Kuroko's Basketball macht aus Highschool-Sport etwas, das eher an einen Superheldenkampf als an ein echtes Basketballspiel erinnert. Jeder Spieler besitzt eine absurd spezifische Spezialfähigkeit, die sämtliche Gesetze der Physik außer Kraft setzt – von unsichtbaren Pässen bis hin zu Würfen, die scheinbar der Schwerkraft trotzen. Und die Serie zieht dieses völlig verrückte Konzept mit einer Ernsthaftigkeit durch, als wäre es das Normalste der Welt.
Die Matches steigern sich dabei immer weiter und fühlen sich irgendwann wie Bosskämpfe in einem Videospiel an, inklusive dramatischer Enthüllungen und Power-ups, die emotional irgendwie Sinn ergeben, selbst wenn sie logisch überhaupt keinen Sinn ergeben. Die Serie beweist damit, dass Sport-Anime am besten funktionieren, wenn sie aufhören, realistisch sein zu wollen, und stattdessen etwas Mythisches daraus machen. | © Crunchyroll
Kamisama Kiss nimmt das Reverse-Harem-Konzept und schafft es tatsächlich, es funktionieren zu lassen, indem Nanami vor echte Herausforderungen gestellt wird, die weit über die Frage hinausgehen, für welchen hübschen Jungen sie sich entscheiden soll. Sie erbt einen Schrein, wird eher durch Zufall zu einer Landgöttin und muss erst einmal herausfinden, wie die göttliche Welt überhaupt funktioniert. Dabei wechselt ihr Fuchs-Familiar Tomoe ständig zwischen seinem Beschützerinstinkt und völliger Verzweiflung über ihre menschlichen Grenzen.
Die Romanze entwickelt sich langsam und basiert auf echter Charakterentwicklung statt auf künstlich erzeugtem Drama. Die meisten Shōjo-Anime versprechen Selbstbestimmung, liefern am Ende aber vor allem Wunschfantasien. Kamisama Kiss schafft beides, ohne dass es sich dabei jemals unecht anfühlt. | © Funimation
Your Lie in April macht aus Klavierkonzerten einen emotionalen Schlagabtausch. Im Mittelpunkt steht ein jugendliches Wunderkind, das nach dem Tod seiner Mutter nicht mehr in der Lage ist, sein eigenes Spiel zu hören. Die Serie nutzt klassische Musik als Mittel für jede große Charakterenthüllung und jeden emotionalen Zusammenbruch.
Was leicht übertrieben oder prätentiös hätte wirken können, wird stattdessen zutiefst erschütternd, weil jede Aufführung wie ein Geständnis auf Leben und Tod inszeniert wird. Das Finale bricht dir nicht einfach nur das Herz – die Serie zerstört es über 22 Folgen hinweg Stück für Stück und fragt dich danach, ob du jemals wieder Chopin hören möchtest. | © Aniplex
Great Teacher Onizuka macht aus einem 22-jährigen ehemaligen Gangmitglied einen Highschool-Lehrer – und irgendwie wird aus dieser völlig absurden Ausgangssituation die Grundlage für eine der ehrlichsten Geschichten des Anime über die Verbindung zu schwierigen Schülern.
Eikichi Onizuka hat weder eine pädagogische Ausbildung noch besonders viel Urteilsvermögen, aber er stürzt sich mit einer geradezu waghalsigen Hingabe darauf, die Probleme seiner Schüler zu lösen – und genau das funktioniert erstaunlich gut. Die Serie verbindet völlig überdrehte Comedy mit echten Emotionen, ohne dass die ernsten Momente jemals billig oder erzwungen wirken.
Zu sehen, wie Onizuka eine ganze Klasse für sich gewinnt, die längst mit Erwachsenen abgeschlossen hat, trifft am Ende härter als jede klassische inspirierende Lehrergeschichte. | © Studio Pierrot
Nana macht aus der einfachen Ausgangsidee, dass zwei Mädchen mit demselben Namen sich eine Wohnung teilen, etwas weitaus Komplexeres und erstaunlich Lebensnahes. Die Serie macht es sich nicht leicht, eine der beiden Nanas sympathisch erscheinen zu lassen. Stattdessen zeigt sie beide als egoistisch, chaotisch und zutiefst menschlich, während ihre Freundschaft immer stärker mit Liebe, Karriereplänen und der Art von Verletzungen verstrickt wird, die Menschen einander zufügen, ohne es wirklich zu wollen.
Die meisten Anime über Beziehungen fühlen sich sicher oder idealisiert an. Nana hingegen zeigt, dass Liebe und Freundschaft genauso sehr verletzen können, wie sie einem Halt geben. Die emotionale Wucht baut sich dabei so selbstverständlich auf, dass es sich, als die Serie mitten in der Geschichte endet, weniger wie ein tatsächliches Ende anfühlt, sondern eher so, als würde das Leben einfach die Kamera wegschwenken. | © Viz Media
Mob Psycho 100 nimmt das klassische Motiv des übermächtigen Protagonisten und macht daraus eine Geschichte über emotionale Entwicklung statt über die Erfüllung von Machtfantasien. Shigeo Kageyama könnte mühelos einen ganzen Häuserblock dem Erdboden gleichmachen, doch die Serie interessiert sich viel mehr für seinen Versuch, Freundschaften zu schließen und seine Gefühle auszudrücken, als für seine gewaltigen Psycho-Kräfte.
Auch die Animation wechselt ständig ihren Stil – von schlichten Charakterdesigns bis hin zu flüssig animierten Sakuga-Sequenzen, die jede übernatürliche Auseinandersetzung wie kontrolliertes Chaos wirken lassen. Die meisten Superheldengeschichten fragen, was man mit unbegrenzter Macht anfangen würde. Mob Psycho 100 stellt stattdessen die Frage, was Macht überhaupt bedeutet, wenn man nicht in der Lage ist, eine Verbindung zu anderen Menschen aufzubauen. | © Crunchyroll
Naruto hat fünfzehn Jahre lang aus einem lauten, ramenliebenden Außenseiter eines der bekanntesten Gesichter des Anime gemacht – und dabei erstaunlicherweise nie den Kern aus den Augen verloren, der ihn so sehenswert macht. Die Serie zieht ihre eigene absurde Logik konsequent durch: Freundschaftsreden können tatsächlich den Ausgang eines Kampfes verändern, und die größte Waffe eines Ninja ist manchmal schlicht seine Weigerung, Menschen aufzugeben, die längst sich selbst aufgegeben haben.
Die meisten lang laufenden Shōnen-Serien drohen irgendwann unter ihrem eigenen Gewicht zusammenzubrechen. Naruto bewahrt sich jedoch selbst dann seinen emotionalen Kern, wenn die Kräfteverhältnisse längst völlig absurd werden. Das Finale löst Versprechen ein, die die Serie bereits in ihrer ersten Folge gegeben hat – was weitaus seltener vorkommt, als es eigentlich sollte. | © Viz Media
Cardcaptor Sakura macht aus einem zehnjährigen Mädchen eine magische Beschützerin, ohne sie dabei jemals wie eine kleine Erwachsene oder ein hilfloses Opfer wirken zu lassen. Die Serie baut ihre Konflikte rund um Freundschaft, Verantwortung und das Erwachsenwerden auf, statt sich auf Dunkelheit oder Trauma zu konzentrieren. So entsteht eine Geschichte, die von Herzen süß ist, ohne kitschig zu werden.
Sakura muss mit echten Konsequenzen leben und macht durchaus Fehler, doch die Serie vergisst nie, dass sie noch ein Kind ist, das sich über niedliche Outfits freut und sich Sorgen wegen Mathearbeiten macht. Genau diese Balance zwischen magischem Abenteuer und einer glaubwürdigen Kindheit macht die Serie für ganz unterschiedliche Altersgruppen so gut zugänglich. | © Nelvana
Gurren Lagann pfeift auf jede Vorstellung von Größenordnung und treibt das Konzept direkt ins völlig Absurde. Die Serie beginnt mit einem Jungen, der sich durch die Erde gräbt, und endet bei riesigen Mechas von der Größe ganzer Galaxien, die sich gegenseitig komplette Universen entgegenschleudern.
Die Serie zieht ihre immer weiter eskalierende Absurdität so konsequent durch, dass die Figuren in den letzten Folgen tatsächlich die Spiral-Kraft nutzen, um allein durch ihren unbändigen Willen die Gesetze der Physik neu zu schreiben. Die meisten Anime würden an einer derartigen Steigerung zerbrechen. Gurren Lagann schafft es jedoch, selbst den unmöglichsten Moment verdient wirken zu lassen, weil die Serie zu keinem Zeitpunkt aufhört, an ihre eigene völlig verrückte Prämisse zu glauben.
Das Ergebnis ist ein Anime, der nicht von Logik lebt, sondern von purem, ungefiltertem Enthusiasmus. | © Funimation
Serial Experiments Lain hat unsere internetbesessene Welt vorhergesehen, lange bevor der Rest der Welt überhaupt so weit war. Die Serie folgt einem stillen Teenager-Mädchen, das entdeckt, dass die Realität und das digitale „Wired“ längst nicht so getrennt voneinander sind, wie es zunächst scheint. Während die Grenzen zwischen beiden immer weiter verschwimmen, beginnt auch Lains eigenes Gefühl für ihre Identität und ihr Selbst sich aufzulösen.
Die meisten Anime, die sich an philosophischen Themen versuchen, wirken schnell prätentiös. Lain hingegen verdient sich seine seltsame, verstörende Atmosphäre durch die echte Verunsicherung, die es im Umgang mit Technologie und Identität vermittelt. Selbst die letzten Folgen fühlen sich noch immer so an, als würden sie Probleme beschreiben, für die wir bis heute keine wirkliche Lösung gefunden haben. | © Funimation
Revolutionary Girl Utena baut eine ganze Welt um die Idee auf, dass ein Mädchen zum Prinzen werden kann – und verbringt dann 39 Folgen damit, zu hinterfragen, was das eigentlich bedeutet. Die Duellarena liegt schier unerreichbar hoch über der Schule und ist über eine Wendeltreppe zu erreichen, die sich anfühlt, als würde man direkt in einen Fiebertraum hinaufsteigen. Jeder Schwertkampf trägt dabei die Last von Identität, Erinnerungen und Begehren in sich, verpackt in Symbolen, die sich jeder eindeutigen Deutung entziehen.
Ikuhara nimmt die Logik von Märchen und richtet sie gegen sich selbst. So entsteht eine Geschichte, die gleichzeitig als Coming-of-Age-Erzählung und als radikale Auseinandersetzung mit den Geschichten funktioniert, die wir Kindern über Macht und Liebe erzählen. Die letzten Folgen durchbrechen nicht einfach nur die vierte Wand – sie reißen gleich die gesamte Bühne ein. | © Software Sculptors/Central Park Media
Berserk nimmt mittelalterliche Fantasy und entzieht ihr alles, was sich sicher oder vertraut anfühlt. Die Geschichte folgt Guts durch eine Welt, in der Freundschaft in Verrat umschlägt und Träume zu Albträumen werden. Die Anime-Adaption von 1997 weiß genau, wann sie sich von Kentaro Miuras brutalsten Bildern zurücknehmen muss und wann sie die Gewalt mit voller Wucht wirken lässt.
Die meisten Anime arbeiten auf einen Hoffnungsschimmer hin. Berserk hingegen verbringt 25 Folgen damit, dein Vertrauen zu gewinnen, nur um im Finale alles wieder zu zerstören – auf eine Weise, die neu definierte, was Animation bei einem Publikum auslösen kann. Allein die Folge über das Eclipse-Ereignis sorgte dafür, dass sich wohl kein Studio jemals an eine Neuauflage dieser Version wagen würde. | © Kentaro Miura / Studio 4°C / VAP
Samurai Champloo schickt zwei völlig unterschiedliche herrenlose Samurai ins Japan der Edo-Zeit und unterlegt ihre Schwertkämpfe mit Hip-Hop-Beats, die eigentlich überhaupt nicht funktionieren dürften – es aber absolut tun. Der anachronistische Soundtrack wird zur Geheimwaffe der Serie und verwandelt jeden Kampf in einen rhythmischen Tanz, bei dem Katanas zu Breakbeats und Plattenspieler-Scratches durch die Luft wirbeln.
Regisseur Shinichirō Watanabe schafft es irgendwie, die feudale Samurai-Kultur und moderne Straßenmusik so miteinander zu verbinden, als wären sie schon immer füreinander bestimmt gewesen. Die Mischung ist so nahtlos, dass sich jedes Remake vermutlich einfach wie Karaoke anhören würde. | © Funimation
Steins;Gate macht aus Zeitreisen eine Horrorgeschichte über die unbeabsichtigten Konsequenzen unserer Entscheidungen. Jeder Versuch, die Vergangenheit zu korrigieren, führt dabei zu noch größeren Problemen in der Gegenwart. Die Serie baut ihre Spannung geschickt auf, indem sie jeden Sprung durch die Zeit zunächst wie einen kleinen Erfolg erscheinen lässt, nur um anschließend zu zeigen, welchen Schaden er bei den Beziehungen und der psychischen Verfassung aller Beteiligten anrichtet.
Die meisten Zeitreisegeschichten konzentrieren sich auf die Mechanik dahinter oder auf das Abenteuer, Steins;Gate interessiert sich hingegen viel mehr dafür, dabei zuzusehen, wie eine Gruppe von Freunden langsam erkennt, dass sie in einem Albtraum gefangen ist, den sie selbst geschaffen haben. Mit jeder Folge wird die emotionale Belastung größer, weil die Lösung immer bedeutet, etwas opfern zu müssen, das ihnen wirklich wichtig ist. | © Funimation
Cowboy Bebop hat nie versucht, der „typischste Anime aller Zeiten“ zu sein – und genau diese Weigerung, sich den Erwartungen des Genres zu beugen, wurde zu seiner größten Stärke. Die Serie wirft Jazz-Soundtracks, Film-Noir-Atmosphäre und Space-Western in denselben Cocktailshaker und serviert das Ganze mit der Selbstsicherheit einer Serie, die genau weiß, was sie sein will.
Jede Folge fühlt sich wie ein anderer Film an, der zufällig dieselben Figuren hat – egal, ob es um eine völlig aus dem Ruder gelaufene Kopfgeldjagd geht oder darum, wie Spikes Vergangenheit ihn in einem Kugelhagel wieder einholt. Das Ganze bewegt sich in einem Rhythmus, der eher an Scorsese als an das typische Samstagmorgen-Cartoonprogramm erinnert. | © Cartoon Network (Toonami)
Manche Anime-Serien haben einfach direkt beim ersten Versuch alles richtig gemacht. Diese Klassiker brauchen weder ein Update noch einen Reboot oder eine Neuinterpretation, denn sie haben bereits genau das erzählt, was sie erzählen wollten - und zwar genau so, wie es erzählt werden sollte.
