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25 der kontroversesten Hot Takes über Filme

1-25

Galerien - Februar 6th 2026, 08:00 MEZ
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25. Die Leute sollten sich mehr Filme aus den 70er und 80er Jahren anschauen

Es ist schwer, sich darüber zu beschweren, dass „sie heute keine Filme mehr machen wie früher“, wenn man selbst nur immer wieder dieselbe Handvoll Titel gesehen hat. Die 1970er waren ein Spielplatz für Risiken – dreckige Crime-Stories, paranoide Thriller, Charakterstudien, die der Stille genauso sehr vertrauten wie dem Dialog –, während die 1980er das High-Concept-Kino in eine Art Pop-Art verwandelten. Man muss kein Retro-Purist werden, aber ein tieferer Blick in diese Jahrzehnte schärft das Verständnis dafür, woher das heutige Blockbuster-, Comedy- und sogar Superhelden-Pacing eigentlich stammt. Und ja: Es heilt auch die Angewohnheit der Algorithmen, einem immer wieder dieselben fünf Filme vorzusetzen. | © Embassy Pictures Corporation

Channing Tatum

24. Schauspieler wie Channing Tatum sollten wirklich keine Filme machen

Diese Meinung entsteht meist aus der Verwechslung von „Filmstar“ mit „ernsthaftem Schauspieler“, als wäre die einzige legitime Karriere die aus Preisverleihungs-Ködern und geflüsterten Monologen. Tatum hat sich einen Ruf durch körperliche Komik, Charme und Selbstironie erarbeitet – Fähigkeiten, die seltener sind, als viele zugeben, besonders im Studio-Kino. Das eigentliche Problem ist nicht, dass es Darsteller wie ihn gibt; es ist, dass Zuschauer Schauspieler manchmal dafür bestrafen, dass sie in zugänglicher, massentauglicher Unterhaltung gut sind. Eigentlich braucht die Branche mehr Schauspieler, die einen Crowd-Pleaser tragen können, ohne so zu tun, als wäre es Hausaufgaben machen. | © Sony Pictures Releasing

Jenny forrest

23. Jenny war der gutmütigste Charakter in Forrest Gump

Die meisten sprechen über Jenny, als wäre sie eine abschreckende Figur, doch diese Lesart ignoriert oft die Verletzungen, die der Film leise andeutet. Sie versucht, einer Vergangenheit davonzulaufen, die sie immer wieder einholt, und verbringt einen Großteil der Geschichte damit, Entscheidungen zu treffen, die chaotisch, menschlich und nicht auf die Zustimmung des Publikums ausgelegt sind. Sie als „gutmütig“ zu bezeichnen heißt nicht, so zu tun, als wäre sie perfekt – es bedeutet anzuerkennen, wie viel Schmerz sie auf sich nimmt, ohne grausam zu werden, selbst wenn das Leben ihr genügend Gründe dafür liefert. Forrest Gump lässt Forrests Freundlichkeit mühelos erscheinen; Jennys ist hart erkämpft, und genau deshalb schlägt diese Sichtweise ein wie eine Granate. | © Paramount Pictures

Elf

22. Der einzige gute Will-Ferrell-Film ist Elf.

Es gibt einen Grund, warum diese Meinung jeden Dezember wieder auftaucht: Elf bündelt Ferrells Chaos in einer Figur, die liebenswert statt selbstgefällig ist, und dieser Wechsel verändert alles. Buddy versucht nicht, einen Gag zu gewinnen; er lebt aufrichtig in einer Welt, die mit seiner Aufrichtigkeit nicht mithalten kann, was die Komik sauberer und besser wieder anschaubar macht. Menschen, die mit Ferrells lauteren, gemeineren Rollen nichts anfangen können, behandeln Elf oft als die eine Ausnahme, bei der die Lautstärke ein Herz dahinter hat. Selbst wenn man anderer Meinung ist, ist es eine Debatte über Tonfall – nicht Talent – und genau deshalb ist sie so hartnäckig. | © New Line Cinema

Ghostbusters 2

21. Ghostbusters ist genauso gut wie Ghostbusters 2

Nostalgie erhebt das Original von 1984 meist zum unantastbaren Klassiker und behandelt die Fortsetzung von 1989 wie ein schwächeres Echo, doch der Abstand zwischen beiden ist längst nicht so groß, wie es der Diskurs vermuten lässt. Der zweite Film recycelt zwar viele Motive, setzt aber stärker auf die cartoonhafte Absurdität, gibt dem Team mehr Raum, sich gegenseitig die Bälle zuzuspielen, und liefert Setpieces, die bis heute zitiert und imitiert werden. Wenn dein liebster Aspekt von Ghostbusters die Stimmung ist – trockener Humor, der auf übernatürlichen Nonsens trifft – dann bedient Ghostbusters II dieses Bedürfnis öfter, als sein Ruf vermuten lässt. Der provokanteste Teil dieser Meinung ist das Eingeständnis, dass Vertrautheit genauso wichtig sein kann wie Neuheit. | © Columbia Pictures

Raging Bull

20. Raging Bull hat nichts auf den Listen der besten Filme zu suchen

Das ist die Art von Meinung, die zunächst wie Gotteslästerung klingt, bis man sich daran erinnert, dass „großartig“ und „unterhaltsam“ nicht dieselbe Kategorie sind. Martin Scorseses Film aus dem Jahr 1980 ist unbestreitbar einflussreich, technisch brillant und von einer monumentalen Leistung Robert De Niros getragen – aber er ist auch zermürbend, in seiner Hässlichkeit repetitiv und bewusst schwer auszuhalten. Wenn man an „Beste-aller-Zeiten“-Listen mit der Erwartung von emotionaler Bandbreite, Katharsis oder Figuren herangeht, mit denen man Zeit verbringen möchte, kann Raging Bull wie eine Meisterklasse wirken, die man respektiert und nie wieder sehen will. Das Argument ist nicht, dass es dem Film an handwerklicher Qualität fehlt; vielmehr geht es darum, dass Kanonstatus manchmal zur reflexhaften Zuschreibung wird. | © United Artists

Cropped The Lord of the Rings The Return of the King

19. Der Herr der Ringe ist die am meisten überbewertete Trilogie

Das laut in der Öffentlichkeit zu sagen, ist im Grunde eine freiwillige Einladung, verspottet zu werden, denn Peter Jacksons Trilogie wurde zum Goldstandard des Fantasyfilms erhoben. Die Kritik lautet dabei meist nicht „diese Filme sind schlecht“, sondern „die Verehrung ist unverhältnismäßig“ – dass wir sie zu einem heiligen Maßstab gemacht haben, der jeden anderen Fantasy-Film auf einen Vergleichs-Meme reduziert. Manche Zuschauer scheitern am Tempo, an der Ernsthaftigkeit oder daran, dass die mythische Größe sich stellenweise wie Hausaufgaben anfühlen kann, wenn man nicht tief in der Mittelerde-Lore steckt. Hot Take hin oder her, es erinnert daran, dass „beste Trilogie aller Zeiten“ oft nur eine Kurzform für „kulturell dominanteste“ ist. | © New Line Cinema

Cropped Fight Club

18. Fight Club ist überbewertet und eher für Teenager geeignet

Das kulturelle Nachleben des Films ist ein einziges Durcheinander, und genau das ist ein Teil des Problems: Seine lautesten Fans klammern sich oft an die Punchlines und die macho­hafte Pose, ohne sich mit der Fäulnis darunter auseinanderzusetzen. David Finchers Film aus dem Jahr 1999 ist schärfer, als es die „Typen machen Typen-Sachen“-Zusammenfassungen vermuten lassen, aber er funktioniert auch wie eine Mutprobe – stilisiert, konfrontativ und so angelegt, dass er sich in jungen Jahren wie verbotenes Wissen anfühlt. Sieht man ihn mit 16 zum ersten Mal, kann er sich wie eine Weltanschauung anfühlen; schaut man ihn später noch einmal, wirkt er eher wie eine Phase, die man wiedererkennt, nicht wie ein Evangelium, dem man folgt. Ihn als „teenagermäßig“ zu bezeichnen ist nicht nur eine Beleidigung – es ist eine Diagnose dafür, wie der Film konsumiert wird. | © 20th Century Studios

No Time to Die

17. Die letzten James-Bond-Filme haben das Franchise ruiniert

Für Fans, die Bond als elegante, episodische Fantasie bewahren wollen, kann die neuere Ära wie eine lange, düstere Therapiesitzung mit Explosionen wirken. Die Craig-Phase setzte auf Kontinuität, Verletzlichkeit und Konsequenzen – manchmal mitreißend, manchmal schwer – und dieser Wandel hat dauerhaft verändert, was das Publikum von 007 erwartet. Wenn man mochte, dass man jederzeit einsteigen konnte und alles wieder auf Anfang stand, wirkt der heutige Fokus auf Trauma, Vermächtnis und große „Finale“-Einsätze schnell so, als hätte die Reihe ihren Coolness-Faktor eingebüßt. „Ruiniert“ ist überzogen, aber die zugrunde liegende Beschwerde ist real: Das Franchise hörte auf, ein Cocktail zu sein, den man jederzeit bestellen kann, und wurde zu einem Roman – und den wollte nicht jeder. | © MGM

Batman Robin

16. Batman & Robin ist ein erstklassiger Batman-Film

Viele machen sich über die Eis-Wortspiele und das grelle Neonlicht lustig, aber man kann argumentieren, dass der Film genau weiß, was er ist: ein Live-Action-Comic, der sich nicht dafür entschuldigt, albern zu sein. Joel Schumacher treibt das Franchise in den vollen Pop-Art-Camp und rückt es näher an die Adam-West-Stimmung als an die düstere moderne Vorlage, die Fans heute oft als verpflichtend ansehen. Bewertet man ihn als ernsthaftes Crime-Epos, bricht er in sich zusammen; bewertet man ihn als bunte Spielzeugkiste aus Schurken, Gadgets und Kostümen, wirkt er plötzlich wie eine bewusste ästhetische Entscheidung. Ihn als „Top-Tier“ zu bezeichnen heißt im Grunde, sich für Spaß statt Ehrfurcht zu entscheiden – und genau deshalb macht es alle wütend. | © Warner Bros. Pictures

Blade runner 20249

15. Blade Runner ist furchtbar langweilig

Wenn man mit der Erwartung eines schnellen Sci-Fi-Abenteuers hineingeht, kann sich Ridley Scotts Klassiker anfühlen, als würde er sich absichtlich in Zeitlupe bewegen. Der Film ist auf Stimmung, Fragen und Atmosphäre aufgebaut – regennasse Straßen, unbehagliche Stille und ein Worldbuilding, das nicht stehen bleibt, um sich selbst zu erklären. Für manche Zuschauer ist das hypnotisch; für andere sind es zwei Stunden Warten darauf, dass die Handlung endlich „losgeht“. Dieser Hot Take hält sich, weil Blade Runner weniger von Wendungen lebt als davon, in einem Noir-Albtraum zu verweilen und selbst zu entscheiden, ob das fesselnd oder ermüdend ist. | © Warner Bros. Pictures

The Matrix Resurrections

14. The Matrix Resurrections ist ein unterhaltsamer Film

Ein großer Teil der Gegenreaktion entstand aus der Erwartung eines sauberen Reboots oder eines Greatest-Hits-Aufgusses und stattdessen etwas Seltsameres, Selbstbewussteres und stellenweise bewusst kleinliches zu bekommen. Die Action versucht nicht, 1999 zu übertreffen; die eigentliche Energie des Films liegt in seinem Meta-Kommentar, den stark romantisch geprägten Einsätzen und darin, wie er die Sequel-Kultur aufs Korn nimmt und dabei trotzdem Setpieces liefert. Behandelt man ihn wie eine glänzende Nostalgie-Maschine, enttäuscht er; betrachtet man ihn als Fortsetzung, die mit einem diskutieren will, ist er durchaus gut schaubar – manchmal sogar unterhaltsam. Nicht jeder Versuch sitzt, aber Unterhaltung heißt nicht immer „perfekt“, und genau darum geht es bei seiner Verteidigung. | © Warner Bros. Pictures

X Men

13. Die X-Men sollten kein Teil des MCU sein

Die Angst hier hat nichts damit zu tun, dass Mutanten Seite an Seite mit den Avengers existieren – sie richtet sich darauf, was verloren geht, wenn alles in einen einzigen Shared-House-Stil gepresst werden muss. Die besten X-Men-Geschichten leben von sozialer Spannung, Identität und unbequemer Politik, und Fans fürchten, dass eine MCU-Version diese Kanten zugunsten von Sprüchen und Cameos abschleifen könnte. Dazu kommt das praktische Tonproblem: Ein X-Men-Film, der sich zu sehr „markensicher“ anfühlt, hört auf, X-Men zu sein, egal wie akkurat die Kostüme sind. Als kontroverser Movie-Hot-Take ist das im Kern ein Plädoyer dafür, das Franchise unordentlich, aufgeladen und ein wenig unbequem bleiben zu lassen. | © Marvel Studios

Star Wars prequels

12. Die Star Wars-Prequels sind den geliebten Originals überlegen

Das ist die Art von Meinung, die wie Köder klingt, bis man sich daran erinnert, wie viele Menschen mit der Prequel-Trilogie als ihr Star Wars aufgewachsen sind. Die Originale haben die märchenhafte Einfachheit, aber die Prequels zielen auf Tragödie: ein zum Scheitern verurteilter Held, eine zerfallende Republik und eine Saga darüber, wie Macht Institutionen von innen heraus verdirbt. Selbst die oft kritisierten holprigen Dialoge können die großen Würfe nicht auslöschen – John Williams in Höchstform, opernhafte Bilder und ein Worldbuilding, das neu definierte, wie diese Galaxis aussehen kann. Zu sagen, sie seien „überlegen“, ist provokant, aber es ist auch ein echtes Argument über Größe und Anspruch im Gegensatz zu Charme. | © 20th Century Studios

The Incredible Hulk cropped processed by imagy

11. Der originale Hulk sollte mehr Anerkennung erhalten

Es ist der MCU-Film, den viele behandeln wie einen peinlichen Verwandten beim Familientreffen, was erstaunlich ist, wenn man bedenkt, wie viel er tatsächlich richtig macht. Louis Leterriers Film setzt stark auf die „Man-on-the-run“-Spannung, verleiht Hulk echte Bedrohlichkeit und entwickelt eine bodenständige Verfolgungs-Thriller-Energie, die sich deutlich vom sprüchelastigen Muster abhebt, das Marvel später perfektionierte. Edward Nortons Bruce Banner ist kantig und gequält auf eine Weise, die zur Geschichte passt, und die Action hat Gewicht – besonders dann, wenn der Film Hulk konsequent als zerstörerische Kraft zeigt und nicht nur als liebenswertes Maskottchen. Vielleicht ist es nicht das schillerndste Kapitel des Franchise, aber als eigenständiger Superheldenfilm ist er besser – und besser wiederanschaubar – als sein Ruf. | © Marvel Studios

Percy Jackson

10. Percy Jackson hatte viel Potenzial

Die Zutaten für ein großartiges Fantasy-Franchise waren von Anfang an da: ein sympathischer Held, moderne Mythologie und ein eingebautes Publikum, das sich wünschte, die Bücher mit Sorgfalt zum Leben erweckt zu sehen. Was der Filmadaption geschadet hat, war nicht das Konzept – es waren die Entscheidungen in der Umsetzung, die den Eindruck erweckten, sie jage dem Stil anderer erfolgreicher Jugendbuchverfilmungen hinterher, statt der eigenen Stimme zu vertrauen. Es gibt Momente von Charme, eine solide Casting-Dynamik und eine Welt, die sich mit dem richtigen langfristigen Plan zu etwas Besonderem hätte entfalten können. Deshalb hält sich dieser Hot Take: weniger „der Film war gut“ als vielmehr „der Film hätte großartig sein können“. | © 20th Century Studios

Bitconned

9. 90 % aller Dokumentarfilme sind kunstlos und vergänglich

Man spürt, wie sich dieser Take formt, sobald eine Doku beginnt, zehn Minuten Material auf Spielfilmlänge zu strecken, indem sie denselben Punkt immer wieder mit Stimmungsmusik durchkaut. Der Streaming-Boom hat viel Content hervorgebracht, der wie Recherche aussieht, sich aber wie Verpackung anfühlt – saubere Interviews, offensichtliche Bösewichte und eine Struktur, die eher auf Binge-Tauglichkeit als auf Erkenntnis ausgelegt ist. Trotzdem leistet „90 %“ hier Schwerstarbeit, denn wenn Dokumentarfilme funktionieren, dann treffen sie mit voller Wucht: Form, Zugang und Perspektive können genauso filmisch sein wie jeder inszenierte Spielfilm. Die Frustration ist dennoch real – zu viele Dokus fühlen sich inzwischen an wie ein langer Wikipedia-Artikel mit dramatischer Beleuchtung. | © Netflix

Psycho goreman msn

8. Psycho Goreman leidet unter seiner Hauptfigur

Der beeindruckendste Trick des Films ist, wie konsequent er ein todernstes kosmisches Gummimonster im Kostüm durchzieht und gleichzeitig den Humor angenehm albern werden lässt. Die Kritik ist allerdings leicht nachzuvollziehen: Das Kind im Zentrum der Geschichte ist bewusst schroff geschrieben, und wenn dieser Ton für einen nicht funktioniert, kann es sich anfühlen, als würde der Film einen neunzig Minuten lang in die Seite stoßen. Manche Zuschauer lieben dieses freche Chaos, weil es zur cartoonhaften Gewalt passt; andere finden, es raubt Szenen die Sympathie, die ein kleines bisschen Herz gebraucht hätten. Es ist eine Geschmacksfrage, keine Qualitätsfrage. | © RLJ Entertainment

Friday the 13th

7. Freitag der 13. ist die schlechteste bekannte Horrorfilmreihe

Wenn Leute das sagen, reagieren sie meist auf die schiere Menge an Fortsetzungen, die Wiederholung als Feature und nicht als Fehler behandeln. Die Reihe hat eine Vorlage populär gemacht – Betreuer, ein abgelegener Schauplatz, eine steigende Leichenzahl – und sie dann immer wieder abgespult, bis Überraschungen durch einen Checklisten-Rhythmus ersetzt wurden. Selbst die „Ikone“ ist wacklig: Jason ist am Anfang gar nicht die zentrale Figur, und die Mythologie ändert sich je nachdem, bei welchem Teil man einsteigt. Viele Franchises werden mit der Zeit chaotisch, aber dieses hier kann sich anfühlen, als würde es einen geradezu herausfordern, sich um Kontinuität zu kümmern. | © Warner Bros. Pictures

Halloween

6. Halloween hätte niemals zu einem Franchise werden sollen

John Carpenters Original funktionierte, weil es sich wie eine fiese kleine urbane Legende anfühlte: simpel, kalt und verstörend geduldig. In dem Moment, in dem man diese Art von Albtraum in eine Sequel-Logik streckt – mit größerer Mythologie, mehr Erklärungen und mehr „Regeln“ –, riskiert man, aus einer Gestalt im Dunkeln eine Figur mit Pflichtlektüre zu machen. Genau deshalb findet dieser Take selbst bei Fans Anklang, die einzelne Teile mögen: Die Reihe kehrt immer wieder zu derselben Nacht zurück und versucht, den Blitz erneut einzufangen. Manchmal knistert es; manchmal wird nur das Geräusch wiederholt. | © Trancas International Films

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5. Moderne Superheldenfilme sind für Kinder

Beobachte, wie oft die größten Comic-Blockbuster Gefahr zu einer Achterbahnfahrt abschleifen: laut, bunt und darauf ausgelegt, die Stimmung leicht zu halten, egal wie apokalyptisch die Handlung behauptet zu sein. Das macht sie nicht automatisch „schlecht“ – es macht sie breit angelegt, mit klaren emotionalen Wegweisern und Humor als Sicherheitsgeländer. Der heißere Teil dieses Takes zielt auch auf das Marketing: Spielzeug, globale Zugänglichkeit und Geschichten, die in jeder Sprache gleich funktionieren sollen. Erwachsene können sie genießen, aber die Grundeinstellung ist selten wirklich erwachsen. | © Marvel Studios

Die Hard

4. Der Begriff „Weihnachtsfilm“ ist tot

Wenn man lange genug über Die Hard streitet, merkt man, warum das Label so rutschig geworden ist: Weihnachtsgeschichten sind inzwischen überall zu finden, von gemütlichen Rom-Coms bis zu Actionfilmen, in denen zufällig Lichterketten hängen. Streaming hat den Dezember außerdem in eine regelrechte Content-Flut verwandelt, in der „Weihnachtsfilm“ alles bedeuten kann, was ein rotes Poster und eine vage festliche Musik hat. Das Ergebnis ist eine Kategorie, die früher ein konkretes saisonales Ritual implizierte und heute meist nur noch als Stimmungsprüfung funktioniert. Wenn es sich nach Weihnachten anfühlt, beanspruchen die Leute es für sich – Diskussion beendet. | © 20th Century Studios

Cropped The Brutalist

3. Die meisten heute veröffentlichten Filme sind viel zu lang

Zweieinhalb Stunden galten früher als Signal für ein Epos; heute sind sie zur Standardeinstellung geworden, selbst bei Geschichten, die mit etwas Zurückhaltung schärfer wären. Man spürt es im ausufernden dritten Akt, im zusätzlichen Nebenstrang, der nur existiert, um ein Spin-off vorzubereiten, oder in Szenen, die denselben emotionalen Moment an unterschiedlichen Orten wiederholen. Eine lange Laufzeit kann ein Geschenk sein, wenn eine Filmemacherin oder ein Filmemacher sie für Textur nutzt, aber zu oft wirkt sie wie Angst – die Angst, eine „gute“ Szene zu streichen, die Angst, irgendetwas ungenutzt zu lassen. Straffheit ist ein Stil, kein Opfer. | © A24

Avengers Endgame

2. Marvel verwendet immer die gleichen Elemente im selben Format

Sobald man den Rhythmus erkennt – Cold Open, Wortgeplänkel, ein Rückschlag zur Mitte, ein Effektfeuerwerk im dritten Akt und ein Abspannmoment, der das nächste Kapitel andeutet –, kann man ihn kaum noch übersehen. Die Marke hat das Publikum auf ein bestimmtes Gleichgewicht aus Comedy und Spektakel konditioniert, wodurch selbst völlig unterschiedliche Figuren wirken, als würden sie dieselbe Sprache sprechen. Diese Konsistenz ist auch der Grund, warum die Maschine läuft: Sie ist verlässlich, weltweit verständlich und darauf ausgelegt, das Universum permanent voranzutreiben. Die Kehrseite ist Ermüdung, denn Vertrautheit hört auf, sich wie Komfort anzufühlen, sobald sie wie ein Autopilot wirkt. | © Marvel Studios

Tom Hanks

1. Die meisten Tom-Hanks-Filme sind kitschiger Sentimentalismus

Das ist weniger ein Angriff auf Hanks selbst als eine Kritik an der Art von emotionalem Gerüst, in das seine Leinwandpersona oft eingebaut wird. Er wird häufig als Inbegriff von Anständigkeit besetzt – ehrlich, beruhigend, moralisch klar – und viele Filme passen die Welt um ihn herum entsprechend an, indem sie ihre rauen Kanten abschleifen. Wenn das funktioniert, ist es auf eine angenehme, warme Art wirkungsvoll; wenn nicht, fühlt es sich an, als würde der Film einen sehr deutlich zur „richtigen“ Emotion hinlenken. Ironischerweise sind seine spannendsten Rollen meist genau die, die mit dieser Wärme brechen oder sie bewusst unterlaufen, statt sie zu feiern. | © Paramount Pictures

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Manche Filmmeinungen lösen nicht nur Diskussionen aus – sie entfachen regelrechte Kriege in Gruppenchats. Die Art von Aussagen, die ein harmloses „total überbewertet“ in einen 40-Nachrichten-Thread verwandeln, inklusive Beweisen und Screenshots.

Das sind die Meinungen, die einfach nicht sterben wollen: geliebte Klassiker werden verrissen, verschmähte Fortsetzungen verteidigt, Oscar-Lieblinge skeptisch beäugt und Fan-Favoriten gnadenlos als „mittelmäßig“ abgestempelt. Mit ein paar wirst du übereinstimmen, die meisten hassen und am Ende wahrscheinlich noch deine eigenen hinzufügen.

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