Nichts ist wie es scheint.
Jennifer Lopez in der Rolle einer Therapeutin, die in das Unterbewusstsein eines Serienkillers eindringt, klingt ziemlich weit hergeholt, aber Regisseur Tarsem Singh verschreibt sich der visuellen Ästhetik so extrem, dass Logik am Ende keine Rolle mehr spielt. Jede Traumsequenz wirkt wie eine Kreuzung aus Fashion-Shooting und Albtraum, voller in Scheiben geschnittener Pferde und Haut, die zu Porzellan geworden ist.
Die Handlung ist dünn, was im Laufe der Jahre auch so ziemlich jeder der Beteiligten offen zugegeben hat. Was im Gedächtnis bleibt, sind die Bilder, nicht die Geschichte und dieser Tausch erweist sich letztendlich als echter Vorteil für den Film. | © New Line Cinema
Mit Fremden gefangen in einem riesigen Würfel aufzuwachen, ohne jede Erinnerung daran, wie man dorthin gelangt ist, ist an sich schon das perfekte Albtraum-Szenario. Cube nimmt diese Prämisse und reduziert sie auf das absolute Minimum: Mit simplen Kulissen und einfachen Beleuchtungstricks wird hier eine absolut nervenzerreißende Spannung aufgebaut.
Hinter jeder Tür lauert eine potenzielle Todesfalle, und die Charaktere müssen mathematische Rätsel lösen, um überhaupt den Schritt in den nächsten Raum zu überleben. Der Film beweist, dass es kein riesiges Budget braucht, um dem Publikum Angst einzujagen, sondern nur einen verdammt guten Grund, die Figuren in Bewegung zu halten. | © Trimark Pictures
Ryan Gosling nahm für Lost River hinter der Kamera Platz und verpulverte die Gefälligkeiten, die er sich im Laufe seiner Karriere erarbeitet hatte, ganz offensichtlich für visuelle Stimmung statt erzählerischer Logik. Der Film folgt einer in Geldsorgen steckenden Mutter, die in einen Underground-Nachtclub hineingezogen wird, dessen Konzept auf inszenierter Gewalt basiert, während ihr Sohn auf der Suche nach Antworten durch eine überschwemmte, verlassene Stadt streift.
Die Kritiker zerrissen das Werk in Cannes regelrecht und nannten es ein wirres Durcheinander aus zusammengeklauten Einflüssen von Lynch und Refn. Sich den Film anzusehen fühlt sich weniger danach an, einer Geschichte zu folgen, als vielmehr durch das Skizzenbuch eines Fiebertraums zu blättern. | © Warner Bros Pictures
Eddie Alcazar drehte Divinity in kontrastreichem Schwarz-Weiß und streute dann immer wieder Sequenzen in körnigen Farben ein, die sich anfühlen, als stammten sie aus einem völlig anderen Film. Die Handlung dreht sich um ein Serum, das Unsterblichkeit verspricht, doch der dadurch entfesselte Body-Horror verwandelt dieses Versprechen schnell in einen Albtraum.
Stephen Dorff und Moises Arias stürzen sich voll und ganz in ein Werk, das sich eher wie ein Fiebertraum als eine klassische Erzählung anfühlt. Dass Steven Soderbergh als Produzent an Bord war, verrät eigentlich schon alles darüber, wie weit abseits des Mainstreams sich dieses Ding von vornherein bewegen würde. | © Utopia
Nicole Kidman verbringt die gesamte Laufzeit von Dogville damit, durch eine Stadt zu laufen, die physisch gar nicht existiert. Lars von Trier baut die Kulisse lediglich als Kreideumrisse auf einer kahlen Studiobühne auf und zwingt die Schauspieler dazu, Türen, Wände und Hunde zu mimen, die überhaupt nicht da sind.
Dieses Stilmittel klingt auf dem Papier ablenkend, aber es blendet jegliche Ablenkung aus, bis nur noch Grausamkeit, Verurteilung und eine amerikanische Kleinstadt übrig bleiben, die ihr wahres, erschreckendes Gesicht offenbart. Wenn das Ende schließlich da ist, wirkt die leere Bühne brutaler, als es jede noch so aufwendige Kulisse je hätte schaffen können. | © Lions Gate Films
Ein Teenager-Mädchen starrt in ihre Webcam und beginnt ein Creepypasta-Ritual, und We're All Going to the World's Fair wendet den Blick kein einziges Mal von ihrer Isolation ab. Jane Schoenbrun baut den gesamten Film aus Bildschirmleuchten, Laptop-Rauschen und der unheimlichen Einsamkeit des Aufwachsens im Netz auf.
Es gibt kaum eine klassische Handlung, nur ein langsam schleichendes Grauen vor einer Identität, die sich in eine reine Online-Performance auflöst. Es fühlt sich weniger danach an, einen Horrorfilm zu sehen, als vielmehr um 3 Uhr nachts durch das zerfallende Selbstbild von jemandem zu scrollen. | © Utopia
Die Einführungswoche an einer tiermedizinischen Hochschule artet in Raw in eine heftige Appetitkrise aus. Justine kommt als lebenslange Vegetarierin an und beendet ihr erstes Jahr mit einem Heißhunger auf Fleisch, das sie eigentlich gar nicht begehren sollte.
Julia Ducournau inszeniert diese Transformation wie eine Coming-of-Age-Geschichte, die sich zufällig in den Body-Horror verirrt hat. Berichte über in Ohnmacht fallende Zuschauer bei Festival-Screenings waren keineswegs nur Hype, der Film verdient sich jede einzelne der unbehaglichen Reaktionen, die er hervorruft. | © Focus World
Zwei Geschwister werden in die Wiederholung einer Schwarz-Weiß-Sitcom katapultiert und bringen langsam Farbe in die gesamte Stadt, bloß weil sie echte Gefühle zulassen. Pleasantville nutzt dieses Gimmick, um unterschwellig Themen wie Zensur, Sexualität und Konformismus einfließen zu lassen, ohne dass es sich je wie eine Lehrstunde anfühlt.
Tobey Maguire und Reese Witherspoon spielen die Außenseiter, deren bloße Anwesenheit eine Welt aufbricht, die auf Bequemlichkeit und Verdrängung gebaut ist. Der visuelle Trick, wie die Farbe langsam in eine monochrome Welt kriecht, wirkt auch Jahrzehnte später noch absolut clever, und die Metapher verliert nie an Aktualität. | © New Line Cinema
Alleinstehende Menschen bekommen in dieser Welt 45 Tage Zeit, um einen Partner zu finden, bevor sie in ein Tier ihrer Wahl verwandelt werden. Colin Farrell spielt einen Mann, der sich mit genau demselben monotonen, emotionslosen Tonfall wie alle anderen durch dieses Hotel voller verzweifelter Singles navigiert was das Ganze irgendwie noch witziger und gleichzeitig trauriger macht.
Yorgos Lanthimos erklärt die Regeln nie über das absolut Notwendige hinaus und überlässt es dem Publikum, mit dieser Skurrilität zurechtzukommen. Nirgendwo sonst wird das moderne Dating-Leben so präzise und treffend durch den Kakao gezogen. | © A24
Jeder Mensch in Michael Stones Welt klingt und sieht fast völlig identisch aus, synchronisiert von ein und demselben Schauspieler, bis Michael eine Frau namens Lisa trifft. Charlie Kaufman hat diesen Puppenfilm um diese eine, sich langsam entfaltende Idee herum aufgebaut und verwandelt eine Geschäftsreise in eine Studie über Einsamkeit, die so spezifisch ist, dass sie universell wird.
Die Stop-Motion-Animation lässt die sichtbaren Nahtstellen auf den Gesichtern der Puppen bewusst erkennen, eine Entscheidung, die die Traurigkeit seltsamerweise nicht abmildert, sondern noch viel spürbarer macht. Nur wenige Filme haben Animationen genutzt, um die Enttäuschung des Erwachsenenlebens so physisch greifbar zu machen. | © Paramount Pictures
Ein kleines Mädchen, das dem faschistischen Spanien entflieht, indem es sich eine ganze Unterwelt erschafft, das ist die treibende Kraft hinter Pans Labyrinth. Guillermo del Toro teilt den Film in zwei Hälften: Die eine ist durchtränkt von der realen Brutalität des Krieges, die andere voller Faune, kinderfressender Monster und unlösbarer Aufgaben.
Keine der beiden Hälften mildert die andere ab, weshalb die märchenhafte Bildgewalt direkt neben echten Folterszenen eine so enorme Wucht entfaltet. Del Toro überlässt es nie dem Zuschauer zu entscheiden, ob die Fantasiewelt real ist und genau diese Ungewissheit ist der Punkt. | © Warner Bros. Pictures
Vier Abhängige jagen in Requiem for a Dream vier verschiedenen Rauschzuständen hinterher, und Darren Aronofsky weigert sich konsequent, auch nur einen von ihnen glimpflich davonkommen zu lassen. Der Schnitt verwandelt das Essen, Injizieren und Beschaffen von Drogen in einen Rhythmus, der sich fast schon musikalisch anfühlt. Zumindest so lange, bis die Stimmung kippt.
Ellen Burstyns Abwärtsspirale durch Diätpillen ist auf eine Weise noch erschütternder als alles, was der jüngeren Besetzung widerfährt. In den letzten zwanzig Minuten dreht sich der Film schließlich nicht mehr nur um Sucht, sondern fühlt sich fast wie eine Bestrafung fürs Zuschauen an. | © Artisan Entertainment
Body-Horror brauchte kein großes Budget, um verstörend zu wirken und David Lynch bewies das mit einem Mutanten-Baby und etwas Industrielärm. Eraserhead folgt einem Mann, der damit gestraft ist, eine Kreatur aufzuziehen, die kaum noch Ähnlichkeit mit etwas Menschlichem hat, angesiedelt in einer verfallenden Welt aus Dampfrohren und statischem Rauschen.
Lynch drehte dieses Ding über einen Zeitraum von fünf Jahren mit minimalem Budget, und dieser Dreck überträgt sich auf eine Weise auf die Leinwand, wie es kein Studio-Horrorfilm jemals schafft. Jahrzehnte später streiten die Menschen immer noch darüber, was das alles bedeuten soll was wahrscheinlich genau die Reaktion ist, die sich Lynch gewünscht hat. | © Libra Films / American Film Institute
Irgendwo in einem engen Büro auf Etage siebeneinhalb findet ein Puppenspieler ein Portal direkt in das Gehirn von John Malkovich. Being John Malkovich verwandelt diese Prämisse in eine Meditation über Identität, Neid und darüber, was es bedeutet, das Leben eines anderen führen zu wollen.
Charlie Kaufman schreibt das Ganze so, als müsste absolut nichts Sinn ergeben, solange die emotionale Logik stimmt, und Spike Jonze inszeniert es durchweg völlig bierernst. Dass Malkovich eine verzerrte Version seiner selbst spielt, ist die Art von Besetzungsentscheidung, die die meisten Schauspieler dankend abgelehnt hätten. | © USA Films
Jede Erinnerung an einen Menschen zu verlieren, klingt nach Erlösung, bis Eternal Sunshine of the Spotless Mind zeigt, welchen Preis man dafür zahlt. Joel beschließt, Clementine aus seinem Gedächtnis löschen zu lassen, und verbringt dann die gesamte Prozedur damit, zu versuchen, sie in Erinnerungen zu verstecken, von denen sie nie ein Teil war.
Michel Gondry baut die Logik des Films um einstürzende Räume, verschwindende Gesichter und Zeitlinien herum auf, die sich ohne Vorwarnung ineinanderfalten. Unter all diesem technischen Chaos liegt eine einfache, brutale Frage: Ist Schmerz es wert, bewahrt zu werden, wenn er aus etwas Realem entstanden ist? | © Focus Features
Ab und zu kommt ein Film heraus, der alle Konventionen komplett bricht, dass er sich jedem Vergleich entzieht. Sei es durch eine völlig abgedrehte Struktur, bizarre visuelle Welten oder Ideen, die zuvor niemand auf die Leinwand zu bringen gewagt hat. Das sind die wahren Originale, die man mit absolut nichts anderem verwechseln kann.
Hier sind 15 der einzigartigsten Filme, die je gedreht wurden.
