenn sie eine äußerlich gefasste Person spielt, verbirgt sich darunter meist eine stille Wildheit, die den Szenen Spannung verleiht, noch bevor die Handlung dies erfordert. Deshalb ist sie eine so zuverlässige „Filmaufwertung“: Sie behandelt jeden Moment so, als hätte er Konsequenzen, egal ob es sich um einen Streit zu Hause oder einen Blickwechsel im Gerichtssaal handelt. Sie ist auch die Art von Schauspielerin, die ein Drehbuch intelligenter wirken lassen kann, indem sie sich weigert, Emotionen zu zeigen, und das Publikum ein wenig arbeiten lässt. Das bekannteste Beispiel für ihre Fähigkeit, einen Film mit purer Intensität zu dominieren, ist diese eisige, kontrollierte Bedrohlichkeit, die die Menschen noch Jahrzehnte später verfolgt. | © Imagine Entertainment

Julianne Moore

Moore hat eine Art, komplizierte Gefühle wie Trauer, Sehnsucht, Eifersucht oder Scham ganz normal erscheinen zu lassen – als wären sie einfach Teil des Alltags eines Menschen und kein großer „Schauspielermoment“. Dieser bodenständige Realismus macht sie sowohl in prestigeträchtigen Dramen als auch in pointierteren Genrefilmen so wertvoll: Sie kann schwere Themen tragen, ohne sie in Melodramatik zu verwandeln. Sie scheut sich auch nicht davor, chaotische oder offen verletzliche Charaktere zu spielen, was einen Film davor bewahren kann, zu glatt oder emotional zu harmlos zu wirken. Selbst wenn die Geschichte überhöht ist, findet sie die menschliche Frequenz darin, sodass man sich auf den Charakter konzentriert, anstatt das Drehbuch zu bemerken. Wenn sie in der Besetzung ist, ist das oft ein Hinweis darauf, dass der Film emotionale Präzision anstrebt und nicht einfache Sentimentalität. | © Killer Films

Viola Davis

Man spürt die Vorbereitung in ihrer Arbeit – nicht auf auffällige Weise, sondern in dem Sinne, dass hinter jeder Zeile eine Geschichte steckt. Davis vereint auf seltene Weise Kraft und emotionale Zugänglichkeit, was bedeutet, dass eine Szene ohne gezwungene Wirkung von stiller Zurückhaltung zu erschütternder Ehrlichkeit wechseln kann. Das ist das Plus, das sie Filmen bietet: Sie lässt die Einsätze persönlich wirken, nicht nur handlungsbedingt, und sie verlässt sich nicht auf Sympathie, um das Publikum bei der Stange zu halten. Sie ist auch klug bei der Auswahl von Rollen, die ihr die Bühne überlassen, egal ob im Film oder im Fernsehen, und das Publikum hat gelernt, diesem Instinkt zu vertrauen. Wenn sie Material bekommt, das sie voll zur Geltung bringt, wächst das gesamte Projekt in der Regel mit ihr. | © Disney

Amy Adams

Wenn ein Film eine Darstellung braucht, die warmherzig sein kann, ohne simpel zu wirken, und traurig, ohne spröde zu werden, ist Adams eine verlässliche Antwort. Sie ist großartig darin, die kleinen, aufschlussreichen Details zu finden – wie eine Figur versucht, freundlich zu bleiben, wie sich Angst durch Höflichkeit bemerkbar macht –, die Geschichten auch dann Textur verleihen, wenn die Handlung geradlinig ist. Ihre Karriere ist auch voller kluger Wendungen: Sie spielt in prestigeträchtigen Dramen, ausgefallenen Komödien und großen Studiofilmen mit und wechselt dann zu etwas Düsterem, wodurch sie sich nicht eingeengt fühlt. Diese Vielfalt ist wichtig, denn sie trainiert das Publikum, eine echte Darstellung zu erwarten und keine vorhersehbare Rolle. Wenn ihr Name auftaucht, bedeutet das oft, dass der Film zumindest versucht, emotional ehrlich zu sein. | © Paramount Pictures

Toni Collette

Collette ist die Art von Schauspielerin, die Regisseure besetzen, wenn sie wollen, dass sich die emotionale Lautstärke eines Films gefährlich anfühlt, im Sinne davon, dass jede Szene ohne Vorwarnung lustiger, hässlicher oder herzzerreißender werden kann. Sie geht voll ins Risiko, jagt aber keinem „Prestige-Schauspiel“ hinterher, sondern dem, was für die Figur wahr ist, selbst wenn es unangenehm zuzusehen ist. Genau diese Ehrlichkeit sorgt dafür, dass sie Horror, Drama und Komödie gleichermaßen aufwertet; Genres sind weniger wichtig als die Tatsache, dass sie Menschen unter Druck real wirken lässt. Selbst wenn der Film um sie herum unausgeglichen ist, bleibt sie oft das, woran man sich erinnert, die Performance, die das Erlebnis erst lohnenswert macht. | © A24

Olivia Colman

Ihr bei der Arbeit zuzusehen fühlt sich an, als würde man einem echten Menschen zuhören, nicht einer Darbietung, die spürbar „funktionieren“ will. Sie lässt Komik und Verletzlichkeit im selben Atemzug entstehen und kippt dann ohne Vorwarnung in etwas Hartes, was Szenen auf die bestmögliche Weise unberechenbar macht. Genau diese tonale Beweglichkeit ist der Grund, warum sie Drehbücher aufwertet, die sonst wie höfliches Prestige hätten wirken können, plötzlich bekommen die Emotionen Zähne. Selbst in Ensembles voller großer Persönlichkeiten wird sie oft zum Gravitationszentrum, weil sie ein so präzises Gespür für die kleinen menschlichen Details hat. Steht ihr Name auf der Besetzungsliste, ist das meist ein Hinweis darauf, dass der Film Figurenarbeit bietet, an der man wirklich kauen kann. | © Fox Searchlight Pictures

Judi Dench

Schon eine kleine Menge ihrer Leinwandzeit kann einem Film sofort Autorität verleihen, eine Art Präsenz, die alles um sie herum bewusster und gesetzter wirken lässt. Sie hat eine Art, Dialoge zu sprechen, die beiläufig klingt und trotzdem Gewicht hat, als würde die Figur Jahrzehnte an Geschichte mit sich tragen, ohne dafür eine erklärende Rede zu brauchen. Diese Ausstrahlung ist der Grund, warum sie in Ensembles so zuverlässig ein Upgrade ist; sie kann den Ton schärfen, Witz hinzufügen oder einen ruhigen Moment in den verwandeln, an den man sich am meisten erinnert. Dench verleiht auch Rollen Tiefe, die auf dem Papier eindimensional wirken könnten, und findet Wärme, Schärfe und Traurigkeit im selben Austausch. Wenn sie zur Besetzung gehört, ist das meist ein Zeichen dafür, dass dem Film das Schauspiel genauso wichtig ist wie die Handlung. | © Eon Productions

Tilda Swinton

Die Stimmung eines Films kann sich in dem Moment verändern, in dem sie auftaucht, weil sie sich nicht einfach in eine Welt einfügt, sondern sie schärft. Regisseure besetzen sie, wenn sie etwas Elegantes, aber Seltsames wollen, Verspieltes, das zugleich beunruhigt, oder etwas, das sich schlicht schwerer einordnen lässt als übliche Besetzungen. Was das sofort zu einem Upgrade macht, ist ihre Konsequenz, sie behandelt Eigenart nie als Gimmick, sondern als Figur, mit Logik und Absicht hinter jeder Entscheidung. Sie ist außerdem ein verlässliches Geschmackssignal, weil sie sich immer wieder zu Filmschaffenden mit klarer Handschrift hingezogen fühlt statt zu sicheren, von Komitees gebauten Projekten. Taucht ihr Name im Abspann auf, stehen die Chancen gut, dass der Film zumindest einen mutigen kreativen Nerv trifft. | © Marvel Studios

Jessie Buckley

In ihren Auftritten liegt eine ruhelose, elektrische Qualität, die selbst gewöhnliche Szenen so wirken lässt, als könnten sie jeden Moment aufbrechen. Sie landet oft in Geschichten mit Biss, schwarzem Humor und psychologischer Spannung. Figuren, die in Rollen feststecken, die sie sich nicht ausgesucht haben, und sie spielt sie mit einer Mischung aus Rohheit und Präzision, die schwer zu imitieren ist. Die Emotionen kommen nicht in sauber getakteten, filmsicheren Momenten, sie fließen, stoppen, kehren um, und plötzlich hört man genauer hin. Das ist dieser „sofort besser“-Effekt, der Film muss sich an die Genauigkeit anpassen, die sie einbringt. Ist das Drehbuch gut, macht sie es großartig, ist es wacklig, gibt sie einem trotzdem etwas, woran man sich festhalten kann. | © Netflix

Cropped The Devil Wears Prada 2006 Miranda Priestly

Meryl Streep

Man kann sie fast in jedes Genre werfen, und der Film wirkt sofort souveräner, weil sie Handwerk als Grundlage begreift und nicht als Verzierung. Sie lässt Exposition wie ein Gespräch klingen, verwandelt eine kleine Pause in Subtext und formt eine Figur über Stimme und Rhythmus so klar, dass man die Technik dahinter gar nicht mehr wahrnimmt. Das zählt selbst in unausgeglichenen Filmen, sie macht deutlich, worum es in einer Szene eigentlich geht, und das Umfeld zieht meist spürbar nach. Der andere Vorteil ist ihre Bandbreite ohne Beliebigkeit, Komödie, Drama, Satire, Romantik; sie streift einen Ton nicht nur, sie bewohnt ihn. Taucht ihr Name im Abspann auf, ist das oft der einfachste Hinweis darauf, dass zumindest eine Darstellung den Eintritt wert sein wird. | © 20th Century Fox