EarlyGame | 15 Amerikanische Anime die echte Meisterwerke sind

15. Blood of Zeus (2020–2025)

Die griechische Mythologie wurde schon so oft wiederverwertet, dass Zeus eigentlich Tantiemen kassieren müsste. Trotzdem findet Blood of Zeus in diesem alten Stammbaum noch neue Tragik.

Heron beginnt als ein weiterer heimlicher Sohn des Donnergottes, doch durch Seraphim gewinnt die Geschichte deutlich an Schärfe. Seine Grausamkeit entspringt erlittenem Missbrauch und nicht dem üblichen Standard-Bösewichtsklischee.

Powerhouse Animation inszeniert die göttlichen Fehden wie Heavy-Metal-Albumcover. Gleichzeitig zeigt die abgeschlossene Handlung über drei Staffeln, dass Barmherzigkeit manchmal härter treffen kann als eine weitere Enthauptung.

| © Powerhouse Animation Studios

14. W.I.T.C.H. (2004–2006)

Disney schien nie wirklich zu erkennen, wie gut W.I.T.C.H. eigentlich war. Will, Irma, Taranee, Cornelia und Hay Lin müssen Schuldramen mit der deutlich außergewöhnlicheren Aufgabe vereinbaren, den Schleier zwischen den Welten zu beschützen. Ihre Freundschaft verleiht der Fantasygeschichte dabei ihr emotionales Rückgrat.

Die von Anime beeinflussten Designs wirken deutlich ausgefeilter als bei einer durchschnittlichen Samstagmorgenserie. Den größten Sprung macht W.I.T.C.H. jedoch in der zweiten Staffel, als Nerissas Feldzug aus einem farbenfrohen Magical-Girl-Abenteuer eine beeindruckend geduldig erzählte, fortlaufende Geschichte macht. | © SIP Animation and Disney

13. My Adventures with Superman (2023–)

Meine Abenteuer mit Superman beendet die seit Jahrzehnten geführte düstere Debatte über Superman, indem die Serie daran erinnert, dass Clark Kent auch einfach liebenswert sein darf.

Jack Quaid spielt ihn als schüchternen Riesen, dessen erster Instinkt immer darin besteht, anderen zu helfen. Gleichzeitig sorgen Lois und Jimmy dafür, dass es in der Redaktion mindestens genauso lebhaft zugeht wie bei den Kämpfen gegen Außerirdische.

Die Verwandlung im Stil von Pretty Cure, Auseinandersetzungen im Ausmaß von Dragon Ball Z und die Animationen von Studio Mir machen den Anime-Einfluss unübersehbar. Durch das Herz einer romantischen Komödie fühlt sich diese Version trotzdem vollkommen eigenständig an. | © Warner Bros. Animation / Studio Mir

12. RWBY (2013–)

RWBY startete im Internet mit groben Charaktermodellen, unmöglichen Waffen und einer Actionchoreografie, neben der selbst Produktionen mit deutlich größeren Budgets alt aussahen.

Noch bevor die erste richtige Episode erschienen war, machte Monty Oum das farblich codierte Quartett mit vier spektakulären Charaktertrailern zu einem weltweiten Fanphänomen.

Nach seinem Tod wurde die Qualität der Handlung zunehmend wechselhaft – und es hilft niemandem, so zu tun, als wäre das nicht der Fall. Dennoch haben der Ehrgeiz, die Musik und die energiegeladene Kreativität der Serie die Möglichkeiten unabhängig produzierter Webanimation dauerhaft verändert. | © Rooster Teeth Animation

11. Young Justice (2010–2013, 2019–2022)

Die Sidekicks in Young Justice sind keine Maskottchen, die nur darauf warten, dass die Justice League den Raum verlässt. Ihre geheimen Missionen haben Konsequenzen, die sich über Jahre hinweg bemerkbar machen. Dadurch können Robin, Aqualad, Artemis, Superboy, Miss Martian und Kid Flash tatsächlich erwachsen werden, anstatt nach jedem Abspann wieder auf den Ausgangspunkt zurückgesetzt zu werden.

Erde 16 entwickelt sich zu einem dicht verwobenen DC-Universum, ohne dabei die verletzten Freundschaften und geheimen Identitäten aus den Augen zu verlieren. Selbst die sechsjährige Absetzung wurde zu einem Teil des Reizes: Die Charaktere kehrten älter, wütender und belastet von all den Ereignissen zurück, an die sich das Publikum noch erinnerte. | © Warner Bros. Animation

10. Blue Eye Samurai (2023–)

Rachegeschichten lieben stoische Schwertkämpfer, doch Blue Eye Samurai bricht mit diesem vertrauten Bild: Mizu ist eine Frau mit japanischen und europäischen Wurzeln, die im Japan der Edo-Zeit sowohl ihr Geschlecht als auch ihre blauen Augen verbirgt.

Maya Erskine verleiht ihrer Wut eine unterschwellige Intensität, während Akemis paralleler Aufstieg zeigt, dass zum Überleben diplomatisches Geschick ebenso wichtig sein kann wie eine scharfe Klinge.

Die hybride 2D-/3D-Animation wirkt wie Tinte, die über lackiertes Holz fließt. In Die Geschichte vom Rōnin und der Braut verschmelzen Puppentheater, Erinnerungen und ein Massaker zu einer außergewöhnlichen Stunde. | © Netflix Animation / Blue Spirit

9. The Legend of Korra (2012–2014)

In Aangs Fußstapfen zu treten, war eine nahezu undankbare Aufgabe. Deshalb machte Die Legende von Korra ihre Heldin klugerweise zu seinem Gegenstück: mächtig, ungeduldig und fest davon überzeugt, ihre Aufgabe bereits verstanden zu haben.

In vier Büchern zerlegt die Serie diese Gewissheit Stück für Stück – durch politischen Extremismus, spirituelle Umbrüche und eine ungewöhnlich schonungslose Darstellung von Traumata. Studio Mir inszeniert Pro-Bending und Martial-Arts-Duelle als flüssiges Spektakel, doch Korras langsame Genesung nach der Begegnung mit Zaheer schmerzt stärker als jede körperliche Niederlage.

Vielleicht ist die Serie etwas unausgeglichener als ihr Vorgänger, dafür geht sie häufig deutlich größere Risiken ein. | © Nickelodeon Animation Studio / Studio Mir

8. Teen Titans (2003–2006)

Teen Titans sprach bereits fließend Anime, lange bevor westliche Studios diesen Einfluss als Marketingargument entdeckten. Chibi-Ausraster, geteilte Bildschirme und übertriebene Reaktionen stehen neben Slades psychologischer Kriegsführung, Terras Verrat und Ravens erschreckenden Familienproblemen, ohne die Serie zu einem chaotischen Stilmix zu machen.

Die fünf Helden wirken zunächst wie eine WG und erst danach wie Superhelden-Ikonen. Dadurch sind ihre Streitigkeiten genauso wichtig wie ihre Kämpfe.

Das Rezept wurde seitdem unzählige Male kopiert, doch die besondere Würze gehört noch immer diesem Team. | © Warner Bros. Animation

7. The Animatrix (2003)

Animatrix gelingt etwas, das ergänzendes Franchise-Material nur selten schafft: Der größere Handlungsrahmen wird interessanter, anstatt lediglich ein paar Lücken zu füllen.

In neun Kurzfilmen erweitern Filmschaffende wie Shinichirō Watanabe, Yoshiaki Kawajiri und Mahiro Maeda die Welt von Matrix mit handgezeichnetem Film noir, experimenteller Abstraktion und früher fotorealistischer CGI.

Die zweite Renaissance verleiht dem Krieg gegen die Maschinen eine Vorgeschichte, die verstörender ist als eine gewöhnliche Schurkenentstehung. Jenseits wiederum entdeckt Poesie in einem Fehler innerhalb der Simulation.

Keines der Kapitel gleicht dem anderen, doch sie alle vertiefen denselben Albtraum. | © Warner Bros. Pictures

6. The Boondocks (2005–2014)

The Boondocks konnte einen Nachbarschaftsstreit in ein Samurai-Duell verwandeln und in derselben Episode Rassismus, Klassenunterschiede, Konsumdenken und die Maschinerie des amerikanischen Starkults analysieren.

Huey beobachtet den Wahnsinn mit der Erschöpfung eines Revolutionärs. Riley stürzt sich mit grenzenlosem Selbstbewusstsein und ohne jeden Überlebensinstinkt mitten hinein. Granddad wiederum möchte meistens nur, dass alle von seinem Rasen verschwinden.

Aaron McGruders Begeisterung für Cowboy Bebop und Samurai Champloo ist nicht zu übersehen, sobald die Fäuste fliegen. Die vierte Staffel ohne den Serienschöpfer fiel qualitativ stark ab, doch die ersten drei bleiben Satire wie ein offen liegendes Stromkabel. | © Sony Pictures Television

5. Invincible (2021–)

Der saubere Samstagmorgen-Zeichentrickstil von Invincible – Unbesiegbar ist eine Falle, die am Ende der ersten Episode mit erschreckender Effizienz zuschnappt.

Was darauf folgt, ist jedoch nicht einfach nur ein Wettbewerb um möglichst brutale Gewaltdarstellung. Zerstörte Städte, gescheiterte Rettungsversuche und familiärer Verrat wirken noch lange nach, nachdem das Blut längst beseitigt wurde.

Steven Yeun lässt Mark Graysons Anstand wie etwas klingen, das ihn zunehmend einen hohen Preis kostet. Sandra Oh wiederum macht Debbie zum emotionalen Zentrum der Adaption. Selbst die allgemeine Superheldenmüdigkeit findet hier eine hartnäckige Ausnahme – inklusive fliegender Faustschläge, die tatsächlich blaue Flecken hinterlassen. | © Skybound Entertainment / Amazon MGM Studios

4. Samurai Jack (2001–2004, 2017)

Samurai Jack vertraut der Stille so sehr, dass Schritte, Wind und wechselndes Licht ganze Szenen tragen können. Genndy Tartakovsky inszeniert Duelle als Silhouetten und verwandelt rechteckige Landschaften in Breitbild-Comicpanels. Dadurch erhält eine Actionserie für Kinder die visuelle Disziplin eines Kunstfilms.

Makos theatralische Bedrohlichkeit macht Aku urkomisch – bis er es plötzlich nicht mehr ist. Einzelne Episoden wirken dabei mal wie ein Western, mal wie eine Horrorgeschichte oder eine Hommage an Akira Kurosawa.

Die Fortsetzung für Erwachsene kehrte schließlich zu einem erschöpften Jack zurück und gab seiner endlosen Reise endlich ein von Narben gezeichnetes, bittersüßes Ziel. | © Cartoon Network Studios

3. Castlevania (2017–2021)

Castlevania hätte sich problemlos auf Peitschen, Fangzähne und literweise animiertes Blut verlassen können. Stattdessen verleiht die Serie Dracula eine Trauer, die stark genug ist, um die gesamte Zivilisation auszulöschen. Sie umgibt ihn mit Monstern, die über Philosophie diskutieren, und lässt Trevor Belmont wie den am wenigsten vermittelbaren Retter der gesamten Walachei auftreten.

Sypha und Alucard verhindern, dass die düstere Stimmung die Serie vollständig verschlingt. Gleichzeitig sorgt Powerhouse Animation dafür, dass sich jeder große Kampf präzise choreografiert anfühlt und nicht bloß mechanisch spektakulär.

Diese Adaption bewies, dass amerikanische Animationsserien für Erwachsene die dramatischen Geschichten von Videospielen ernst nehmen können. | © Frederator Studios / Powerhouse Animation Studios

2. Avatar: The Last Airbender (2005–2008)

Avatar – Der Herr der Elemente behandelt Völkermord, Imperialismus und vererbte Schuld – und schickt dann den Kohlhändler ins Bild, bevor die Stimmung unerträglich schwer wird. Diese Balance ist die größte Stärke der Serie.

Jede Bändigungsart basiert auf einer eigenen Kampfkunst, jedes Mitglied von Team Avatar erhält ein glaubwürdiges Innenleben und Zukos Läuterung verläuft über Rückfälle, statt durch eine einzige bequeme Entschuldigung.

In 61 Episoden arbeitet die Handlung auf ein Finale hin, das das erwartete Spektakel liefert, ohne Aangs Überzeugungen zu verraten – ein Kunststück, das vielen vermeintlich erwachseneren Dramaserien nicht gelingt. | © Nickelodeon Animation Studio

1. Arcane (2021–2024)

Das Lustigste daran, dass Arcane auf League of Legends basiert, ist, wie wenig sich die Serie wie eine pflichtbewusste Lizenzproduktion anfühlt.

Die zerbrochene Schwesternbeziehung zwischen Vi und Jinx verleiht dem Krieg zwischen Piltover und Zhaun einen emotionalen Pulsschlag. Gleichzeitig erhält jede wichtige Figur Motive, die deutlich komplexer sind als eine simple Einteilung in Gut und Böse.

Fortiches malerische Mischung aus 3D-Animation und handgezeichneten Effekten verwandelt Rauch, Graffiti und Gewalt in Mittel der Charakterzeichnung. Über zwei Staffeln hinweg brachte die Serie eine einschüchternde Spielwelt dazu, selbst Zuschauer emotional zu zerstören, die noch immer nicht erklären können, was ein Jungler eigentlich macht. | © Riot Games / Fortiche Production